Die Lochkarte, dieser ganz einfache Datenträger, ist unser Dreh- und Angelpunkt. Mithilfe der Lochkarte wurden Webstühle gesteuert. Sie spielte in der Anfangszeit der elektronischen Datenverarbeitung eine wichtige Rolle bei der Zuführung von Eingabedaten und bringt heute noch Drehorgeln und Spieluhren zum Klingen. Wir möchten uns in diesem Fachseminar sowohl mit ihren konkreten wie mit ihren metaphorischen und assoziativen Aspekten befassen. Dazu gehören praktische Kompositionsübungen für die Spieluhr, Einführung in die Textilgeschichte, die Auseinandersetzung mit prekären Arbeitsbedingungen damals wie heute, Fragen der Loch-Metaphorik und ihre poetische Ausdeutung. Warum spricht man von Klangteppichen und wie erzeugt man sie? Was hat der Textbegriff mit dem Webstuhl zu tun? Wie komme ich vom Zählen zum Erzählen? Was ist durch das Loch hindurch zu sehen? Und wie klingt das eigentlich? Mit Exkursionen zum Textilmuseum Mönchengladbach (oder zum Textilwerk Bocholt) und zum Deutschen Musikautomaten-Museum in Bruchsal und zur Gemeinschaftsausstellung: "We are not Carpets! Ich erzähle Dir meine Geschichte" im Rautenstrauch-Joest-Museum Köln. Die Ausstellung "We are not Carpets" untersucht die systematische Marginalisierung und Ausnutzung iranischer Teppichweberinnen. Außerdem: Mit einem Workshop mit dem Spieluhr-Komponisten Franz Tröger am 12. November 2024, von 09:30 bis 13:30 Uhr. Texte von Birgit Schneider: Textiles Prozessieren; Luise Meier: Wer gezählt wird, zählt; Eva Meyer: Der Unterschied, der eine Umgebung schafft; Kim Hyesoon: Manhole Humanity – und anderen werden rechtzeitig in der Wolke bereitgestellt.

Dieses Seminar hat einen äußerst praktischen Fokus: eine 3D-Software (Blender 3.0) als vielseitiges und formbares Werkzeug für einen künstlerischen Ausdruck (selbst) zu lernen. In einer "panécastique"-Tradition von Joseph Jacotot werden wir uns auf ein kollektives Erlernen des Werkzeugs einlassen. Es ist nicht nur ein kraftvolles Instrument, sondern spricht auch die Stimme der Zeitgenossenschaft. Hoffentlich führt das Seminar zu von Studierenden initiierten künstlerischen (animierten oder VR/AR) Projekten.

The eminent theorist of contemporary abolition, Joy James, suggests that abolition displaces revolution. Inspired by her, Fred Moten and I ask whether revolution displaces communism. Is exodus the necessary supplement to abolition? The radical American movement, MOVE, thought so, alternately fighting police brutality and for animal rights, and withdrawing from the state and city to live differently. They will be a point of departure as we explore their praxis but also how a form of revolutionary leadership followed and undermined them in exodus. We will study the dialectic between abolition and exodus as it is playing out in contemporary thought and practice, reading such theorists as James, Angela Davis, and George Jackson. We will also explore the relationship between the carceral and the imperial. Please note this seminar will include a one-week intensive in the first week of November at the Performance Art Forum outside Paris, as well as weekly seminars.

possibility generators for good relationships: collective access networks In mourning and radical networked solidarity this course is dedicated to the recent passing of Alice Wong, Disability Justice activist who committed her life to challenging systemic ableism through storytelling, advocacy and community organizing. “The best scholarship and the most invigorated publics have this in common: They channel massive amounts of creativity. Into relationships. Into methods. Into networks. Into discourse. It is my intention for every chapter to be in conversation with the others and to ripple out through a mycelial network that builds, shares, and connects My Things to New Wondrous Things, tendrils of making, reaching high and low, in the shade and under the sun.” — Year of the Tiger: An Activists Life by Alice Wong As I was able to perform with Sins Invalid and experienced its exquisitely high level of access for disabled artists, that experience refused to stay in one little corner of my life—I wanted all the QTBIPoC cultural spaces I took part in to be that accessible, that whole. I wrote pieces about cross-disability access that were tools I and other disabled BIPoC queers and allies used to help create the first Creating Collective Access network, an experiment in access made by and for QTBIPoC disabled people at the 2010 Allied Media Conference (AMC) and US Social Forum (USSF) that broke away from traditional formats of “access as service begrudgingly offered to disabled people by non-disabled people who feel grumpy about it” to “access as a collective joy and offering we can give to each other.” — Care Work: Dreaming Disability Justice by Leah Lakshmi Piepzna-Samarasinha In this course we will move slowly and read together the entirety of two recent books: Year of the Tiger: An Activists Life by Alice Wong and Care Work: Dreaming Disability Justice by Leah Lakshmi Piepzna-Samarasinha. Each emerging out of a network of collective brilliance that affirms politics and practices like: relationships over outcomes, Disabled and non-normative bodyminds are desirable, trans* and Disabled people have cool tech projects and lots to share about how to build sustainably, there is no one pace that suits all, partial solidarity is worth it, that art making practices can uphold our communities and that we can have ways of working that don’t burn us or our network out. Simultaneous to weekly readings we will invite weekly responses by participants (and guests) in the form of time-based artworks. These artworks could be thought of as a response to the text, a challenge to it, or a companion to think alongside it with. Every week, we will read a chapter from one of our books, and present it alongside an artwork from a colleague in the course. Formats for how to engage with the texts and accompanying time-based artworks will be developed together. We will engage with a plurality of topics and meet artists, designers and scholars who are invested in: trans*feminist networking & technoscience, care, mutual aid, establishing and maintaining, decolonial praxis, transition as euphoria, anti-ableism and anti-racism.

In ihrem buchfüllenden Essay Häßlichkeit fragt die Künstlerin, Kuratorin und Autorin Moshtari Hilal danach, wessen Blick wir übernehmen und in wessen Tradition unser Sehen steht. (Hilal, 2023, 134). Von taxierenden Blicken über Passfotos, die zurückblicken, der zynischen Kartografie eines Blicks auf vermeintlich abweichende Körpernormen zum Zeichnen als Selbstbetrachtung – Hilal erkundet Innen- und Außenblicke auf weiblich gelesene Körper und die (bild)politischen Konsequenzen ihrer Normierung. Ein Schattenwinkel wird zum Ort der Betrachtung und mit ihm Nasen, Gesichter, Haare und Behaarung und die mit ihnen verbundenen (Rollen-)Bilder und physiognomischen Stereotype.  Wie tiefgreifend Hegemonien, das heißt koloniale, imperiale, sozialdarwinistische Lesarten und ihnen innewohnende antisemitische, rassistische und ablelistische Blicke sich bereits in unsere Betrachtungen eingeschrieben haben und damit “unsere Gesichtszüge” kontrollieren, führt uns Hilal anhand von Dialogen, Gedichten, Zeichnungen eigenen Erinnerungen multisensorisch vor Augen. Mit historischen, medialen und popkulturellen Referenzen vom Foto über Social Media-Darstellungen bis hin zu KI-generierten Bildern arbeitet sie die multiperspektivischen Dimensionen von ästhetischen Zuschreibungen an Hässlichkeit sowohl poetisch als auch kulturwissenschaftlich auf. Es geht um Entfremdung, plastische Chirurgie, Kriminologie, historische Pseudowissenschaften wie Phrenologie und Physiognomik und um ihre Verbindungen zu Topoi der Imitation, Reproduzierbarkeit, Entblößung und medialen Zurichtung. “Der Blick dreht sich. Hässlichkeit ist nicht, wer angesehen wird, sondern wer mit der Intention der Entmenschlichung ansieht. (M. H, S. 134)” Im Seminar erproben und erkunden wir verschiedene Formen des kollektiven und lateralen Lesens, und lassen sie auf die Lektüren anderer Autor*innen treffen, die bestimmte Aspekte vertiefen erweitern und eine Vielstimmigkeit und Resonanz beim Lesen erzeugen. Das gemeinsame Lesen wird von einem Workshop, einer Listening Session und einem Filmscreening flankiert. English: In her book-length essay Ugliness , artist, curator, and author Moshtari Hilal questions whose gaze we adopt and in whose traditions our ways of seeing are embedded. (Hilal, 2023, 134). From judgmental gazes to passport photos that look back, from the cynical cartography of a gaze directed at supposedly deviant body norms to drawing as an act of looking at oneself—Hilal explores internal and external perspectives on bodies read as female and the (pictorial) political consequences of their standardization. A shadowed angle becomes a site of observation, and with it, noses, faces, hair, and body hair, along with the associated (role) images and physiognomic stereotypes.  Using dialogues, poems, drawings, and her own memories, Hilal uses a multisensory approach to demonstrate just how deeply hegemonic frameworks—that is, colonial, imperial, and social Darwinist interpretations, along with the anti-Semitic, racist, and ableist perspectives inherent in them—have already become ingrained in our perceptions, thereby controlling “our facial features.” Drawing on historical, media, and pop-cultural references—ranging from photographs to social media representations to AI-generated images—she explores the multi-perspective dimensions of aesthetic attributions of ugliness in both poetic and cultural-studies terms. Topics include alienation, plastic surgery, criminology, historical pseudosciences such as phrenology and physiognomy, and their connections to topoi of imitation, reproducibility, exposure, and media conditioning. “The gaze has turned: it is not those who are looked at who are ugly, but those who look with the intention to dehumanize.” (M. H, S. 122) Throughout the seminar, we will experiment with and explore various forms of collective and lateral reading, pairing them with the writings of other authors to delve deeper into and expand upon specific aspects, thereby creating a polyphonic and resonant reading experience. The group reading sessions will be complemented by a workshop, a listening session, and a film screening. Literatur(e): Moshtari Hilal, Hässlichkeit , München 2023. Moshtari Hilal, Ugliness , New York 2023. Virginie Despentes, King Kong-Theorie, Berlin 2007.  Sianne Ngai Ugly Feelings , Cambridge MA 2004. Frantz Fanon, Schwarze Haut, Weiße Masken , (1952) Wien/Berlin 2013 Frantz Fanon, Black Skin, White Masks , (1952) New York, 1967 Coalition for Critical Technology, Abolish the ‘TechToPrisonPipeline ( Medium.com , 2020) Umberto Eco, Die Geschichte der Hässlichkeit , München 2007 Gretchen E. Henderson, Ugliness. A Cultural History , London 2015 (chap. 3: Ugly Senses: Transgressing Perceived Borders)

This will be a third summer-school type event in the series of AI driven animation. This time, it will be hosted by Vilnius Gediminas Technical University with a planned participation of student-teacher teams from Tampere University of Applied Sciences, FH Köln (KISD), University of Porto and us, the KHM. The focus of this event will be on usage of AI such as Stable Diffusion (SD) and similar in order to create sequences of moving images. As notoriously unpredictable tool, SD presents a challenge but also offers an opportunity in rethinking the role of the author when it comes to artistic control of the form and specifically in shaping cohesive flow of images, adding up to a meaningful narration. In the course of the summer school each team is expected to complete a short project which will be publicly screened in Vilnius.

In diesem Seminar geht es um AI Audio – nicht. Mit der Gestaltung von Klängen durch verschiedenste Methoden, fordern wir generative AI Audio Tools heraus. Ich wette um ein leckeres Essen für das ganze Seminar, dass wir es schaffen werden, schon mit einfachsten Mitteln einen Sammlung von Sounds, Soundeffekte, Klänge, Foley-Sounds oder wie auch immer wir es nennen wollen zu kreieren, von denen wir nicht einmal dachten, dass es sie geben könnte: einfach unerhörte Sounds. Gerne kann das Seminar auf die Veröffentlichung einer Sound-Libray hinauslaufen. ... und natürlich können wir auch einen Blick auf aktuelle Möglichkeiten der Klangerzeugung mit machine learning werfen... aber nur zum Vergleich ;-)

Globalisierung und Digitalisierung werden durch die gegenwärtigen tektonischen Verschiebungen der internationalen Beziehungen nicht abgeschafft, sondern fragmentiert und neu vernetzt. Die Entwicklung leistungsstarker Modelle und Architekturen virtueller und verkörperter Künstlicher Intelligenz (KI) und der damit im Zusammenhang stehende globale Wettkampf um die Vorherrschaft und den Ausbau technologischer Ökosysteme stellt uns vor weitreichende Herausforderungen. Wer sind die zentralen Akteure dieser disruptiven Transformation der Weltgesellschaft? Wie verändert die KI die bisherigen Infrastrukturen von Energie-, Wirtschafts- und Geopolitik? Welche Risiken ergeben sich daraus für Rechtstaatlichkeit, demokratische Meinungsbildungsprozesse und digitale Souveränität? Mit diesen Fragestellungen möchte das Seminar einen Fokus auf die neuen Formen der politischen Unsicherheit, ökologischen Verwundbarkeit und der neokolonialen Macht- und Herrschaft im Zeitalter der KI-getriebenen Welt(um)ordnung legen und zugleich auch einen spekulativen Blick in die Zukunft wagen, um alternative Visionen einer Ethik der KI und Geopolitik zu entwerfen und zur Diskussion zu stellen. Literatur: Zu Beginn des SoSe 2026 wird ein Reader zur Verfügung stehen.

Künstlerisch-experimentelle Codes gezielt für die eigene Strategie und gegen das Funktionieren von state-of-the-art KI-Modellen einzusetzen, nennt man eine Adversarial Attack. Man hackt hierbei Künstliche Neuronale Netze, um ihre Funktionsweisen offenzulegen und neue ästhetische Erfahrungen zu generieren. Ziel ist es, die kulturellen Konsequenzen dieser Technologien zu diskutieren und neue Ansätze für ein verändertes Bewusstsein im Umgang mit Technik zu erproben. Populär wurde die Forschung an Adversarial Attacks durch gezielte Störungen von Neuronalen Computer Vision Systeme. Szegedy et al. führten im Jahr 2014 eine so genannte “intriguing property of neural networks” ein: Das Hinzufügen eines Noise-Layers in Bildern konnte neuronale Bildklassifizierungssysteme zu einer Fehlklassifizierung verleiten, während die Bildstörung für den Menschen nicht wahrnehmbar war. Das Seminar ist offen für alle, die schon Programmiererfahrung (egal in welcher Sprache) mitbringen. Wir arbeiten im Seminar ausschließlich mit der Programmiersprache Python. In Python zu programmieren, kann sich in dem im WS wöchentlich stattfindenden Grundlagenseminar „Plunging into Code“ angeeignet werden. Ziel des Seminars ist es, zu lernen, sich praktisch durch die technischen Frameworks zu navigieren, so dass am Ende jede*r Studierende nicht nur die Tools und Methoden des Adversarial Hacking kennt, sondern auch dazu in der Lage ist, damit eigenständig Projekte zu entwickeln.

Antizipation ist der Dialog mit Deinem zukünftigen Selbst. Die Ursache liegt in der Zukunft, Künftiges bestimmt Gegenwärtiges: Vorzeichnen, Vorhören, Vorsehen, Vorsagen, Vorwissen. Deine Hand kennt den Strich schon, bevor sie ihn zieht. Du hörst den Ton, bevor er erklingt. Wenn Du den Pfeil loslässt, siehst Du ihn schon im Zentrum der Scheibe. Bereits vor dem Sprechen hat sich das Sagbare geformt. Du weißt, »wann sich die Diele benimmt« (Rilke). Mit Experimenten und Wahrnehmungsübungen wollen wir alltägliche und gestalterische Phänomene der Antizipation erkunden. Bild, Ton und Bewegung,Rhythmik und Dynamik führen uns zu Fragen von Komposition und Improvisation, Regel und Schema, Modell und Abweichung. Quellen sind u.a. das »bildnerische Denken« bei Klee, Kandinsky und Munari, die Akteur-Netzwerk Theorie (»agency«, »Interobjektivität«) und C. S. Peirce (»existential graphs«, »moving pictures of thought«), ebenso wie die Forschungsfelder »extended mind« und »politics of body movement«. Ziel ist es, zwischen Intuition, Reflexion und Materialbezug einen persönlichen, medienübergreifenden Zugang zur Gestaltung zu entwickeln – offen für Überraschungen. Im November wird ein Termin zur Vorbereitung stattfinden.

Die beliebteste Antwort auf die Frage "Für wen ist dieser Film?" ist: "Ja, äh, eigentlich so für alle." Schöner Gedanke, sollte man auch nicht gleich in die Tonne treten. Aber vielleicht für einen Moment beiseite legen. Zunächst schauen wir auf die kurzen Texte, die Ihr mitgebracht habt: Gedanken, Beobachtungen, Wünsche, Sorgen, wirre Notizen, Absichtserklärung, Gesellschaftskritik ... oder auch schon eine Synopsis oder ein Entwurf für einen Film, egal ob lang, kurz oder seriell. Es geht darum, aus dem, was Ihr notiert habt, Texte für Filme zu machen. Am Ende werden es Drehbücher sein (wenn Ihr schon eins in der Hinterhand habt, dann können wir uns auch damit beschäftigen). Vielleicht entsteht erstmal nur ein schönes Exposé oder die eine Seite, die Euch durch die weitere Arbeit trägt. Oder ein Gerüst, das stabil genug ist, um sich danach dem Chaos der Imagination hinzugeben. Das macht ein bisschen Arbeit: Zwischen den (Doppel-)Terminen (wir haben jeweils den Montag UND den Dienstag, um mit allem einmal durchzukommen) werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde. Wir bewegen uns zwischen Struktur und Phantasie, zwischen dem absolut notwendigen Chaos und der äußerst hilfreichen Ordnung. Wir probieren Sachen aus und treffen Entscheidungen. Vielleicht stellen wir am Ende fest: Es ist nie alles für alle. Es ist nie alles für immer. Außer die Geschichten. Wenn wir sie so erzählen, dass sie gehört und weitererzählt werden.

In diesem 16mm Workshop setzen wir uns mit den Grundlagen der analogen Bildgestaltung auseinander. In dem fünf tägigen theoretischen wie auch praktischen Workshop bekommt jede Person nach einer Kameraeinführung und Vermittlung der Grundlagen auch die Möglichkeit selber Filmmaterial zu belichten.   Der Workshop richtet sich an alle Studierende die zukünftig mit Analogfilm in ihren Projekten arbeiten möchten. Studierenden aus dem Seminar „dokumentarische Miniaturen“ und alle denen die im darauffolgenden Semester gerne das Seminar „Kamera II – szenische Bildgestaltung“ belegen möchten wird der Workshop explizit empfohlen. Der Workshop richtet sich an Studierende in Diplom 1. Eine Kameraeinführung für Postgraduierte wird im kommenden Sommersemester angeboten. 

In diesem 16mm Workshop setzen wir uns mit den Grundlagen der analogen Bildgestaltung auseinander. In dem fünf tägigen theoretischen wie auch praktischen Workshop bekommt jede Person nach einer Kameraeinführung und Vermittlung der Grundlagen auch die Möglichkeit selber Filmmaterial zu belichten. Der Workshop richtet sich an alle Studierende die zukünftig mit Analogfilm in ihren Projekten arbeiten möchten. Studierenden aus dem Seminar „dokumentarische Miniaturen“ und alle denen die im darauffolgenden Semester gerne das Seminar „Kamera II – szenische Bildgestaltung“ belegen möchten wird der Workshop explizit empfohlen. Der Workshop richtet sich an Studierende in Diplom 1. Eine Kameraeinführung für Postgraduierte wird im kommenden Sommersemester angeboten.

Im diesem 16mm Workshop setzen wir uns mit den Grundlagen der analogen Bildgestaltung auseinander. In dem fünf tägigen theoretischen wie auch praktischen Workshop bekommt jede Person nach einer Kameraeinführung und Vermittlung der Grundlagen auch die Möglichkeit selber Filmmaterial zu belichten. Der Workshop richtet sich an alle Studierende die zukünftig mit Analogfilm in ihren Projekten arbeiten möchten. Studierenden aus dem Seminar „dokumentarische Miniaturen“ und all denen die im darauffolgenden Semester gerne das Seminar „Kamera II – szenische Bildgestaltung“ belegen möchten wird der Workshop explizit empfohlen. Der Workshop richtet sich an Studierende in Diplom 1. Eine Kameraeinführung für Postgraduierte wird im kommenden Sommersemester angeboten. Auswertung/Sichtung vorraussichtlich am 21.02.2025

Im diesem 16mm Workshop setzen wir uns mit den Grundlagen der analogen Bildgestaltung auseinander. In dem fünf tägigen theoretischen wie auch praktischen Workshop bekommt jede Person nach einer Kameraeinführung und Vermittlung der Grundlagen auch die Möglichkeit selber Filmmaterial zu belichten. Der Workshop richtet sich an alle Studierende die zukünftig mit Analogfilm in ihren Projekten arbeiten möchten. Studierenden aus dem Seminar „Dokumentarische Miniaturen“ und all denen die im darauffolgenden Semester gerne das Seminar „Kamera II – szenische Bildgestaltung“ belegen möchten wird der Workshop explizit empfohlen. Auswertung/Sichtung vorraussichtlich: 11.02.2026

In diesem 16mm Workshop setzen wir uns mit den Grundlagen der analogen Bildgestaltung auseinander. In dem fünf tägigen theoretischen wie auch praktischen Workshop bekommt jede Person nach einer Kameraeinführung und Vermittlung der Grundlagen auch die Möglichkeit selber Filmmaterial zu belichten. Der Workshop richtet sich an alle Studierende die zukünftig mit Analogfilm in ihren Projekten arbeiten möchten. Studierenden aus dem Seminar „Dokumentarische Miniaturen“ und all denen die im darauffolgenden Semester gerne das Seminar „Kamera II – szenische Bildgestaltung“ belegen möchten wird der Workshop explizit empfohlen. Auswertung/Sichtung: 11.02.2027

Das Klangatelier bleibt auch in diesem Semester eine Werkstatt zur Entwicklung von individuell konstruierten Instrumenten, selbstspielenden Musikmaschinen oder Klanginstallationen. Aus Alltagsgegenständen, Schrott, Gebäudeteilen oder elektrischen Geräten konstruieren wir eigenständige elektromechanische Installationen und Instrumente, die mit Kontaktmikrofonen oder E-Gitarren-Pickups verstärkt werden können. Das automatisierte Anspielen dieser Klangobjekte mit Motoren, Solenoids oder auch Ebows (die eine Saite elektromagnetisch in Schwingung versetzen) führt manchmal zu ungeplanten Ergebnissen und überraschenden Klang-Varianten. Während im Bereich der aleatorischen Musik der Zufall gezielt als kompositorisches Mittel zum Einsatz kommt, wird bei manchen mechanisch konstruierten Klangobjekten ein unkontrollierbares oder nur bedingt vorhersehbares „Eigenleben“ der Apparatur als Einschränkung und Konstruktionsfehler empfunden. In diesem Seminar geht es darum, die Momente und den Zauber dieser Unvorhersehbarkeit zu entdecken und gezielt zu inszenieren, wobei die vielfältigen Formen des Zufalls von leichter Unbestimmtheit im begrenzen Rahmen bis hin zu chaotischem Wirrwarr gleichermaßen Beachtung finden sollen. Im Gegenpol dazu untersuchen wir unterschiedliche Methoden und Möglichkeiten zur systematischen Ansteuerung (zum Beispiel mit Hilfe von selbstgebauten Sequenzern und festgelegten Choreographien).

Das Klangatelier bietet auch in diesem Semester sowohl einen Ort zum Austausch über Projekte und Ideen als auch eine Werkstatt zur Entwicklung von selbstspielenden Musikmaschinen, Klanginstallationen oder Live-Performances mit individuell konstruierten Instrumenten. Wir entwickeln elektronische Schaltungen zur Ansteuerung von Motoren oder Hubmagneten, um elektromechanische Klangerzeuger anzusteuern und nutzen Arduinos, um Interfaces zu bauen und Choreographien zu entwickeln. Ein Fokus liegt diesmal auf experimenteller Klangerzeugung mit Stahl-, Nylon- und Darm-Saiten, die u.a. gezupft, gestrichen, geschlagen, gehämmert, gerieben, beworfen und elektromagnetisch in Schwingung versetzt werden können.

Das renommierte Animafest Zagreb veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations- Workshops, Ausstellungen und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren. Animafest Zagreb ist ein Ort der Inspiration, Kreativität und des Austauschs von Ideen, ein Ort der Innovation, Kommunikation und internationalen Vielfalt. Diese Exkursion richtet sich an Studierende im Hauptstudium, die sich im engeren Sinne mit Animation befassen.

Das renommierte Animafest Zagreb veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops, Ausstellungen und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren. Animafest Zagreb ist ein Ort der Inspiration, Kreativität und des Austauschs von Ideen, ein Ort der Innovation, Kommunikation und internationalen Vielfalt. Interessierte können sich Anfang April in eine Teilnehmerliste im Animationsstudio eintragen. Diese Exkursion richtet sich an Studierende im Hauptstudium, die sich im engeren Sinne mit Animation befassen.

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and furthering into the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc.

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and furthering into the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc.

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense and in a wide overlap with film, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and also the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc. Our academic travail will lead us through Lacanian triad, and into Badiou’s intersection of finitude by infinity, and quite likely beyond…

In diesem Seminar sollen vor allem Studierenden mit wenig Vorkenntnissen die Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studenten schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein.

A project-based course in which students will be exposed to the different phases of production, while making a collaborative animation project. Dieser Kurs ist sowohl theoretischen als auch praktischen Charakters und richtet sich an die Student*innen, die bereits über Vorkenntnisse im Bereich Animation verfügen und daran interessiert sind, ihre Kenntnisse bezüglich mit traditioneller Techniken und auch alternativer Repräsentationsplattformen und -räume (Film, VR, Installationen, Performance) zu vertiefen. Die Student*innen arbeiten gemeinsam und mit einem literarischen Text, anhand dessen Struktur sie experimentieren und Sprachen sowie Deutungstechniken entwickeln. Der Kurs wird ergänzt durch Vorführung und Analyse von Filmen und Kunstwerken sowie Lesungen.

This seminar is aimed at students with experience in animation who have a project in development (film, installations, games, XR, VR, or any other format). It will build upon the concepts and practices introduced in the seminar ANIMATION PRODUCTION, a Survival Kit_01 new students are also welcome but in order not to repeat the concepts we already review it will be required to deliver a dossier and of their project with the concepts covered in the previous semester (Concept, Log-line, Sinopsis, Technical data, rough budget and a basic production calendar). Throughout the semester students will develop a Dossier/presentation and all the documents and materials necessary for a pitch: script, visual style, storyboard, animatic, and teaser. Alongside the conceptual development, the seminar will focus on the three pillars of production: budget, financing plan, and production calendar. Additional topics as: strategies for staying motivated during the long process of animation, team work, and the distribution/ exhibit strategies of the work will be also talked. Students will be required to show regular and continuous progress on their projects.

Dieser seminar ist sowohl theoretischer als auch praktischer Natur und richtet sich an Studierende, die Vorkenntnisse in und ein Interesse an Animation haben und ein Projekt sowohl für Film als auch für expanded Animation umsetzen möchten. Die Studierenden werden die Möglichkeit haben, ihre Projekte zu diskutieren und ihre Entwicklungen regelmäßig zu präsentieren. Es werden verschiedene Ansätze und Beispiele erörtert, wie die Produktion eines Projekts sowohl technisch als auch konzeptionell angegangen und strukturiert werden kann, sowie Fragen im Zusammenhang mit der Recherche- und Dokumentationsphase, dem Experimentieren mit Materialien, der Gestaltung von Dossiers, der Frage, was ein Pitch ist, wie man ein Budget aufstellt und einen Finanzierungsplan erstellt, usw. Wir werden uns auch mit Fragen befassen, wie der Notwendigkeit, Strategien zu finden, um in einem so langen Prozess wie der Animation motiviert zu bleiben, wie man im Team arbeitet, welche Art von Distribution oder Präsentation das betreffende Werk findet.

Dieser Seminar ist sowohl theoretischer als auch praktischer Natur und richtet sich an Studierende, die Vorkenntnisse in und ein Interesse an Animation haben und ein Projekt sowohl für Film als auch für expanded  Animation umsetzen möchten. Die Studierenden werden die Möglichkeit haben, ihre Projekte zu diskutieren und ihre Entwicklungen regelmäßig zu präsentieren. Es werden verschiedene Ansätze und Beispiele erörtert, wie die Produktion eines Projekts sowohl technisch als auch konzeptionell angegangen und strukturiert werden kann, sowie Fragen im Zusammenhang mit der Recherche- und Dokumentationsphase, dem Experimentieren mit Materialien, der Gestaltung von Dossiers, der Frage, was ein Pitch ist, wie man ein Budget aufstellt und einen Finanzierungsplan erstellt, usw. Wir werden uns auch mit Fragen befassen, wie der Notwendigkeit, Strategien zu finden, um in einem so langen Prozess wie der Animation motiviert zu bleiben, wie man im Team arbeitet, welche Art von Distribution oder Präsentation das betreffende Werk findet...

A project-based course in which students will go through the different phases of production while making a collaborative animated video-mapping project. During the semester students will create an animated videomapping as part of #FUTURE_21 industrial culture. This is a cooperative project led by the Regional Associations Rhineland (LVR) and Westphalia-Lippe (LWL) on occasion of the 75th anniversary of the Land of North Rhine-Westphalia, Germany. This course is both theoretical and practical, and is designed for students who have experience with animation and are interested in experimenting with different multimedia platforms like videomapping. From working on the production line to industrial robots and artificial intelligence – how will new technologies change our work and our daily lives? What are the challenges for a future-oriented use of resources? And how can creativity and art contribute to creating visions for a new industrial culture?

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann. Sprache: Englisch, Deutsch

Das renommierte Animationsfilm-Festival Annecy findet jährlich in den französischen Alpen statt. Das „Festival international du film d‘animation d‘Annecy“ veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren. Interessierte können sich Anfang April in eine Teilnehmerliste im Animationsstudio eintragen. Die verbindliche Anmeldung in Form der Akkreditierung erfolgt nach Teilnahme am Vorbereitungstreffen Mitte April 2022.

Das renommierte Animationsfilm-Festival Annecy findet jährlich in den französischen Alpen statt. Das „Festival international du film d‘animation d‘Annecy“ veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren.

Das renommierte Animationsfilmfestival Annecy findet jedes Jahr in den französischen Alpen statt. Das „Festival international du film d’animation d’Annecy“ präsentiert neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, Animation Series, VR-Projekten und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops und Seminareinheiten mit Vertreter*innen des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms geben. Interessierte können sich Anfang April in eine Teilnehmerliste im Animationsstudio eintragen. Die verbindliche Anmeldung in Form der Akkreditierung erfolgt nach dem Vorbereitungstreffen Mitte April 2026. Diese Exkursion richtet sich an Studierende im Hauptstudium, die sich im engeren Sinne mit Animation beschäftigen.

Der Schwerpunkt des Seminars liegt auf der Vertiefung der Grundlagen der Schauspielkunst durch praktische Erfahrungen. Teilnehmer*innen sollen sich selbst als Laienschauspieler*innen erleben. Es werden verschiedene Schauspieltechniken u.a. von Stella Adler, Sanford Meisner, Uta Hagen und Michael Chekov eingesetzt, wobei die Lehren Stanislavskis die Grundlage unserer gemeinsamen Arbeit bilden. Ziel ist es, die Anwendbarkeit dieser Techniken auf Laiendarsteller*innen zu erkunden und einen geschützten Raum für individuelle Herangehens- und Arbeitsweisen zu schaffen. The focus of the seminar is on deepening the basics of acting through practical experience. Participants should experience themselves as amateur actors. Various acting techniques from Stella Adler, Sanford Meisner, Uta Hagen and Michael Chekov, among others, will be used, with Stanislavski's teachings forming the basis of our work together. The aim is to explore the applicability of these techniques to non-professional actors and to create a safe space for individual and experimental approaches and working methods.

Wir wollen der Frage nachgehen in wie fern sich die Arbeit mit Laiendarsteller*innen von der Arbeit mit professionellen Schauspieler*innen unterscheidet. Dies tun wir indem wir an uns selbst arbeiten- uns selbst (als Laie) beim Schauspielen wahrnehmen und uns gegenseitig inszenieren. Wir setzen uns mit verschiedenen Schauspieltechniken auseinander und versuchen diese auf die Arbeit mit Laien anzuwenden. Stanislavski („An Actor Prepares“) wird die Grundlage unserer Schauspielarbeit sein. Wir wollen persönlichen Fragestellungen nachgehen und einen Raum erschaffen für experimentelle Ansätze, bzw. individuelle Herangehensweisen. During this seminar we want to explore the differences in working with non professional actors vs. professional ones. We will do this by working on ourselves - perceiving ourselves (as amateurs) while acting and directing each other, exploring different techniques in this process. Stanislavski ("An Actor Prepares") will be the reference for our acting work. We want to explore personal questions and create a space for experimental approaches.

In dem Seminar liegt der Fokus darauf, Grundlagen der Schauspielkunst durch praktische Erfahrungen zu vertiefen. Teilnehmer*innen sollen sich selbst als Laienschauspieler*innen erleben. Es werden verschiedene Schauspieltechniken z.B. von Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner, Uta Hagen und Michael Chekov eingesetzt, wobei die Lehren Stanislavski´s die Grundlage unserer gemeinsamen Arbeit bilden. Ziel ist es, die Anwendbarkeit dieser Techniken auf Laiendarsteller*innen zu erkunden und einen Raum für individuelle und experimentelle Herangehensweisen zu schaffen. The seminar focuses on deepening the basics of acting through practical experience. Participants should experience themselves as amateur actresses. Various acting techniques such as those of Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner, Uta Hagen and Michael Chekov will be explored, with Stanislavski's teachings forming the basis of our work together. The aim is to explore the applicability of these techniques to non-professional actors and to create a space for individual and experimental approaches.

A project involving research and no idea how to proceed? Scared of your upcoming theory chapter? Confused by a philosophical text? Stuck in a theoretical impasse with your Hausarbeit or your Qualifizierungsprojekt? In need of a group of passionate nerds to discuss your latest theoretical endeavour with? Join us now! We want to create an open forum for discussion of your projects involving theory and research. In each session, we’ll discuss two of your projects in depth. Be prepared to prepare (we’ll read each other’s projects beforehand)! The colloquium is open for Grund- and Hauptstudium and also for KüWi projects. Deutsch und English  Dates: 25. Oktober 08. November 22. November 29. November 13. Dezember 10. Januar 17. Januar

Das Fotografieseminar besteht in diesem Semester aus zwei Teilen: Zum einen soll es ein offenes Kolloquium geben, das an die Bedürfnisse der Studierenden angepasst ist. In einem zweiten Teil beschäftigen wir uns als Fotograf*innen mit KI-basierter Bilderzeugung. Kolloquium: Das Kolloquium der Fotografie ist ein offener und unstrukturierter Raum, in dem Arbeitsansätze ausprobiert und diskutiert werden – ein Raum, der es ermöglichen könnte, der eigenen Grundmotivation näher zu kommen. Das Kolloquium könnte auch ein Experimentierfeld sein, um die multiplen äußeren und inneren Krisen zu transformieren und fruchtbar zu machen. Das Seminar wird sich ausgehend von den Bedürfnissen aller Teilnehmenden entwickeln und mit der Zeit organisch ausbreiten. Erster Startpunkt: Am Anfang des Semesters wird uns die Künstlerin Stefanie Zoche besuchen. Sie beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit ökologischen Fragestellungen im Kontext der Klimakrise. Im Rahmen des Kolloquiums ist es möglich, CASE-Ausstellungen zu realisieren. KI und Fotografie: Wir werden uns aus einer fotografischen Perspektive mit dem Thema KI-Bildgenerierung beschäftigen. Folgende Fragen möchten wir dabei ansprechen: Sind generierte Bilder ein weiterer Schritt in der Entwicklung der Fotografie, ähnlich wie der Übergang von analoger zu digitaler Fotografie? Wie funktionieren die generierten Bilder auf der visuellen Ebene? Welche Literatur können wir zum Thema Fotografie und Bildgenerierung finden? Lässt sich Literatur aus dem Kanon der Fototheorie auf dieses Thema anwenden? Wir lesen zusammen ausgewählte Texte, um mit den Studierenden eine erste Einordnung der generierten Bilder zu versuchen. Gleichzeitig arbeiten wir mit Programmen wie Stable Diffusion oder Midjourney an eigenen Projekten, die wir im Seminar besprechen.

Das Fotografieseminar im Sommersemester ist eine Fortsetzung des Seminars aus dem Wintersemester 2023/24: Das Kolloquium der Fotografie ist ein offener und unstrukturierter Raum, in dem Arbeitsansätze ausprobiert und diskutiert werden – ein Raum, der es ermöglichen könnte, der eigenen Grundmotivation näherzukommen. Das Kolloquium könnte auch ein Experimentierfeld sein, um die multiplen äußeren und inneren Krisen zu transformieren und fruchtbar zu machen. Wir haben für das Sommersemester fünf CASE-Ausstellungen geplant, leider können wir keine weiteren Slots vergeben. Gäste, u.a. 12. April 2024: Hannah Darabi, "From Enghelab Street to Persian Square"

In dem zweisemestrigen filmpraktischen Seminar beschäftigen wir uns mit der Darstellung  jeglicher Form von Arbeit im Dokumentarfilm. Ziel ist es innerhalb von zwei Semestern einen kurzen Film zum Thema Arbeit zu entwickeln und im kleinen Team umzusetzen. Fragen des dokumentarischen Arbeitens begleiten den Prozess: Wie finde ich Zugang zu einer Person, zu einem Ort, zu einem Sujet? Wie recherchiere und schreibe ich mein Thema? Wie entstehen die filmsprachlich relevanten ästhetischen und inhaltlichen Entscheidungen? Welche Verantwortung trage ich für meine Protagonist*innen? In der Beschäftigung mit der dokumentarischen Praxis begleitet das Seminar Recherche, Drehvorbereitung, Dreh- und Schnittprozess der entstehenden Filme von der Idee bis zur Fertigstellung. Neben zahlreichen filmischen Beispielen, beleuchten Filmemacher*innen, Bildgestalter*innen und Editor*innen aus verschiedenen Perspektiven den Entstehungsprozess eines Films zum Thema Arbeit. Begleitet wird das Seminar von Christian Becker für die Montage und anderen Gästen. Das Seminar wendet sich an alle, die einen Film zum Thema Arbeit realisieren möchten. In this two-semester practical film seminar, we explore the portrayal of any form of work in documentary film. The aim is to develop a short film on the theme of work over the course of two semesters and to produce it in small teams. Questions relating to documentary practice accompany the process: How do I gain access to a person, a place, or a subject? How do I research and write about my topic? How do the aesthetic and content-related decisions relevant to film language come about? What responsibility do I bear towards my protagonists? In its exploration of documentary practice, the seminar supports the research, pre-production, shooting and editing processes of the films being created, from concept to completion. Alongside numerous cinematic examples, filmmakers, cinematographers and editors shed light on the creative process of a film on the theme of work from various perspectives. The seminar is supported by Christian Becker for editing and other guests. The seminar is aimed at anyone who would like to make a film on the subject of work.

Wie steht es eigentlich um dekolonialisierende Archivpraxen im deutschsprachigen Raum? In Filmen, virtuellen und physischen Exkursionen, im Austausch mit Gäst*innen und in der Lektüre von Texten nähern wir uns machtkritischen, poetischen, interaktiven, sprachlich-visuellen Archivpraxen, die sich dekolonialen und queerpolitischen Anliegen verschrieben haben. Im Sinne der Filmemacherin und Komponistin Trinh T. Min-ha begeben wir uns dabei auf die Suche nach einem enthierarchiserenden ‚Archiving Nearby', das es vermag, vergangene Bewegungen und Zwischenräume von Mehrfachzugehörigkeiten, fluiden Lebensformen und undiszipliniertem Denken in die Gegenwart zu holen. Welche archivpolitischen, künstlerischen und/oder theoriebildenden Interventionen könnten als Formen des ‚Archiving Nearby' beschrieben werden? Das Seminar schließt an mein Seminar zu machtsensiblen Archivpraxen aus dem Wintersemester an. Dessen Besuch ist aber keine Voraussetzung für die Teilnahme. Ausgewählte Sitzungen finden in Kollaboration mit Philip Scheffner (Professur dokumentarische Praxen) statt. Literatur: Alice Creischer/ Andreas Siekmann, Das Potosí-Prinzip. Wie können wir das Lied des Herrn im fremden Land singen. Koloniale Bildproduktion in der globalen Ökonomie, Köln, 2010. Elske Rosenfeld/ Suza Husse, wildes wiederholen. Dissidente Geschichte(n) zwischen DDR und (p)Ostdeutschland, Berlin 2019. Forschungsgruppe 'Staatsprojekt Europa' (Hg.) Die EU in der Krise, Münster 2012. Romy Rügger: A Text for Sedje Hémon, Sonsbek/Arnheim 2022. Im Seminar besprochene/besuchte Archive: Die fünfte Wand. Werkarchiv Navina Nundaram, Romani Phen, GrauZone/ Dokumentationsstelle zur nichtstaatlichen Frauenbewegung in der DDR, DOMID/ Dokumentationszentrum über die Migration in Deutschland. Filme: Trinh T. Minh-ha, Reassemblage (1986), Phllipp Scheffner, The Half-Moon Files (2019) Gäst*innen: Samirah Kenawi (GrauZone), Merle Kröger und Mareike Bernien (Die fünfte Wand), Vassilis Tsianos (Forschungsgruppe Staatsprojekt Europa), Nihad Nino Pušija (Paradise Lost) Seminarsprachen: Deutsch und Englisch

Mit kuratorischen, forschenden und vermittelnden Projekten sind museale Sammlungen der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts der Forderung nachgekommen, das Museum zu dekolonisieren und um maßgebliche globale Perspektiven, Mikrogeschichten und Akteur*innen zu erweitern, wie u. a museale Forschungsprojekte Global Art and the Museum im ZKM Karlsruhe, museum global. Mikrogeschichten einer ex-zentrischen Moderne am K20 Düsseldorf, und die Tagung zum radikaldemokratischen Museum 2024 im Dortmunder U dokumentieren – letztere mit dem Anspruch, das Archiv durch Gegenöffentlichkeiten, anderes Wissen und radikale Vermittlung herauszufordern. Inwiefern Materialisierungen und Praktiken dabei eine wesentliche Rolle spielen, lässt sich anhand einer kritischen Auseinandersetzung mit fotografischen Archiven nachvollziehen, etwa mit Tina M. Campts Untersuchung der Rolle vernakulärer Bildproduktion für die afroamerikanische diasporische Community bei der Produktion von Gegenbildern und wie Stanley Wolukau-Wanambwa und David Campany Unbestimmtheit als eine alternative fotografische Praxis ausmachen. Mit Lektüren in Kleingruppen und Projekten zur Photoszene Köln Artists meets Archive, dem Besuch der Sammlungspräsentation Aufbruch und Befreiung: Internationale Kunst von 1960 bis 2000 im K 20 Düsseldorf und anderen Ausstellungsbesuchen arbeiten wir im Seminar an eigenen Fragen, Mikrogeschichten und Perspektiven. Literatur (Auswahl): David Campany & Stanley Wolukau-Wanambwa, Indeterminacy. Thoughts on Time, the image, and Race(ism), Discourse 006, London 2022. Tima M. Campt, Image matters: archive, photography, and the African diaspora in Europe, Durham/London 2012. Tina M. Campt, Listening to images, Durham NC 2017. Aïcha Diallo, „Who Is in the Archive?“, in: Sverre Bauer/Figge/Großmann/Lukatsch (Hg.), Künste dekolonisieren. Ästhetische Praktiken des Lernens und Verlernens, Bielefeld 2023, S. 211¬–218. Birgit Mersmann, „Decolonial Insurgency for Art Systemic Change: Dissenting Art Museums in New York“, in: Bublatzky/Dogramaci/Pinther/Schieren (Hg.), Entangled Histories of Art and Migration, Bristol/Chicago 2024, S. 304¬–319. Nora Sternfeld, Das radikaldemokratische Museum, Berlin 2018.

Are series still going strong, or is it a dwindling trend? Either way, series are here to stay. In this Blockseminar we will study how the storytelling structure of series has changed over time, analyse different streaming platforms, dive into the vocabulary of the series market and make a start with developing ideas for series. For those interested, cooperations with WDR and RTL/TVnow are in place, this seminar will be followed up by meetings with these tv broadcasters.

Are series still going strong, or is it a dwindling trend? Either way, series are here to stay. In this seminar we will study how the storytelling structure of series has changed over time, analyse different streaming platforms, dive into the vocabulary of the series market and make a start with developing ideas for series. For those interested, cooperations with WDR and RTL/TVnow are in place, this seminar will be followed up by meetings with these tv broadcasters. Additionally, we will meet with directors/writers developing Netflix series.

Developing a series is a collaborative endeavour: the artistic and the production side will come together as a creative team to get the project moving. Working as a team will show streaming services or public broadcasters you are serious in your intentions and give the confidence you will be able to execute your project. In this seminar, you will develop and discuss your series ideas and prepare to approach broadcasters. Additionally, for those interested, you can enter the RTL+ Storytellers competition. Registering for the seminar is not required, please join us on 31.10 in seminar room 0.18/0.19.

Aristotle's Poetics: lecture notes by Aristotle himself? Or note-taking by one of his students? Is this surviving fragment a rulebook, a prescriptive guide for narrative structure (as Robert McKee, among others, claims)? What does Plato, French classicists, Italian Renaissance scholars and Shakespeare have to do with it? And what about the many books claiming that adopting Aristotle's ideas makes for good screenwriting? Let's read Aristotle's Poetics and supporting texts, inspect examples from the books of his misreaders (Syd Field, Michael Tierno) and opposers (Augusto Boal) to make up our own minds.

We have read a lot about artificial intelligence in the news, but in our KHM reality, we might have had, until now, little to do with AI in filmmaking. In the seminar "Artificial Intelligence and Film", we will look at the wide variety of AI applications in film (pre-)production, screenwriting, image generation and other aspects of AI in the film industry. We will meet with producers, filmmakers and broadcasters to ask how they implement AI, inquire into the advantages and limitations they encounter using these tools, and how they approach future developments in AI. Besides that, we will explore whether AI is indeed artificial and/or intelligent, what the legal and moral implications are, and how we can operate, experiment with and subvert this relatively new tool. Or, as ChatGPT text: Embark on an exploration of the cutting-edge intersection between Artificial Intelligence (AI) and the art of filmmaking. This seminar aims to illuminate the transformative role that AI plays in various aspects of the filmmaking process, from preproduction and screenwriting to image generation. As technology continues to evolve, the marriage of AI and filmmaking opens up exciting possibilities for creative expression, efficiency, and innovation. One more time, this time prompted to write for an art academy: Embark on a captivating exploration at the intersection of artistic expression and technological innovation. Our seminar, "AI and Cinematic Artistry," delves into the transformative role that Artificial Intelligence (AI) plays in various facets of cinematic creation, from preproduction and screenwriting to image generation. This seminar, tailored for the artistic minds of our community, promises to unveil the exciting possibilities AI brings to the canvas of filmmaking. You Thank you ChatGPT You're welcome! If you have any more questions or if there's anything else I can help you with, feel free to ask. Enjoy your seminar, and best of luck with your artistic endeavors!

Der Ausdruck „in the wild“ wurde erstmals in den 1980er Jahren populär als Jean Lave, Lucy Suchman und Ed Hutchins begannen, über „cognition in the wild“ zu schreiben. Heute hat „research in the wild“ eine breitere Bedeutung und adressiert vor allem Forschungen, die versuchen, die drastischen Auswirkungen der Technik auf das tägliche Leben besser zu verstehen. In den letzten Jahren tauchte der Begriff auch vermehrt in Publikationen im Bereich Human Computer Interaction (HCI) auf. Dort wurde er zum Synonym für eine Reihe von Ansätzen, die sich auf forschungsbasierte Studien konzentrieren, die im Gegensatz zu laborbasierten Studien in „natürlichen“, „situierten“ Kontexten stattfinden. Im Kern geht es darum, die Sicherheit der kontrollierten, laborbasierten Umgebung zu verlassen und die Forschung in die „Wildnis“, d.h. das reale Leben zu verlagern. Die heutige technische Bedingtheit unserer Lebensverhältnisse (die zunehmende Künstlichkeit unserer technikbasierten Wirklichkeit) und ihre gleichzeitige Unkontrollierbarkeit und Komplexität werden zu irreduziblen Grundprinzipien der Forschung erklärt. Im Seminar werden Doktoranden der KHM Fragestellungen aus ihren laufenden Promotionsprojekten vorstellen und mit uns diskutieren. Im Zentrum der Arbeiten steht das Machen (die Herstellung, der Entwurf, das Experiment) unter aktuellen Bedingungen und dessen philosophische Reflexion. Aktuelle Informationen zu den einzelnen Vorträgen unter ground-zero.khm.de

Moderne Browser können sowohl Steuerzentrale als auch Klangerzeuger sein. In der Kompaktwoche möchten wir das gemeinsam erforschen und eigene Ideen umsetzen. Browser-basiertes Audio: Inzwischen ist es möglich, Audioprogramme zu entwickeln, die vollständig im Browser laufen und damit sowohl plattformunabhängig (Mac, Windows, Linux...) als auch geräteunabhängig (Desktop, Laptop, Tablet, Smartphone) sind und auch auf spezielle Features der Geräte zugreifen können (z.B. eingebautes Mikrofon, aber auch Kamera, Sensoren...). Zu Beginn werden wir uns ein paar Beispiele anschauen, im Laufe der Woche sollen eigene Projekte entwickelt und umgesetzt werden. Programmiererfahrung (z.B. mit javascript, processing, p5js) ist wünschenswert, eigene Ideen und Anregungen sind von Anfang an willkommen. Audio Remote Control – Webbrowser als Controller: Internetbrowser entwickeln sich zu immer umfangreicheren Werkzeugkisten, die vielfältige Möglichkeiten zur Interaktion bieten. Diese Form der Verknüpfung von Netz und Welt ist besonders barrierearm, da keine speziellen Apps installiert werden müssen und nahezu jedes internetfähige Endgerät als Controller in Frage kommt. Wir beschäftigen uns in dieser Woche mit dem Realisieren interaktiver Webbrowser-Tools, um auf Audio kollaborativ oder kompetitiv einzuwirken. Wie können wir über den Browser in gefühlter Echtzeit Klangerzeuger, Klanginstallationen, Audiosoftware, digitale Instrumente oder [...] steuern? Um die ersten eigenen interaktiven Web-Controller zu entwickeln, arbeiten wir in dieser Woche mit cables.gl.

In diesem Seminar befassen wir uns mit verschiedenen Typen von Auftragstexten. Immer im Wechsel betrachten wir in einer Sitzung die formalen, zeitlichen und inhaltlichen Vorgaben der jeweiligen Aufgabe, auch anhand von einigen prototypischen Beispielen, und besprechen in der nächsten Sitzung die eigenen praktischen Realisierungen. Dazu gehören: Die Laudatio. Der Nachruf. Der Katalogbeitrag. Texte zur Gegenwartskunst. Schreiben im öffentlichen Raum. Schreiben über Musik: oder Die Plattenkritik. Die Leseliste ist offen für Vorschläge. Zudem wird die (un)bekannte Ghostwriterin Elfe Brandenburger im Seminar zu Gast sein und aus ihrer Praxis berichten. In Kooperation mit der Temporary Gallery, Zentrum für zeitgenössische Kunst e.V. und dem Kunstprojekt "Panorama-Waidmarkt".

Das Seminar findet im Odeon Kino statt. (In Anlehnung an Karl Schlögel): Dies ist ein Seminar „nicht für Augen, sondern für Köpfe, die Augen haben, zu sehen, oder wenigstens mit ihren Augen arbeiten wollen“. Der Anfang ist im Nachdenken über das Herstellen, die Politiken des und die sinnliche Erfahrung von filmischen Bildern von zentraler Bedeutung: Als zeitbasiertes Medium hat jeder Film (im Unterschied zum Gemälde, der Skulptur, aber auch geloopten Installationen in der Galerie) seinen Anfang, in dem ein Rhythmus, ein Modus des Sehens, eine Perspektive, erste Spuren des rationalen Verstehens und phänomenologischen Wahrnehmens gelegt werden. Alles darauf Folgende bezieht sich immer zurück auf diesen, bzw. wird von ihm bespielt. Im Theorieseminar werden wir ein Semester lang ein besonderes Augenmerk auf Filmanfänge richten — auf ihre historische Entwicklung, ästhetische Verdichtung, politische Dimension und narrative Funktionen. Jede Sitzung wird mit der sehr detaillierten Analyse von Filmanfängen des Spiel- und Dokumentarfilms beginnen, im Anschluss soll der ganze Film dann zu seinem Anfang ins Verhältnis gesetzt werden. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Landschaften sind materiell existierende Formationen, die unser Leben, Denken, Fühlen prägen und mitstrukturieren und radikale Projektionsflächen, die das Kino seit seinen Anfängen mit immer anderen Vorstellungen verbindet, bespielt und selbst mit hervorbringt. Sie erzählen von historischen Ablagerungen, gesellschaftlichen Strukturen und geopolitischen Verhältnissen (und sind darin politisch) und fungieren zugleich als Spiegel einer wie auch immer gearteten Innerlichkeit. In dem Seminar werden wir uns Filme aus den Gattungen des Spielfilms, Dokumentarfilms und Experimentalfilms gemeinsam ansehen, diese verhandeln und mit theoretischen Überlegungen in ein Verhältnis setzen, um der Frage, was das eigentlich ist — eine Landschaft? — entlang ihrer filmischen Konstruktionen nachzugehen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. Landscapes are materially existing formations that shape and co-structure our lives, thoughts, and feelings, and they are radical projection surfaces that cinema, since its beginnings, has always connected with, played upon, and itself helped to create. They tell of historical deposits, social structures and geopolitical conditions (and are political in this) and at the same time function as mirrors of an inwardness of whatever kind. In this seminar we will look at films from the genres of feature film, documentary film and experimental film together, discuss them and relate them to theoretical considerations in order to answer the question of what that actually is - a landscape? - along its cinematic constructions. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, supplemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

Im filmischen Blick auf die Sozialfiguren von Menschen mit körperlichen und geistigen Behinderungen oder neurodiversen Verfasstheiten wird deutlich, was die Struktur aller Blicke prägt. Das in den meisten gesellschaftlichen Diskursen vorherrschende Verhältnis von Norm und Devianz kann in künstlerischen Arbeiten reproduziert, verstärkt, hinterfragt, unterlaufen und – im besten Fall – durch einen anderen Blick zerlegt werden. Dieser Ansatz spiegelt sich im Slogan „Nothing About Us Without Us“ wider, der die Bedeutung der Beteiligung und Repräsentation von Menschen, die als anders markiert werden, in sämtlichen Diskursen hervorhebt. Wir erforschen die feinen Unterschiede im Feld der Blicke und Gegenblicke, indem wir uns einem vielfältigen Spektrum filmischer Werke zuwenden. Dieses Spektrum umfasst alles, von außergewöhnlichen Hollywoodproduktionen über experimentellen Film und Videokunst der späten 60er Jahre, zeitgenössischen Dokumentarfilmen bis hin zu Aufzeichnungen von Performances und Aufführungen. Ziel ist es, den alles durchziehenden Ableismus der uns umgebenden und prägenden Strukturen auf den Grund zu gehen und das – ästhetisch wie gesellschaftlich – utopische Potenzial eines „anderen Blicks“ freizulegen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um theoretische Texte, sowie das aktive, involvierte, kritische Sprechen über sie.

Wie geht's euch so? Gut? Nicht so gut? Lust zu arbeiten? Trotzdem? Ja? Na gut. Versuchen wir's. Das hier ist ein Seminar zur Stoffentwicklung, für fiktionale filmische Projekte (lang/kurz/seriell). Und das funktioniert ungefähr so: Ihr schickt mir eine Ideenskizze für einen Film oder auch einen kurzen Text über ein Projekt, das schon in Entwicklung ist. Maximal eine Seite und bitte als Textdokument: Word, LibreOffice, Pages, RTF o.ä.; bitte keine PDFs. Dann reden wir drüber. Jedes Mal. Über alle Projekte. Und weil das so ist, können auch nur maximal 8 Leute teilnehmen, sorry. Anmelden ist per Mail (m.busch@khm.de). Den Text könnt ihr direkt mitschicken oder bis spätestens 08.04.2024 nachliefern. Das Ganze findet 14-täglich in 6 "Doppelterminen" statt (jeweils Montag UND Dienstag). Zwischen den Doppelterminen schreiben alle. Diese Texte gehen zurück in die Gruppe als Vorbereitung für das nächste Treffen. Manchmal gibt es Anekdoten. Meistens auch Kaffee. Das ist eigentlich immer ganz lustig. Und mitunter bringt es die Dinge echt voran.

Künstler:innen, die kuratorisch tätig sind, werden häufig aus den großen Kunstgeschichten ausgeblendet – ihre Beiträge werden als unbedeutend oder beiläufig abgetan. Dieses Seminar vertritt die gegenteilige These. Wenn Künstler:innen die Rolle der Kurator:innen übernehmen, produzieren sie sehr oft die faszinierendsten Ausstellungen – und das nicht zufällig. Kuratorisches und Künstlerisches sind selten so klar voneinander getrennt, wie es institutionelle Konventionen nahelegen. Eine Ausstellung kann ein Kunstwerk sein und umgekehrt. Im Seminar werden wir das emanzipatorische Potenzial von Künstler:innen erkunden, die eigene Ausstellungen und Institutionen schaffen. Wir werden untersuchen, wie sie Machtpositionen einnehmen, indem sie die Kontrolle über die Präsentation und Verbreitung von Kunst in die eigenen Hände nehmen. Wir werden verfolgen, wie kuratorische Projekte aus der künstlerischen Praxis hervorgehen und wie sie diese im Gegenzug transformieren. Darüber hinaus werden wir Ausstellungsdesign und unkonventionelle Formate diskutieren sowie die Reibungen, die entstehen, wenn hochgradig subjektive kuratorische Gesten auf institutionelle Systeme treffen. Das Seminar nimmt zwei scheinbar unverwandte Phänomene als Ausgangspunkt. Das erste ist das „Gonzo Curating" – eine Praxis, die von Aneta Rostkowska und Jakub Woynarowski am Wawel Castle Centre for Contemporary Art entwickelt wurde. Dabei handelt es sich um eine parasitäre Institution, die in einem der konservativsten Nationalmuseen Polens, das sich in einem Schloss befindet, eingebettet ist. In Anlehnung an Hunter S. Thompsons Gonzo-Journalismus stellt das Gonzo Curating die Kuratorin als parteiische Figur bloß, anstatt sie hinter institutioneller Neutralität zu verbergen. Alle Kunstwerke sind Readymades und die Ausstellung offenbart sich durch eine Reihe von Performances. Die Institution existiert de facto innerhalb einer anderen Institution, die nichts davon weiß. Unter Zwängen zu arbeiten – politischen, institutionellen und ökonomischen – wird nicht als Hindernis betrachtet, sondern als Methode. Die Lo-Lifes waren eine Crew, die in den 1980er Jahren in Brooklyn entstand. Durch die systematische Aneignung gestohlener Ralph-Lauren-Kleidung entwickelten sie eine kollektive Identität und eine Sammlung. Die Lo-Lifes dachten nicht an Kunst. Was sie jedoch hervorbrachten – eine kohärente visuelle Sprache, eine gemeinsame Mythologie und eine kollektive Praxis des Sammelns unter Ausschlussbedingungen – deckt sich nahezu vollständig mit den Fragen, die sich Kurator:innen über Autorschaft, Sammlungen, Identität und Präsentation stellen. Kann eine Garderobe ein Museum sein? Kann eine Crew eine Institution sein? Im Laufe des Seminars werden die Teilnehmer:innen Konzepte für eigene kuratorische Projekte entwickeln. Gäste: Paul Barsch / New Scenario, Elena Filpovic, Lisa Klosterkötter, Raimundas Malašauskas, Mateusz Okoński, Rack-Lo / Lo-Lifes, Johannes Wohnseifer, Jakub Woynarowski. English: Exhibition as Artwork, Artwork as Exhibition Artists who curate are often omitted from broader art histories, with their contributions being dismissed as insignificant or incidental. This seminar argues the opposite. When artists take on the role of curator, they very often produce the most fascinating exhibitions — and not by accident. The curatorial and the artistic are rarely as distinct as institutional convention suggests: an exhibition can be an artwork, and an artwork can become an exhibition. During the seminar, we will explore the emancipatory potential of artists creating their own exhibitions and institutions, and examine how they assume positions of power by taking control of the presentation and dissemination of art. We will trace how curatorial projects emerge from artistic practice, and how they transform it in return. We will also discuss exhibition design and unconventional formats, as well as the friction that arises when highly subjective curatorial gestures meet institutional systems. The seminar takes two seemingly unrelated phenomena as its starting points. The first is 'gonzo curating' — a practice developed by Aneta Rostkowska and Jakub Woynarowski at the Wawel Castle Centre for Contemporary Art. This parasitic institution is embedded inside one of Poland's most conservative national museums, located in a castle. Borrowing its logic from Hunter S. Thompson's gonzo journalism, gonzo curating exposes the curator as a partisan figure, rather than hiding them behind institutional neutrality. All artworks are readymades, with the exhibition being revealed through a series of performances. The institution exists de facto inside another institution that is unaware of its presence. Working under constraints — political, institutional and economic — is not seen as an obstacle, but as a method. Second are the Lo-Lifes, a crew formed in Brooklyn in the 1980s who developed a collective identity and a collection by systematically appropriating stolen Ralph Lauren clothing. The Lo-Lifes were not thinking about art. However, what they produced — a coherent visual language, a shared mythology and a collective practice of collecting under conditions of exclusion — aligns almost perfectly with the questions curators ask themselves about authorship, collections, identity and display. Can a wardrobe be a museum? Can a crew be an institution? During the seminar, participants will develop concepts for their own curatorial projects. Guests: Paul Barsch / New Scenario, Elena Filpovic, Lisa Klosterkötter, Raimundas Malašauskas, Mateusz Okoński, Rack-Lo / Lo-Lifes, Johannes Wohnseifer, Jakub Woynarowski.

Die Seminar-Reihe Auteurismen geht verschiedenen Formen nach, Autorenschaft in der meist radikal arbeitsteiligen künstlerischen Form Kino zu denken. Im ersten Teil stehen drei Autor*innen des zeitgenössischen Kinos – Claire Denis, Lucrecia Martel und Mati Diop – im Zentrum, die bei aller Unterschiedlichkeit thematische und formale Schnittmengen aufweisen. Dabei werden wir einzelne Filme der drei miteinander ins Verhältnis setzen, um die jeweilige écriture, die individuelle Form als Ausdruck einer künstlerischen Subjektivität jeder einzelnen Autorin zu erarbeiten, und zugleich – im Dialog der Filmemacherinnen miteinander – Unterschiede und Ähnlichkeiten zu denken. Dabei werden uns Fragen nach dem Körper im Kino/der Körperlichkeit des Kinos, der Gegenwart postkolonialer Realitäten sowie des female gaze im Kino beschäftigen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. The seminar series Auteurisms explores different ways of thinking about authorship in the artistic form of cinema, which is usually based on a radical division of labor. In the first part, we will focus on three authors of contemporary cinema - Claire Denis, Lucrecia Martel and Mati Diop - who, for all their differences, are related through thematic and formal intersections. We will relate individual films of the three to each other in order to work out the respective écriture, the individual form as an expression of an artistic subjectivity of each author, and at the same time - in the dialogue of the filmmakers with each other - to think about differences and similarities. In doing so, we will be concerned with questions of the body in cinema/the corporeality of cinema, the presence of postcolonial realities, and the female gaze in cinema. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, complemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other. Kontaktperson: Tania Licheuskaya

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The practices follow the journey started by preceding students who fought for social room space and self organized seminar, who strive to also make space in KHM for those of who are outside of institutes. This includes focusing on intersections of artistical and activist practices.

This is a student led seminar where we try to connect with the political struggles and/or practices outside of institutions. We welcome every student interested to join us organizing and navigating together. Background of Autonomous Seminar: A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wavein the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would liketo produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The practices follow the journey started by preceding students who fought for social room space and self organized seminar, who strive to also make space in KHM for those of who are outside of institutes. This includes focusing on intersections of artistical and activist practices. The seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

In a virtual digital space characterized by diversity, dispersion, and contingency, who decides what 'we' consider as beautiful? Ideology, our democratic society, artificial intelligence? Certainly not ‘us’, right? So how do algorithms and synthetic organisms look at faces? How does virtual and traditional capital penetrate and consume our daily masked but networked existence? How do organic desires emerge & disappear? What is the role of sexism, racism and ableism in this context? The meaning of the digital face as a sign is derived from its relation to other signs. Scars and desires constitute the value & meaning of a face concerning contemporary imagery, technology, faith, tradition, and politics. Algorithmically-driven newsfeeds, the quantified self, and cosmetic surgery led to the emergence of a multitude of machine-biased views on the ‘ideal’ face.  Recursive loops throughout digital & physical realms create new forms of facial existences and #nonbinary tensions between spectra of self to other, virtuality to reality, and identification to difference. Symmetrical faces combined with forms of intelligence are a highly rare occurence and reflect concepts of rarity in collectibles #cryptopunks #judgement #collectibles #math #hardcoded #facialrecognition #gendering #nonbinary #nohomework #nopressure #judgement. The ‘Beautification & Rarity’ seminar zooms in on Chinese and Korean social media & focuses on the creation of applied art. Together we try to examine our bias and develop ‘neutral’ attitudes through research-based art, Crypto (NFTs/blockchain), and digital media or alternate reality experiments. On a weekly basis, UBERMORGEN in collaboration with Echo Can Luo, drop a 'Beautification' NFT, and students are invited to drop & develop their own work. The goal is to discuss and critically reflect the weekly drops.

What is most personal is most universal. Carl R. Rogers Die Gewohnheiten und Muster unserer Wahrnehmung und Reflektion ermöglichen den Normalfall alltäglichen Erlebens. Dabei bleiben diese selbst meist unbemerkt. Doch wie bilden sich diese „weltbildenden Aktivitäten“ (Nelson Goodman)? Und wie ist ästhetisches Handeln an den Prozessen von Orientierung und „Sensemaking“ beteiligt? Ohne Voraussetzungen, also naiv im besten Sinne, wollen wir die Verhältnisse von Rezeption und Produktion befragen. Angestrebt wird die Verfeinerung des Sensoriums und die Erweiterung von Handlungskompetenz durch Rückkehr zum „Beginner‘s Mind“: der (Wieder-) Entdeckung der eigenen Genialität. Themen sind u.a. Body Awareness, Deep Listening, The Thinking Hand, der Sinn und die Sinne, Imagination, Intuition, Serendipity, … mit Übungen zu Zeit/Raum, Sound/Rhythmus, Licht/Farbe, Statik/Dynamik sowie zu Vorstellen/Darstellen, Handwerk/Mundwerk, Planung/Spontanität, Einfälle/Zufälle, Erfindung/Begründung, …

Wir erkunden grundlegende Phänomene der analogen und digitalen Gestaltung. Dazu gehören Farbe und Licht, Form und Raum, Rhythmus und Struktur, Dynamik und Interaktion. Diese Bereiche werden aus den Perspektiven von Kunst, Wissenschaft und Technik vorgestellt und in der Gestaltung praktisch und integrativ bearbeitet. Entwurfs- und Gestaltungsmethoden werden geübt, die Grundlage für die meisten zukünftigen Arbeitsfelder sind. Wir bereiten materialintensive Übungen sowie Aufgaben zum Selbststudium vor. Verbindliche Anmeldung und kontinuierliche Teilnahme sind daher unverzichtbar.

Anhand von drei konkreten künstlerischen Projekten widmet sich das Seminar künstlerischen Kollaborationen mit vergangenen Personen und ihren künstlerischen und politischen Praxen. Die Lektüre begleitender Texte hinzuziehend, beschäftigen wir uns mit Möglichkeiten einer künstlerischen Bündnisarbeit mit zwangsmigrierten und teilweise verstorbenen Personen. In Istanbul veröffentlicht Banu Cennetoğlu posthum die Tagebücher von Gurbetelli Ersöz (1998/ 2013). Nachdem die Redakteurin einer prokurdischen Zeitung in der Haft gefoltert wurde, schloss sie sich der Guerilla an und führte von 1995 bis zu ihrer Ermordung 1997 ein Tagebuch. Cennetoğlu veröffentlichte es in Form gebundener Lithografien und nachdem ihr Buch in der Türkei verboten wurde, als Druckplatten (2017). In Dublin rekonstruiert Alice Rekab die Lebensträume ihres karibischen Vaters und ihrer irischen Mutter, deren Migration und Armut ihnen die künstlerische Praxis verunmöglichte. Für ihre ortspezifische Arbeit in der Münchener Villa Stuck (2023) collagiert sie Fotografien von künstlerischen Arbeiten der Eltern und präsentiert sie neben eigenen Plastiken. In Kapstadt bittet Kemang Wa Lehulere seine Tante um Erinnerungsskizzen zu den Wandmalereien der in den 70ern verstorbenen Gladys Mgudlandlu. Anhand dieser gelingt es ihm, die Malereien in einem benachbarten Haus zu bergen. In Form einer Dokumentation ihrer Restaurierung integriert er Mgudlandlus Arbeiten in seine Ausstellung in einem Berliner Ausstellungshaus (2017). In der eingehenden Lektüre dieser Arbeitsweisen fragt das Seminar inwiefern künstlerische Taktiken Bündnissen mit weniger sichtbaren und privilegierten Künstler*innen ermöglichen, die an einem anderen Ort oder zu einer anderen Zeit ihre Lebensträume hatten. Texte: Elke Bippus, Cairo Clarke, Khanya Mashabela und Aram Yayninevi Künstlerische Arbeiten: Banu Cennetoğlu, Alice Rekab und Kemang Wa Lehulere

Wer Literatur schreibt, kommt nicht drum herum, auch darüber zu sprechen. Sei es in Seminaren, Lektoratsgesprächen oder Interviews, als Teil einer Jury, als Herausgeber*in, Kurator*in oder Moderator*in. Um gut schreiben zu können, muss man nicht zwangsweise auch gut über Literatur sprechen können. Doch das Sprechen über Literatur geht einher mit dem Nachdenken über Literatur und fördert das Herausbilden einer eigenen Poetik. Das Seminar besteht aus zwei Teilen: Zum Einen werden wir uns theoretisch mit Gesprächen über Literatur auseinandersetzen. Dafür analysieren wir Jurydiskussionen beim Bachmann-Preis, Interviews und Werkstattgespräche und ergründen, wie ein öffentliches Verständnis von (guter) Literatur hergestellt wird. Außerdem setzen wir uns mit dem Format des Podcasts auseinander. Welche Formen gibt es? Was funktioniert und was nicht? In einem zweiten, praktischen Teil führen wir selbst Gespräche über Literatur mit Autor*innen und erlernen die technischen Voraussetzungen, die es braucht, um einen Literaturpodcast umzusetzen.

In diesem Seminar des Literarischen Schreibens in Zusammenarbeit mit dem Schauspiel Köln wird eine Shakespeareüberschreibung der Schweizer Gegenwartsdramatikerin Katja Brunner und deren Bühnenumsetzung zum Gegenstand haben. Was bedeutet es, einen Klassiker zu überschreiben, noch mal zu überschreiben, mit anderen Überschreibungen zu arbeiten, und welche Inszenierungspraxis wird bei der Umsetzung ausgewählt? Warum heute Shakespeare, warum „1 sprachausfluss aus der TASTATUR DES TERRORS“ (K.B.) Das Stück wird Ende April im Schauspiel uraufgeführt. Da wir den Probenprozess begleiten wollen, liegen die Termine dieses Seminars nicht ausschließlich im Semester. In den beiden Lektüresitzungen im März verhandeln wir Shakespeares „Richard III.“ und Katja Brunners Überschreibung, sowie ihre Einflüsse. Danach sprechen mit Autorin, Dramaturgie und Regie, werden Proben am Schauspiel besuchen, zur Premiere gehen und mit dem Theaterteam eine Nachbesprechung haben. Starttermin ist der 11.3. um 11.00 im Raum 2.04 am Filzengraben 8-10, alle weiteren Termine liegen in dem Zeitraum bis spätestens 15.5. und finden zum größten Teil im Schauspiel Köln statt. Anmeldungen bitte unter roeggla@khm.de bis 1.3.2022 – Die Teilnehmerzahl ist auf 10 begrenzt

Aufgrund seiner medialen Vielseitigkeit auch als Reinkarnation eines Renaissancegenies gefeiert, strahlte Pier Paolo Pasolini eine Intensität in alle erdenklichen Richtungen aus. Die Frage, wo ihr eigentlicher Brennpunkt lag, wurde vielfach gestellt und zumeist zugunsten des „Dichters“ entschieden. Aber gerade als Dichter wandte Pasolini sich mit Nachdruck gegen sprachlichen Purismus und pflegte eine Kultur der Genrevermischung und des Hybriden. „Die Sprache des Lebens ist unübersetzbar“ war das Credo, aber auch der Motor, der seine rastlosen Recherchen antrieb. Im Seminar wollen wir den inwendigen Translationsprozessen im dichterischen, filmischen und essayistischen Werk von P.P.P. durch die unterschiedlichen Phasen ihrer Verwirklichung nachspüren: Von den frühen Erfahrungen mit dem Dialekt als Übersetzung in eine geborgte Sprache über die Formexeperimente der römischen Jahre, bis hin zur eigenwilligen Interpretation der Gattung des Drehbuchs und der Theorie der Montage, untersuchen wir Momente der Entgrenzung, der Revision und des Übergangs. Im Netzwerk der Beziehungsweisen wollen wir so den faszinierenden Widersprüchen eines „übersetzten Menschen“ begegnen und uns zu seinem Pluriversum (Alexander Kluge) mit eigenen künstlerischen Antworten in ein Verhältnis setzen.

Das Seminar ist ausschließlich für Studierende gedacht, die nach dem Open Call im Sommersemester für das Projekt »Artist Meets Archive #5 Bonus Track: Bildgeschichte(n) des Kölner Popjournalismus« im Rahmen der Kooperation zwischen der Internationalen Photoszene Köln und der Kunsthochschule für Medien Köln ausgewählt wurden. In Vorbereitung einer gemeinsamen Ausstellung im Mai 2027 treffen wir uns zweiwöchentlich (und nach Absprache) zu einem Kolloquium, um uns über Rechercheergebnisse und den Stand der zu entwickelnden Arbeiten auszutauschen. Zusätzlich sind gemeinsame Archiv- und Ausstellungsbesuche geplant. Weitere Informationen: https://www.photoszene.de/de/artist-programme/artist-meets-archive-5/bonus-track/

Die Projektion viel größer, der Raum tiefschwarz, man hat sich Zeit genommen, schaut mit Anderen. Oder man verschlingt Folge für Folge auf allen möglichen Geräten, in allen möglichen Situationen. Muss man auf das Medium reagieren? Ändert sich die Bildgestaltung? Zum einen soll es genau darum gehen. Wie verändert das neue Schauen die Bildgestaltung? Oder ändern wir die Rezeption? Müssen wir das? Wollen wir das? Zum anderen, ganz praktisch, wie verändert das die Vorbereitung, den Dreh, die Zusammenarbeit. Nach welchen Gesichtspunkten engagiert die Produktion oder die Regie die Bildgestaltung im Kino oder der Serie? Was ändert das in der Zusammenarbeit mit den anderen Gewerken. Dafür werden auch Gäste aus der Branche erzählen, wie sie Bildgestaltung erleben. Was sie von der Bildgestaltung erwarten. Ändert die Technik das Erzählen oder sind es immer noch wir?

Prefigured in the Negritude Movement and the Harlem Renaissance, the Black Arts Movements of the 1960’s and 1970’s were informed by a global political awakening and mobilization amongst black people and other colonized people. Energized and inspired by anti-colonial, civil rights, and black power politics, the Black Arts Movements responded with innovation and renewal. However these art movements were not merely the aesthetic representation of this mobilization but experiments in the new forms of social life this mobilization might take. The collectives of the Black Arts Movements were the vanguard of the revolution, but a vanguard returning to the source, as Amilcar Cabral put it. Or as the founder of Kuumba Theatre in Chicago Val Gray Ward put it ‘black art is black life.’ In their commitment to finding necessary ways to work together, to serve the people, and to dismantle the figure of the artist and the scene of the art world in favor of something more organic, the Blacks Arts Movements anticipated transversality. Moreover these transversal experiments found their most expansive form in performance, no matter the media or art discipline out of which they emerged. This seminar thus proposes to look at three festivals: Festac ‘77 in Nigeria, Carifesta ‘76 in Jamaica, and WattStax ‘72 in Los Angeles. None of these festivals was without its problems but at their best they reconfigured audiences and peoples, and to misquote Cabral art became the humus out of which something like revolution might emerge. Alongside our study of these festivals we will screen several films including London’s Black Audio Collective and their film Handsworth Songs (1986), a film from Los Angeles Rebellion, Charles Burnett’s The Killer of Sheep (1978), Juan Declan’s AfriCOBRA: Art for the People , and more recently films by younger generation film-maker Ephraim Isili. The seminar will also draw on the following key texts.

Im fast jedem Film tauchen Menschen auf, die vorher von anderen Menschen gefilmt wurden. Im Dokumentarfilm werden die Menschen vor der Kamera von denen hinter der Kamera häufig „Protagonist*innen“ genannt. Was besteht für ein Verhältnis zwischen Filmemacher*in und Protagonist*in? Wie begegnen sich diese beiden Positionen? Wie verläuft der erste Kontakt? Wer verhält sich wie? Wer ist an wem oder was interessiert? Welche Erwartungen entstehen? Wer hat einen Vorteil? Und was passiert dann? Protagonist*innen werden zu Figuren in einem Film und betreten unerforschtes Gebiet: Ausgehend von einer experimentellen Versuchsanordnung aus Begegnung, Recherche und der Arbeit mit Textfragmenten baut sich der Workshop mittels diverser Schreib-Übungen im besten Fall bis zum Verfassen einer Drehbuchszene auf.

Bodies of Code explores contemporary artistic practices where artificial intelligence moves beyond the digital space to take physical form through robotics. This seminar investigates the creative potential, expressive capacities, and complex challenges arising when AI gains embodiment—allowing it to interact with, respond to, and influence our physical space. We will examine how artists explore the poetics of embodied AI and robotic systems to develop concepts for and prototypes of kinetic sculptures, installations, and interactive art, often leveraging AI agents to forge new modes of human-machine interaction. Through a combination of critical theory, discussions on artistic practices, and hands-on prototyping, students will develop their own critical and creative responses to this field. The course includes an exploration of the historical and contemporary context of robots in art, alongside technical tools and techniques relevant to embodied AI and robotics. Topics may include experimentation with AI models, programming robotic behaviors, integrating motors and sensors, designing for physical interaction, and working within simulation environments.

During the 4-day hands on workshop, the participants will be taught the fundamentals of a camera control tracking device for stop motion animation, using a slider and camera head gear. Coke Rioboo has directed and animated three shortfilms and a web series, composed the soundtrack of several shortfilms and three feature films, and has taught animation workshops around the world. Winner of a Goya Award for his 2006 shortfilm Said ́s Journey. http://www.cokerioboo.com/en/biofilmography

In dem kleinen aber feinen Ort Toruń in Polen, findet in diesem Jahr erneut das größte Kamerafestival der Welt statt. Hier werden Filme besonders unter der Qualität der Bildgestaltung betrachtet und gewürdigt. Es treffen sich die international renommiertesten DOP`s. Sie tauschen sich mit ihren Arbeiten aus und lassen in Workshops die Nachwuchstalente an ihrem Wissen teilhaben. Neuste Entwicklungen im Kamerabereich werden vorgestellt und auf sämtlichen Abendveranstaltungen besteht die Möglichkeit sein eigenes Netzwerk auszubauen und mit den ganz Großen der Bildgestaltung ins Gespräch zu kommen. Das Camerimage Filmfestival findet vom 15.11. – 22.11.2025 statt. Diese Exkursion ist für alle Studierenden im Hauptstudium, die sich in besonderer Form mit der Bildgestaltung auseinandersetzen.

In dem kleinen aber feinen Ort Toruń in Polen, findet in diesem Jahr erneut das größte Kamerafestival der Welt statt. Hier werden Filme besonders unter der Qualität der Bildgestaltung betrachtet und gewürdigt. Es treffen sich die international renommiertesten DOP`s. Sie tauschen sich mit ihren Arbeiten aus und lassen in Workshops die Nachwuchstalente an ihrem Wissen teilhaben. Neuste Entwicklungen im Kamerabereich werden vorgestellt und auf sämtlichen Abendveranstaltungen besteht die Möglichkeit sein eigenes Netzwerk auszubauen und mit den ganz Großen der Bildgestaltung ins Gespräch zu kommen.

In dem kleinen aber feinen Ort Toruń in Polen, findet in diesem Jahr erneut das größte Kamerafestival der Welt statt. Hier werden Filme besonders unter der Qualität der Bildgestaltung betrachtet und gewürdigt. Es treffen sich international renommierte DOP`s. Sie tauschen sich mit ihren Arbeiten aus und lassen in Workshops die Nachwuchstalente an ihrem Wissen teilhaben. Neuste Entwicklungen im Kamerabereich werden vorgestellt und auf sämtlichen Abendveranstaltungen besteht die Möglichkeit sein eigenes Netzwerk auszubauen und mit den ganz Großen der Bildgestaltung ins Gespräch zu kommen. Das Camerimage Filmfestival findet vom 16.11. – 23.11.2024 statt. Diese Exkursion ist für alle Studierenden im Hauptstudium, die sich in besonderer Form mit der Bildgestaltung auseinandersetzen.

In dem kleinen, aber feinen Ort Toruń in Polen findet in diesem Jahr erneut das größte Kamerafestival der Welt statt. Hier werden Filme besonders unter der Qualität der Bildgestaltung betrachtet und gewürdigt. Es treffen sich die international renommiertesten DOP`s. Sie tauschen sich mit ihren Arbeiten aus und lassen in Workshops die Nachwuchstalente an ihrem Wissen teilhaben. Neuste Entwicklungen im Kamerabereich werden vorgestellt und auf sämtlichen Abendveranstaltungen besteht die Möglichkeit sein eigenes Netzwerk auszubauen und mit den ganz Großen der Bildgestaltung ins Gespräch zu kommen.

Das Fotografie-Seminar besteht in diesem Semester aus zwei Schwerpunkten: Wir wollen einerseits eine Gruppenausstellung in Paris für November 2022 vorbereiten, andererseits möchten wir mit Euch zusammen im Sommersemester vier CASE-Einzelausstellungen realisieren. Für beide Schwerpunkte sind die Studierenden eingeladen, die Fotografie als eine dokumentarische, fiktive, medienreflexive Praxis zu verstehen: die Fotografie in das Bewegtbild, in den 3D-Raum, in die Skulptur hineinzuentwickeln, Fotografie und Text zu verbinden oder die Fotografie als Handlung in Netzen zu verstehen. Die Gruppenausstellung ist Teil der Reihe „La jeune photographie allemande" und wird im Goethe-Institut zeitgleich zur PARIS PHOTO gezeigt. Die Ausstellung wird von Ami Beckmann kuratiert, sie wird sich thematisch auf die ökologische Krise fokussieren. Mit den ausstellenden Studierenden ist eine Exkursion nach Paris geplant. Die vier CASE-Ausstellungen sind dagegen thematisch nicht gebunden. Im Laufe des Semesters wird es im Seminar verschiedene Inputs und Vortragseinladungen zu dem Thema der ökologische Krise geben. Sprechstunden: Für die Buchung einer Sprechstunde bei Alex Grein oder Beate Gütschow bitte uns jeweils eine E-Mail schreiben.

Exkursion zum Gallery Weekend Berlin 27. – 30. April 2023. Geplant ist darüber hinaus eine Gruppenausstellung zu Schwerpunkten: ökologische Krise, Aktivismus, Identität, entgrenzte Fotografie.

Ein Kino-Dokumentarfilm wird in all seine Einzelteile zerlegt und analysiert. In allen Stufen der Entscheidungs- und Entstehungsprozesse werden Fragen nach Identität und Autorenschaft, Vision und Verantwortung, Zweifel und Zuversicht gestellt. Zu allen produktions- und filmästhetisch relevanten Entscheidungsprozessen werden praktische Übungen durchgeführt. Sprache: Deutsch und Englisch A cinema documentary is broken down into all its individual parts and analyzed. Questions of identity and authorship, vision and responsibility, doubt and confidence are asked at all stages of the decision-making and creation processes. Practical exercises will be carried out on all decision-making processes relevant to production and film aesthetics. Language: German and English

Kompakt in drei Tagen durchlaufen wir exemplarisch den fünfjährigen Entstehungsprozess des Kinodokumentarfilms We Are All Detroit – Vom Bleiben und Verschwinden (2021). Von der Ideenfindung, dem Exposéschreiben über die Finanzierung bis zur Arbeit im Schneideraum und zur Herausbringung und Vermarktung des Films analysieren wir die produktions- und filmästhetisch relevanten Entscheidungsprozesse in all ihren Facetten. Einen Film zu realisieren bedeutet Lebenszeit investieren, Mut aufbringen, Zweifel aushalten, Durchhaltevermögen erproben, Visionen entwickeln und verwerfen, das Scheitern immer Gepäck. Einen Film zu machen bedeutet, die Realität, die uns begegnet in Bilder und Töne umzuwandeln, damit diese miteinander eine Beziehungen eingehen und am Ende den Zuschauer im Herzen berühren. Wir begeben uns auf eine spannende Spurensuche nach grundsätzlichen Fragen an das dokumentarische Arbeiten.

“A five day intensive workshop for filmmakers/writers and actors. The workshop explores the Character-based Improvisation Process (CBI), a means of creating detailed, complex characters, whether it’s for conventional scripted material, ensemble scenes or improvised dramas – the process can be used to create entire films as well. (It’s how British director Mike Leigh creates his films.) The CBI process allows actors and filmmakers greater creative freedom; it empowers and liberates: actors achieve performances that are spontaneous, immediate and truthful; directors are able to maintain a creative overview and to build on what the actor does. Both actors and filmmakers benefit from the creative partnership formed through CBI Process. The Character-based Improvisation (CBI) Process begins with the director working directly with the actor, one-on-one, to create a character. As the name implies, improvisations are at the heart of the process. These are based on reality and observation, and investigate the character’s emotional and psychological condition in a series of evolving situations.” For more information: http://www.cbiactorworkshops.com/the-workshop-explained/ Timeframe: Beginning of November 2022 we will organise an introduction and casting workshop through Zoom. The CBI Workshop will be realized in collaboration with the acting school der Keller Cologne. (Schauspielschule der Keller Köln) The CBI workshop takes place from 21.01.23 - 25.01.23

CHITRAKATHA 2021, International Student Design and Storytelling Festival of India will take place online from November 25 to 27th. CHITRAKATHA is a biannual Student Design and Storytelling Festival that celebrates its 8th edition. It is the biggest student animation event in India. The program hosts film screenings, forums, pitching workshops and performances. CHITRAKATHA is an excellent platform to establish relationships and build awareness among students, professionals and faculties about the power of design education.

In this theory seminar, we will explore realism as a cinematic style in fictional films and read some of the seminal theoretical texts by Bazin, Kracauer and others. Without claiming to provide a systematic account of all manifestations of cinematic realism, we will develop a framework for speculating on the future of cinematic realism in the age of Large Language Models and AI-generated imagery. 

„Circuit Training“ (dt.: Zirkeltraining, Kreistraining) ist eine Organisationsform des Sports, bei der die Trainierenden einzelne Stationen in vorgegebener Reihenfolge und Zeit durchlaufen. Nach einer kurzen Aufwärmphase absolvieren die Seminar-Teilnehmer*innen im Laufe des Semesters drei aufeinanderfolgende Übungen auf Basis vorgegebener, frei interpretierbarer Themen. Ziel einer jeden Übung ist die systematische Entwicklung eigener Prototypen, die in einem vierstufigen Prozess (Ideenfindung, Recherche, Prototyping, Finalisierung) gemeinsam erprobt werden soll. Aufeinander aufbauend kommen dabei folgende Techniken und Arbeitsmittel zum Einsatz: Prototyping mit einfachen Materialien, Grundlagen der Mechanik, Elektronik und Elektrotechnik, Sensoren & Aktoren, Arduino, Raspberry Pi, Programmierung, CAD, Rapid Prototyping sowie Konzeption, Dokumentation und Präsentation.

Dichter, die Dichter erfunden haben, von James MacPhersons „Ossian“ bis hin zu Fernando Pessoa, Lars Gustafsson und Franz Josef Czernin: In diesem Seminar lesen wir nicht nur die Klassiker des lyrischen Maskenspiels und stellen sie Sitzung um Sitzung in kurzen Referaten vor, sondern tun es ihnen gleich. Genauer: Wir erfinden Dichter, ihr Wirken und ihre Biographie – und schreiben ihre Gedichte in ihrem Namen. Es wird sich um Texte handeln müssen, die uns und unserer eigenen Poetologie einerseits so fremd sind, dass wir sie nie unter eigenem Namen veröffentlichen würden, und die doch einem Aspekt unseres eigenen Schreibens nahe kommen, die vielleicht einer geheimen Vorliebe entsprechen, die uns jedenfalls interessant genug erscheinen, um sie überhaupt schreiben zu können. Er bewege sich „du connu à l’inconnu“, bemerkte Émile Zola einst zum experimentellen Roman. Gleiches muss von jedem neuen Gedicht verlangt werden, doch setzen wir noch früher an und erfinden den Entdecker dieses Unbekannten gleich mit. Gemeinsam ließe sich so ins Grübeln kommen über Rollengedichte und Dichterrollen – und aus neuer und unvertrauter Perspektive über ganz grundsätzliche Fragen der Form, der Tradition, des Stils reden. Neben den neuen Gedichten der imaginären Dichter, vor dem Hintergrund dieses fremden Schreibens, können auch zuvor verfasste, eigene Gedichte der Seminarteilnehmer*innen besprochen werden. Vielleicht gelingt es sogar, als krönenden Abschluss ein kleines „Festival der erfundenen Dichter“ zu organisieren?

Code Collective is a supportive community for critical–creative coding. It is organized as a collaboratory (colloquium-collaboration-laboratory) emphasizing co-learning and co-teaching, process, and experimentation. In this cooperative space you can dabble in code, troubleshoot a dream project, ask ‘dumb’ questions, and explore new programming techniques suited to your artistic practice—from web development to self-hosted servers, from live coding to database design to multimodal AI models. The topics and tech will vary based on our shared interests, with a focus always on the sociotechnical impacts of our practice. Themes will likely include critical–creative and intersectional methods, tactical media interventions, and critical code studies approaches. Along the way, we may host guest speakers or run workshops, discuss shared readings, give feedback on projects in progress, showcase new work, and eat snacks. All levels and languages are welcome! Possible Readings Cotton M. 2025. Radical Software: Women, Art, & Computing 1960-1991. Evans J. 2013-2026. Wizard Zines. wizardzines.com Franklin UM. 2004. The Real World of Technology. Ganesh, MI. 2025. AUTO-CORRECT: The Fantasies and Failures of AI, Ethics, and the Driverless Car. Nakamura L. 2014. “Indigenous Circuits: Navajo Women and the Racialization of Early Electronic Manufacture.” Seaver N. 2021. “Care and Scale: Decorrelative Ethics in Algorithmic Recommendation.” Scheuerman M, Denton E, Hanna A. 2021. “Do Datasets Have Politics? Disciplinary Values in Computer Vision Dataset Development.” Weatherby L. 2025. Language Machines: Cultural AI and the End of Remainder Humanism.

Why even learn to code when generative AI might do it faster or better? What critical and creative skills do we need as artists and citizens in order to engage with code, when so much of what we make and encounter has code underneath? This basic seminar is part of CODESHIP, a supportive community for critical–creative coding that emphasizes co-learning, co-teaching, tinkering, and works in progress. With a welcoming, non-intimidating approach, the course aims to help you gain comfort with the key concepts of computational thinking and to question those concepts through intersectional lenses. You can launch (or troubleshoot) a code-related dream project, ask ‘silly’ questions, and explore new programming skills suited to your artistic practice. Together we will explore foundational techniques across programming languages, gaining practice with Rust, Python, and/or Javascript, and you will have the chance to experiment with these and other tools that support your ideas. We will explore how (when, whether) to use AI in your coding practice, as well as better practices of digital care at this pivotal moment of high-risk tech. We will engage the historical, sociotechnical, and material stakes of computation as we create critical-creative projects that treat code as an artistic material and critical aesthetic form. Drawing on creative and critical examples from crip technoscience, Black computational thought, cyberfeminism, esoteric programming languages, critical data studies, OSINT, '90s tactical media/net art, and more, we will test the limits of our own expectations for what code should be and should do. Along the way, we will have practical workshops, discuss readings, support each others' projects, and eat snacks. This seminar gives priority to students on foundation courses, but is open to everyone.

“The most profound enchantment for the collector is the locking of individual items within a magic circle in which they are frozen as the final thrill, the thrill of acquisition, passes over them. Everything remembered and thought, everything conscious, becomes the pedestal, the frame, the base, the lock of his property.“ Walter Benjamin, 1931 “It was Benjamin’s conviction that reality itself invited—and vindicated—the once heedless, inevitably destructive ministrations of the collector. In a world that is well on its way to becoming one vast quarry, the collector becomes someone engaged in a pious work of salvage. The course of modern history having already sapped the traditions and shattered the living wholes in which precious objects once found their place, the collector may now in good conscience go about excavating the choicer, more emblematic fragments.“ Susan Sontag, 1973 “Collecting is not just based on an inability to leave things where they are; it is also a form of self-expression. (...) Even finished objects can absorb psychological energy and satisfy aesthetic or biographical interests—often better than objects you have created yourself.“ Walter Grasskamp, 1979 „What you really collect is always yourself. This makes it easier to understand the structure of the system of possession: any collection comprises a succession of items, but the last in the set is the person of the collector.“ Jean Baudrillard, 1968 In this seminar, we examine the history, aesthetics, methology and psychology of collecting. New collections will be created and existing ones presented. The focus is on different practices of collecting, selecting, and reorganizing, on the question of how a collection emerges from a hodgepodge – and how it becomes a work of art. This involves both collecting itself as an artistic practise and working with collections as an starting point and material. Artists: Guy Ben-Ner, Frank Beauvais, Alisa Berger, Céline Berger, Manuel Boden, Bin Chuen Choi, Joseph Cornell, Song Dong, Hans-Peter Feldmann, Morgan Fisher, Alberto Grifi & Gianfranco Baruchello, Camille Henrot, David Horvitz, Sohrab Hura, Roman Khimei & Yarema Malashchuk, Peter Piller, Anne Charlotte Robertson, Jörg Sasse, Maya Schweizer, Timm Ulrichs, Agnes Varda, Lucy Walker / Vik Muniz, Andy Warhol u.a. Gäste : Christoph Girardet, Susann Maria Hempel, Daniel Kothenschulte, Martin Paret

Dr. Björn Theis, Zil Lilas Futurology, or foresight, is a multidisciplinary field of study that examines future change - why and how environments, societies, or technologies are changing, and where such changes might lead in the future. In short, the discipline helps to create plausible and consistent images of alternative futures in order to explore and evaluate possibilities beyond the dominant images of the future and the limitations of the present, which are often based on implicit assumptions.  Today, futures studies play an important role in most organizations dealing with long-term developments, such as business decision-making, urban planning, design, innovation, policy development, or strategic planning, as well as in more complex critical futures studies, such as human-technology-environment relationships, and imagining possible futures in the context of expected future developments, such as the rise of AI or biotechnology, climate change, or other technocultural transformations.  In the seminar, we will learn how to use such futurological tools: First, we will be introduced to the main foresight methods. Then participants will choose one or more topics for their own futures field trip: Using the methods learned, we will explore the possible, plausible, probable, and desirable futures of the selected topics. However, we will not only produce field reports, but we will also try to create future artifacts from this journey that can open dialogues and stimulate art and innovation for futures that could be. 

Futurology, or foresight, is a multidisciplinary field of study that examines future change - why and how environments, societies, or technologies are changing, and where such changes might lead in the future. In short, the discipline helps to create plausible and consistent images of alternative futures in order to explore and evaluate possibilities beyond the dominant images of the future and the limitations of the present, which are often based on implicit assumptions.  Today, futures studies play an important role in most organizations dealing with long-term developments, such as business decision-making, urban planning, design, innovation, policy development, or strategic planning, as well as in more complex critical futures studies, such as human-technology-environment relationships, and imagining possible futures in the context of expected future developments, such as the rise of AI or biotechnology, climate change, or other technocultural transformations.  In the seminar, we will learn how to use such futurological tools: First, we will be introduced to the main foresight methods. Then participants will choose one or more topics for their own futures field trip: Using the methods learned, we will explore the possible, plausible, probable, and desirable futures of the selected topics. However, we will not only produce field reports, but we will also try to create future artifacts from this journey that can open dialogues and stimulate art and innovation for futures that could be.  Dozent*innen Prof. Zilvinas Lilas und Dr. Björn Theis

“Fundamentally shaped by indigenous, colonial, industrial, and neoliberal histories, surfing—as religion, cultural practice, ludic pursuit, countercultural iconography, competitive sport, multinational industry, and consumer culture—is a profoundly complex global practice, rife with contradictions.” Das vorangestellte Zitat stammt aus der Einleitung des Critcial Surf Studies Reader (Duke University Press, 2017) und zeigt bereits deutlich, wie vielschichtig und komplex eine kritische Auseinandersetzung mit der Kultur und Bewegung des Wellenreitens sein kann und muss. Auch wenn es verlockend erscheint, sich während des kühlen und dunklen Wintersemesters (zumal an einer Hochschule, die hunderte – wenn nicht tausende – Kilometer vom nächsten Surfspot entfernt liegt) in wärmere Gefilde und an paradiesische Strände zu träumen, um sich in Gedanken den Idealisierungen eines Endless Summer hinzugeben, sind es genau diese klischeehaften und zum Teil hochproblematischen Repräsentationen der Surfkultur, die wir im Seminar hinterfragen und dekonstruieren wollen. Die kolonialen, kommerziellen, patriarchalen und neoliberalen Impulse des modernen Surfens sollen anhand von konkreten Beispielen und Textlektüren herausgearbeitet und analysiert werden. Es geht u.a. um die sub- und popkulturelle Darstellung der Surfkultur in Film, Fotografie, Literatur und Musik, um sexistische und rassistische Tendenzen, Erotisierung und Exotisierung, um das „Whitewashing“ der Geschichte des Surfings, um Kommodifizierung und Kapitalisierung sowie um Problematiken des Surf-Tourismus und seine sozialen und ökologischen Folgen. Darüber hinaus spielen phänomenologische Betrachtungen der Praxis des Wellenreitens eine Rolle und wir blicken auch auf die medientheoretischen, philosophischen und kulturtheoretischen Implikationen des Surfens, die u.a. bei Marshall McLuhan, Gilles Deleuze und John Fiske anklingen. Quellenauswahl: Comer, Krista. Surfer Girls in the New World Order. Duke University Press, 2010. Cooley, Timothy J. Surfing about Music. University of California Press, 2014. Hough-Snee, Dexter Zavalza und Alexander Sotelo Eastman, Hrsg. T he Critical Surf Studies Reader. Duke University Press, 2017. Ingersoll, Karin Amimoto. Waves of Knowing: A Seascape Epistemology. Duke University Press,2016. Laderman, Scott. Empire in Waves: A Political History of Surfing. University of California Press,2014. Lawler, Kristin. The American Surfer: Radical Culture and Capitalism. Routledge, 2011. lisahunter. Surfing, Sex, Genders and Sexualities. Routledge, 2018. Out in the Line-Up: Uncovering the Taboo of Homosexuality in Surfing. Regie: Ian W. Thomson, 2014. Stranger, Mark. Surfing Life: Surface, Substructure, and the Commodification of the Sublime. Routledge, 2011. The Endless Summer. Regie: Bruce Brown, 1966. Walker, Isaiah Helekunihi. Waves of Resistance: Surfing and History in Twentieth-Century Hawai‘i. University of Hawai’i Press, 2011. White Wash. Regie: Ted Woods, 2011.

We'll continue to read contemporary phenomena through the lens of "access", and query them for their potential as raw material for art. How do you provide access to your art? To yourself? Under which conditions? Who do you exclude? How is the work defined by the way it is being accessed by an audience? We'll discuss your concepts-in-progress in a free colloquium. New students from all backgrounds are welcome to join this ongoing process. The aim is to develop new methods and approaches, especially those that cross diverse media in a performative way. *ctrl-space live is a praxis seminar that addresses "control" in two ways: a) in its cybernetic sense, meaning not domination but interdependence (the role of the artist becomes that of one actor among many, who can take a shot at affecting processes largely out of her/his control, making connections, encounters, relationships possible), and b) the Deleuzian concept of control, a fluid regime of discipline and mutual surveillance. This is a seminar about the sites where these processes take place. Its aim is to open up spaces for things to happen, in interventions and performances on- and offline. At its heart this is a performance seminar, addressing the uniqueness of the present moment.

We will continue to read contemporary phenomena through the lens of the term "access" and query them for their potential as raw material for art. How do you provide access to your art? To yourself? Under which conditions? Who do you exclude? How is the work defined by the way it is being accessed by / the way it positions itself to the audience? We'll discuss your concepts-in-progress in a free colloquium. New students from all backgrounds are welcome to join this ongoing process. The aim is to develop new methods and approaches, especially those that cross diverse media in a performative way. *ctrl-space live is a praxis seminar that addresses "control" in two ways: a) in its cybernetic sense, meaning not domination but interdependence (the role of the artist as one actor among many, who can take a shot at affecting processes largely out of anyone's sole authority, managing connections, encounters, relationships), and b) the Deleuzian "control society", a fluid regime of mutual surveillance and continuous behavior modulation. This is a seminar about the sites where these processes take place. Its aim is to open up spaces for things to happen, in interventions and performances on- and offline. At its heart this is a performance seminar, addressing the uniqueness of the present moment. Workshops: Mid Term Review *if the pandemic allows. Cryptoparty@Glasmoog Working language is English.

A Practical 4-Day Workshop in Strategic Cultural Intervention Authoritarian narratives succeed by working at the level of metaphor, emotion and worldview, while democratic responses often fail by arguing within opponents' frames. This workshop trains artists to intervene at that same depth using Culture Hack Lab methodology—combining cognitive linguistics, transformation theory, and activist practice from Guatemala to the Brazilian Amazon. Artists fighting this trend need to understand how culture installs cognitive infrastructure, and how to build decolonial alternatives that make pluralistic complexity feel emotionally compelling rather than exhausting. Artists and storytellers have always been the ones who make new worlds imaginable before they become possible. The old stories are collapsing. The question is whether new ones can grow fast enough in the cracks. Come learn to plant them. You'll learn to map cultural trends and discourses, identify the current "Overton Window,", learn to deconstruct hidden worldviews, locate critical audiences, reframe oppressive messages, design concrete interventions using your artistic practice and voice to execute cultural hacks with the support of methodologies like the "Meme Tree" method. We work through anarchist organizing principles: consensus decision-making, horizontal collaboration, collective reflection. Day 4 includes a field trip to a regional anarchist collective space for embodied practice. Facilitated by: Sergiu Zorger (KHM alumnus, Ulex trainer, Culture Hack Labs fellow)

In diesem Seminar arbeiten wir an einem Ausstellungsprojekt mit dem Museum Morsbroich, Leverkusen. Die Gruppe, die an der Ausstellung arbeitet, hat sich bereits im Wintersemester 2025/2026 gefunden. Folgendes Konzept wurde im Fachseminar Fotografie entwickelt: Ein Zufallsgenerator hat den 19. Februar 2026 als Ausgangspunkt für unsere Ausstellung gewählt. Die Studierenden entwickeln künstlerische Arbeiten, die auf Medienbeiträge (online wie print) und Social Media Posts, die an diesem Tag veröffentlicht wurden, Bezug nehmen. Dabei bieten die Medienbeiträge des 19. Februar 2026 Anknüpfungspunkte für alle, um mit ihren Interessen und Arbeitsansätzen anzudocken und so ein Projekt zu gestalten, dass einerseits eine Gemeinschaftsarbeit ist, andererseits aber auch individuelle Beiträge zulässt. Das Projekt soll auch eine gemeinsame Form bekommen: alle künstlerischen Arbeiten erscheinen auf einer großen zusammenhängenden Tapete, die alle Wände der fünf Ausstellungsräume bedeckt. Die Ausstellung wird am 19. Februar 2027 eröffnet.

In documentary film, you collect what is there - a narrative from pieces that already exist.   Stéphane Breton take a fresh look at your own material for a current project or revive an abandoned project from your archive. CUT TO exchange your existing raw material, found footage or rough cut with other seminar participants and let them create a new story. CUT TO discover a new approach to editing CUT TO montage.

»Ich stelle die menschlichen Einfälle und meine persönlichen Einfälle einfach als Gedanken dar, die zum menschlichen Bereich gehören, und trenne sie scharf von denen des anderen Bereichs.« (Michel de Montaigne) / »Der mit Abstand beste Beweis ist die Erfahrung. « (Francis Bacon) / »Wenn die Wahrheit nicht in den Regalen des Britischen Museums zu finden ist, wo, so fragte ich mich, während ich zu Notizbuch und Bleistift griff, sollte sie sonst zu finden sein? (Virginia Woolf) / »Der Essay aber lässt sich sein Ressort nicht vorschreiben.« (Theodor W. Adorno) / »Ein Essay ist ein Spaziergang, ein Lustwandeln, keine Handelsreise.« (Michael Hamburger) / »Wir erzählen uns Geschichten, um zu leben.« (Joan Didion) / »Der durch Fragen ausgelöste Schwindel setzt ein Leben ständiger Selbstprüfung in Gang.« (George Steiner) / »Die einzigen interessanten Antworten sind die, die die Fragen zerstören.« (Susan Sontag) / »Niemand kann von mir verlangen, daß ich Zusammenhänge herstelle, solange sie vermeidbar sind.« (Ilse Aichinger) / »Man gewöhnt sich daran, dass das Leben wie ein Netz ist, etwas bleibt ja doch darin hängen. Nach dem Rest darf man nicht greifen, sonst reißen die Maschen, und dann ist alles weg.« (Asal Dardan). Über die Frage, was ein Essay ist, was ihn von der fiktionalen Prosa unterscheidet, wieviel Persönliches darin verhandelt werden darf (alles!), darüber wollen wir anhand von ausgesuchten Beispielen aus der Tradition und der Gegenwart sprechen. Zudem sind alle Teilnehmer*innen des Seminars gebeten, Essays zu schreiben und zur Diskussion zu stellen. Der Besuch von Gästen ist geplant.

Als der Schriftsteller W.G. Sebald am 14. Dezember 2001 in der Nähe seines Wohnortes in Ostengland bei einem Autounfall ums Leben kam, löste diese Nachricht in der literarischen Welt einen Schock aus. Wenige Monate zuvor war sein gefeierter erster Roman »Austerlitz« erschienen, die englischsprachige Welt überschlug sich vor Begeisterung, und auch in Deutschland kam der aus dem allgäuerischen Wertach stammende Schriftsteller immer mehr im Bewusstsein der Leser*innen an. W.G. Sebald galt vielen spätestens seit seinem Erzählband »Die Ausgewanderten« als moderner Klassiker, aber auch zuvor hatte er mit jedem seiner Bücher – sei es mit seinen Essays zur österreichischen Literatur, mit seinem Langgedicht »Nach der Natur« und seinem ersten Prosabuch »Schwindel. Gefühle« für Aufsehen gesorgt. Es ist etwas Seltsames um die Literatur dieses Wanderers zwischen den Welten, »ein Einzelgänger, ein melancholischer promeneur solitaire, angezogen von geheimen Macht – und Unheilsorten (...), dessen Blick die Schichten des Gewesenen durchdringt und hinter dem Geschauten synchron das Verschwundene imaginiert« (Sigrid Löffler). Diese Mischung aus Erzählung, Bericht, Naturkunde und Reflexion sucht in der deutschsprachigen Literatur ihresgleichen. Wo enden die Fakten, und wo beginnt die Geschichte? Was hat es auf sich mit den Fotografien, die sich in allen seinen Büchern finden? Und was mit dieser sinnlich-altmodischen Sprache, jenen weit ausschwingenden Sätzen, in denen die Toten umgehen wie die Lebenden, und von einer Zeit erzählen, die gerade erst vergangen und zugleich weit entfernt zu sein scheint? Wir wollen uns dem schmalen, aber zugleich unerschöpflichen Werk W.G. Sebalds nähern, indem wir einige ausgewählte Essays und Erzählungen untersuchen, uns mit dem Schriftsteller auf eine Wanderung durch Suffolk begeben und seinen Roman »Austerlitz« gemeinsam lesen.

Dana Bunescu is a Romanian film editor and sound editor. She is best known for editing Cristian Mungiu's films 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007, the film won three awards at the 2007 Cannes Film Festival, including the Palme d'Or), The Autobiography of Nicolae Ceaușescu (dir. Andrei Ujică, 2010, screened at Cannes) as well as Calin Netzer’s Ana, Mon Amour (2017, Berlinale), for which she won the Silver Bear for Outstanding Artistic Contribution. As a sound designer Dana worked on films such as Child’s Pose by Călin Peter Netzer, winner of Golden Bear for Best Film, Berlinale 2013, and Aferim! by Radu Jude (winner of Silver Bear at the Berlinale 2015). In this seminar we will watch a selection of the films Dana Bunescu worked on as editor and/or as sound designer, ranging from well-known films to lesser known ones, and read texts placing these films into historic and cinematic context. Main goal of the seminar is to have close look at how screenwriting, camera, editing as well as sound design stand in relation to one another. In English and German. Please note: Dana Bunescu will give a workshop in the compact week, 12-16 June 2023, please see the compact seminar-text.

Dana Bunescu is a Romanian film editor and sound editor. She is best known for editing Cristian Mungiu's films 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007, the film won three awards at the 2007 Cannes Film Festival, including the Palme d'Or), The Autobiography of Nicolae Ceaușescu (dir. Andrei Ujică, 2010, screened at Cannes) as well as Calin Netzer’s Ana, Mon Amour (2017, Berlinale), for which she won the Silver Bear for Outstanding Artistic Contribution. As a sound designer Dana worked on films such as Child’s Pose by Călin Peter Netzer, winner of Golden Bear for Best Film, Berlinale 2013, and Aferim! by Radu Jude (winner of Silver Bear at the Berlinale 2015). Dana Bunescu will give a workshop as well consult on individual projects. In English. Please also see the Theory Seminar Dana Bunescu and her films: The connection between the screenplay, camera, editing and sound design Thursday 10 - 13 pm, start Thursday 13 April.

Dana Bunescu is a Romanian film editor and sound editor. She is best known for editing Cristian Mungiu's films 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007, the film won three awards at the 2007 Cannes Film Festival, including the Palme d'Or), The Autobiography of Nicolae Ceaușescu (dir. Andrei Ujică, 2010, screened at Cannes) as well as Calin Netzer’s Ana, Mon Amour (2017, Berlinale), for which she won the Silver Bear for Outstanding Artistic Contribution. As a sound designer Dana worked on films such as Child’s Pose by Călin Peter Netzer, winner of Golden Bear for Best Film, Berlinale 2013, and Aferim! by Radu Jude (winner of Silver Bear at the Berlinale 2015). The list of films she worked on is long, to name some more: The Death of Mr. Lazarescu, dir. Cristi Puiu (2005, Un Certain Regard Award), The Distance Between Me and Me, with Mona Nicoară (2018) and The Chalice. Of Sons and Daughters, with Catalina Tesar (2022). 19.11. - 22.11.25: Dana Bunescu attends the Seminar „Entwicklung von Stoffen anhand visueller Parameter“ (Wednesday, 19.11, 14h-17h), “the end of the story” mit Kathrin Röggla (Thursday 20.11, 11h-13h) and Montage (20.11, 14h-17h) 9.2.2026: Masterclass with Dana Bunescu: editing & sound 10.2-14.2.2026:  one-on-one meetings, consultation on editing and sound design of individual projects. Seminar language: English

Fortsetzung des im WiSe begonnenen Seminars mit Schwerpunkt auf Drehvorbereitung und praktische Umsetzung. Dreh im Juli an 4 Tagen. Im zweiten Teil des Seminars geht es um die Fertigstellung der Drehbücher für die 4 Kurzfilme, die an 4 Drehtagen realisiert werden sollen. Es werden die notwendigen Räume, also Motive, auf ihre Eignung für eine visuell interessante Umsetzung geprüft, Kriterien zur Auswahl definiert und der Ablauf einer Motivsuche und einer Motivbesichtigung zum Dreh besprochen und analysiert. Was geht unter welchen Umständen und wie ist es realisierbar? Dabei gilt zu beachten, dass der Mangel Personal, Material und an „Räumen“ immer besteht: Zeitraum, physikalischer Raum, psychologischer Raum, finanzieller Spiel“raum“… Wie geht man damit in welcher Funktion im Team um? Ist Mangel ein Motor für Kreativität? Danach wird an der Auflösung gearbeitet: Wie ist das Verhältnis von Personen und Raum zueinander und im Verhältnis zu Einstellungsgröße und Kamerabewegung für den Zuschauer nachvollziehbar darzustellen? Welche Prioritäten müssen / können gesetzt werden? Rhythmus und Montage sind zu bedenken. Welche Informationen sollen zuverlässig und welche unzuverlässig, also weit interpretierbar an den Zuschauer vermittelt werden? Kann / sollte man das Verhältnis von Atmosphäre und Information vor dem Dreh definieren und nach welchen Kriterien kann man das beurteilen? Gibt es technische Besonderheiten, die zu testen sind? Dann machen wir das. Und wird es am Ende noch Platz für das Spielerische geben? Schränken sehr genaue Drehvorbereitungen den Raum für kurzfristige Änderungen zu sehr ein? Was ist mit Improvisation…? Etc.pp.

Im zweiten Teil des filmpraktischen Seminars begleiten wir den Schnittprozess der entstandenen Porträtfilme aus dem Sommersemester. Neben zahlreichen filmischen Filmbeispielen, begleitet eine freie Editor*in und Redakteur*innen von 3Sat/ZDF multiperspektivisch den Schnittprozess der filmischen Porträts. In den Kompaktwochen arbeitet die Editorin engmaschig im Schneideraum mit den Studierenden an ihren Seminarprojekten. Das Seminar wendet sich ausschließlich an die Teilnehmer*innen des ersten Teils.

Die Teilnehmende des Fachseminars „Text-Adventures schreiben“, das im Sommersemester 2025 in Kooperation mit dem Literaturinstitut Hildesheim organisiert wird, reisen am 28. Juni 2025 nach Hildesheim. Dort treffen sie auf Studierende des Literaturinstituts, die ihrerseits dasselbe Seminar unter der Leitung von Dr. Jenifer Becker durchlaufen haben. Zu Beginn des Semesters werden die Hildesheimer:innen für einen gemeinsamen Kick-Off in Köln zu Gast sein. Unsere Exkursion nach Niedersachsen markiert dagegen den Schlusspunkt des Seminars. Hier stellen die Studierenden beider Hochschulen in einem Workshop ihre Text-Adventure-Arbeiten vor. Eine Unterkunft ist freundlicherweise durch die Studierenden in Hildesheim gewährleistet. Die Reisekosten übernimmt die KHM.

Stoffentwicklung, erster Schritt: aus Ideen, Ahnungen, Wünschen, Ängsten (oder was auch immer uns sonst so antreibt) einen Text machen. Für einen Film, für ein filmisches Projekt. Egal ob kurz, lang oder seriell. Damit das funktioniert, wird es praktisch: Zwischen den Terminen werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde, damit wir beim nächsten Termin wieder einen Schritt weiter kommen. Ziel ist die eine Seite, auf der im Grunde schon alles steht. Denn eine reiche Seite ist wie Saatgut, das die Dürre der weiteren Arbeit überdauern wird. Und wenn es schnell geht, dann kommt gleich die nächste Idee dran.

Abseits der Tat selbst artikuliert sich Täterschaft auch im Sprechen der Täter; beispielsweise in Manifesten, Bekenntnisschreiben, den Diskursen der Politik, vor Gericht, in sozialen Netzwerken und: im Film. Die Geschichte des Films ist voll von solchen Sprechakten. Jenseits des Propagandafilms vor allem in dokumentarischen Formen. Im Seminar werden wir eine Reihe dieser Filme gemeinsam sehen und besprechen. Interessieren wird uns dabei zum Einen, wie sich das Sprechen als Täter rhetorisch formt und wie diese Formen in sehr unterschiedlichen Zusammenhängen sehr unterschiedlich hörbar werden. Zum Anderen trifft dieses Sprechen immer auch auf eine filmische Form, die eine eigene Rhetorik mit sich bringt und dabei ein Verhältnis zum Gesprochenen herstellt - eine Haltung, die der Rede entgegensteht oder die Rede verstärkt, vor ihr zurückschreckt oder die getroffenen Aussagen demontiert. Entlang dieser zwei Sprechweisen - des Kinos und der Sprache - versuchen wir dem Sprechen der Täter auf die Spur zu kommen.  Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte zur Sprachpolitik (etwa von Jason Stanley, Judith Butler, Denise Riley, Konstantin Kaminskij) sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Our so-called networked society has failed so far to transpose the logic of interconnectedness into our lives. Citizens are becoming increasingly machine-like and dependent on data, threatening the connection between humans and their natural habitats. Although most of our daily transactions are carried out through electronic devices, we know very little of the apparatus that facilitates such interactions, or in other words, about the factory that lies beyond the interface. In this seminar, we will perform an in-depth exploration of the interface as a well-engineered capitalist machine that disconnects users from the material complexities of global chains of commodity and data production—and also social reproduction—with the aim of increasing economic profit. Thus, it is necessary to trace the connections that exist between things—as well as the workload involved in the basic maintenance of those connections—if the user is to fully understand the systems they operate in, in order to balance and repair the profoundly asymmetrical distribution of agency, energy, labor, time, care and resources within these planetary networks. The goal of this seminar is not only to foster an understanding of these systems, but also to empower students with the knowledge and tools to re-balance and repair the existing disparities. Office hours: Thursdays, 10:00 – 13:00 h either at Atelier Netze or at the office.

Despite playing a central role in the Ad Tech ecosystem, the primary business model of the Internet, users are surprisingly disconnected from the particularities of this industry. This is especially critical since user data is the main resource of Ad Tech. Performed by mundane gestures such as clicking and scrolling, user data is ubiquitously extracted, processed and commercialized by legions of algorithms organized and activated by global corporations and their intermediaries. This gigantic yet incredibly obfuscated maze of tangled contingencies (including algorithms, tracking technologies, devices, data centers, electricity, marketers, designers, engineers, CEOs, user data and foremost, money) traverses millions of bodies (both human, and non-human) spread all over the world. However, regardless of the compelling role of this diverse mesh of bodies in the organization and activation of Ad Tech, both their intrinsic material and their affective dimensions are dramatically neglected, thus exposing them to increasingly exploitative practices. This, in turn, excludes the possibility of repairing these systems to make them more sustainable in every sense of the word. Thus, it is urgent to create new paradigms that propose a renewed way to imagine the diversity of relationships that occur within the Internet in order to inhabit this system sustainably. The goal of this seminar is not only to foster a deep understanding of these systems, but also to empower students with the knowledge and tools to re-balance and repair the existing disparities. Through a combination of artistic research, embodied knowledge, critical pedagogy, and basic investigative journalism methods, we'll perform an in-depth analysis of the historical legacies, infrastructures, economic frameworks, cultures, materialities and affects that construct the current map of the Internet. Guest Speakers: 23 May 2024, 7 pm - Matthew Fuller (in person), public lecture at the Aula May 2024 - Ben Grosser (in person, TBC) June 2024 - Marloes de Vaelk (in person, TBC)

"I shall reconsider human knowledge by starting from the fact that we can know more than we can tell." (Polanyi 1967). This seminar will focus on exploring the Internet, through embodied knowledge. Embodied knowledge unfolds as a key vehicle to this seminar, as far from being a "cloud", the Internet articulates around a gigantic obfuscated maze of tangled contingencies which, ubiquitously, traverses millions of bodies (both human, and non-human) spread all over the world. 'Without the bodily, we would not be able to organize ourselves in our environment: we will not know where/what we are, what/how we are learning or how we can communicate about our feelings, experiences and modes of being'. In other words, our bodily experiences influence our actions in the social world. Moreover, our physical sensations and experiences are not just personal but have social and political dimensions, and are in a constant state of change and development. Neuroscientific research has shown that cognitive systems are deeply intertwined with bodily sensibility. This means that our perception and actions are not just controlled by our brain in isolation but are deeply connected to our bodily experiences, which in turn, are shaped within specific cultural and contextual frameworks. In the complex and often non-transparent realm of the digital economy, especially within the Internet, parallels can be drawn to Marx's Theory of Alienation. Here, users are increasingly distanced not only from the tangible benefits of their online activity but also from the awareness that their interactions constitute a form of labour. In such scenario, reclaiming the role of the body is not just critical, but a radical political act to confront the increasing asymmetries of power within this system. The main goal of the seminar is to somatize the entrenched contingencies that construct the Internet, including algorithms, tracking technologies, devices, data centers, electricity, marketers, designers, engineers, CEOs, user data and foremost, money. This process is crucial to gain a deeper understanding of the relationships that exist between the Internet, a global mega infrastructure at the service of capital, and its influence on the organization and disposition of our bodies and minds. Guest speakers in the winter term 2024/25: Marloes de Vaelk Mar Medina

Stefano Harney & Guest: Max Jorge Hinderer Cruz What would it mean to move from thinking about decoloniality to putting it into practice - in an art school, in a city, in a society? What is the relationship of decolonial theory to anti-colonial praxis, to post-colonial theory (and another kind of practice) and to the continuing domination of the neo-colonial and the imperial? What are the connections to the history of Third Worldism and the Non-aligned Movement? What are the links to development theory? For instance, to notions of underdevelopment, combined and uneven development, and the problem of the comprador classes? Finally, what is the relation of decolonial theory and practice to anti-blackness and to indigenous philosophies? This seminar will be co-led with the Director of the Academy of World Culture in Cologne (ADKDW), Max Jorge Hindered Cruz. This seminar is conceived as a collective endeavour. Students will be invited to contribute readings, documentaries, and suggestions for guests in the seminars. Guests will contribute their own perspective, including Her Excellency Tonika Sealy Thompson, Ambassador of Barbados to Brazil, who will speak on her concept and practice of decolonial diplomacy.

Stefano Harney & Guest: Max Jorge Hinderer Cruz We will continue our investigations into the thought and practice of decolonization, including but not limited to contemporary calls to decolonize institutions, curricula, and public space and public history. The seminar will revolve around invited speakers who will lead us in conversation around these issues. Week by week we will continue to search for a praxis, a coming together of theory and practice. Further explorations will be made of the eras of decolonization, the anti-colonial movements, and the emergence of new theoretical trajectories such as decolonial theory. Where possible we will also investigate spaces in Cologne itself, and the region more generally.

Wie wird aus dem Abbild einer Person ein Porträt? Wie beeinflusst die über 4.000 Jahre währende Tradition des Porträts die Gattung in unserer gegenwärtigen medialen Situation, insbesondere im repräsentationskritischen Experimentalfilm? Wie steht es um das Gebot der Abbildungstreue des Dokumentarischen bei Porträts von Menschen, die gar nicht existieren? Wie um die Perspektive des/r Betrachtenden, das problematische Verhältnis von Voyeurismus und Narzissmus, Vorstellen und Ausstellen, dem wir im Porträt begegnen? Wie in kurzen filmischen Formen dem sozialen und kulturellen Umfeld gerecht werden, in dem die Porträtierten stehen? Und wie die gängige Zu- und Festschreibung des Porträts umgehen: „So bist Du“? Wir sehen filmische Porträts von Individuen, Paaren und Gruppen, von Außenseiter*innen und Einzelgänger*innen, Künstler*innen und anderen Arbeitenden, von queeren, behinderten, jungen und alten, verehrten und geliebten, auch von abwesenden, toten und imaginierten Menschen. Filme von Agustina Comedi, Jana Debus, Andrés Duque, Forugh Farrochzad, Luke Fowler, Robert Frank, Hollis Frampton, Richard Fung, Chloé Galibert-Laîné, Birgit Hein, Mike Hoolboom, Edward Owens, Florian Riegel, Margaret Tait, Leslie Thornton u.v.a.

Wie wird aus dem Abbild einer Person ein Porträt? Wie beeinflusst die über 4.000 Jahre währende Tradition des Porträts die Gattung in unserer gegenwärtigen medialen Situation, insbesondere im repräsentationskritischen Experimentalfilm? Wie steht es um das Gebot der Abbildungstreue des Dokumentarischen bei Porträts von Menschen, die gar nicht existieren? Wie um die Perspektive des/r Betrachtenden, das problematische Verhältnis von Voyeurismus und Narzissmus, Vorstellen und Ausstellen, dem wir im Porträt begegnen? Wie in kurzen filmischen Formen dem sozialen und kulturellen Umfeld gerecht werden, in dem die Porträtierten stehen? Und wie die gängige Zu- und Festschreibung des Porträts umgehen: „So bist Du“? Die Bandbreite reicht von skizzenhaften Momentaufnahmen zu Langzeit-Beobachtungen, die über viele Jahre entstanden. Wir sehen filmische Porträts von Individuen, Paaren und Gruppen, von Außenseiter*innen und Einzelgänger*innen, Künstler*innen und anderen Arbeitenden, von Kindern, auch von abwesenden, toten und imaginierten Menschen. Dabei tauchen wir ein in Prozesse der Konstruktion von Identitäten und beobachten, wie diese im Spannungsfeld gegensätzlicher Interessen transformiert werden. Wir erleben Beispiele geglückter und verweigerter Kommunikation, sich in Rollentausch, Cosplay und Travestie wandelnder Selbstbilder und sehen, wie politischer Aktivismus das Privatleben durchdringt, das Private umgekehrt politisch wird. Filme von Ralph Arlyck, Magnus Bärtås, Mattias Bavré, Fariba Buchheim, Jana Debus, Jeanne Faust, Robert Frank, Lého Galibert-Laîné, Alexandre Larose, Sky Hopinka, Sohrab Hura, Johan van der Keuken, Helen Levitt, Carmen Losmann, Maria Mayland, Behzad Khosravi Noori, Miranda Pennell, Jay Rosenblatt, Pavel Schnabel, James Scott, Chick Strand, Maja Tschumi u.a. Gäste: Beate Middeke, Mareike Wegener Exkursion: „Francis Alÿs – Kids Take Over“, Museum Ludwig.

Da wären die Ästhetik der Flaute, der Passivität, des Unvermögens und die der Nachhaltigkeit. Dranbleiben oder ablassen? Ablassen! Was aber bedeutet Degrowth für die künstlerische Produktion? Wie sinnvoll ist die Unterscheidung von High Energy und Low Energy Texten – und woran lassen sie sich überhaupt unterscheiden? Ist Textenergie eine Sache der Syntax, der Semantik, des Rhythmus? Anhand von Beispielen aus theoretischen, fiktionalen und poetischen Textgattungen befassen wir uns mit vielen Erscheinungsformen der Deflation und beobachten dabei, wie sich die Lektüre mit der Rezeptionshaltung ändert, etwa wenn wir Gedichte als Theorie lesen, oder umgekehrt. Ein Seminar über Spannungsabfall, schwankende Textenergien und die Möglichkeiten von Text-Recycling. Inklusive eines Workshops zum Verkommenlassen für Anfänger und Fortgeschrittene. Lasst Parasiten heran! Mit Texten [in englischer und deutscher Sprache] von Ottessa Moshfegh, Álvaro de Campos, Michael Donhauser, Luise Meier, Hans-Christian Dany, Hayley Campbell, Eduardo Viveiros de Castro, Paul Lafargue, Michel Serres, Petra Coronato (tongue tongue Hongkong), Sonja vom Brocke, Kathrin Busch, Etel Adnan, Octavia Butler, Joyelle McSweeney und anderen. [CN: Tod]

In 2012, a viral video showed a one-year-old trying to swipe, pinch, and zoom on a paper magazine, growing frustrated when the images failed to respond. Her parent ended the clip with a striking remark:  “Steve Jobs has coded a part of her operating system.”  The seminar examines the dystopian potential of technological innovation by analyzing the rhetoric of TED Talks and tech demos and confronting their promises with their actual impact on society. Taking the popular conference format “Technology, Entertainment, Design” as a point of departure, we approach selected talks as a hybrid form situated between lecture and theatre. We focus on presentation techniques, the use of media apparatuses, and the transformative, at times disruptive, potential of the ideas being promoted. In addition, we examine adjacent genres of public address - such as political speeches, corporate keynotes, Shakespearean monologues, and classical forms of rhetorical persuasion - to trace how performances of authority and vision migrate across cultural domains, inscribing inevitability in bodies and gestures, and shaping collective imaginaries organized around technocapitalist and patriarchal models of progress. The lecture-performance, originally a research-driven format positioned between analysis and enactment, serves as our methodological framework. It enables us to read these public presentations not merely as vehicles of information, but as staged epistemic operations that inscribe, produce, and reproduce specific imaginaries of technological possibility (or devastation).

Erster Termin: 18. April 2023, 13 Uhr, weitere Termine nach Absprache In diesem Seminar geht es darum, gemeinsam am Literaturbetrieb teilzunehmen. Nach Jahren abgesagter und ins Digitale verlegter Veranstaltungen, wollen wir wieder live und vor Ort dabei sein, mit allem, was dazu gehört, den Begegnungen und Gesprächen, davor, währenddessen und danach. Dabei geht es nicht nur darum, Literaturveranstaltungen zu besuchen und unterschiedliche Formate kennenzulernen, Ziel soll es auch sein, die eigene Haltung gegenüber poetologischen Fragestellungen zu ergründen. Zusätzlich gibt es Gelegenheiten, sich in der kleinen Gruppe, aber auch darüber hinaus, über Literatur, den Literaturbetrieb und aktuelle Feuilleton-Debatten auszutauschen und daran teilzunehmen. Das Seminar "Den Literaturbetrieb erleben" kann als Ergänzung zum Kompaktseminar "Den Literaturbetrieb verstehen" besucht werden, funktioniert aber auch ganz eigenständig. Wir starten mit der Poetica, die dieses Jahr das Thema „Writing in the name of…“ in Lesungen, Debatten und Workshops zur Diskussion stellt. Außerdem wird eine Exkursion zum Literaturfestival PROSANOVA nach Hildesheim Teil des Seminars sein. Weitere Infos & Veranstaltungen folgen.

Während der Fokus von Literaturseminaren normalerweise auf Text und Sprache liegt, wollen wir an dieser Stelle einen Blick auf die Rahmenbedingungen der literarischen Produktion wagen: Wie funktioniert eigentlich ein Verlag? Wie entsteht aus einem Manuskript ein Buch? Und was passiert mit Autor*in und Buch wenn dieses erschienen und die literarische Bühne betreten ist? Womit verdienen Schriftsteller*innen ihr Geld? Welche Rolle spielen Agenturen? Und welche die Literaturkritik? In diesem Seminar dreht sich alles um den Literaturbetrieb und seine Dynamiken. Denn dieser hat seine ganz eigenen Regeln. Wir verschaffen uns einen Überblick über die wichtigsten Akteure im literarischen Feld und werden auch einige ihrer Vertreter*innen ins Seminar einladen und zu ihrer Berufspraxis befragen. Gemeinsam ergründen wir ungeschriebene wie längst beschriebene Normen und diskutieren Literatur- und Betriebsdebatten der letzten Jahre. Darüber hinaus sehen wir uns Förderungsmöglichkeiten an und sprechen darüber, was es heißt, vom Schreiben zu leben und mit welchen Modellen dies gelingen kann.

Während der Fokus von Literaturseminaren normalerweise auf Text und Sprache liegt, wollen wir an dieser Stelle einen Blick auf die Rahmenbedingungen der literarischen Produktion wagen: Wie funktioniert eigentlich ein Verlag? Wie entsteht aus einem Manuskript ein Buch? Und was passiert mit Autor*in und Buch wenn dieses erschienen und die literarische Bühne betreten ist? Womit verdienen Schriftsteller*innen ihr Geld? Welche Rolle spielen Agenturen? Und welche die Literaturkritik? In diesem Seminar dreht sich alles um den Literaturbetrieb und seine Dynamiken. Denn dieser hat seine ganz eigenen Regeln. Wir verschaffen uns einen Überblick über die wichtigsten Akteure im literarischen Feld und werden auch einige ihrer Vertreter*innen ins Seminar einladen und zu ihrer Berufspraxis befragen. Gemeinsam ergründen wir ungeschriebene wie längst beschriebene Normen und diskutieren Literatur- und Betriebsdebatten der letzten Jahre. Darüber hinaus sehen wir uns Förderungsmöglichkeiten an und sprechen darüber, was es heißt, vom Schreiben zu leben und mit welchen Modellen dies gelingen kann.

De rerum natura: A climate change is a collaborative production project between different institutions and art centers around the world, during which we will be making a film about the impact of the climate change in our daily lives. Its methodology is a cadavre exquis where the concepts / audio tracks are exchanged amongst the participants during the first phase of production. During the seminar each participant will present their work process and remains in constant contact with the other team from whom they have received the concept and soundtrack. Participating institutions: KHM - Kunshochshule für Medien, Cologne (Germany), NID - National Institute of Design, Vijeywada (India), CAFA - Central Academy of Fine Arts, Beijing (China), BBAA - Facultad de Bellas Artes, Bilbao (Spain), VAA - Vilnius Academy of Arts, Vilnius (Lithuania), Accademia Belle Arti di Napoli, Naples, Italy, Estudio el palmeral, Barcelona (Spain).

Nachdem wir „Saint Omer“ von Alice Diop (Internationale Filmfestspiele von Venedig 2022, u.a. Großen Preis der Jury) und „Anatomy of a Fall“ von Justine Trier (Goldene Palme Filmfestspiele in Cannes, Europäischer Filmpreis 2023 ) gesehen haben, hatten wir großen Gesprächsbedarf. Aus welcher Perspektive erzählt das audiovisuelle Werk, in welchem historischen Kontext ist es zu sehen? Verändert sich der Gerechtigkeitsbegriff über die Jahre? Wie kann ein Film Gerechtigkeit abbilden? Wie steht der westliche Rechtskreis in Spannung zu anderen Rechtskreisen? Was ist Recht überhaupt? In welchem Verhältnis stehen Recht und Gerechtigkeit zueinander? Und, was ist Moral? Gerichtsfilme sind Filme, deren Handlungsstrang schwerpunktmäßig das Geschehen vor Gericht darstellen. Oft geht es nicht nur um bewegende Plädoyers, schockierende Wendungen und einen klaren Konflikt zwischen Gut und Böse. Nicht selten werden gesellschaftlich relevante Themen behandelt oder das Rechtssystem selbst hinterfragt. Menschen werden beurteilt, verurteilt, freigesprochen. Opfer können zu Täter*innen werden. Immer geht es um Recht, Sühne, Gerechtigkeit und Moral. Um (Ver)schweigen, Lügen, um Verweigern und Gestehen. Um eine bestimmte Sprache. Ob Spielfilm, Dokumentarfilm, Serie oder Essay, gemeinsam möchten wir mit euch im Theorieseminar „Der Gerichtsfilm - Annäherung an ein Genre“ die filmästhetischen und narrativen Merkmale analysieren und die gesellschaftlichen Implikationen anhand von (rechts-)philosophischen und filmtheoretischen Texten untersuchen. After watching "Saint Omer" by Alice Diop (Venice International Film Festival 2022, Grand Jury Prize, among others) and "Anatomy of a Fall" by Justine Trier (Palme d'Or at the Cannes Film Festival, European Film Award 2023 ), we had a great need to talk. From which perspective is the film told, and in which historical context should it be seen? Does the concept of justice change over the years? How can a film depict justice? How is the Western legal system in tension with other legal systems? What is justice anyway? What is the relationship between law and justice? And what is morality? Courtroom movies are films whose storylines focus on what happens in court. It is often not just about touching pleadings, shocking twists and turns and a clear conflict between good and evil. It is not uncommon for socially relevant topics to be addressed or for the legal system itself to be scrutinized. People are judged, convicted and acquitted. Victims can become perpetrators. It is always about law, atonement, justice and morality. About silence, lies, denial and confession. About a certain language. Be it a feature film, documentary, series or essay, we would like to analyze the film aesthetic and narrative characteristics together with you in the theory seminar "The Courtroom Film - Approaching a Genre" and examine the social implications using (legal) philosophical and film theory texts.

Exkursion zur Modellbaumesse in Dortmund am 17.04.2026 Wir richten unseren Blick auf skalierte Welten, kleine Formen, auf Essenzen, Modelle und andere hochkonzentrierte Miniaturen. Was passiert, wenn Dinge ihre Größe verändern? Was verbinden wir mit Monument und Miniatur? Wie sieht der Übergang vom Niedlichen zum Monströsen aus? Ausgehend von der Disziplin des Aquascaping, der ästhetischen Gestaltung von Aquarienlandschaften, untersuchen wir natürliche und künstliche Landschaften. Es geht um die Bedingungen von Kulturlandschaften, um künstliche Paradiese, um die Geschichte von Man-Made Environments, um Ersatzwelten und koloniale Aneignungen. Ob wir mit haarfeinem Werkzeug und großem Fingerspitzengefühl Schlösser knacken, die kleinste Schranke der Welt rezensieren, uns innerhalb oder außerhalb des Wals mit Xiaolu Guos Überschreibung von Moby Dick befassen, Mikro-Essays verfassen, einen Vortrag über Bonsai-Aufzucht hören, eine Exkursion zur Modellbaumesse vornehmen oder selbst Miniatur-Landschaften anlegen - im Zentrum steht die Frage des Maßstabs. Mit etlichen Exkursionen, praktischen Arbeiten, Gastbeiträgen und ausgewählten Lektüren, zu denen Passagen aus folgenden Texten gehören könnten: Xiaolu Guo: Call me Ishmaelle (2025), Klaus Heinrich: Parmenides und Jona (2021), Jonathan Swift: Gulliver's Travels (1726), Clemens Setz: Das All im eigenen Fell (2024), Birte Lanius: Comic Sans Relief (2015), César Aira: Der kleine buddhistische Mönch, üs. von K. Laabs (2015), Lucius Burckhardt: Warum ist Landschaft schön? (2011), ders.: Rethinking Man-made Environments: Politics, Landscape & Design (2016), Anna L. Tsing: Der Pilz am Ende der Welt: über das Leben in den Ruinen des Kapitalismus (2018). + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + We focus our attention on scaled worlds, small forms, essences, models, and other highly concentrated miniatures. What happens when things change size? What do we associate with monuments and miniatures? What does the transition from cute to monstrous look like? Starting from the discipline of aquascaping, the aesthetic design of aquarium landscapes, we examine natural and artificial landscapes. We look at the conditions of cultural landscapes, artificial paradises, the history of man-made environments, substitute worlds, and colonial appropriations. Whether we pick locks with hair-thin tools and great dexterity, review the smallest barrier in the world, deal with the inside or outside of the whale in Xiaolu Guo's rewriting of Moby Dick, write micro-essays, listen to a lecture on bonsai cultivation, take an excursion to the model building fair, or create miniature landscapes ourselves—the question of scale is at the center of it all. With numerous excursions, practical work, guest contributions, and selected readings, which could include passages from the following texts: Xiaolu Guo: Call Me Ishmaelle (2025), Klaus Heinrich: Parmenides and Jonah (2021), Jonathan Swift: Gulliver's Travels (1726), Clemens Setz: Das All im eigenen Fell (2024), Birte Lanius: Comic Sans Relief (2015), César Aira: Der kleine buddhistische Mönch, trans. by K. Laabs (2015), Lucius Burckhardt: Warum ist Landschaft schön? (2011), ders.: Rethinking Man-made Environments: Politics, Landscape & Design (2016), Anna L. Tsing: Der Pilz am Ende der Welt: über das Leben in den Ruinen des Kapitalismus (2018).

Das Filmpublikum ist eine vielschichtige und dynamische Entität, die eine emotionale und intellektuelle Verbindung zu einem Film und seinen Inhalten eingeht, und die sich aktiv mit den Bildern, Geschichten und Ideen auseinandersetzen will. Das potentielle Publikum wird bereits in der Stoffentwicklung entschieden. Doch wie erreicht man es? Das Seminar „Der Weg zum Publikum“ zeigt Festival-, Verleih- und Herausbringungs-strategien. Welche Bedeutung spielen Stills, Poster, Trailer? Was meint das Impact Producing (vor allem für politische Filme) bzw. Audience Development? Welche Rolle spielt die ethische Auseinandersetzung mit den Inhalten? Wie schauen Förderer und Sender darauf? Wie sieht es bei der Auswertung der Filme auch im Ausland aus, nicht zuletzt bei Festivals? Wie haben sich die Kriterien verändert, nach denen Filme eingeladen werden oder nicht? In welchen Ländern begegnen wir welchen Haltungen? Welche Erfahrungen machen Weltvertriebe? Welche Veränderungen registrieren sie jetzt schon und erwarten sie für die Zukunft? Und wie sehr spielen politische Strömungen eine Rolle? Und nicht zuletzt die große Frage: Welche Rückwirkung hat das alles auf die Stoffentwicklung und die Produktion meines Filmes? Anhand von nationalen und internationalen Gäst*innen aus den verschiedenen Bereichen des Filmschaffens, des Festivals, des Verleihs und Weltvertriebs sowie der Auseinandersetzung mit den eigenen Projekten versucht das Seminar Antworten auf diese Fragen zu finden. Film audiences are complex and dynamic entities that form an emotional and intellectual connection to a film and its content, and want to actively engage with the images, stories and ideas it presents. The potential audience is already decided during the development stage. But how do you reach it? The seminar ‘The Way to the Audience’ presents festival, distribution and release strategies. What role do stills, posters and trailers play? What does impact producing (especially for political films) and audience development mean? How can we approach certain topics in an ethically acceptable manner in the future? How do sponsors and broadcasters view this? What is the situation regarding the evaluation of films abroad, not least at festivals? In which countries do we encounter which approaches? What experiences have international distributors had? What changes are they already noticing and what do they expect in the future? And to what extent do political trends play a role? And last but not least, the big question: What impact does all this have on the development of my film's material and production? With national and international guests from various fields of filmmaking, festival, national distribution and international distribution, as well as through the examination of participants' own projects, the seminar will attempt to find answers to these questions.

„Let’s face it. We’re undone by each other. And if we’re not, we’re missing something.“ (Judith Butler) „If the notion of fascization is meaningful, it is in giving us something in common: we all have the potential to become fascisized and, at least in part, we all already have been. The concept of fascization allows for no more us and them; there is only us.“ (Pierre Zaoui) Questions regarding the subject of feminism have kept generations of feminists busy. Queer theory and most current transfeminisms do both reject these questions, and have been viciously attacked for this refusal. With their anti-identitarian and/or deconstructivist approaches, they are more interested in practices of de-individualization and de/subjectification, or in creating transversal coalitions of struggle that are not grounded in fixed identities. Current struggles against fascization and micro-fascisms need to understand how subjectification, de-subjectification or de-individualization works and how being undone by each other can be part of resistant practices. We’re going to read theories of de/subjectification and connect them to anti-fascist and anti-fascization practices.

Essays, die in einer poetisch dichten, auch theoriefundierten Sprache über Fragen unserer Gegenwart reflektieren, können oft als Hybride gelesen werden, die mit Genregrenzen spielen, etwa im Blick auf Langgedicht, Prosagedicht, Erasure oder Social-Media-Post. Im Seminar werden wir uns einige dichte Essays näher anschauen und an Übersetzungen arbeiten. Beim Übersetzen solcher Essays tauchen spezifische Herausforderungen auf, die wir gemeinsam besprechen. Autor:innen, die wir im Seminar näher betrachten, könnten Anne Boyer, Anne Carson, Alexis Pauline Gumbs, Susan Howe, Fred Moten, Lisa Robertson, Divya Victor, Rosmarie Waldrop und Eliot Weinberger sein. Als Seminarleistung erwarte ich regelmäßige aktive Teilnahme, ein Impulsreferat und die Anfertigung einer Übersetzung von ca. 10 Seiten Länge.

DEUTSCH// Freitags wird gelötet: Die autonome Löterin lädt zur freien Lötwerkstatt und einer Tasse heißes Zinn. Löten als kulturelle Praxis ist Quellen zufolge über 5000 Jahre alt. Löten verbindet verschiedene Materialien zu einem machtvollen Ganzen. Gemeinsam entdecken wir das Löt und seine Elektro-magischen Fähigkeiten. Viel wird gemunkelt von der autonomen Löterin und ihrem Löt, Herrscher*innen über Plus und Minus. Ein Löt-Zirkel hat sich gebildet, der sich ganz dieser erhabenen Substanz widmet: dem Löt. Jeden Freitag 17 Uhr öffnet die autonome Löterin die Türen ihrer Werkstatt im neuen Klangatelier. Ein stetig wachsender Löt-Zirkel beschwört die geheime Spannung herauf, um elektrische Artefakte zu erschaffen. Die Macht des Zirkels gründet auf dem festen Glauben seiner Mitglieder, dass zwischen Plus und Minus alles möglich ist. Komm zum freien Löt-Zirkel ins neue Klangatelier; mit eigenem Projekt, ersten Ideen oder ganz ohne Plan! --- Fridays are for soldering: The Autonomous Solderer invites you to an open solder lab and a cup of hot tin. According to various sources, soldering as a cultural practice is over 5,000 years old. Soldering joins different materials into an interlocking whole. Together, we explore the Löt and its electro-magical abilities. Many rumors surround the Autonomous Solderer and her Löt: sovereigns of plus and minus. A Solder Coven has formed, devoted entirely to this exalted substance, the Löt. Every Friday at 5 pm, the Autonomous Solderer opens the doors of her workshop at the new Klangatelier. A steadily growing solder coven conjures up the secret current in order to create electrical artifacts. The power of the Coven rests on the firm belief of its members that anything is possible between plus and minus. Come to the Open Solder Coven at the new Klangatelier: with your own project, first ideas, or no plan at all!

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Das Kolloquium möchte den Teilnehmer*innen die Möglichkeit bieten, ihre je eigenen künstlerisch-wissenschaftlichen Themen und Fragestellungen zu präsentieren. Promovend*innen können Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte einer laufenden Dissertationsarbeit oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens zur Diskussion stellen und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft austesten.

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Promovend*innen können erste Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens präsentieren und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft zur Diskussion stellen.

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Das Kolloquium möchte den Teilnehmer*innen die Möglichkeit bieten, ihre je eigenen künstlerisch-wissenschaftlichen Themen und Fragestellungen zu präsentieren. Promovend*innen können Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte einer laufenden Dissertationsarbeit oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens zur Diskussion stellen und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft austesten.

Das Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Das Kolloquium möchte den Teilnehmer*innen mit Interesse an einer Promotion an der KHM die Möglichkeit bieten, ihre je eigenen Forschungsvorhaben vorzustellen und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft zur Diskussion zu stellen.

Das Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Das Kolloquium möchte den Teilnehmer*innen mit Interesse an einer Promotion an der KHM die Möglichkeit bieten, ihre je eigenen Dissertationsvorhaben vorzustellen und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft zur Diskussion zu stellen. Sprache: Deutsch und Englisch

„Die Mutter aller Probleme“ – mit diesem Satz erklärte der damalige Innenminister Horst Seehofer 2018 Migration zur Hauptursache gesellschaftlicher Konflikte. Damit entwertete er die Lebensrealitäten von Millionen Menschen und stellte sich gegen eine offene, plurale Gesellschaft. Doch nicht „die Migration“ ist „das Problem“, sondern das strukturell rassistische, trennende Sprechen über Migration – das Konstruieren eines „Wir / Die“ erzeugt permanent gesellschaftliche Verwerfungen. Migration ist kein Ausnahmezustand. Sie ist Normalität, Alltag und ein konstitutives Element unserer Gesellschaft. Sie verändert Identitäten, gestaltet Räume und schafft Verbindungen. Zugleich ist sie durchzogen von Machtverhältnissen, Ausschlüssen und Kämpfen um Sichtbarkeit und Zugehörigkeit. Das Fachseminar nimmt Migration als Ausgangspunkt für eine kritisch-gestalterische Auseinandersetzung mit Öffentlichkeit/en, Repräsentation und politischem Handeln. Wir fragen, was das mit uns zu tun hat, wie und wo wir unsere gestalterische Praxis verorten, welche Bilder und Narrative den öffentlichen Diskurs prägen – sowie wie sich diese verschieben, unterlaufen, erweitern oder transformieren lassen. Im Zentrum steht die gestalterische Arbeit im Spannungsfeld zwischen Subjekt und Öffentlichkeit/en und die Entwicklung von Strategien, die das „Wir versus Die“ unterlaufen und Othering transformieren. Je nach Prozess können dabei kollektive oder individuelle Formate entstehen, etwa Zeitung/en, Ausstellung, Interventionen oder digitale Formate. Verhandelt wird eine Gestaltungspraxis, die sich gegen rassistische Diskurse positioniert und Migration nicht als Ausnahme, sondern als gesellschaftliche Normalität reflektiert – mit Raum für Recherche, Austausch, Reflexion, individuelle Positionierung und intensiver Betreuung in Einzel- und Gruppensettings. Möglich ist zudem eine Kooperation mit dem Erinnerungsprojekt „Das antirassistische Mahnmal an der Keupstraße“ (Ulf Aminde) in Köln-Mülheim – einer partizipativen, performativen und digitalen Erinnerungsarchitektur gegen Rassismus. Sprache: Deutsch und Englisch ENG ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ The Mother of All Problems In 2018, the then German Federal Minister of the Interior, Horst Seehofer, declared migration to be the “mother of all problems,” framing it as the main cause of conflict in society. This statement devalued the lived realities of millions of people and stood in opposition to the idea of an open, plural society. Yet it is not migration itself that constitutes the problem, but the structurally racist and divisive ways in which migration is discussed. The continuous construction of a “we / them” produces social tensions, exclusions, and fractures. Migration is not a state of exception. It is a normal, everyday condition and a constitutive element of contemporary societies. It reshapes identities, produces spaces, and creates connections, while simultaneously being shaped by power relations, exclusions, and struggles over visibility and belonging. This seminar takes migration as a starting point for a critical, design-oriented engagement with public spheres, representation, and political action. It asks how design practice is implicated in these processes, which images and narratives dominate public discourse, and how they can be questioned, disrupted, expanded, or transformed. At the core of the seminar is practical design work situated in the tension between subjectivity and public(s). Participants develop strategies that challenge “we versus them” logics and address processes of othering. Depending on the process, individual or collective formats may emerge, including newspapers, exhibitions, spatial interventions, or digital projects. The seminar explores a design practice that positions itself against racist discourses and reflects migration not as an exception, but as a societal norm. It offers space for research, exchange, reflection, individual positioning, and intensive feedback in individual and group settings. A cooperation with the memorial project “The Anti-Racist Memorial at Keupstraße” (Ulf Aminde) in Cologne-Mülheim is possible. Language: German and English

Ort: Montepulciano, Italien Die globalen Folgen unseres technischen Handels zeigen sehr deutlich: Wir müssen die kulturelle Dimension von Technik und Poiesis neu denken! Die nüchterne wissenschaftliche Analyse hat noch nie gereicht, um Technik kulturell zu integrieren und das Handeln des Menschen zu ändern. Was vor allem fehlt, sind andere Erzählungen unseres Umgangs mit Technik. Einerseits muss die Funktionsweise technischer Objekte verständlich gemacht werden, andererseits gilt es, das grundsätzliche Verhältnis von Mensch und Technik herauszuarbeiten. Nach Simondon gibt es in unseren artifiziellen Objekten ein poetisches Potential, das aufgrund des Mangels an technischen Poeten noch nicht erschlossen ist. Dafür muss das technische Objekt als etwas entfaltet werden, das über den bloßen Status des Geschaffenen und Funktionierten hinausgeht. Das technische Objekt muss zuerst von der reinen Zweckrationalität befreit werden, damit es den angemessenen Ort in unserer Kultur finden kann. In der Folge geht es vor allem auch darum, neue Narrative zu entwickeln, mit denen wir die technische Bedingtheit unseres Lebens in den Griff bekommen. Nicht zuletzt müssen wir aber auch das Machen selbst reformieren. Dies ist nur über einen experimentellen Zugang möglich, der die Möglichkeitsräume des Machens praktisch erkundet und gleichzeitig theoretisch reflektiert.

In diesem Grundlagenseminar befassen wir uns mit poetischen Formen, im Plural. Mit neuen Formen, alten Formen, obsoleten, antiken, barocken und modernen Formen. Welche Formen sind womöglich nicht mehr zu retten, welche lassen sich sinnvollerweise recyceln? Vom Metrum über silbische Dichtung hin zu allen Erscheinungsformen des Reimes, über die Odengruppe und unterschiedliche strophische Varianten zur Sestine, Villanelle und zum Sonett. Auch offene Formen wie das Prosagedicht, das essayistische Gedicht und typographische Archipel-Gedichten nehmen wir in den Blick. Mit besonderer Konzentration auf gegenwärtige formgebundene Experimente wie Ann Cottens neuer Band "Poller" und Marion Poschmanns "Flussfragmente".

Social Media haben die Möglichkeit, ›Ich‹ zu sagen, stark vermehrt: Erlebtes und Erfundenes, spontane Äußerung ebenso wie literarischer Beitrag oder künstlerisches Bild können mit nur einem Klick veröffentlicht werden. Doch was bedeutet es, auf diese Art Ich zu sagen und zu erzählen – ob auf Twitter/X, Facebook, Instagram oder Blogs? Authentifiziert es die Rede? Oder schwächt es ihren Wirklichkeitsgehalt? Und wie verhält sich dieses mediale Ich zum Wir, also zu Formen intersubjektiver Verbindlichkeit und Gemeinschaft?  Das Seminar untersucht die medial-öffentlichen Rede in ihrem Verhältnis zu Wirklichkeit und Gesellschaft. Neben Beispielen aus social media wird auch die literarische Tradition herangezogen, so v.a. das Sprechen und Erleben aus der Ich-Perspektive – in Form der direkten Rede, der Ich-Erzählung oder durch die zwischen 1. und 3. Person oszillierende erlebte Rede.  Als Referenzen werden herangezogen: Pier Paolo Pasolini zu erlebter Rede und Authentizität (in  Ketzererfahrungen ), Gilles Deleuze & Félix Guattari zu erlebter Rede (in  Tausend Pla teaus ), Joseph Vogls  Kapital und Ressentiment , Holger Schulzes  Ubiquitäre Literatur , Christiane Frohmanns »Instantanes Schreiben«, Rainald Goetz' Instagram-Posts (seit Herbst 2024), Hubert Fichtes  Xango. Die afroamerikanischen Religionen  und der Roman  Explosion . Roman der Ethno logie , Kathrin Rögglas  really ground zero  und ihr Band  die alarmbereiten . Sprache: Deutsch (Materialen weitgehend in Deutsch)

Wir besprechen Texte, die im Entstehen begriffen sind. Lyrik, Prosa, Essay, Non Fiction, Drama, Songtexte, Hörspiel. Deutsche Texte besprechen wir auf Deutsch, englische Texte besprechen wir auf Englisch. Mischformen sind möglich, if need be. Blending languages is possible, falls nötig.  We will be speaking about text which is about to evolve. Poetry, Prose, Essay, Non Fiction, Playwright, Lyrics, Radio Play. German text will be discussed in German, English text will be discussed in English. Mischformen sind möglich, if need be. Blending languages is possible, falls nötig.

Transferring artistic practice into the exhibition space not only enables an aesthetic spatial experience. Rather, artists operate with displays and spaces of projection in order to irritate ways of seeing and looking, to make time and space experiences as non-linear movements also tactilely experienceable. The seminar will focus on installative and moving image-oriented interventions in the exhibition space that address and transform images, spatiotemporal experiences in a geopoetic way, such as Isaac Julien's or Bouchra Khalilis' multi-channel installations, Zadie Xas', Michaela Melián's or the Raqs Media Collective's installations. Geopoetic practices and procedures have been reflected primarily in literature since the 1970s, especially in the exploration of linguistic and geographical edges and spatially mapping movements. Poetics can thereby be understood beyond their aesthetic and linguistic dimensions as forms of “coming together”, of becoming communal (Kerry Banazek). In art, however, not only since documenta 11 have they been a significant part of the engagement with transitory, nomadic, diasporic movements and poetics, with themes of Third Space (Bhabha), constantly in process as alternative and nomadic-subjective spaces (Braidotti). Edouard Glissant describes this poetic as relational, radiant, multiplicity, differential force. In the seminar we will discuss time- and geopoetic texts and artistic translations into the exhibition space, go in search of artistic examples and engage in a workshop with Isaac Julien's exhibition at K21. A reader and reading list will be provided in the seminar. As texts, we will develop a short exhibition reflection and a free essay on a topic of your own choice in the context of the seminar. Künstlerische Praxis in den Ausstellungsraum zu transferieren, ermöglicht nicht nur eine ästhetische Raumerfahrung. Vielmehr operieren Künstler*innen mit Displays und Projektionsräumen, um Sicht- und Blickweisen zu irritieren, Zeit- und Raumerfahrungen als non-lineare Bewegungen auch taktil erfahrbar werden zu lassen. Dabei stehen im Seminar installative und bewegtbildorientierte Interventionen in den Ausstellungsraum im Fokus, die in geopoetischer Weise Bilder, raumzeitliche Erfahrungen adressieren und transformieren, wie die Mehrkanalinstallationen Isaac Juliens oder Bouchra Khalilis, die Installationen Zadie Xas, Michaela Meliáns oder des Raqs Media Collectives. Geopoetische Praktiken und Verfahren wurden seit den 1970ern vor allem literarisch reflektiert, insbesondere in der Auseinandersetzung mit sprachlichen und geografischen Rändern und raumkartierenden Bewegungen. Poetiken können dabei über ihre ästhetische und sprachliche Dimension hinaus auch als Formen des Zusammenkommens, des gemeinschaftlichen Werdens verstanden werden (Kerry Banazek). In der Kunst sind sie jedoch nicht erst seit der documenta 11 maßgeblich Teil der Auseinandersetzung mit transitorischen, nomadischen, diasporischen Bewegungen und Poetiken, mit Thematiken des Third Space (Bhabha), beständig im Prozess als alternative und nomadisch-subjektive Räume (Braidotti). Edouard Glissant beschreibt diese poetische als relationale, (aus)strahlende, multiple, differente Kraft. Im Seminar diskutieren wir zeit- und geopoetische Texte und künstlerische Übersetzungen in den Ausstellungsraum, machen uns auf Suche nach künstlerischen Beispielen und setzen uns in einem Workshop mit Isaac Juliens Ausstellung im K21auseinenader. Ein Reader und eine Literaturliste sind Teil des Seminars. Als Texte erarbeiten wir eine kurze Ausstellungsreflexion und einen freien Essay zu einem selbstgewählten Thema im Rahmen des Seminars.

The aim of this seminar is to conceive of, and create, public spaces in which digital exchange takes place. Or in other words, to make places for people to swop music, films, photos, games, books or any other digital data. Of course this is what happens all over the Internet every day. The difference here is that we will try to create actual physical spaces where people can congregate and swop, share and exchange thoughts, ideas and files. The seminar will give a basic introduction into some technologies and practices of offline sharing (Dead drops, Pirate Box, Opencoil, Xender / Cuba's El Paquete, Solomon Islands Micro SD Card economy, Delhi film exchanges). However our focus is to try and understand what actually happens, on an embodied level, when information is shared with these tools. Which kind of relationships are necessary for this peer-to-peer exchange to occur? What feelings and emotions and relationships are necessary for, and produced by, this interpersonal exchange? And what kind of social and physical spaces enable this exchange to take place? The seminar includes a weekend workshop (16th – 17th November 2024) at Künstlerdorf Schöppingen as part of the Making Worlds workshop series.

Wie verändern digitale Medien unsere Gesellschaft? Um diese Frage beantworten zu können, wollen wir im Seminar einen Blick zurück in die Vergangenheit digitaler Medien werfen. Ein schematischer Überblick über die entscheidenden medialen Innovationen in der Zivilisationsgeschichte der Menschheit soll uns dabei helfen, gegenwärtige und mögliche zukünftige gesellschaftliche Veränderungen kritisch beleuchten und gestalten zu können. Dabei beschränken wir uns nicht nur auf eine rein medienhistorische, medienkulturelle oder medienästhetische Analyse der Evolution digitaler Medien. Vielmehr wird es um die grundsätzliche Frage nach der gesellschaftlichen Funktion von Medien gehen und damit, um deren zentrale Bedeutung für soziale Weltwahrnehmungs- und Sinngebungsprozesse. Vor diesem Hintergrund lässt sich untersuchen, welche sozialen Transformationsprozesse jeweils mit der Erfindung eines neuen Mediums unmittelbar in Verbindung stehen, die im historischen Rückblick über epochale Leitmedien wie etwa Sprache, Schrift, Buchdruck oder elektronische Medien jeweils ausgelöst worden sind und weitreichende epistemische, kulturelle, ökonomische und politische Umwälzungen provoziert haben. Dabei lassen sich algorithmusbasierte Mediensysteme, vom Computer über das Internet der Dinge bis hin zur Künstlichen Intelligenz und die damit verbundenen Techniken und Praktiken nicht nur als Mittler oder Träger von Informationen deuten, sondern sie treten selbst als eigensinnige Akteure in Erscheinung. Aufbauend auf dieser post-anthropozentrischen Analyseperspektive und mit den Einsichten praxeologisch orientierter Arbeiten der Science and Technology Studies erweitert, lassen sich die Konturen einer Theorie der digitalen Gesellschaft skizzieren. Das Seminar möchte mit diesem medientheoretischen Themenschwerpunkt einen spekulativen Raum des gemeinsamen Nachdenkens über die Gefahren und Chancen ermöglichen, die mit den radikalen gesellschaftlichen Veränderungen unter den Bedingungen digitaler Medien im Zusammenhang stehen. Als gemeinsame Lektürebasis dient ein Reader, der zu Beginn des Seminars im SoSe 2025 zur Verfügung stehen wird.

Dieser Kurs ist eine Einführung in die digitalen Werkzeuge, die für die Erstellung von 2D-Animationen unerlässlich sind. Im Mittelpunkt stehen das Drawing-Animationsprogramm ´TVPaint´ und das CG Programm´After Effects´, mit denen praktische Übungen durchgeführt werden. Anhand verschiedener Beispiele sowie praxisnaher Techniken und Arbeitstipps werden die Grundlagen der Animationsproduktion vermittelt.  Er richtet sich an alle Studierenden, die Interesse an Animation haben – Vorkenntnisse sind nicht erforderlich.

Loss first appears as an experience of lack: something has disappeared, been damaged, or is no longer available. A person, a place, a bodily state, a memory, a political certainty, an idea of the future. At the same time, loss is never merely private. It is socially organised, historically produced, and unequally distributed. What appears to some as progress, innovation, or development may mean, for others, the loss of habitats, belonging, work, language, bodily autonomy, or memory. The seminar therefore does not approach loss as a sentimental motif, but as an aesthetic, political, and performative category. It asks how contemporary performance engages with what is missing, interrupted, disappearing, or no longer narratable. What does loss leave behind as form? What bodies, gestures, voices, images, and spaces emerge from an absence? And how can loss be addressed performatively without merely representing it or dissolving it into narrative? The focus is not on illustrating a theme, but on developing artistic procedures. Drawing on works from performance, theatre, dance, and video art, we will examine how loss can be translated into scenic form. We are interested in how biographical, historical, political, or documentary material can be transformed into a performative proposition: as a solo, as a choreographic structure, or as a multimodal arrangement. The seminar is conceived as a theory-practice seminar. The collective analysis of artistic works and theoretical texts alternates with practical sessions in which specific performance strategies are tested. Every second session is dedicated to artistic work. The starting point is not a finished concept, but the production of material: writing, speaking, moving, listening, reacting, condensing, discarding. The aim is to develop solos or group works of approximately ten minutes that engage with a self-selected dimension of loss. The resulting works will be publicly presented at FWT: Köln at the end of the semester.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Im Seminar Diplom- und Debütfilmkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Debütredaktionen, Förderungen, Festivals etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation. Termine/dates: Do, 20.04.2023, 04.05.23, 11.05.23, 25.05.23, 01.06.23, 22.06.23, 06.07.23

Im Seminar Diplom- und Debütkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Antrag bei Filmförderungen - auch für den Diplomfilm -, erste Verträge etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation.

Im Seminar Diplom- und Debütkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Antrag bei Filmförderungen - auch für den Diplomfilm -, erste Verträge etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation.

In diesem Seminar möchten wir Autoren-Regisseur*innen sowie auch Kamerainteressierte einladen, über zwei Semester an ihren Diplom-Stoffen zu arbeiten. Unter dem Oberbegriff des „visuellen Schreibens“ wollen wir verschiedene Aspekte filmischer Stoffentwicklung untersuchen und ausprobieren. Wie entsteht ein filmischer Stoff? Was ist die „Keimzelle“ eines Films und welche Wege kann ihre Entwicklung nehmen? Wie weit reicht das Potential der „Idee“ und wo endet es? Welche Wechselwirkungen können zwischen Schreiben und Recherche - auch visueller Recherche - entstehen? Gibt es Möglichkeiten des Schreibens beim Drehen? Welches Potential bietet in dieser Hinsicht die Autoren-Kamera-Beziehung? Wir spekulieren anhand von Filmbeispielen über die möglichen Entstehungsweisen von Szenen oder ganzen Erzählungen. Gleichzeitig arbeiten wir an den konkreten Projekten und entwickeln im praktischen Teil (Sommersemester 2026) Stoffe für mögliche „Layout-Drehs“. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen und visuellen Potentiale und erarbeiten mögliche Herangehensweisen. Anhand der konkreten szenischen Arbeit und Beispiele werfen wir immer einen Blick zurück aufs „Buch“ und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Es sollten sich zu Seminar-Beginn Regie-Kamera-Paarungen gefunden haben (nicht notwendigerweise die Kombination, die später den Diplomfilm drehen). Zwischen den einzelnen Terminen wird es Recherche- und Schreibaufgaben geben. — In this seminar we would like to invite author-directors as well as those interested in cinematography to work on their diploma projects over two semesters. Under the term “visual writing”, we want to examine and try out various aspects of developing a film project. How is cinematic material created? What is the starting point of a film and which paths can its development take? How far does the potential of the “idea” extend? And where does it end? What interactions can arise between writing and research - including visual research? Are there possibilities for writing while filming? What potential does the author-camera relationship offer in this respect? With examples (screenplays, films, etc.), we speculate on how individual scenes as well as entire narratives were created. At the same time, we work on concrete projects and develop material for possible “layout shoots” which will be shot in the practical part (summer semester 2025). These will be rehearsed and filmed at original locations. Together, we analyze dramaturgical and visual potentials and develop possible approaches. Based on the concrete development and experiments, we always return to the screenplay and consider the various stages of cinematic creation as a reciprocal process. At the beginning of the seminar, we encourage director-camera pairs to form (these pairs do not necessarily have to shoot the graduation film together). During the semester we will work on, present and discuss research and writing exercises. Seminar language: German & English

In diesem Seminar, das für alle offen ist, nähern wir uns erneut den Praktiken und Gewohnheiten, die im Umfeld des französischen Sozialpsychologen Fernand Deligny (1913-1996) aus dem Zusammenleben mit so genannt autistischen, nicht sprechenden Kindern entstanden. Entgegen jeglicher Hospitalisierung werden ab den späten 1960er Jahren in den französischen Cevennen eine Lebensgemeinschaft von Menschen und Dingen entwickelt und im gemeinsamen Alltag Wanderlinien und Fährten der neurodiversen Kinder nachgezeichnet. Aus kartografischen Praxen entfalten sich pädagogisch-therapeutische Wahrnehmungsweisen, die wiederum untrennbar verbunden sind mit bestimmten filmischen Praxen, die Deligny camerer genannt hat. Es ist ein Alltag voller Gesten und ohne Pronomen, die das Gemeinsame wahrnehmbar machen. ‚Nach‘ dem Faschismus des 20. Jahrhunderts geht es um die Suche nach nicht-diskriminierenden Lebensformen, die von denen ausgehen, die normalerweise pathologisiert werden. Anforderungen: Regelmäßige Anwesenheit, Lesen aller Texte, Input (allein oder mit anderen zusammen) zu einem der Texte. Für den Schein zusätzlich: - Grundstudium: Hausarbeit 12–14 Seiten - Hauptstudium: Hausarbeit 15–20 Seiten (Deadline für Hausarbeiten: 30.09.2027) English: In this seminar, which is open to all, we revisit the practices and customs that emerged in the milieu of French social psychologist Fernand Deligny (1913–1996) from living together with so-called autistic, non-speaking children. Contrary to any form of hospitalization, a community in the French Cévennes developed a shared daily life starting in the late 1960s by tracing the wandering lines and trails of neurodiverse children. From cartographic practices, pedagogical-therapeutic modes of perception unfold, which in turn are inseparably linked to certain cinematic practices that Deligny called camerer . It is a daily life full of gestures and without pronouns that make the common perceptible. ‘After’ 20th-century fascism, this is a search for non-discriminatory forms of life that emanate from those who are normally pathologized. Requirements : Regular attendance, reading all the texts, contributing to a discussion of one text (either individually or in a group). Additional requirements for course credit: - Undergraduate level: 12–14-page paper - Graduate level: 15–20-page paper (Deadline for papers: 30 September 2027)

Wie erzeugt Fotografie Gemeinschaft? In welcher Weise fungiert das Zuhören als Beschreibung und Methode einer täglichen fotografische Praxis? Wie können Hierarchien von Blick- und Ausstellungsdispositiv unterminiert werden? Welche Rolle kam und kommt Fotografie in einer imperialen und kolonialen Gewaltgeschichte der Bilder zu und wie kann sie innerhalb der und gegen diese politische Realität analysiert und kritisiert werden? Wie wichtig ist das Scheitern als queere Praxis und wie kann diese performativ in und und mit der Institution umgesetzt werden? Was tut Fotografie, als partizipative und kooperative Praxis? Wie kann Fotografie seine imaginative und legitimierende Kraft für Grundrechte einsetzen und verteidigen? Gibt es eine Bildermüdigkeit und wie hat sich das dokumentarische Bild im Kontext des Krieges, etwa des russischen Angriffskrieges gegen die Ukraine verändert? Wie verändern Bilder Ihre Funktion von Identifizierungsmerkmale von Individuen zu Ausgangstrainingswerten für KI-Gesichtserkennungssysteme? Wie lassen sich prä- und postfotografische Verfahren verbinden? Wie können Bilder Empathie erzeugen oder neue Archivdiskurse anfachen? Dies sind Fragen, mit denen sich die Fotokurator*innen und Theoretiker*innen befasst haben und die ganz unterschiedlichen Schichten und Ebenen des Fotografischen und seiner Praxis beleuchten. Im Seminar kommen wir mit ihnen als Handelnde und Reflektierende ins Gespräch, schauen mit ihnen auf kuratorische und fotografische Perspektiven, auf neue Ansätze und andere Zugänge. Wir lesen gemeinsam Essays, Texte, und Beiträge. Im Seminar arbeiten wir gemeinsam eine fotografische, kuratorische intervention. English : How does photography foster community? Does listening function as a description and method of daily vernacular photographic practice, and in which ways? How can hierarchies of the gaze and exhibition practices be undermined? What role has photography played—and continues to play—in an imperial and colonial history of violent imagery, and how can it be analyzed and critiqued within and against this political reality? How important is failure as a queer practice, and in what ways can this be performatively implemented within and alongside the institution? What does photography do as a participatory and cooperative practice? How can photography use and defend its imaginative and legitimizing agency for fundamental rights? Is there such a thing as image fatigue, and how has the documentary image changed in the context of war, such as Russia’s war of aggression against Ukraine? How are images shifting their function from identifying characteristics of individuals to training data for AI facial recognition systems? How can pre- and post-photographic processes be combined? In which ways can images generate empathy or spark new archival discourses? These are questions that photo curators and theorists have addressed, shedding light on very different layers and levels of photography and its practice. In the seminar, we engage with them as practitioners and through their reflections and analyses, examining curatorial and photographic perspectives, new approaches, and alternative methods. Together, we read essays, texts, and articles. In the seminar, we collaborate on a photographic, curatorial intervention. Eingeladene Fotokurator*innen und Theoretiker*innen / Invited curators, theory writers: Linda Conze, Tina M. Campt, Florian Ebner, Julia Grosse, Heide Häusler, Kathrin Schönegg, Hilde van Gelder, Oleksandra Osadcha, Mark Sealy, Liang-Kai Yu (tbc). Literatur/ Readings (selection): As We Rise: Photography from the Black Atlantic , exh. cat., Aperture Foundation New York 2021. bell hooks, Black Looks: Race and Representation , Boston 1992. Tina M. Campt, Listening to Images , Durham/London 2017. Linda Conze, Community. Fotografie und Gemeinschaft , exh. cat., Museum Kunstpalast, Berlin 2026. Kate Crawford, Atlas of AI: power, politics, and the planetary costs of artificial intelligenc e, New Haven/L 2021. Nadia Yala Kisukidi, Djamila Ribeiro, Dialogue transatlantique. Perspectives de la pensée féministe noire et des diasporas africaines , Paris 2021. Oleksandra Osadcha, "Regarding the Pain of One’s Own: Ukrainian Photographers in Times of War", Researching and Curating Photography from Ukraine: Reflections, Perspectives, Challenges , ed. by Kateryna Filyuk, Manchester 2025. Michelle Henning, A Dirty History of Photography. Chemistry, Fog, and Empire , London 2025. Mark Sealy, Decolonising the Camera: Photography in Racial Time , London 2019. Send me an image : from postcards to social media , ed. by Felix Hoffmann & Kathrin Schönegg, C/O Berlin 2021. Ethel-Ruth Tawe, "Stewarding an Antidisciplinary Practice", in C&, 02.04.2025 https://contemporaryand.com/en/c-and-magazine/texts/stewarding-an-antidisciplinary-practice Hilde van Gelder, Ground Sea. Photography and the Right to Be Reborn , Leuven 2021. Liang-Kai Yu, "Musing on a Queer Museum of Failure", in: Queer Exhibition Histories , ed. by Bad Hendrikx, Amsterdam 2023, pp. 179–188.

Der Workshop ist für alle, Studierende und Lehrende, Technik Verwaltung offen. Im Rahmen des Impulsvortrags und dem anschließenden Workshop geht es um eine kritische Auseinandersetzung mit den Themen Bildmacht, die Macht über Bilder und die Macht der Bildermacher:innen im Kontext unterschiedlicher Formen der Wissensvermittlungen an Design- und Kunsthochschulen. Studierenden der Peter Behrens School of Arts Düsseldorf laden gemeinsam mit der Medienkünstlerin und Dozentin Marie Köhler zu einem dialogischen Austausch ein. Marie Köhler wird den Workshop mit einem Impulsvortrag eröffnen. Im Rahmen ihrer Promotion an der Bauhaus-Universität Weimar untersucht sie die unterschiedlichen Formen der Grundlagenlehre an Kunst- und Designhochschulen in Deutschland. Ihre Forschung hinterfragt ästhetische Praktiken und Methoden in der Lehre gestaltungsrelevanter und frei-künstlerischer Studiengänge, die nach ihrer These häufig zu Stereotypenbildung, hegemonialen Erzählweisen und der Unterstützung bestehender Machtstrukturen beitragen. Grundlage des Vortrags sind die Ergebnisse ihrer großangelegten Umfrage „Der erweiterte Blick“, die Köhler im Frühjahr 2025 durchgeführt hat. Ziel der Umfrage war es, eine möglichst aussagekräftige Studie darüber zu bekommen, welche Perspektiven uns möglicherweise fehlen und welche Sichtweisen wir in der Lehre noch nicht ausreichend berücksichtigen. In dem anschließenden Workshop, laden Studierende gemeinsam mit Marie Köhler dazu ein, bestehende Wissenshierarchien innerhalb akademischer und institutioneller Kontexte kritisch zu hinterfragen und alternative Lernmethoden zu diskutieren. Der Workshop versteht sich nicht als Suche nach schnellen Lösungen, sondern als dialogischer, kollektiver Prozess, in dem offene Fragen verhandelt werden. Der Workshop kehrt die gewohnte Hierarchie zwischen Lehrenden und Lernenden um und erprobt, wie Lehre als gemeinsamer, dialogischer Prozess gestaltet werden kann. Als eine kollektive Lehr-Lerngemeinschaft, in der die unterschiedlichen Ausgangspunkte, die verschiedenen Lebensrealitäten und Perspektiven in einen gemeinsamen Wissensaustausch zusammenkommen. Indem wir traditionelle Hierarchien hinterfragen und stereotype Denk- und Sichtweisen aufbrechen, entsteht ein Raum in dem durch erproben dialogorientierte Methoden, ein kollaboratives Lehren und Lernen möglich wird. English: The opening input and subsequent workshop will focus on a critical examination of the themes of the power of images, power over images, and the power of image-makers in the context of various forms of knowledge transfer at design and art colleges. Students at the Peter Behrens School of Arts in Düsseldorf, together with media artist and lecturer Marie Köhler, invite you to a dialogic exchange. Marie Köhler will open the workshop with an opening presentation. As part of her doctoral research at the Bauhaus University Weimar, she is examining the various forms of foundational instruction at art and design colleges in Germany. Her research questions aesthetic practices and methods in the teaching of design-related and fine arts degree programs, which, according to her thesis, often contribute to the formation of stereotypes, hegemonic narratives, and the reinforcement of existing power structures. The lecture is based on the results of her large-scale survey “The Expanded View,” which Köhler conducted in the spring of 2025. The goal of the survey was to obtain the most informative study possible regarding which perspectives we may be missing and which viewpoints we have not yet sufficiently taken into account in our teaching. In the subsequent workshop, students, together with Marie Köhler, invite participants to critically examine existing hierarchies of knowledge within academic and institutional contexts and to discuss alternative learning methods. The workshop is not intended as a search for quick solutions, but rather as a dialogic, collective process in which open questions are explored. The workshop reverses the customary hierarchy between teachers and learners and explores how teaching can be shaped as a shared, dialogic process. As a collective teaching-learning community in which different starting points, diverse life experiences, and perspectives come together in a shared exchange of knowledge. By questioning traditional hierarchies and breaking down stereotypical ways of thinking and perspectives, we create a space where collaborative teaching and learning become possible through the exploration of dialogue-oriented methods.

Dieses Seminar sammelt die Spuren des Vagabundierens aus den vergangenen fünf Semestern, bringt sie neu zusammen und verwebt sie mit weiteren Praxen des deviantisierten queeren Vagabundierens. Wir werden also manches wiederholen und anderes erstmals gemeinsam diskutieren. Das Seminar ist offen für alle Interessierte. Die Vagabundierenden sind eine der historischen Gegen-Figuren von kapitalistischer Produktion und Lohnarbeit, von bürgerlicher Ehe und sesshaften Lebensweisen. Sie gelten als faul, arbeitsscheu, wild und unabhängig. Sie erscheinen im 16. Jahrhundert, wenn die Allmende in Eigentum verwandelt wird, große Armut entsteht und viele ihrer Subsistenzgrundlage beraubt werden. Die Vagabundierenden haben mehrere Verwandte, zu denen die so genannte ‚Hexe‘ und die Verrückten gehören. Sie werden kriminalisiert, verfolgt und eingesperrt, oft zusammen in Arbeitshäuser. Im 19. Jahrhundert werden viele Arbeitshäuser zu Psychiatrien. Vor diesem Hintergrund verstehen wir noch einmal anders, - was es bedeutet, wenn der revolutionäre anarchische katalanisch-französische Psychiater François Tosquelles vom „Recht auf Vagabundieren“ spricht und seine psychiatrische Praxis von der Bewegung und von den Füßen aus denkt; - was der radikale Pädagoge Fernand Deligny meint, wenn er „autistische“ Kinder in ihrem Herumstreifen beobachtet und mit anderen zusammen eine daran angeschmiegte Lebensweise praktiziert und wie das mit der nomadischen Linie bei Deleuze und Guattari zusammenhängt. Auch können wir die Filme von François Truffaut zu vagabundierenden Jugendlichen, die die Nouvelle Vague begründet haben, anders lesen. Mit Silvia Federici lernen wir mehr über die historischen Widerständigkeit der Vagabundierenden und wie sie mit der Hexenverfolgung verwoben sind. Auch Michel Foucault sieht diese widerständigen deviantisierten Figuren und analysiert ihre historischen Funktionen zusammen mit der Einhegung des Wahnsinns und deviantisierten Sexualitäten and Geschlechtern. Maurizio Lazzarato verbindet das Recht auf Faulheit mit Duchamp, und Angela Melitopoulos zieht Linien zwischen dem Vagabundieren und dem Konzept der „Autonomie der Migration“. Schließlich verbinden wir die historischen Vagabundierenden mit den „Herumtreiberinnen“ in der DDR aus dem Roman von Bettina Wilpert. Unter anderem lesen wir Ausschnitte aus: Federici, Silvia, Caliban and the Witch. Women, the Body and primitive Accumulation, New York 2004. Foucault, Michel, Wahnsinn und Gesellschaft, Frankfurt/M. 1973. Foucault, Michel, Die Strafgesellschaft. Vorlesungen am Collège de France 1972-73, Berlin 2015. Foucault, Michel, Die Anomalen. Vorlesungen am Collège de France 1974-75, Frankfurt/M. 2007. Deleuze, Gilles/Félix Guattari, Tausend Plateaus. Kapitalismus und Schizophrenie, Berlin 1992. Lazzarato, Maurizio, Marcel Duchamp und die Verweigerung der Arbeit, Wien 2017. Deligny, Fernand, Das Floß in den Bergen, Berlin 1980. Tosquelles, François, ‘Une politique de la folie’, in: Chimères. Revue des schizoanalyses, 13/1991. Wilpert, Bettina, Herumtreiberinnen, Berlin 2022. Soweit vorhanden, werden die Texte auch auf Englisch zur Verfügung gestellt.

Das Kolloquium bietet einen Raum, um die eigenen künstlerischen, künstlerisch-forschende Projekte und Themen, theoretische Ansätze und Perspektiven im Plenum zu diskutieren und zu teilen. Die Projekte können am Anfang oder in jeder Phase des Diploms stehen, jede Form der Vorstellung ist willkommen. English : The colloquium provides a space to discuss and share the own artistic, artistic research projects and topics, theoretical approaches and perspectives in the group. The projects could be at the beginning or in each phase of the diploma. Each moder of presentation is welcome.

We have been seeing more and more hybrid cinema forms since the 1980s. Is it true that classical cinema is dead as Godard announced? Or are we moving into the merged space between theatrical narrative and radical journalism? The underground filmmaking in China, in the Arabic world and in other non-western countries have suggested a more political and radical cinematic language, yet, the west and especially Hollywood is still refining the expensive studio and superstar-oriented production. We might need new terms to replace the word ‘documentary’ or ‘fiction’ in the current world of film practice. But we can never change the essence of storytelling in cinema. What is the particularity of docu-fiction narrative? What are the ways of dealing with facts, archives, documentary real people in their environments, and dramatization? And how should we direct reenactment and performative scenes? In this class, we will examine these issues. We will study and discuss the clips from key films, and will have short film exercises to explore various cinematic languages. Outcome: Through discussion and short film exercises, students will learn different modes of visual narrative. In particular, students will acquire a sophisticated sense of hybrid storytelling that will assist them in forging a cinematic language and a visual narrative of their own. This course is divided into two parts. Part 1 (wks 1-5): study of the hybrid form and essential skills for hybrid cinema. Part 2 (wks 6- end of term): hybrid storytelling workshop: reenactment, performative, dramatization, improvisation from the scripted or non scripted projects, and other modes of narrative.

Theorieseminar und/and Workshop Die documenta 1955 – vom Künstler und Professor der dortigen Kunstakademie Arnold Bode als demokratische Ausstellungsreihe im kriegszerstörten Kassel begründet - trat an, um die in der NSZeit verfemte und unsichtbar gemachte moderne Kunst zu rehabilitieren. Sie begann jedoch ebenfalls mit dem Anspruch einer Bestandsaufnahme zunächst nationaler, dann internationaler aber überwiegend westlicher Kunst seit 1945, um seismographisch gegenwärtige Tendenzen, unabhängig vom Kunstmarkt aufzugreifen. Im fünfjährigen Turnus mit wechselnden Kurator*innen, spezifischen thematischen oder medialen Schwerpunkten an geschichtsträchtigen Orten angelegt, wurde erst mit Catherine David 1997 den Stadtraum und die kritische Kunst belebende Kuratorin berufen und mit der documenta 11 vom Kurator Okwui Enwezor das Ausstellungsformat um vier diskursive Plattformen mit globalen Themen und de/postkolonialen Fokussierungen erweitert. Doch die Maßstäbe setzende Großausstellung steht in der Kritik - nicht nur, dass sie eine wachsende Biennalisierung, Kunsttourismus und Wertschöpfung befördere, sondern auch die Teilhabe von beteiligten Ausstellungsmachern am NS-System. Die auf europäische und nordamerikanische Kunst ausgerichtete Schau war zunächst wenig heterogen und es gab kaum Künstlerinnenbeteiligung. In gemeinsamen Lektüren und Workshops mit sowie Recherchen vor Ort in der Ausstellung und im documenta-Archiv nehmen wir in close readings am Beispiel der documenta mit kuratorischen Konzepten, Ausstellungsgeschichte und -praxis kritische Tiefenbohrungen vor. The seminar dedicates itself to a critical reflection of the documenta founded in 1955 by the artist and Art Academy professor Arnold Bode as democratic exhibition series in Kassel in ruins after WWII. It started not only to make repressed modern art visible again and to work on its rehabilitation, but with the claim to review national, later international western art since 1945 to show actual tendencies independently from the art market. While opening every five years with changing curators, specific themes or media focuses at historical places, only in 1997 a female curator was nominated with Catherine David who addressed also the public space and critical art. With documenta 11 by curator Okwui Enwezor the exhibition format was expanded by four discursive platforms with global topics and de/postcolonial focuses. But this major exhibition series is criticized for supporting a biennialization, art tourism and value creation, as well as the participation of curators and staff during the Nazi system. The first versions of the exhibition were mainly oriented towards European and North American art, not heterogeneous, and nearly no female artists. By reading together and doing workshops and research on spot in the exhibition and the documenta Archive with the example of the documenta we will critically explore curatorial concepts, exhibition history and practice in depth. Readings (Auswahl/selection) Lukas Bärfuss /Regine Falkenberg u. a., Documenta, Geschichte/Kunst/Politik, Berlin 2020. Okwui Enwezor, Democracy unrealized, Documenta 11. Platform 1, Ostfildern 2002. Charles Green/Anthony Gardner, Biennials, Triennials, and documenta, Malden 2016. Johannes Kirschenmann u. a (Hg.). Documenta Kassel. Skulptur Münster. Biennale Venedig, München 2007. Ernesto Laclau/Chantal Mouffe, Hegemonie und radikale Demokratie, Wien 2000. Oliver Marchart, Hegemonie im Kunstfeld. Die documenta-Ausst. u. die Politik der Biennalisierung, Köln 2008. Erstes Treffen/ First date: 06.04.2022

Dieses Seminar untersucht die Rolle des Klangs im Dokumentarfilm, in Video-Installationen und künstlerischen Projekten. Im Fokus stehen sowohl kreative als auch technische Aspekte. Die Studierendenanalysieren die dramaturgische Funktion des Sound Designs – von der Verwendung von Montage und Rhythmus bis hin zur Schichtung klanglicher Texturen – und erarbeiten, wie diese Elemente Wahrnehmung und Bedeutung beeinflussen. Am Ende des Semesters unternehmen wir eine Exkursion zur SoundTrack_Cologne, einer renommierten Fachmesse und Konferenz für Sound-Profis. Dort haben die Studierenden die Möglichkeit, aktuelle Trends, Arbeitsweisen und Innovationen in den Bereichen Sound Design, Field Recording und Filmmusik kennenzulernen. In einer Kombination aus theoretischen Diskussionen, der Analyse ausgewählter Filme und praktischen Übungen befassen sich die Teilnehmenden mit dem gesamten Prozess der Klanggestaltung. Themenschwerpunkte sind unter anderem Aufnahmetechniken im Feld, der Einsatz von Mikrofonen in unterschiedlichen Umgebungen, Strategien des Schnitts und Mischens sowie der Aufbau persönlicher Soundbibliotheken für zukünftige Projekte. Das Seminar versteht das Hören als aktiven und kreativen Prozess und ermutigt die Studierenden, Klang als narratives und expressives Gestaltungsmittel experimentell zu erforschen. GÄSTE: Cassis Birgit Staudt – Cassis ist Komponistin, Sängerin und Musikerin, die sich auf Filmmusik spezialisiert hat, aber mit ihrer ehemaligen Band b-blush und dem DJ-Projekt scratch’Nsniff (wörtlich: Beats mixen beim Backen von Süßigkeiten) durch die USA, Europa, Mexiko und Indien getourt ist. Sie wird uns auf der SoundTrack Cologne-Exkursion begleiten und führen. This seminar explores the role of sound in documentary film, video-installations and artistic projects. Focusing on both creative and technical dimensions, the course investigates how music, real sounds, and ambient soundscapes contribute to cinematic storytelling. Students will analyze the dramaturgical function of sound design — from the use of montage and rhythm to the layering of sonic textures — and examine how these elements guide perception and meaning. At the end of the semester, we will take part in an excursion to SoundTrack_Cologne, a renowned professional sound fair and conference, offering students the opportunity to experience current trends, workflows, and innovations in sound design, field recording, and film scoring. Through a combination of theoretical discussions, close analyses of selected films, and hands-on practice, participants will engage with the entire process of sound creation. Topics include field recording techniques, microphone use in diverse environments, sound editing and mixing strategies, and the building of personal sound libraries for future projects. The seminar emphasizes listening as an active and creative process, encouraging students to experiment with sound as both a narrative and expressive tool. GUESTS: Cassis Birgit Staudt April 16-18 Cassis is a composer, singer and recording artist who specializes in scoring films but has toured the US, Europe, Mexico and India with her former band b-blush and the DJ project scratch’Nsniff (literally: mixing beats while baking sweets). She will join and guide us on the SoundTrack Cologne excursion.

Das Internationale Leipziger Festival für Dokumentar- und Animationsfilm, kurz DOK Leipzig, ist das größte deutsche und eines der führenden internationalen Festivals für den künstlerischen Dokumentar- und Animationsfilm. Die Exkursion lädt Studierende ein, das aktuelle internationale Dokumentar- und Animationsfilmschaffen zu erleben und zu reflektieren. Bestandteil der Exkursion ist ein Vorbereitungstreffen Anfang Oktober per ZOOM.

Das Internationale Leipziger Festival für Dokumentar- und Animationsfilm, kurz DOK Leipzig, ist das größte deutsche und eines der führenden internationalen Festivals für den künstlerischen Dokumentar- und Animationsfilm. Die Exkursion lädt Studierende ein, das aktuelle internationale Dokumentar- und Animationsfilmschaffen zu erleben und zu reflektieren. Das Seminar übernimmt Kosten für Akkreditierung, Gruppenticket der DB und anteilige Übernachtungskosten. Die Exkursion richtet sich an Studierende aus dem Hauptstudium/Diplom 2, die sich nicht im Diplom befinden und noch nicht auf dem DOK Leipzig waren. The International Leipzig Festival for Documentary and Animated Film, DOK Leipzig for short, is the largest German and one of the leading international festivals for artistic documentary and animated film. The excursion invites students to experience and reflect on current international documentary and animated film production. The seminar covers the costs of accreditation, a German railway group ticket and a share of the accommodation costs. The excursion is aimed at students from the main study programme/diploma 2 who are not currently studying for their diploma and have not yet been to DOK Leipzig.

Das regelmäßige Doktorandenkolloquium dient dazu, Ideen, kritische Anregungen sowie offene Fragen zu übergreifenden Forschungsthemen auszutauschen und miteinander zu besprechen. Ins-besondere werden in regelmäßigen Abständen die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert.

Das regelmäßige Doktorandenkolloquium dient dazu, Ideen, kritische Anregungen sowie offene Fragen zu übergreifenden Forschungsthemen auszutauschen und miteinander zu besprechen. Insbesondere werden in regelmäßigen Abständen die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert.

Die Doktorierenden von Lilian Haberer und Isabell Lorey stellen ihre Projekte vor und diskutieren sie mit den Anwesenden.

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Promovend*innen können erste Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens präsentieren und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft zur Diskussion stellen.

Die dokumentarfilmwoche hamburg versteht sich als Forum für den formal und inhaltlich anspruchsvollen Dokumentarfilm. Für Filme, die mit ihrem kritischen Ansatz künstlerische Formen finden, die den Möglichkeitsraum des Dokumentarischen ästhetisch und politisch ausloten. Gezeigt wird eine große Bandbreite an Produktionen, die von experimentellen, ohne Senderbeteiligung und Fördermittel erstellten Dokumentarfilmen bis hin zu herausragenden internationalen Koproduktionen reicht. Ergänzt wird das regionale, deutsche und internationale Filmprogramm durch eine jährlich stattfindende Retrospektive, sowie die diskursive Veranstaltungsreihe ›Positionen‹. Da neben dem Zeigen von Dokumentarfilmen das Sprechen darüber wichtig ist, werden zu jeder Veranstaltung die Filmemacher*innen eingeladen. Das Festival wird seit der ersten Ausgabe 2004 kollektiv organisiert. Die Exkursion lädt an mehreren Tagen zum gemeinsamen Filme sichten, diskutieren und reflektieren ein. Wir werden als Gruppe anreisen und dort untergebracht. Kosten für Fahrt- und Unterkunft werden vom Seminar übernommen. Teil der Exkursion ist ein Vor- und Nachtreffen. Sprache: Deutsch/Englisch

Die dokumentarfilmwoche hamburg versteht sich als Forum für den formal und inhaltlich anspruchsvollen Dokumentarfilm. Für Filme, die mit ihrem kritischen Ansatz künstlerische Formen finden, die den Möglichkeitsraum des Dokumentarischen ästhetisch und politisch ausloten. Gezeigt wird eine große Bandbreite an Produktionen, die von experimentellen, ohne Senderbeteiligung und Fördermittel erstellten Dokumentarfilmen bis hin zu herausragenden internationalen Koproduktionen reicht. Ergänzt wird das regionale, deutsche und internationale Filmprogramm durch eine jährlich stattfindende Retrospektive, sowie die diskursive Veranstaltungsreihe ›Positionen‹. Da neben dem Zeigen von Dokumentarfilmen das Sprechen darüber wichtig ist, werden zu jeder Veranstaltung die Filmemacher*innen eingeladen. Das Festival wird seit der ersten Ausgabe 2004 kollektiv organisiert. Die Exkursion lädt an mehreren Tagen zum gemeinsamen Filme sichten, diskutieren und reflektieren ein. Außerdem nehmen wir an einer Masterclass des japanischen Dokumentarfilmemachers Kazuo Hara teil, dessen Filme in einer Retrospektive gezeigt werden. Wir werden als Gruppe anreisen und dort untergebracht. Die Kosten für Gruppenfahrt- und Gruppen Unterkunft werden vom Seminar übernommen. Teil der Exkursion ist ein Vor- und Nachtreffen. Sprache: Deutsch/Englisch

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ (Jonas Mekas) Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “ Es gibt keinen Dokumentarfilm.“  (Trinh T. Minh-ha) Das über 3 Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Der erste dokumentarische Kurzfilm wird auf 16 mm realisiert. Flankiert wird das Seminar mit technischen Einführungen u.a. zu Settonaufnahme und Montage. Im zweiten Teil des GLS (SS 2024) werden dann situativ basierten Miniaturen in einem engen Zeithorizont realisiert. "My greatest discovery was to understand that I don't have to do anything: All I have to do is allow things to happen [...] not stand in their way." (Jonas Mekas) What is the relationship between me and the "things that can happen"? Who is "standing in the way of whom" and what does all this have to do with documentary film? " There is no such thing as documentary film."  (Trinh T. Minh-ha) The seminar, which runs over 3 semesters, combines analysis and discussion of films with first miniatures of one's own documentary practice. The students will try out the search for suitable material, research and preliminary location scouting, handling the camera and microphone, team building, and how to behave towards the protagonists. The first documentary short film is realised on 16 mm. The seminar is flanked by technical introductions, e.g. on set recording and editing. In the second part of the GLS (SS 2024), situationally based miniatures will be realised within a narrow time horizon.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über zwei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von dokumentarischen Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, die Recherche und Vororterkundung, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen und erste produktionstechnische Abläufe. Der erste dokumentarische Kurzfilm wird auf 16 mm realisiert. Teil des Seminars ist auch ein Interviewseminar, sowie technischen Einführungen zu Settonaufnahme und Montage. Im zweiten Teil des GLS (SoSe 2025) findet die Postproduktion der Miniaturen statt. Um auf 16mm drehen zu können empfehlen wir dringend eine Teilnahme am Kompakt- Seminar „Analog Capture“ von Carina Neubohn und Ernesto Ojeda Sosa (10.02. – 14.02.2024). Sprache ist Deutsch, Englisch, Denglisch

Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun    muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen. Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? Es gibt keinen Dokumentarfilm .  Trinh T. Minh-ha Das über zwei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Diese situativ basierten Miniaturen werden in einem engen Zeithorizont realisiert. Im zweiten Teil (SoSe 2026) wird ein dokumentarischer Kurzfilm auf 16 mm realisiert. Neben dem Seminar gibt es technische Einführungen u.a. zu Settonaufnahme und digitalem Filmschnitt. My biggest discovery was realising that I don't have to do anything: All I have to do is allow things to happen [...] not stand in their way. Jonas Mekas What is the relationship between me and the ‘things that can happen’? Who is ‘standing in the way of whom’ and what does all this have to do with documentary film? There is no such thing as a documentary film. Trinh T. Minh-ha The two-semester seminar combines analysis and discussion of films with the first miniatures of the students' own documentary practice. The search for suitable material, research and pre-location exploration, handling the camera and microphone, team building, behaviour towards protagonists will be tested. These situationally based miniatures are realised within a narrow time horizon. In the second part (SoSe 2026), a documentary short film on 16 mm will be realised. In addition to the seminar, there will be technical introductions to set recording and digital film editing.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über zwei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von dokumentarischen Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, die Recherche und Vororterkundung, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen und erste produktionstechnische Abläufe. Der erste dokumentarische Kurzfilm wird auf 16 mm realisiert. Teil des Seminars sind technischen Einführungen zu Settonaufnahme und Montage. Im zweiten Teil des GLS (SoSe 2025) findet die Postproduktion der Miniaturen statt. Um auf 16mm drehen zu können empfehlen wir dringend eine Teilnahme am Kompakt- Seminar „Analog Capture“  (25.01. – 01.02.2027). “My greatest discovery was realising that I don’t have to do anything: all I have to do is allow things to happen […] not stand in their way.” Jonas Mekas What is the relationship between myself and the “things that can happen”? Who is “standing in whose way”, and what does all this have to do with documentary film? "There is no such thing as a documentary film.” Trinh T. Minh-ha This two-semester seminar combines the analysis and discussion of documentary films with initial exercises in students’ own documentary practice. Students will explore the search for suitable subject matter, research and location scouting, team building, how to interact with protagonists, and the initial stages of the production process. The first short documentary film will be shot on 16 mm. The seminar also includes an interview workshop, as well as technical introductions to on-set recording and editing. To be able to shoot on 16mm film, we strongly recommend attending the “Analogue Capture” compact seminar (25.01. – 01.02.2027). Darüberhinaus wird ein Interviewseminar mit Settoneinführung in Zusammenarbeit mir den Kamera Lehrenden im Januar/Februar angeboten.

Im zweiten Teil des Grundlagenseminars Dokumentarische Miniaturen sichten und besprechen wir die Rohschnitte der bisher gedrehten Miniaturen, die im Laufe des Semesters fertiggestellt werden. Eine zweite Miniatur, die mit 2 Rollen 16 mm Material gedreht werden kann, soll recherchiert und konzipiert werden. Dazu wird ein filmisches Konzept entwickelt und die eher visuell gestaltete Miniatur im Team verwirklicht. Darüber hinaus stellen wir weiter beispielhaft Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiteren Postproduktionsschritten wird es eine Einführung in die Montage geben. Zudem stellen wir weiterhin Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Das Seminar findet in Deutsch/Englisch statt. In the 2nd part of the basic seminar "Documentary Miniatures" we will accompany the completion of the documentary 16 mm miniatures. In addition to viewing the rough cut versions and further post-production steps, there will be an introduction to editing. We will also present documentary films from the history of documentary film. The seminar will be held in German/English.

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiteren Postproduktionsschritten wird es eine Einführung in die Montage geben. Zudem stellen wir weiterhin Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Das Seminar findet in Deutsch/Englisch statt. In the 2nd part of the basic seminar "Documentary Miniatures" we will accompany the completion of the documentary miniatures. In addition to viewing the rough cut versions and further post-production steps, there will be an introduction to editing. We will also present documentary films from the history of documentary film. The seminar will be held in German/English. 

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiteren Postproduktionsschritten wird es eine Einführung in die Montage geben. Zudem stellen wir weiterhin Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Das Seminar findet in Deutsch/Englisch statt. In the 2nd part of the basic seminar "Documentary Miniatures" we will accompany the completion of the documentary miniatures. In addition to viewing the rough cut versions and further post-production steps, there will be an introduction to editing. We will also present documentary films from the history of documentary film. The seminar will be held in German/English.

Im 3. Teil des Grundlagenseminars Dokumentarische Miniaturen begleiten wir die gedrehten oder geplanten dokumentarischen Kurzfilme bis zur Fertigstellung (Montage, Mischung und Grading). Darüber hinaus stellen wir weiterhin wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über zwei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Diese situativ basierten Miniaturen werden in einem engen Zeithorizont realisiert. Im zweiten Teil (SoSe 2022) wird ein dokumentarischer Kurzfilm auf 16 mm realisiert.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen. “ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über drei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Dokumentarfilmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Darüber hinaus stellen wir beispielhaft Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Im ersten Teil (WS 2022/23) wird ein dokumentarische Miniatur auf 16 mm im Team realisiert. Im zweiten Teil (SoSe 2023) werden situativ basierte dokumentarische Miniaturen in einem engen Zeithorizont realisiert. Im dritten Semester werden gegenwärtige Tendenzen und Trends des dokumentarischen Arbeitens im Verhältnis zum eigenen künstlerischen Schaffen diskutiert. Flankiert wird das Seminar mit technischen Einführungen u.a. zu 16mm, Settonaufnahme und Schnitt.

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der ersten dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiterer Postproduktionsschritte wird es eine Einführung in die Montage geben. Darüberhinaus stellen wir weiterhin wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Fragen gerne an: sklassen@khm.de franke@khm.de

Im dritten Teil des Grundlagenseminars "Dokumentarische Miniaturen" begleiten wir die Fertigstellung der ersten dokumentarischen Kurzfilme. Eine weitere dokumentarische Miniatur kann auf 16 mm gedreht werden, dazu gibt es zwei Rollen Filmmaterial, welches nach genauer Recherche und Erstellung eines filmischen Konzepts genutzt werden kann. Die Montage erfolgt digital. Auch hier werden die Rohschnitt Fassungen anschließend im Seminar besprochen. Technische und produktionstechnische Einführungen sollen im Seminar begleitend angeboten werden. Darüber hinaus stellen wir weiter wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

Im dritten Teil des Grundlagenseminars ''Dokumentarische Miniaturen'' begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Darüber hinaus zeigen wir wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte.

„Ich habe beobachtet…Ich interessiere mich für…Mich beschäftigt schon lange… Das lässt mich nicht los…Gerade jetzt ist es wichtig… Ich habe eine Idee…?“ Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum, der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren. „Ich habe eine Idee…“  – aber was genau interessiert mich eigentlich daran und warum? – Was ist mein eigener, spezifischer Blick darauf? – Welche Perspektive nehme ich ein? – Wie kann aus dieser Idee ein Film werden? – Warum soll das überhaupt ein Film werden? – Wie kann ich im jetzigen Stadium über das eigene (Film-)Projekt sprechen? – Was wünsche und erwarte ich von meinen Zuhörer:innen? – Welche Zweifel habe ich und wo komme ich nicht weiter? – Haben andere ähnliche Schwierigkeiten? – Bin ich allein oder gibt es ein Wir? – Gibt es Filme, die uns beim Nachdenken helfen können? – Filmemacher:innen, die wir konkret ansprechen sollten? – Was wäre der nächste sinnvolle Schritt? Für das eigene Projekt. Für die Projekte der Anderen. Für eine gemeinsame Praxis.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

„Man kann richtig süchtig danach werden“ oder: „Das kann man unmöglich alleine schaffen!“ und: „Pass nur auf, dass du noch frei bist zu spielen“ sind typische Bemerkungen, wenn es um dokumentarische Verfahren in der Literatur geht. Deren Herausforderungen wollen wir gemeinsam begegnen. Denn ob Interview, Gespräch, Transkription, Textrecherche, Archivarbeit, teilnehmende Beobachtung, mediale Übersetzung, kollektive Recherchen, sie alle begleiten die Arbeit an Romanen, Gedichten, Theatertexten wie Drehbüchern. Wie sieht es auf unseren Schreibtischen aus? Dieses explizite Werkstattseminar soll anhand der einzelnen Verfahren die fortlaufenden Projekte unterstützen, und Problematiken und Chancen begegnen, die in der Anwendung dieser Verfahren liegen. Zur Hilfe nehmen wir uns einzelne Beispiele der Gegenwartsliteratur vor und laden Gesprächspartner*innen ein, die uns aus ihren Erfahrungen als investigative Journalist*innen, kollaborative Theatermenschen, Sprachsammler*innen berichten können.

In einem 1,5 tägigen Seminar zum „GFM SECONDO DOLLY“, zeigen wir wie man ihn trägt, anwendet und am sinnvollsten zum Einsatz bringt. Alle Dolly-Interessierten können mit der Teilnahme an diesem Seminar den Dollyschein für „Dollys mit elektronischer Hubsäule“ erwerben. Nur mit dem Schein ist es möglich den Dolly an der KHM zu leihen und damit zu arbeiten! Die Dollyscheininhaber*innen verpflichten sich gleichzeitig dazu als Grip-Person an Sets von Kommilitonen zu fungieren und die Verantwortung für die Arbeit mit dem Dolly zu übernehmen. Alle diejenigen die den Dollyschein zur Bedienung von Dollys mit elektronischer Hubsäule bereits gemacht haben, sind herzlich eingeladen an dieser Veranstaltung teilzunehmen und ihr Wissen weiter zu vertiefen oder aufzufrischen.

Im dreitägigen Seminar zum GFM SECONDO DOLLY vermitteln wir unter Anleitung der erfahrenen Kamerabühnenfrau Maike Maier die grundlegenden Kenntnisse für den sicheren und professionellen Umgang mit dem Kameradolly. Die Teilnehmer*innen lernen den Aufbau, den Transport, die Bedienung sowie die sinnvollen Einsatzmöglichkeiten des Systems in der praktischen Filmproduktion kennen. Darüber hinaus erfolgt eine Einführung in den Umgang mit dem Jibarm, einem vielseitigen Werkzeug der Kameraführung, das dynamische Kamerabewegungen und Perspektivwechsel ermöglicht. Die vollständige Teilnahme am Seminar qualifiziert zur Bedienung von Dollys mit elektronischer Hubsäule. Nur mit diesem Nachweis kann ein entsprechender Dolly an der KHM ausgeliehen und eigenverantwortlich eingesetzt werden. Mit der Teilnahme an der Dolly-Einführung erklären sich die Studierenden zudem bereit, bei Produktionen von Kommiliton*innen als Grip-Person mitzuwirken und Verantwortung für den sachgerechten Einsatz des Dollys zu übernehmen. Der Workshop richtet sich vorrangig an die Teilnehmer*innen der Spielfilmübung 2 mit Dreharbeiten in den Kompaktwochen. Sofern Plätze verfügbar sind, können auch weitere Studierende teilnehmen. --- In this three-day seminar on the GFM SECONDO DOLLY, under the guidance of experienced camera dolly operator Maike Maier, we teach the fundamentals of safe and professional operation of the camera dolly. Participants will learn about the system’s setup, transport, operation, and practical applications in film production. In addition, participants receive an introduction to using the jib arm, a versatile camera-operating tool that enables dynamic camera movements and changes in perspective. Full participation in the seminar qualifies participants to operate dolly systems with electronic lifting columns. Only with this certification may a corresponding dolly be borrowed from the KHM and used under the participant’s own responsibility. By participating in the dolly introduction, students also agree to assist as grip crew members on fellow students’ productions and to take responsibility for the proper use of the dolly. The workshop is primarily intended for participants in the Spielfilmübung 2 who are filming during the intensive weeks. If space is available, other students may also participate.  14.-16.01.2027 Do, 14.1., 14-18 Uhr Fr, 15.1., 10-18 Uhr Sa, 16.1., 10-18 Uhr

Location: Atelier 4a/4b or at Studio A In winter 2023, the Live/Art seminar continues to collectively read and interrogate dramatic texts by a number of authors from different backgrounds as a way of reflecting not only on historical and contemporary performative traditions but also on important social and political issues of our time. Over the course of the semester we will also explore directorial and performative exercises, using scenes and excerpts to illustrate various interpretative approaches, as well as looking at the role of live camera, music, and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Biyi Bandele, Howard Barker, Staceyann Chin, Caryl Churchill, Lynn Nottage and Wole Soyinka. Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts).

The seminar also takes place at Studio A. In summer 2024 the Dramarama 2! Live/Art seminar continues collectively reading and interrogating dramatic texts together as a way of reflecting on contemporary and historical theatrical traditions. Over the course of the semester we will also explore directorial and performative exercises using scenes and excerpts to illustrate interpretative approaches and looking at the role of live camera and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama 2! we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Alan Bennett, Anton Chekhov, Staceyann Chin, Caryl Churchill, Heiner Müller, Lynn Nottage, Claudia Rankine. Reading List: Samuel Beckett - Not I Alan Bennett - Talking Heads Anton Chekhov - Three Sisters Staceyann Chin - Crossfire Caryl Churchill - Top Girls, Cloud Nine Heiner Müller - Hamletmachine, Mauser Lynn Nottage - Intimate Apparel, Sweat Claudia Rankine - Don’t Let Me Be Lonely Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts).

In winter 2024 the Live/Art seminar continues collectively reading and interrogating dramatic texts together as a way of reflecting on contemporary themes and historical theatrical traditions. Over the course of the semester we will also explore directorial and performative exercises using scenes and excerpts to illustrate interpretative approaches and look at the role of the camera in live work, and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Kae Tempest, René Pollesch, Caryl Churchill, Sophocles. Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts). Reading List: Caryl Churchill - Cloud Nine Kae Tempest - Paradise Sophocles - Antigone René Pollesch - 24 Hours Are Not A Day

Summer semester 2025 sees the Live/Art seminar continue collectively reading and interrogating dramatic texts together as a way of reflecting on contemporary themes and historical theatrical traditions. Over the course of the semester, we will also explore experimental directorial and performative exercises using scenes and excerpts to illustrate interpretative approaches and look at the role of the camera in live work, and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Caryl Churchill, Biyi Bandele, Debbie Tucker Green, Federico Garcia Lorca and Henrik Ibsen. Field Trips: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts). Reading List: Caryl Churchill – Collected Plays Biyi Bandele – Two Horsemen Debbie Tucker Green – plays: one, plays: two Federico Garcia Lorca – The House of Bernada Alba, Blood Wedding Henrik Ibsen – A Doll’s House, Ghosts, Hedda Gabler

Winter Semester 2025 sees the Live/Art seminar continue its practice of collectively reading and interrogating dramatic texts as a way of engaging with contemporary themes and historical theatrical traditions. This semester, the focus shifts to student-led productions, which are authored, directed and performed by the seminar participants. The framework takes inspiration from a format developed in Jamaica by the late theatre educator and director Brian Heap: ten plays, each ten minutes long, performed over the course a single evening. For Dramarama 5!, we will extend this format to include and prioritise performance and live art, performance poetry, and other forms of short time-based work. Previous editions of Dramarama have featured works by Heiner Müller, Sarah Kane, Caryl Churchill, Howard Barker, and Omar el-Akkad. This new iteration will continue to build on that legacy through original student creations and expanded performance practices. It invites experimentation and encourages students to engage with form, content and embodiment in innovative and politically attuned ways. Language The working language of the seminar is in advanced English. Field Trips and Excursions The seminar includes weekly excursions to exhibitions and live performances across disciplines, including performance, dance, theatre, visual art, and concerts. Locations Live/Art Space, 4A/B and Studio A

Summer semester 2026 sees the Live/Art seminar continue collectively reading and interrogating dramatic texts together as a way of reflecting on contemporary themes and historical theatrical traditions. Over the course of the semeser we will also explore work in the public sphere, experimental directorial and performative exercises using scenes and excerpts to illustrate interpretative approaches and look at the role of the camera in live work, and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Travis Alabanza, ntozake shange, Caryl Churchill, Federico Garcia Lorca, Ella Hickson and Henrik Ibsen. Field Trips and Excursions There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts). Reading List Travis Alabanza – Burgerz ntozake shange – for colored girls who have considered suicide/when the rainbow is enuf Caryl Churchill – Collected Plays Federico Garcia Lorca – The House of Bernada Alba, Blood Wedding Henrik Ibsen – A Doll’s House, Ghosts, Hedda Gabler

As a triggering starting point, we will defined an Easy-Lazy strategy of AI design / Easy coding with Dal.e 2 and MidJourney to create dirty digital Shelters in specific Situation (Including Scenario of Fiction-Function). A blog will be developed for URL, HyperTXT, InfraTXT… and large printing of OUTPUT to ‘’pollute’’ the actual ground studio’s ‘’Walls, Ceilings and Attics’’. The Lab will in parallel plans and develops its next evolution (April) about Robotic with a Kuka Machine 7 axes (or Similar), including condition of production (indeterminism artifacts) and strategy of design, means and meaning. From ‘’Bachelor Desirable Machines’ to narrative masochism, from illusion of efficiency and protocols of accuracy to uncertainties, losing control, and unpredictable OUTPUT artifact (including BioTech, Chemistry, Nozzles, Computations, Real Scale fabrication, FeedBack…). A small Robot AR3 will be included first to test the software and system.

The EcoSenda Residency provides the opportunity to explore, collaborate, network, develop and deepen methods of teaching, learning, and making in the context of art and ecology in this third iteration of the EcoSenda residency program. The residency will be hosted by the Royal Academy of Arts The Hague. KHM and the other partners will join with an interdisciplinary group of students and professors. If you’re interested in joining, send an email with a brief (no more than 200 words) motivation no later than 15 February to multispecies@khm.de. EcoSenda Project https://www.khm.de/ecosenda/

Eine Geschichte kann in unendlich vielen Facetten, aus unendlich vielen Blickwinkeln erzählt werden. Je nachdem, wer sie erzählt. Es wird eine Szene geben. Für alle ein und die selbe. Das Ziel ist, dass jede*r Bildgestalter*in ihren bzw. seinen ganz eigenen Weg findet, sie visuell umzusetzen. Und mehr über sich erfährt, wie sie oder er Geschichten wahrnimmt und interpretiert. Der individuelle Ansatz. Das ist das Wichtigste: das Einzigartige entdecken, was das filmische und vor allem visuelle Erzählen betrifft. An sich selbst. An vier Drehtagen werden dabei vier Regie-/Kamerateams (ein Drehtag pro Team) eine vorgegebene Szene filmisch umsetzen.

Das Kolloquium der Fotografie ist ein offener und unstrukturierter Raum, in dem Arbeitsansätze ausprobiert und diskutiert werden – ein Raum, der es ermöglichen könnte, der eigenen Grundmotivation näher zu kommen. Das Kolloquium könnte auch ein Experimentierfeld sein, um die multiplen äußeren und inneren Krisen zu transformieren und fruchtbar zu machen.

In diesem Fachseminar werden wir tief in Fotobücher/Artistbooks eintauchen, wir werden sie gemeinsam anschauen und darüber sprechen. Dabei nehmen wir alle Aspekte des Fotobuchs ernst: die Fotos selbst, die Bilderfolge, Größe und Materialität des Buchs, Layout, Druck, Typografie, Titel, Texte, Kontext etc. Das Fotobuch wird als die gültige Form der jeweiligen Arbeit betrachtet, gegebenenfalls im Vergleich zu Ausstellungsformen. 

Das Seminar wird begleitet von Vorträgen & Einladungen von Expert*innen des Fotobuchs. 
Von Gestalter*innen, zu Künstler*innen zu Theoretiker*innen. 

Ergebnis dieses Seminars ist es Recherchen zu den Büchern zu veröffentlichen. ​​​​​​​

Parallel dazu wird es in dem Seminar den Raum geben über eigene künstlerische Arbeiten zu sprechen und diese zu entwickeln. Leseempfehlung 
 Bettina Lockemann, Das Fotobuch denken. Eine Handreichung, Berlin: Hatje Cantz.

In dieser offenen Werkstatt geht es darum, einen Einblick in die aufregende Welt der Elektronik zu bekommen: Grundlagen verstehen, Schaltungen nachbauen und ergänzen, mit Sensoren experimentieren, Fehler finden und machen, kaputte Geräte reparieren, schöne Dinge löten! Wir treffen uns 14-tägig und basteln an eigenen Projekten und an verschiedenen Schaltungen mit einem Fokus auf Sound.

Das Seminar vermittelt grundlegende Kenntnisse der analogen Elektronik mit einem Fokus auf Sound. Behandelt werden Basistechniken wie Löten, das Lesen und Interpretieren von Schaltplänen sowie der Aufbau und das Verständnis einfacher Schaltungen. Im Zentrum stehen Audioschaltungen und Experimente mitKontaktmikrofonen, Vorverstärkern, Oszillatoren und einfachen Synthesizermodulen.  Dieses Elektronik-Seminar richtet sich ausschließlich an Studierende, die noch keine oder nur sehr wenig Erfahrung mit Elektronik haben!  Für Fortgeschrittene besteht die Möglichkeit, die Schaltungen eigenständig nachzubauen (bitte meldet euch, wenn ihr Interesse habt, dann bekommt ihr Zugang zu Dokumentation und Material). The seminar provides basic knowledge of analogue electronics with a focus on sound. It covers basic techniques such as soldering, reading and interpreting circuit diagrams as well as building and understanding simple circuits. The focus is on audio circuits and experiments with contact microphones, preamplifiers, oscillators and simple  synthesiser  modules.  This electronics seminar is aimed exclusively at students who have no or very little experience with electronics!  Advanced students have the opportunity to build the circuits themselves (please contact us if you are interested, then you will get access to documentation and material). Im Seminar wird Deutsch und Englisch gesprochen The seminar will be in German and English.

In dieser Kompaktwoche beschäftigen wir uns mit interaktiven Systemen für Performances und Klang-Installationen auf Basis von Sensoren, Wearables und drahtloser Kommunikation. Mit ESP32-Mikrocontrollern, verschiedenen Sensortypen und Wireless-Technologien entwickeln wir Systeme, die Bewegungen, Berührungen, Körperdaten oder Umgebungsparameter in Echtzeit in Sound übersetzen – in Kombination mit Pure Data sowie Plattformen wie Bela, Raspberry Pi oder Teensy. Im Mittelpunkt stehen experimentelles Arbeiten und die Entwicklung eigener Projekte – von soundsteuernden Kostümen und performativen Interfaces bis hin zu interaktiven Installationen. In this Kompaktseminar, we explore interactive systems for performance and sound installations based on sensors, wearables and wireless communication. Using ESP32 microcontrollers, various sensor types and wireless technologies, we develop systems that translate movement, touch, body data, or environmental parameters into sound in real time – in combination with Pure Data as well as platforms such as Bela, Raspberry Pi, or Teensy. The focus is on experimental work and the development of individual projects – ranging from sound-controlled costumes and performative interfaces to interactive installations.

We all begin life in water We all begin life because someone once breathed for us Until we breathe for ourselves Someone breathes for us Everyone has had someone – a woman – breathe for them Until that first ga(s)p For air - M. NourbeSe Philip, The Ga(s)p In a world where literacy is mostly understood as the ability to read and write for knowledge acquisition, this seminar leans into other forms of knowing, with a particular focus on embodied knowledge systems that have been historically dismissed, dismantled, or primitivized within institutions of learning. Borrowing from approaches such as Nancy-Angel Doetzel’s honouring of heart wisdom, we will focus on honouring breath, fragmentation, ritual, rhythm, and rupture as some of the tools available to arrive at “not-knowing”. Not-knowing as a strategy for survival presents us with a state of productive refusal through which an intersection of indigenous/black/queer/femme/marginalized and other othered existences can continue to counter, interrupt, and escape colonial, hetero-white supremacist and patriarchal ways of knowing the world. What emerges is a series of rhizomatic approaches that centre on respect, mutual learning, and a recognition of the interconnectedness of all living things. Through oral traditions, stories, and land-based knowledge, the relationality of people, plants, animals, and the environment presents us with possibilities to counter and de-link from often exploitative systems brought on by coloniality, racism, western imperialism, war, and other existing forms of oppression. Amongst other concepts and realities, the understanding of time as non-linear deconstructs notions of ‘common logic’ and becomes a strategy for escaping the pre-determined. Seminar outcomes will vary in timebased media, from performances to multimedia installations, video, and sound. The result is a work of empathy, allowing one to breathe alongside multiple resistances, and oscillate between various selves while escaping predictability. It is, most importantly, a work that insists on breathing as an extension of healing in order to continue to survive. *Provisional wish-list of invited artists: Anawana Haloba Dineo Seshee Bopape Francisco Camacho Herrera Grada Kilomba Jota Mombaça Tracey Rose *Still to be confirmed. As the majority of these artists and practitioners live and travel across various countries and continents, the invited artists' way of presence will depend on their travel schedules throughout the year. Reading list: Bartlett, C., Marshall, M., & Marshall, A. (2012). Two-Eyed Seeing and other lessons learned within a co-learning journey of bringing together indigenous and mainstream knowledges and ways of knowing. Journal of Environmental Studies and Sciences, 2(4), 331–340. Doetzel, N. (2018), Cultivating Spiritual Intelligence: Honoring Heart Wisdom and First Nations Indigenous Ways of Knowing , Interchange: A Quarterly Review of Education, Vol. 49 (4), pg. 521-526. Dragojlovic, A., & Quinan, C. (2023). Queering memory: Toward re-membering otherwise. Memory Studies, 16(1), 3-11. Hunt, S. (2014). Ontologies of Indigeneity: the politics of embodying a concept. Cultural Geographies, 21(1), 27-32. McIvor, O. (2010). I Am My Subject: Blending Indigenous Research Methodology and Autoethnography Through Integrity-based, Spirit-based Research . Canadian Journal of Native Education, 33(1), 137–151. Ngũgĩ wa Thiongʼo, 1938-. Decolonising the Mind : the Politics of Language in African Literature. London: Portsmouth, N.H.: J. Currey ; Heinemann, 1986. Philip, M. N. The Ga(s)p, h ttps://nourbese.com/wp-content/uploads/2020/03/Gasp.pdf

This seminar “Embodiment and Survival: Ancestral Archives Re-Membered” continues from the winter semester 2024/25. During the summer semester, seminar participants will collectively breathe life into The Library of Forgotten Things , a fluid non-structure to be shared with the public during the 2025 Rundgang. New participants are welcome to join. We all begin life in water We all begin life because someone once breathed for us Until we breathe for ourselves Someone breathes for us Everyone has had someone – a woman – breathe for them Until that first ga(s)p For air - M. NourbeSe Philip, The Ga(s)p In a world where literacy is mostly understood as the ability to read and write for knowledge acquisition, this seminar leans into other forms of knowing, with a particular focus on embodied knowledge systems that have been historically dismissed, dismantled, or primitivized within institutions of learning. Borrowing from approaches such as Nancy-Angel Doetzel’s honouring of heart wisdom, we will focus on honouring breath, fragmentation, ritual, ester. Not-knowing as a strategy for survival presents us with a state of productive refusal through which an intersection of indigenous/black/queer/femme/marginalized and other othered existences can continue to counter, interrupt, and escape colonial, hetero-white supremacist and patriarchal ways of knowing the world. What emerges is a series of rhizomatic approaches that centre on respect, mutual learning, and a recognition of the interconnectedness of all living things. Through oral traditions, stories, and land-based knowledge, the relationality of people, plants, animals, and the environment presents us with possibilities to counter and de-link from often exploitative systems brought on by coloniality, racism, western imperialism, war, and other existing forms of oppression. Amongst other concepts and realities, the understanding of time as non-linear deconstructs notions of ‘common logic’ and becomes a strategy for escaping the pre-determined. Seminar outcomes will vary in timebased media, from performances to multimedia installations, video, and sound. The result is a work of empathy, allowing one to breathe alongside multiple resistances, and oscillate between various selves while escaping predictability. It is, most importantly, a work that insists on breathing as an extension of healing in order to continue to survive. *Provisional wish-list of invited artists: Anawana Haloba Dineo Seshee Bopape Francisco Camacho Herrera Jota Mombaça Tracey Rose Tabita Rezaire *Still to be confirmed. As the majority of these artists and practitioners live and travel across various countries and continents, the invited artists' way of presence will depend on their travel schedules throughout the year. Reading list: Bartlett, C., Marshall, M., & Marshall, A. (2012). Two-Eyed Seeing and other lessons learned within a co-learning journey of bringing together indigenous and mainstream knowledges and ways of knowing. Journal of Environmental Studies and Sciences , 2(4), 331–340. ka Canham, H (2023) Riotous Deathscapes. Johannesburg: Wits Press Doetzel, N. (2018), Cultivating Spiritual Intelligence: Honoring Heart Wisdom and First Nations Indigenous Ways of Knowing, Interchange: A Quarterly Review of Education, Vol. 49 (4), pg. 521-526 Dragojlovic, A., & Quinan, C. (2023). Queering memory: Toward re-membering otherwise. Memory Studies, 16(1), 3-11. Hunt, S. (2014). Ontologies of Indigeneity: the politics of embodying a concept. Cultural Geographies, 21(1), 27-32. Magona, S. (1992) ‘ The Scars of Umlungu ’ in: I Write the Yawning Void: Selected essays of Sindiwe Magona. Johannesburg: Wits Press Peterson, B. (2020). A love letter to those who passed on and those still tasked with creating a better future for all. Safundi, 22(1), 23–25. https://doi.org/10.1080/17533171.2020.1823741Pages 23-25 McIvor, O. (2010). I Am My Subject: Blending Indigenous Research Methodology and Autoethnography Through Integrity-based, Spirit-based Research . Canadian Journal of Native Education, 33(1), 137–151. Philip, M. N. T he Ga(s)p , https://nourbese.com/wp-content/uploads/2020/03/Gasp.pdf

Jeesoo Hong, Zil Lilas. Ein Raum, ohne seine Inneneinrichtung, ist akustisch lauter. Stimmen und Schritte werden vollständig von den Wänden zurückgeworfen und breiten sich im gesamten Raum aus. Leere bezeichnet jedoch nicht nur einen physischen Zustand. Sie kann auch bedeuten, dass die ursprüngliche Funktion eines Raumes vorübergehend außer Kraft gesetzt ist. Oder: Was bedeutet „Leere“ eigentlich für einen selbst? Leere bildet ein abstraktes, weitläufiges Ganzes, während architektonische Elemente die Grenzen von Leere sowie jene zwischen Innen und Außen materialisieren. Dort werden wir üben, das Unsichtbare wahrzunehmen und die Beziehung zwischen Raum und seinen Nutzer\*innen zu erforschen – eine Beziehung, die zugleich befremdlich und intim ist. Im Animationsstudio und an der KHM werden wir nach „leeren“ Räumen suchen, die in ihnen enthaltenen Narrative oder Nicht-Narrative erkunden, ihnen folgen und ihnen zuhören. Klang wird dabei als Vermittler dienen und uns helfen, die unterschiedlichen Räumlichkeiten dieser Orte zu lesen.

"(T)he political seems to have as a characteristic the quality of arranging the relationship of things and of people within some form of society. It is an ordering principle, distinguishing the lawful or authorized order of things while itself being the origin of the regulation. We associate, then, the political with power, authority, order, law, the state, force, and violence— all of these are phenomena which restrict the outcome, deflect the extraneous, limit the relevant forc es." Cedric J. Robinson, The Terms of Order "Queerness is not yet here. Queerness is an ideality. Put another way, we are not yet queer. (…) Queerness is a longing that propels us onward, beyond romances of the negative and toiling in the present. Queerness is that thing that lets us feel that this world is not enough, that indeed something is missing." José Esteban Muñoz, Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity It begins with desire. A desire to breathe in resonance, to search for other forms of collectivity and hospitality that could accommodate the strangeness, “extraneous” that some of us call home. This seminar offers a home that emerges from cultures of collaborative and collective practices as a refusal to bear the responsibility of a single author. To foreground syncretism is to position ourselves toward decentralized ways of (en)acting together. What we might want to manifest time and again is “that this world is not enough, that indeed something is missing.” If queerness, as Muñoz indicates in his introduction to C ruising Utopia , must be theorized as collectivity, then mourning is, similarly, a mode of communicating or feeling-with that cannot make sense in isolation. That something is missing marks not only a radical disregard for solitary existence but also a fundamental disbelief in the metaphysics of completeness. Gone or not arrived yet, that which we mourn and makes us (home)sick, echoes our brokenness. A (partial) selection of artist collectives: Gugulective, Chto delat?, Keleketla! Library, Chimurenga Chronic, Ni Santas Collective, Ruangrupa, The Black Archives, MADEYOULOOK, The Bettys, Gutai Art Association, Center for Historical Reenactments, Raqs Media Collective, … Reading List: Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity , José Esteban Muñoz Zong! , M. Nourbese Philip “Each One Teach One; Practice-Theory-Practice; Collective Support; Mutual Respect & Equal Participation” Judy Seidman with Medu Art Ensemble in Chimurenga 15 “The Curriculum is Everything” (2010) “MEDU: Art and Resistance in Exile by Sergio-Albio González”, in Thami Mnyele + Medu Art Ensemble Retrospective , Jacana (2009) “What, How and for Whom (WHW), Collaborations in curating, research and writing to create translocal knowledge and experience” by Maja and Reuben Fowkes in translocal.org Liam Gillick “Maybe it will be better if we worked in groups of three” part 1& 2 in e-flux Journal The Production of Social Space as Artwork: Protocols of Community in the Work of Le Groupe Amos and Huit Facettes by Okwui Enwezor in “Collectivism after Modernism” Guest Artists: Listening at PUNGWE, Nyabhinghi Lab, Sujatro Ghosh, Le Mardi Gras Listening Collective, Jamilah Sabur, Sara Sejin Chang, Hera Schan, Jeremy (de’jon) Guyton Sprechstunden: Tuesdays, 14–16 h (donna Kukama) Wednesdays, 11–13 h (Ronald Rose-Antoinette)

"(T)he political seems to have as a characteristic the quality of arranging the relationship of things and of people within some form of society. It is an ordering principle, distinguishing the lawful or authorized order of things while itself being the origin of the regulation. We associate, then, the political with power, authority, order, law, the state, force, and violence—all of these are phenomena which restrict the outcome, deflect the extraneous, limit the relevant forces." Cedric J. Robinson, The Terms of Order "Queerness is not yet here. Queerness is an ideality. Put another way, we are not yet queer. (…) Queerness is a longing that propels us onward, beyond romances of the negative and toiling in the present. Queerness is that thing that lets us feel that this world is not enough, that indeed something is missing." José Esteban Muñoz , Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity It begins with desire. A desire to breathe in resonance, to search for other forms of collectivity and hospitality that could accommodate the strangeness, “extraneous” that some of us call home. This seminar offers a home that emerges from cultures of collaborative and collective practices as a refusal to bear the responsibility of a single author. To foreground syncretism is to position ourselves toward decentralized ways of (en)acting together. What we might want to manifest time and again is “that this world is not enough, that indeed something is missing.” If queerness, as Muñoz indicates in his introduction to Cruising Utopia , must be theorized as collectivity, then mourning is, similarly, a mode of communicating or feeling-with that cannot make sense in isolation. That something is missing marks not only a radical disregard for solitary existence but also a fundamental disbelief in the metaphysics of completeness. Gone or not arrived yet, that which we mourn and makes us (home)sick, echoes our brokenness. A (partial) selection of artist collectives to look at: Gugulective, Keleketla! Library, Chimurenga Chronic, Ni Santas Collective, Ruangrupa, The Black Archives, MADEYOULOOK, The Bettys, Gutai Art Association, Center for Historical Reenactments, Raqs Media Collective, … Reading List: Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity , José Esteban Muñoz Zong! , M. Nourbese Philip “Each One Teach One; Practice-Theory-Practice; Collective Support; Mutual Respect & Equal Participation”, Judy Seidman with Medu Art Ensemble, in Chimurenga 15 “The Curriculum is Everything” (2010) “MEDU: Art and Resistance in Exile by Sergio-Albio González” , in Thami Mnyele + Medu Art Ensemble Retrospective , Jacana (2009) “What, How and for Whom (WHW), Collaborations in curating, research and writing to create translocal knowledge and experience” , by Maja and Reuben Fowkes in translocal.org Liam Gillick “Maybe it will be better if we worked in groups of three” part 1& 2, in e-flux Journal The Production of Social Space as Artwork: Protocols of Community in the Work of Le Groupe Amos and Huit Facettes by Okwui Enwezor, in “Collectivism after Modernism. The Art of Social Imagination after 1945" Guest Artists: Sujatro Ghosh Ronan Levoyer, Laure Badufle and kimura byol (OKAP artist collective) Public Talk: "stimmen afrikas" will host a conversation on hybrid, fluent, and constructed identities: Kwame Anthony Appiah and Fatin Abbas, moderated by donna Kukama, – 26 June 2024, 7 pm, Aula of KHM Sprechstunden: donna Kukama: Tuesdays, 11–17 h & Thursdays 13–17 h Ronald Rose-Antoinette: Wednesdays, 11–13 h

We invite two specific guests (Director, Producer, World Sales, Curator) whose area of work lies in the threshold between the Cinema Industry and the Art Market. By giving us a case study of their work, we aim to gain a deeper understanding of how the parts of the industry work. Our guests will give feedback on the student projects, helping us to see the strengths and possible directions for further development. The aim is to generate a possible strategy for realising the project. Through the seminar, we want to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this field and realising our projects after the KHM. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are working on their Diploma Project and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. Participation as an observer without a project is possible and desired. 14.11.2025 from 10am until 5pm in Seminarraum 1 28.11. 2025 from 2pm until 5pm (ZOOM) 23.01.2026 from 10am until 5pm in the Aula and H 14, 2.23 30.01.2026 from 2pm until 5pm (ZOOM)

2nd Part of Encounters Seminar. Intended for the same participants from the Winter Semester. We continue with the topics from the Encounters Winter Semester. With 2 further guests from the Arthouse sector, we will continue to receive feedback and discuss the projects. The purpose is to get feedback and gain an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring the strengths and possible directions for further development. Also to start thinking about a project strategy, how to position your project, important both in finding financing and partners, but also important when a film nears completion. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and get an understanding of this area between Arthouse Cinema and Art Market. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. The Seminar will end with an excursion to FID Marseille, 7 to 12 July 7 2026.

The seminar is intended as a workshop to help you develop your project further and gain a clearer understanding of the NATURE of your project as perceived by the Market / Industry outside the KHM. Building on the topics from the winter semester - simulating a lab - we will invite 3 specific guests (Streaming, Festival, Development- Lab) working on the threshold between the Art Market and Cinema Industry, to join us within the context of the seminar and give feedback and insight to 6 Projects, that are Work-in-progress. The purpose is to get an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring possible directions for further development. And to hopefully to get ideas for a strategy to help you realise the project. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this realm. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. We would like to continue with some projects from the winter semester, but we are also delighted to receive new projects at an advanced stage.

Simulating a lab, we will invite 3 specific guests (Director, Producer, World Sales) working on the threshold between the Art Market and Cinema Industry, to join us within the context of the seminar and give feedback and insight to the selection of Projects. The purpose is to gain feedback and get an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring the strengths and possible directions for further development. But the purpose is also to generate a strategy for realising the project. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this field and realising our projects. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. Participation as an observer without a project is possible and desired.

Simulating a LAB, during the winter and the following summer semester we will invite 4 specific guests (Director/film maker, Producer, World Sales & Festivals/LAB) working on the threshold between the Art Market and Cinema Industry, to join us within the context of the seminar, do a case study on their current or most important works AND give feedback and insight to the selection of Projects. The seminar will be rounded off with an excursion to FID Marseille in July 2025. The purpose is to gain feedback and get an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring the strengths and possible directions for further development. But the purpose is also to generate a strategy for realizing the project. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to gain insight through the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this field and realizing our projects. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realizing their Diploma Project and wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. Participation as an observer without a project is possible and desired. Please submit your texts (in English, description max. 1 page and treatment/ script) by 01.10.2024: pia.marais@khm.de und m.polednova@khm.de.  Termine: Fr, 15.11, 10-13h AULA / 14-17h Seminarraum 2.23 Fr, 29.11, 14-17h, Online Fr, 10.01, 10-13h AULA / 14-17h Seminarraum 2.23 Fr, 17.01, 14-17h, Online

2nd Part of Encounters Seminar. Intended for the same participants from the Winter Semester. We continue with the topics from the Encounters Winter Semester. With 2 further guests from the Arthouse sector, we will continue to receive feedback and discuss the projects. The purpose is to get feedback and gain an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring the strengths and possible directions for further development. Also to start thinking about a project strategy, how to position your project, important both in finding financing and partners, but also important when a film nears completion. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and get an understanding of this area between Arthouse Cinema and Art Market. The Seminar will end with an excursion to FID Marseille in July. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Freitag, 02.05, 10-17h (aula & 2.23) Freitag,  16 .05, 14-17h (zoom) Freitag, 30.05, 10-17h (aula & 2.23) Freitag,  13.06, 14-17h (zoom) Exkursion: FID Marseille 9 Jul 2025 - 13 Jul 2025

Simulating a lab, the seminar Encounters LAB invites three guests from the fields of directing, producing and world sales, whose work moves between the art market and the cinema industry. Each guest will begin by introducing their professional practice and presenting a case study of a film that has been important to their work. In a second step, the guests will give feedback on selected student projects and share insights into possible strategies for their further development, positioning and realization. All participants will be present during the feedback sessions, so that the seminar also becomes a space for learning how to give, receive and reflect on feedback. The seminar aims to create a creative and pragmatic understanding of film as an art form within different professional contexts. Drawing on the experience of the invited guests, we will discuss how projects can be developed, presented and navigated beyond the KHM. The seminar is intended for students working with film — fiction, documentary, hybrid or experimental — who are in the process of realizing their diploma projects and wish to reflect on possible directions after the KHM. Due to the format, only six projects can be discussed during the seminar, as each guest will engage with each selected project. Participation as an observer without a project is possible and desired. For the Winter Semester, we are again inviting the Oscar Nominated filmmaker Scandar Copti to join us again, this time in person. Furthermore, we are planning a bonus workshop with Scandar, focused on his specific method of working with non-professional actors. This Bonus workshop will be open to students beyond those whose projects are selected for the Seminar. We estimate that about 20 Students can participate in the Workshop. The dates for the Bonus Workshop will be starting the 4th in the evening with a screening of his most recent film HAPPY HOLIDAYS (2024), Premiered at the 81st Venice International Film Festival, where it won the Orizzonti (Horizons) Award for Best Screenplay. Then the Workshop will take place : Thursday the 5th of November from 10am to 5pm., Studio A Friday the 6th of November from 10am to 5pm. , Studio A Saturday the 7thof November from 10am to 5pm. , Studio A Please submit your texts (in English, description max. 1 page and treatment/ script) by 21.09.2026: pia.marais@khm.de und m.polednova@khm.de . For those who are only interested in participating in the Workshop, please write an email by the 21.09.2026 with clear with to ONLY do WORKSHOP.

Dies ist ein Studierendenclub für Leute, die daran interessiert sind, die Unreal Engine 5 zu benutzen und UE-generierte Videospiele zu spielen. Die Unreal Engine ist heute ein wesentlicher Bestandteil der Entwicklung von Spielen und virtuellen Produktionen. In diesem Club beschäftigen wir uns mit dem Lernen, Erforschen, Spielen, Experimentieren, Implementieren, Bauen, Landscaping, Soundscaping, Simulieren, Animieren, Node-Based Programming und der Entwicklung von Game Engine basierten Kunstwerken. Grundkenntnisse sind erforderlich. Den UE-Club gibt es seit dem WiSe 2022/23 (unoffiziell) aber dieses Semester begrüßen wir offiziell sowohl die bisherigen als auch die neuen Mitglieder*innnen dieses Semesters.

EN: Engine Club is a student club for those who are interested in using Unreal Engine 5 and playing video games. The Unreal Engine is an essential part of game development and virtual productions today. In this club we will explore learning, exploring, playing, experimenting, implementing, building, landscaping, soundscaping, simulating, animating, node-based programming, and developing game engine-based artworks. Basic knowledge is recommended. The club is meant as a social gathering/hang out space and will be held in English. DE: Engine Club ist ein Studierendenclub für alle, die daran interessiert sind, mit Unreal Engine 5 zu arbeiten und Videospiele zu spielen. Unreal Engine ist heute ein wesentlicher Bestandteil der Entwicklung von Spielen und virtuellen Produktionen. In diesem Club beschäftigen wir uns mit dem Lernen, Forschen, Spielen, Experimentieren, Implementieren, Bauen, Landscaping, Soundscaping, Simulieren, Animieren, Programmieren auf Node-Basis und der Entwicklung von Game Engine-basierten Arbeiten. Grundkenntnisse sind empfohlen. Der Club versteht sich als sozialer Treffpunkt und findet auf Englisch statt.

The Engine Room is a specialised seminar for students interested in using Unreal Engine 5 for their projects, as well as for anyone using 3D software at an intermediate or advanced level. With the rise of real-time computer graphics and game-related tools, this seminar offers a weekly exchange for discussing ongoing developments in the field, as well as how shifts in commercial pipelines influence not only media art practices and aesthetics but also the demand for resource extraction and the resulting harm to the real-world environment caused by the creation and experience of virtual environments. The sessions consist of small workshops and presentations on advanced and intermediate techniques. You will explore playing, experimenting, implementing, building, landscaping, soundscaping, simulating, animating, node-based programming, and developing game engine-based artworks. Along with tutorials and discussions about technical approaches and methods, there will be opportunities to discuss the economic, social, and cultural aspects of gaming and the possibilities of imagining worlds. A basic knowledge of the fundamentals of 3D is recommended. This seminar is ideal for students who have completed GLS 3D I and II. For questions about the introduction to specific computer graphics software, please visit the CG Lab and Engine Room wikis ( https://exmediawiki.khm.de/index.php/ ) for beginner tutorials and documentation. Recommended literature, games, texts, interactive tools: Feral Atlas: The More-Than-Human Anthropocene, Tsing et al., 2021  (Interactive atlas:  https://feralatlas.supdigital.org/ )  The Carrier Bag Theory of Fiction, Le Guin et al., 2019 Futures of Games and Game Studies, Eludamos, Vol. 14, No. 1, 2023  ( https://eludamos.org/index.php/eludamos/issue/view/771/105 )    Everything to Play For: How Videogames Are Changing the World, Marijam Did, 2024 The Beginner’s Guide, Davey Wreden, 2015 The Persistence of Code in Game Engine Culture, Eric Freedman, 2020

The Engine Room is a specialized seminar for students interested in working with game engines for their projects and artistic research, as well as for anyone working with computer graphics tools. This seminar offers a weekly exchange for discussing ongoing developments, as well as how shifts in commercial pipelines influence not only media art practices and aesthetics but also the demand for resource extraction. The sessions consist of an exploration of advanced and intermediate CG art practices for developing game engine-based artworks, as well as a colloquium for presenting ongoing or planned projects. Along with workshops and discussions about technical approaches and methods, there will be opportunities to discuss the artistic, economic, and social aspects of gaming and the possibilities and limits of imagining worlds. A basic knowledge of the fundamentals of 3D is recommended. For questions about the introduction to specific computer graphics software, please visit the CG Lab and Engine Room wikis ( https://exmediawiki.khm.de/index.php/ ). The seminar and exercises will mainly be conducted in English. English and German skills are required. Sprache: Englisch und Deutsch

DE: Das Engine Room Seminar richtet sich an Studierende, die mit einer Game Engine an ihren Projekten und künstlerischer Forschung arbeiten möchten, sowie an alle, die auf mittlerem oder fortgeschrittenem Niveau mit Werkzeugen der Computergrafik arbeiten. Das Seminar bietet einen wöchentlichen Austausch über laufende Entwicklungen und darüber, wie Verschiebungen in kommerziellen Produktionspipelines nicht nur die Praxis und Ästhetik der Medienkunst beeinflussen, sondern auch die Nachfrage nach Ressourcen. Die Sitzungen umfassen eine Auseinandersetzung mit CG-Kunstpraktiken zur Entwicklung von Arbeiten sowie ein Kolloquium zur Präsentation laufender oder geplanter Projekte. Neben Workshops und Diskussionen über technische Ansätze und Methoden werden die künstlerischen, wirtschaftlichen und sozialen Aspekte von Game und Play sowie die Möglichkeiten und Grenzen des Weltentwerfens diskutiert. Grundkenntnisse in 3D werden empfohlen. Bei Fragen zur Einführung in spezifische CG-Software stehen das CG Lab und das Engine Room Wiki ( https://exmediawiki.khm.de/index.php/ ) mit Anleitungen und Dokumentation zur Verfügung.  EN: The Engine Room seminar is aimed at students interested in working with game engines for their projects and artistic research, as well as anyone working with computer graphics tools on an intermediate or advanced level. This seminar offers a weekly exchange for discussing ongoing developments, as well as how shifts in commercial pipelines influence not only media art practices and aesthetics but also the demand for resource extraction. The sessions consist of an exploration of CG art practices for developing game engine-based artworks, as well as a colloquium for presenting ongoing or planned projects. Along with workshops and discussions about technical approaches and methods, there will be opportunities to discuss the artistic, economic, and social aspects of gaming and the possibilities and limits of imagining worlds. A basic knowledge of the fundamentals of 3D is recommended. For questions about the introduction to specific computer graphics software, please visit the CG Lab and Engine Room wikis ( https://exmediawiki.khm.de/index.php/ ) for beginner tutorials and documentation. 

In diesem Seminar möchten wir Autoren-Regisseurinnen und Regisseure und Kamerainteressierte einladen, die bald mit ihrem Diplom-Projekt beginnen, über 2 Semester an ihren Stoffen zu arbeiten. Unter dem Oberbegriff des „visuellen Schreibens“ wollen wir verschiedene Aspekte filmischer Stoffentwicklung untersuchen und ausprobieren. Wie entsteht ein filmischer Stoff? Was ist die „Keimzelle“ eines Films und welche Wege kann ihre Entwicklung nehmen? Wie weit reicht das Potential der „Idee“ und wo endet es? Welche Wechselwirkungen können zwischen Schreiben und Recherche - auch visueller Recherche - entstehen? Gibt es Möglichkeiten des Schreibens beim Drehen? Welches Potential bietet in dieser Hinsicht die Autoren-Kamera-Beziehung? Wir spekulieren anhand von Filmbeispielen über die möglichen Entstehungsweisen von Szenen oder ganzen Erzählungen. Gleichzeitig arbeiten wir an den konkreten Projekten und entwickeln im praktischen Teil (Sommersemester 2025) Stoffe für mögliche „Layout-Drehs“. Diese werden an Original Locations geprobt und gedreht. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen und visuellen Potentiale und erarbeiten mögliche Herangehensweisen. Anhand der konkreten szenischen Arbeit werfen wir immer einen Blick zurück aufs „Buch“ und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Es sollten sich zu Seminar-Beginn Regie-Kamera-Paarungen gefunden haben (nicht notwendigerweise die Kombination, die später den Diplomfilm drehen). Zwischen den einzelnen Terminen wird es Recherche- und Schreibaufgaben geben. — In this seminar, we would like to invite writer-directors and cinematographers to develop their graduation films over two semesters (Wintersemester 2024/2025 & Summersemester 2025) Under the term “visual writing”, we want to examine and try out various aspects of developing a film project. How is cinematic material created? What is the starting point of a film and which paths can its development take? How far does the potential of the “idea” extend? And where does it end? What interactions can arise between writing and research - including visual research? Are there possibilities for writing while filming? What potential does the author-camera relationship offer in this respect? With examples (screenplays, films, etc.), we speculate on how individual scenes as well as entire narratives were created. At the same time, we work on concrete projects and develop material for possible “layout shoots” which will be shot in the practical part (summer semester 2025). These will be rehearsed and filmed at original locations. Together, we analyze dramaturgical and visual potentials and develop possible approaches. Based on the concrete development and experiments, we always return to the screenplay and consider the various stages of cinematic creation as a reciprocal process. At the beginning of the seminar, we encourage director-camera pairs to form (these pairs do not necessarily have to shoot the graduation film together). During the semester we will work on, present and discuss research and writing exercises. Seminar language: German & English

Dies ist der zweite Teil des Seminars "Entwicklung von Stoffen anhand visueller Parameter - Diplom-Vorbereitung". Im Sommersemester 2026 haben wir Gäste und planen die „Layout-Drehs“. Wie entsteht ein filmischer Stoff? Was ist die „Keimzelle“ eines Films und welche Wege kann ihre Entwicklung nehmen? Wie weit reicht das Potential der „Idee“ und wo endet es? Welche Wechselwirkungen können zwischen Schreiben und Recherche - auch visueller Recherche - entstehen? Gibt es Möglichkeiten des Schreibens beim Drehen? Welches Potential bietet in dieser Hinsicht die Autoren-Kamera-Beziehung? Wir spekulieren anhand von Filmbeispielen über die möglichen Entstehungsweisen von Szenen oder ganzen Erzählungen. Gleichzeitig arbeiten wir an den konkreten Projekten und entwickeln im praktischen Teil (Sommersemester 2026) Stoffe für mögliche „Layout-Drehs“. Diese werden an Original Locations geprobt und gedreht. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen und visuellen Potentiale und erarbeiten mögliche Herangehensweisen. Anhand der konkreten szenischen Arbeit werfen wir immer einen Blick zurück aufs „Buch“ und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Es sollten sich zu Seminar-Beginn Regie-Kamera-Paarungen gefunden haben (nicht notwendigerweise die Kombination, die später den Diplomfilm drehen). Zwischen den einzelnen Terminen wird es Recherche- und Schreibaufgaben geben.  This is the second part of the seminar Script development based on visual parameters - diploma preparation. This Summersemester 2025 we will have guests and plan the layout shoots. Under the term “visual writing”, we want to examine and try out various aspects of developing a film project. How is cinematic material created? What is the starting point of a film and which paths can its development take? How far does the potential of the “idea” extend? And where does it end? What interactions can arise between writing and research - including visual research? Are there possibilities for writing while filming? What potential does the author-camera relationship offer in this respect? With examples (screenplays, films, etc.), we speculate on how individual scenes as well as entire narratives were created. At the same time, we work on concrete projects and develop material for possible “layout shoots” which will be shot in the practical part (summer semester 2025). These will be rehearsed and filmed at original locations. Together, we analyze dramaturgical and visual potentials and develop possible approaches. Based on the concrete development and experiments, we always return to the screenplay and consider the various stages of cinematic creation as a reciprocal process. At the beginning of the seminar, we encourage director-camera pairs to form (these pairs do not necessarily have to shoot the graduation film together). During the semester we will work on, present and discuss research and writing exercises.

Vorbesprechung: Donnerstag, 13. April 2023 Beginn des Seminars: Mittwoch, 26. April 2023, 14 Uhr, im Atelier Netze und via Zoom. Exkursion: 30. April – 7. Mai 2023 (Circa-Termin, plus/minus 1 Tag) nach Montepulciano oder an einen Ersatzort. Das Seminar schließt mit einem Kompaktseminar in der Kompaktwoche vom 12. Juni – 16. Juni 2023 ab. Zeit/Ortstermine während des Semesters in Absprache mit den Teilnehmenden. Zentraler Fokus des Seminars ist die Auseinandersetzung mit dem Format Musikvideo. Im Rahmen der Exkursion nach Montepulciano oder an einen Ersatzort am Anfang des Semesters planen wir eine 5-Tage-Session, in der wir gemeinsam die Kulturtechnik und das Medium Musikvideo auseinandernehmen, erforschen und analysieren. Wir schauen auf das Zusammenspiel von Mode, Musik, Politik, Technik, Technologie, Gesellschaft, Queerness, Gender, Diversity und anderer Komponenten. Wir finden versteckte und offensichtliche Symbolik, Tropes (racist, sexist, ableist, normative, classist etc.) und Referenzsysteme. Wir arbeiten miteinander oder auch alleine nach persönlichem Bedarf. Es wird ausdrücklich eingeladen, eigene Videolisten einzubringen. Im Rahmen dieser Übung setzen wir uns außerdem mit künstlerischen, journalistischen und wissenschaftlichen Research-Techniken auseinander. Wir definieren vor Ort, was das Ergebnis der Übung sein kann oder soll – eine Datenbank/Website, die die Gesprächsergebnisse darstellt, eigene neue Videoarbeiten bzw. Musikarbeiten bzw. Soundarbeiten bzw. Musikvideoarbeiten – genauso können die Ergebnisse aber auch von der Exkursion inspiriert ober frei definierte Arbeiten aus freien Bereichen sein. And as always: Death to Neoliberalism.

Das Seminar in der Kompaktwoche bildet den Abschluss des gleichnamigen Fachseminars. Vorbesprechung: Donnerstag, 13. April 2023 Beginn des Fachseminars: Mittwoch, 26. April 2023, 14 Uhr, im Atelier Netze und via Zoom. Exkursion: 30. April – 7. Mai 2023 (Circa-Termin, plus/minus 1 Tag) nach Montepulciano oder an einen Ersatzort. Zeit/Ortstermine während des Semesters nach Absprache mit den Teilnehmenden. Zentraler Fokus des Seminars ist die Auseinandersetzung mit dem Format Musikvideo. Im Rahmen der Exkursion nach Montepulciano oder an einen Ersatzort am Anfang des Semesters planen wir eine 5-Tage-Session, in der wir gemeinsam die Kulturtechnik und das Medium Musikvideo auseinandernehmen, erforschen und analysieren. Wir schauen auf das Zusammenspiel von Mode, Musik, Politik, Technik, Technologie, Gesellschaft, Queerness, Gender, Diversity und anderer Komponenten. Wir finden versteckte und offensichtliche Symbolik, Tropes (racist, sexist, ableist, normative, classist, etc.) und Referenzsysteme. Wir arbeiten miteinander oder auch alleine nach persönlichem Bedarf. Es wird ausdrücklich eingeladen, eigene Videolisten einzubringen. Im Rahmen dieser Übung setzen wir uns außerdem mit künstlerischen, journalistischen und wissenschaftlichen Research-Techniken auseinander. Wir definieren vor Ort, was das Ergebnis der Übung sein kann oder soll – eine Datenbank/Website, die die Gesprächsergebnisse darstellt, eigene neue Videoarbeiten bzw. Musikarbeiten bzw. Soundarbeiten bzw. Musikvideoarbeiten – genauso können die Ergebnisse aber auch von der Exkursion inspiriert oder frei definierte Arbeiten aus freien Bereichen sein. And as always: Death to Neoliberalism.

Der Anfang ist im Nachdenken über die Produktion, die Politiken und die sinnliche Erfahrung von filmischen Bildern von zentraler Bedeutung: Als zeitbasiertes Medium hat jeder Film (im Unterschied zum Gemälde, der Skulptur, aber auch geloopten Installationen in der Galerie) seinen Anfang, in dem ein Rhythmus, ein Modus des Sehens, eine Perspektive, erste Spuren des rationalen Verstehens und sinnlichen Wahrnehmens – eine emotionale, ästhetische, politische Haltung – ausgelegt wird. Alles darauf Folgende bezieht sich immer zurück auf diesen, bzw. wird von ihm bespielt. Im Theorieseminar werden wir ein besonderes Augenmerk auf Filmanfänge richten — auf ihre historische Entwicklung, ästhetische Verdichtung, politische Dimension und narrative Funktionen. Jede Sitzung wird mit der kleinteiligen Analyse von Filmanfängen des Spiel- und Dokumentarfilms beginnen, im Anschluss soll der ganze Film dann zu seinem Anfang ins Verhältnis gesetzt werden. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

This intensive workshop will be an artistic meditation on the question of the political. Question of one and many, past and future, meaning and value. Using all the dear to us tools of expression such as language, image, diagramme, collage, sound, gesture... we will try to formalize what is it that we want as social beings and how we can declare and share it. Is it pursuit of happiness, striving for freedom, embrace of slowness or befriending a flying spaghetti monster? Be creative, speculatively utopic, or acutely realist. Be vibrant and earnest.

This seminar functions as a foundational laboratory for expanding contemporary stage art both technologically and conceptually. Participants will work hands-on with real-time content engines for digital stage creation, analog special effects and mechanical performance technologies, stage audio and spatial design, AI-assisted creative methods, and performance and directing practices. Through these interdisciplinary tools and approaches, the seminar explores how traditional theatrical forms can be reconfigured within the context of media art and contemporary artistic production. The goal is to investigate how technology can recombine and extend narrative, body, and space across the boundaries of stage art and media art. Rather than focusing solely on technical training, the seminar emphasizes how various devices, tools, and media reshape the perceptual structure of performance. Short experimental projects will connect conceptual ideas to practical creation. In addition, directors, stage technicians, media artists, and engineers active in Germany and the global performance scene will be invited to share insight into professional workflows, problem-solving strategies, and current developments in the field. Through this process, participants will cultivate the technical competencies, critical thinking, and integrated creative skills required in contemporary performance making.

This seminar functions as a collaborative laboratory for developing performances and stage-based works together. Through practical experimentation and collective discussion, participants will explore various approaches to performance-making, directing, spatial composition, movement, storytelling, sound, installation, and documentation. The seminar aims to create an open working environment where participants can support one another in developing and realizing their individual artistic ideas. By sharing different working methods, sensibilities, and ideas, the seminar fosters a collective creative process centered on collaboration and experimentation. The final goal of the seminar is for participants to collaboratively realize stage-based works, which may take the form of live performances, theatrical presentations, installations, or documentation-based experimental projects. Sharing or documenting these works publicly is also considered an important part of the process. Short experimental exercises and group projects will connect conceptual ideas with practical creation. In addition, practitioners from various fields of performance and stage-making may be invited to share their working methods and experiences.

Kein Film spricht aus sich heraus, kein Film begegnet seinem Publikum in einem luftleeren Raum. Festivals sind ein möglicher konkreter Ort für Filme: Sie rahmen jeden Film mit einem Programm, mit Texten, Gesprächen, anderen Filmen und Abspielorten. Vom 04. bis 8. November besuchen wir gemeinsam die Duisburger Filmwoche, die innerhalb der Diskurse rund um den Dokumentarfilm eine singuläre Rolle einnimmt. Vor Ort werden wir den Formatierungen des Festivals nachgehen und neben einer intensiven Begegnung mit den Filmen Gespräche mit der Leitung/Auswahlkommission, Filmemacher*innen und miteinander führen und der Frage nachgehen, wie ein bestimmter Ort des Films, Filme auf bestimmte Weise sichtbar macht. Die Exkursion findet in Kooperation mit der Duisburger Filmwoche statt. Kosten für Akkreditierung und 4 Übernachtungen werden von der KHM übernommen. --- No film speaks for itself; no film meets its audience in a vacuum. Film festivals are a potential concrete setting for films: they frame each film within a programme, with texts, discussions, other films and screening venues. From 4 to 8 November, we will be attending the Duisburg Film Week together, an event that plays a unique role within the discourse surrounding documentary film. While there, we will explore the festival’s formats and, alongside an in-depth engagement with the films, hold discussions with the management/selection committee, filmmakers and amongst ourselves, examining how a specific film venue renders films visible in particular ways. The excursion is taking place in cooperation with the Duisburg Film Week. The costs for accreditation and four nights’ accommodation will be covered by the KHM.

In dem kleinen aber feinen Ort Toruń in Polen, findet in diesem Jahr erneut das größte Kamerafestival der Welt statt. Hier werden Filme besonders unter der Qualität der Bildgestaltung betrachtet und gewürdigt. Es treffen sich die international renommiertesten DOP`s. Sie tauschen sich mit ihren Arbeiten aus und lassen in Workshops die Nachwuchstalente an ihrem Wissen teilhaben. Neuste Entwicklungen im Kamerabereich werden vorgestellt und auf sämtlichen Abendveranstaltungen besteht die Möglichkeit sein eigenes Netzwerk auszubauen und mit den ganz Großen der Bildgestaltung ins Gespräch zu kommen. Die Camerimage findet vom 12.11. – 19.11.2022 statt. 

Das DOK.fest München gehört zu den größten Dokumentarfilmfestivals in Deutschland und hat sich mit seinen „ gesellschaftlich relevanten und künstlerisch wertvollen Dokumentarfilmen“ zu einer relevanten Plattform für Dokumentarfilm in Europa entwickelt. Das DOK.forum bietet dabei Panels, Workshops und Veranstaltungen an, die medienpolitischen Themen und Fragen zu Visionen und Impulsen für das Dokumentarfilmschaffen nachgehen. Die Exkursion lädt Studierende ein, das aktuelle Dokumentarfilmschaffen zu erleben und zu reflektieren.  Bestandteil der Exkursion ist ein Vorbereitungstreffen Ende April 2023. DOK.fest Munich is one of the largest documentary film festivals in Germany and has established itself into a platform for documentary film, with its "socially relevant and artistically platform for documentary film in Europe. The DOK.forum offers panels, workshops and events that deal with media-political topics and questions on visions and impulses for documentary filmmaking. The excursion invites students to experience and reflect on current documentary filmmaking and includes a preparatory meeting in end of April 2023.

" Short film is still the most important source of film renewal, the experimental field on which future film languages are formed. Today, the diversity of forms, themes and approaches is greater than ever. Feature film or essay, installation, thesis film or artist's film, music video, animation, documentary and all conceivable hybrid forms are emerging all over the world and increasingly online on numerous platforms. The International Short Film Festival Oberhausen has been moving in this field of tension for over 60 years; it is a catalyst and showcase for current developments, a forum for often controversial discussions, a discoverer of new trends and talents and, last but not least, one of the most important short film institutions worldwide. Oberhausen is the oldest short film festival in the world and the largest festival in North Rhine-Westphalia, with around 7,000 films submitted each year, approximately 500 films in the festival programme and over 1,100 accredited professional visitors annually. " www.kurzfilmtage.de Since 2021, the International Short Film Festival Oberhausen has expanded its programme with three new competitions. In addition to the existing five competitive sections – International, German and NRW Competition, Children’s and Youth Film Competition and MuVi Award for the Best German Music Video – the Festival has launched the International Online Competition, the German Online Competition and an award for international music videos. If the pandemic allows it, we will attend the festival in Oberhausen from 30 April till 9 May 2022. Additionally, the accreditation will give you the possibility to see the online competitions.

Die Exkursion zu „Berlinale“ gewährt Einblicke in eins der wichtigsten A-Festivals und seine verschiedenen Sektionen. Im November/Dezember 2023 finden zwei Seminareinheiten zum Inhalt der Filmfestspiele und zum Organisatorischen statt. Die verbindliche Anmeldung und die Vergabe der Akkreditierungs-Codes erfolgt erst nach Teilnahme an diesen beiden Seminareinheiten.

Die Exkursion zur „Berlinale“ bietet einen Einblick in eines der wichtigsten A-Festivals und seine verschiedenen Sektionen. Am 19.11.2024 findet um 17 Uhr eine Informationsveranstaltung zu inhaltlichen und organisatorischen Aspekten der Filmfestspiele bzw. der Exkursion statt. Die Vergabe der Akkreditierungscodes erfolgt persönlich an diesem Termin. Die Teilnahme an der Exkursion ist auf 20 Student*innen begrenzt.

Die Literaturstadt Klagenfurt ist nicht nur die Geburtsstadt von Ingeborg Bachmann und Robert Musil, seit nun mehr 48 Jahren richtet die Stadt gemeinsam mit dem ORF dort jährlich die Tage der deutschsprachigen Literatur aus, mit dem wichtigsten Vorlesewettbewerb im deutschsprachigen Raum und der Verleihung des Ingeborg-Bachmann-Preises. Das verlängerte Wochenende im Sommer, an dem sich neben den teilnehmenden Autor*innen auch Lektor*innen, Agent*innen und Journalist*innen am Wörthersee versammeln gilt als Betriebsausflug des Literaturbetriebs, bei dem das gemeinsame Lesen und Diskutieren der vorgetragenen Texte auch abseits des Studios im Vordergrund steht. Diese ganz besondere Atmosphäre lässt sich nur vor Ort miterleben.

Im Herbst trifft sich die Buchwelt zur Messe in Frankfurt und wir fahren hin. Wir schlendern durch die Messehallen, besuchen Veranstaltungen im Rahmenprogramm oder sprechen mit Vertreter*innen aus dem Literaturbetrieb. Die Exkursion ist als ganztägiger Ausflug (ohne Übernachtung) geplant.  Die Kosten für Zugfahrt und Messeeintritt werden übernommen.

In recent years, spatial storytelling in XR immersive works and the concept of expanded cinema have opened new possibilities for perception, storytelling, and presence. These emerging practices invite us to rethink how images can be experienced in space and body, not only seen.Yet, despite these possibilities, I have often felt a lack of depth in how such works are presented and received—whether through curatorial frameworks in film festivals or the general expectation of “fun” and “interactivity” associated with immersive media. Many XR works that explore fragility, slowness, or critical inquiry are overshadowed by the assumption that immersion must entertain or have just high-tech novelties for geeky curators. It was from this tension that the idea for Expanded Cinemateque emerged. Expanded Cinemateque is proposed here as a seminar at KHM—dedicated to exploring XR works and the broader field of expanded cinema. It aims to create a critical and reflective space for these works, emphasizing artistic intention, narrative experimentation, and sensory composition rather than spectacle. The name intentionally echoes the spirit of La Cinémathèque Française in Paris, a place that preserved and redefined cinema through curation, education, and dialogue. In a similar way, Expanded Cinemateque aims to become a contemporary node for XR and expanded cinema—a living archive and site of exchange where artists and audiences can engage with immersive works beyond simply their novelty-entertaining value. During its first semester, Expanded Cinemateque will host a series of curated screenings and discussion sessions. Each week, one artist will be invited to present an XR or expanded cinema piece, followed by an open dialogue with participants. These encounters will foreground questions of perception, embodiment, and authorship, and reflect on how cinema can be expanded beyond the screen into space, gesture, and somatic experience. Ultimately, Expanded Cinemateque seeks to grow into a larger initiative—an ongoing laboratory of thought and practice where XR and experimental cinema intersect.

This practical seminar takes as its point of departure Vsevolod Meyerhold’s The Picture of Dorian Gray (1915), a film adaptation of Oscar Wilde’s novel that is now considered lost. Recent scholarship shows that the film was not merely a marginal experiment, but one of the most distinctive works of pre-Revolutionary Russian cinema: Meyerhold’s first film, a major early Russian adaptation of foreign literature, and a work conceived around the “poetics of the image” rather than simple illustration. What survives today are not the moving images themselves, but a constellation of traces: the libretto, a list of intertitles, a literary scenario, reviews, memoirs, director’s notes, and around twenty surviving shots or production images. The seminar approaches this lost film not as an object to be reconstructed faithfully, but as an open cinematic score. Its archive will be treated as active material for performance, image-making, and montage. The project therefore moves between film history, acting practice, and artistic research. It asks how a film that no longer survives can return in another form: through bodies, gesture, intertitles, silhouettes, spatial composition, and contemporary editing. A second key focus of the seminar is Meyerhold’s approach to performance. Even in the surviving descriptions of the film, one can already identify central features associated with his broader practice: stylization, anti-naturalist composition, careful orchestration of bodies in space, and an emphasis on light, shade, and silhouette. Reviews of the studio scenes in Dorian Gray describe memorable black figures against a bright background and a visual organization based on contrast rather than realism. This makes the film an especially rich point of entry for introducing students to Meyerhold not only as a theatre director, but as an artist working at the threshold between stage and cinema.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Im Experimentalfilm-Forum haben Studierende die Möglichkeit, eigene Produktionen in verschiedenen Arbeitsphasen zur Diskussion zu stellen. Erwünscht ist ein ebenso offener wie konstruktiver Austausch. Diese Veranstaltung bietet sowohl ein Forum für unlängst abgeschlossene Arbeiten als auch für Unfertiges und Fragmentarisches. Ziel ist es, im Arbeitsprozess getroffene Entscheidungen nachvollziehbar werden zu lassen und neue Perspektiven zu entwickeln. Studierende, die Projekte vorstellen möchten, senden bitte frühzeitig eine E-Mail mit genauen Angaben und einem Sichtungslink an die Veranstalter. Darüber hinaus begrüßen wir als Gäste Filmemacher*innen und Kurator*innen, die eigene Programme vorstellen und mit uns diskutieren werden.

Im Experimentalfilm-Forum haben Studierende die Möglichkeit, eigene Produktionen in verschiedenen Arbeitsphasen zur Diskussion zu stellen. Erwünscht ist ein ebenso offener wie konstruktiver Austausch. Diese Veranstaltung bietet sowohl ein Forum für unlängst abgeschlossene Arbeiten als auch für Unfertiges und Fragmentarisches. Ziel ist es, im Arbeitsprozess getroffene Entscheidungen nachvollziehbar werden zu lassen und neue Perspektiven zu entwickeln. Studierende, die Projekte vorstellen möchten, senden bitte frühzeitig eine E-Mail mit genauen Angaben und einem Sichtungslink an die Veranstalter. Daneben widmen wir uns in verschiedenen kuratierten Programmen der Repräsentation von Räumen im experimentellen Film. Zusätzlich begrüßen wir als Gäste Filmemacher*innen und Kurator*innen, die eigene Programme vorstellen und mit uns diskutieren werden. Gäste: Rebana John, Viktor Brim, Peter Miller, Dietmar Schwärzler (sixpack film) u.a.

The close-up of the human face and its monumentalization on the screen were outstanding sensations in the early days of film, the “cinema of attractions” (Tom Gunning). However, the attractiveness of this motif runs through the history of the moving image right up to our digital culture. We will trace the staging of the face primarily in avant-garde and underground cinema and in experimental film, but also undertake excursions into feature film and more commercially influenced areas such as music videos, as well as other arts. The face with its partial organs and senses becomes the connecting link between early and contemporary moving images across genres. The algorithmic smoothing of individual physiognomic features, the degradation of the face to a data carrier for biometric recording, not least its masking in the pandemic as a gateway for a dangerous virus, have allowed our “facial society” (Thomas Macho) to enter a new phase – contemporary conditions that are to be considered in this seminar. Artists: Bas Jan Ader, Khalik Allah, Frank Beauvais, Ingmar Bergman, Peter Campus, Shirley and Wendy Clarke, Die Tödliche Doris, Stephen Dwoskin, Omer Fast, Hollis Frampton, Herz Frank, Jack Goldstein, Holly Herndon, Narcisa Hirsch, Mike Hoolboom, David Horvitz, Kurt Kren, Lucrecia Martel, Mara Mattuschka, Adrian Paci, Katharina Pethke, Peter Roehr, Sophie, Chieko Shiomi, Henri Storck, Andy Warhol, Gillian Wearing, Katarina Zdjelar, Anna Malina Zemlianski and others. Sessions: Facing Film / Look At My Face / I'll Be Your Mirror / Faces In The Crowd / Face Blindness / Masks / Pain Is Within Reach / Face Off: Loss Of Face / The Children Are Watching Us / La Passion de Jeanne d’Arc / Screen Tests / Star-Struck Literature: Joanna Barck: Gesichter des Films; Hans Belting: Faces; Christa Blümlinger [Hg.]: Das Gesicht im Zeitalter des bewegten Bildes; Thomas Macho / Gerburg Treusch-Dieter [Hg.]: Medium Gesicht. Die faciale Gesellschaft; Noa Steimatsky: The Face on Film; Sigrid Weigel [Hg.]: Gesichter; Wolfgang Ullrich: Selfies; Judith Elisabeth Weiss [Hg.]: Kunstforum International – Gesicht im Porträt / Porträt ohne Gesicht, Bd. 216

As capitalism shifts from product manufacturing to the rapid, tech-monopolised velocity of circulation, cultural production shifts with it. Once localised to subcultural, non-profit digital repositories like  Archive of Our Own  (AO3),  Fanfiction.com/Fanfiktion.de  and  Wattpad , books based on fanfiction are now a multi-million-industry. The style of fanfiction and New Adult/Young Adult fiction, which is often steeped in fanfiction traditions, has been heavily criticised for their tropes and by-the-number plots, which can be viewed as a type of so-called ‘immediacy style’ (Kornbluh 2024).  Are fanfiction and New Adult fiction truly symptomatic of this style, i.e., a lack of artistic distance on the author’s part in favour of unfiltered instantaneity which collapses public space into private experience and kills political imagination? Or are fanfiction and New Adult novels a radical, grassroots democratisation, levelling the literary playing field and thus creating a joint public space and political imagination precisely because of their stylistic choices? Drawing on examples of popular fanfiction that were later successfully monetised (such as Alchemised based on the Fanfiction  Manacled  by SenLinYu (who uses their AO3 handle as their pen name) and E.L.James’  Fifty  Shades of Grey  (originally a  Twilight  Fanfiction called  Master of the Universe )) as well as academic texts originating in fan studies, we will question whether the relentless cycle of (digital) text production in fanfiction spaces annihilates critical representation to reduce prose to mere algorithmic content-bait or if the elimination of industrial middlemen sparks vital spaces for immediate, real-time community solidarity. We will also investigate the development from hiding the fanfiction origins of literary output to the now increasingly popular approach of using that same origin as a marketing asset. Moreover, we will track the corporate monetisation of what once was literary subversion. Does mainstream institutional absorption sanitise radical, anti-market fiction, or does it effectively weaponise corporate infrastructure to secure immediate financial autonomy for marginalised creators and, more importantly, marginalised communities? Secondary Literature Coppa, Francesca.  The Fanfiction Reader: Folk Tales for the Digital Age . University of Michigan Press, 2017. Crary, Jonathan.  24/7: Late Capitalism and the Ends of Sleep . Verso, 2013. De Kosnik, Abigail.  Rogue Archives: Digital Cultural Memory and Media Fandom . MIT Press, 2016. Hellekson, Karen, and Kristina Busse (Eds.).  The Fan Fiction Studies Reader . University of Iowa Press, 2014. Kornbluh, Anna.  Immediacy, or The Style of Too Late Capitalism . Verso, 2024. Zuboff, Shoshana.  The Age of Surveillance Capitalism: The Fight for a Human Future at the New Frontier of Power . PublicAffairs, 2019.

Während ein guter Teil der frühen Filmtheorie wie auch nicht wenige Praktizierende des Kinos immer auf Distanz zu den anderen Künsten gegangen sind, um eben die Einzigartigkeit des Mediums Film in dieser Bewegung hervorzuheben, ist das Kino und seine Geschichte voll von Blicken und Filmen, deren spezifisches Interesse genau diesen anderen Künsten – der Musik, der Malerei, der Bildhauerei, dem Theater – gewidmet ist. Die Aufmerksamkeit richtet sich dabei meist nicht auf das fertige, abgeschlossene Werk, sondern eben auf den Prozess seiner Hervorbringung. Im Seminar werden wir uns mit Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilmen beschäftigen, die diese künstlerischen Prozesse beobachten und darin zugleich reflexiv über sich selbst nachdenken: Im Blick auf das Malen, das Musizieren, das Formen und Gestalten lässt sich immer auch auf neue Weise darüber nachdenken, was das heißt: Filme machen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Magischer Realismus, New Weird, Slipstream, spekulative Fiktion – gemeint ist mit all diesen ermüdenden Gattungsbegriffen letztlich immer eine erzählerische Verfremdung der Wirklichkeit. Der Reiz einer so verstandenen Fiktion ist vor allem, sich schreibend vom Gegenstand des eigenen Textes zu entfernen, um sich ihm von einem anderen Abstraktionswinkel zu nähern. Warum bloß von einer Figur berichten, die Stimmen hört? Warum nicht die Idee ernst nehmen, dass Geister in unseren Trockenbauwänden leben und sich um ihre Arbeitsplätze sorgen? Diese Werkstatt soll dazu einladen, unterschiedliche Verfremdungstechniken an den eigenen Texten auszuprobieren und zu diskutieren. Der Kurs richtet sich dabei auch an diejenigen, die näher an der sogenannten Wirklichkeit arbeiten wollen und sich eher für eine sprachliche Verfremdung derselben interessieren. Wir werden zwei Expertinnen zu Gast im Seminar haben: Dorothee Elmiger und Emily Grunnert. Die genauen Termine für ihre Besuche stehen noch nicht fest.

Wir werden tiefer in den Klima-Aktivismus eintauchen. Dafür werden wir eine Waldbesetzung oder ein Klima-Camp besuchen, Kontakte knüpfen und überlegen, wie sich die politischen Inhalte fotografisch umsetzen lassen. Welcher Ort das sein wird, entscheiden wir abhängig von den politischen Entwicklungen ein paar Monate vorher. Voraussetzung für die Teilnahme an diesem Kompaktseminar ist die Teilnahme am Fachseminar "Fotografische Praxen und Aktivismus".

Die Klischees von Stadt und Land verhärten sich. Wir fragen uns: Wo sind die Gegensätze stark? Wo verschwimmen sie? Wo ist der städtische Kiez viel mehr Dorf als das Dorf? Und wo ist der Marktplatz in der Kreisstadt städtisch? Welche Sprache kommt ins Spiel, wenn wir von der Stadt und über das Land sprechen und schreiben? Wie lassen sich Stereotype und Regionalpatriotismus vermeiden? Stadt und Land sind schließlich mehr als nur Gegensatzpaar. Wie beschreiben wir die Realitäten der Zwischen- und Mischräume? Als Magazin des Center for Literature betreffen uns diese Fragen selbst: Burg Hülshoff und Haus Rüschhaus, die beiden Spielorte des CfL, befinden sich in der Zwischenzone von Stadt und Land. Wir wollen diese Räume und Zonen für unsere Auseinandersetzungen und inhaltliche Arbeit nutzen. Wir freuen uns sehr, dass wir die Herausgeberinnen des hinterlands magazine als Dozentinnen für diesen Workshop gewinnen konnten. hinterlands ist ein Printmagazin für Realitäten und Erzählungen aus den ländlichen Regionen Europas. In Reportagen, essayistischer Prosa und fotografischen Formaten präsentiert das hinterlands magazine lokale ländliche Berichterstattung und schafft ein grenzübergreifendes Verständnis von Ländlichkeit. Im Workshop wollen wir schreibend die eigene Herangehensweise an rurale und urbane Lebensräume verstehen und hinterfragen. Dabei lassen wir uns vom ländlich verorteten »Nature Writing« und der urban konnotierten Praktik des Flanierens inspirieren und mischen die Zuschreibungen neu: Landschaftsbeschreibungen in der Stadt und Umherziehen auf freiem Feld. Der Titel »Fertig ist die Laube« steht dabei für eine pragmatische Herangehensweise an den Text in Fragmenten. Wir zimmern schnell was zusammen. Die Laube als ein Sinnbild sowohl städtischer als auch ländlicher Selbstverwirklichung, zugleich Hobbyzimmer, Naherholung und »Zimmer für sich allein« gibt uns Raum zum Ausprobieren und Experimentieren. Voraussetzung zur Teilnahme ist die Arbeit an einem neuen Text und das Interesse an einer thematischen Diskussion. Dazu bieten wir im Anschluss an den Workshop ein Lektorat an. Nach Absprache gibt es die Möglichkeit, die entstandenen Texte im WORD.-Magazin zu veröffentlichen. Das WORD.-Magazin versteht Literatur als einen Dialog mit den anderen Künsten, den Wissenschaften und gesellschaftlichen Diskussionen, Gruppen und Projekten. Wir greifen die Schwerpunkte des CfL auf und graben tiefer. Die letzten Ausgaben drehten sich um Ökologie und Architektur, um feministische Kunst und Lebenspraxis, um Fürsorge, Glauben und um die dunkle Magie unserer Gegenwart. Für die Ausgabe #7 docken wir thematisch an das Droste Festival 2022 an, das im Frühsommer im Haus Rüschhaus in Münster stattfinden wird. WORD. ist ein Projekt von Burg Hülshoff – Center for Literature. In Kooperation mit der Kunsthochschule für Medien Köln. Unterkunft und Verpflegung für die Zeit des Workshops werden übernommen.

Film liegt im Archiv – als analoge Filmrolle oder File auf einer Festplatte – und wird mit jeder Projektion, bzw. dem Anklicken des Files sichtbar gemacht. Film ist aber auch selbst Archiv, das die aufgezeichneten Bilder und Töne, die in Werken zueinandergestellt sind, immer auch als Stücke einstiger Gegenwart für die Zukunft als Vergangenheit bewahrt. In dem Seminar „Kino/Archiv“ wollen wir uns in fünf Sitzungen mit den konkret-materiellen und poetisch-schillernden Dimensionen des Archivs für das Medium Kino beschäftigen: Wie hängen Sichtbarkeit und Verfügbarkeit der Filmgeschichte mit Archiven zusammen? Welche Archive – etwa das KHM Archiv für mediale Künste, das Bundesarchiv oder das Filmmuseum Düsseldorf – sammeln zu welchen Zwecken welche Arbeiten? Was sind die Spezifika filmischer Archivierung zwischen analogen und digitalen Prozessen? Wie entsteht aus dem Umgang mit dem Archiv neue künstlerische Arbeit? Nach den fünf einzelnen Sitzungen (im Seminarraum oder als Exkursion) vertiefen die Künstler*innen Danila Lipatov und Karen Zimmermann in einem 4-tägigen Workshop den Blick auf das Archiv: Gemeinsam entwickeln wir Konzeptionen autofiktionaler Archive mit dem Fokus auf das Unsichtbare, Ephemere und Marginalisierte. Mit der Methodik von Found Footage dekonstruieren wir Archivmaterialien auf der Suche nach Möglichkeiten der Solidarität, Sorge und des Widerstands. 5. Juni, 14 bis 17 Uhr: Alejandro Bachmann - Filmarchiv und Filmgeschichte (Studio 4a) 12. Juni, 12 bis 17 Uhr: Exkursion zum Bundesarchiv 26. Juni, 12 bis 17 Uhr: Exkursion Filmarchiv Düsseldorf 3. Juli, 14 bis 17 Uhr: Esther Neumann - Das KHM Archiv (Studio 4a & Archivräume) 10. Juli, 14 bis 17 Uhr: Matthias Müller – Archivmaterial im experimentellen Film (Studio 4a) 22. bis 25. Juli, 10 bis 18 Uhr Kompaktseminar Danila Lipatov, Karen Zimmermann (Filzengraben 18/19)

Editing a film is the moment when everything comes together. Everything that went well and everything that was a disaster during filming. In editing, we are confronted with the realities of our material and how it might differ from our original script and vision. We have to work with this material and in a way rewrite the film through montage. With two editors, Benjamin Mirguet and Matthieu Taponier, who both have extensive experience as consulting editors at First Cut Lab, we want to focus on understanding what is useful feedback, how we can filter it and how we can decipher and understand the feedback in order to find solutions for decision making in the editing process. In the first part of this seminar we want to look at different cuts of a feature film and discuss how the changes affect the viewing experience. In the second part, the seminar offers a unique opportunity to students who are currently working on a narrative film project to gain practical insights into film editing: Participants can receive direct feedback on their own cuts as part of a simulated "First Cut Lab". They then have the opportunity to consult with an experienced editor in order to analyse the feedback they have received and develop optimal solutions for film editing. The seminar is open to students who are in the process of editing a narrative film, and participants who want to follow the process and learn by listening and watching. We are not yet sure how many films we can include, that will be watched, discussed, receive consultation etc. as this depends on the length of the films. But we would try and incorporate as many as we can. It could be anything from 4-6 narrative films. Benjamin Mirguet is an editor, consultant, director, festival curator. As an editor, he edited amongst others: Battle in Heaven - Carlos Reygadas, The Sky Trembles and the Earth is afraid and the two eyes are not brothers - Ben Rivers etc. He has been involved as a consultant editor for the First Cut Lab since 2015. Working as part of the Team at the Co-Production Office, he is very involved creatively during the entire process of the films they produce, but especially in charge of the creative post production strategies. Matthieu Taponier was born in 1982 in Paris, France. After studying Modern Literature, he completed an M.F.A. at New York University’s Tisch School of the Arts. Since 2009, he has been working as a screenwriter, script editor and film editor. He was a TorinoFilmLab Script&Pitch story editing trainee in 2012 and a script consultant for the Semaine de la critique « Next Step » lab in 2014. He worked as a script editor and film editor on Laszlo Nemes’ Son of Saul, Grand Prix at Cannes Film Festival 2015. Please apply if you have a rough cut or version of your film that you want to present. Or if you want to participate without a film, apply anyway. The seminar will be held in English.

Wir denken uns Filme aus. Wir schauen uns Genres und Dramaturgie an. Wir schreiben jedes Mal was. Wir arbeiten das zu Hause aus. Wer mag, stellt beim nächsten Mal das Ergebnis vor. Das schauen wir uns dann an und lassen uns davon begeistern und erschrecken und anrühren und verwundern. Und dann fangen wir von vorne an. Noch eine Idee, noch ein Genre (falls es uns gelingt, da Grenzen zu finden), lang, kurz, seriell, schrecklich, rührend, bizarr, erhellend oder komisch. Parallel schauen wir auf Stoffentwicklungs-Schritte und Beispiele. Und auf den ein oder anderen schlauen Zettel dazu. Und vielleicht schauen wir auch mal Stücke aus seltsamen Filmen. Und fragen uns, was das alles soll. Warum das Spaß macht. Oder klüger. Oder traurig. Oder mutiger. Oder warum wir ... einfach nicht anders können?

Die unheimliche Gegenwart des Vergangenen: Lichtphänomene, die vor unseren Augen in der Dunkelheit sichtbar werden und dabei auf etwas verweisen, das gewesen ist – vor kurzem oder, im Fall der ersten Filmbilder im Dezember 1895, vor fast 130 Jahren. Das Kino hat seit jeher etwas Geisterhaftes, es ist Teil seines Wesens – lebedinge Erscheinungen von vergangenen, vielleicht schon toten Menschen, Tieren, Landschaften. In der 7. Sequenz der Filmgeschichte(n) werden wir den Geistern des Mediums nachspüren: Von den Reaktionen auf die ersten Filmbilder zu den Formatierungen des amerikanischen oder japanischen Horror-Subgenres Geisterfilm: von den Geistern der Maschine, denen das experimentelle Kino nachjagt zu den Heimsuchungen der Geschichte im politischen Spiel- und Dokumentarfilm. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

In der 8. Sequenz der Filmgeschichte(n) werden wir uns im Dialog mit dem Filmtheoretiker David Bordwell, der im Februar 2024 verstorben ist, durch eine Geschichte des Films bewegen. Dabei geht es einerseits darum, den neoformalistischen Rahmen seines (wie auch den seiner Lebenspartnerin, der Theoretikerin Kristin Thompson) Denkens zu erfassen und mit der eigenen Filmerfahrung, dem eigenen an das Medium gerichteten Begehrens in eine Beziehung zu setzen. Aus diesem ergibt sich dann auch eine bestimmte Vorstellung einer Geschichte des Films, die es nachzuvollziehen und, in einem weiteren Schritt, auf ihre Potenziale und möglichen Beschränktheiten zu befragen gilt. Und schließlich werden wir, im Sinne des Theoretikers/der Theoretikerin, sehr genau hinsehen, Einstellungen, Szenen, Sequenzen detailliert analysieren, um aus dem genauen Wahrnehmen vielleicht etwas für die eigene kreative Arbeit zu übersetzen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. Zentral für diese Sequenz der Filmgeschichte(n) wird zudem eine Auseinandersetzung mit Bordwells “On the History of Film Style“ sein. Sprache: Deutsch/Englisch

Einem der vielen forschend-kreativen Stränge, die zur Erfindung des Mediums Film führten, ging die Frage voraus, ob ein galoppierendes Pferd jemals zeitgleich alle vier Hufe in der Luft hat: Edward Muybridges Chronofotografie vermochte, die Bewegungen des Pferdes in Zeiteinheiten unterteilt sichtbar zu machen und die Frage so mit „Ja“ zu beantworten. In der zweiten Sequenz der Seminarreihe „Filmgeschichte(n)“ wollen wir dieser Konstellation entlang eines Programms von Filmen und einer Auswahl theoretischer Texte folgen: Was bedeutet es, durch die Formatierungen eines Mediums auf die Welt zu blicken? Wann ist dieses andere Sehen ein Mehr-sehen und wann eher eine Form von Blindheit und wie hat die Filmgeschichte selbst über diese Fragen, die das Ästhetische mit dem Politischen verbinden nachgedacht? Mit Filmen aus den Gattungen des Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilms, von Regisseur*innen wie Michelangelo Antonioni, Andrea Arnold, Rebecca Baron, Harun Farocki, Alfred Hitchcock, Philip Scheffner, Brian de Palma, Agnés Varda, Dziga Vertov uva. wird so eine kleine Geschichte des Films sichtbar, in der die Welt zu betrachten und das Betrachten zu reflektieren dargeboten wird. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst und das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Den Ausgangspunkt der 3. Sequenz in der Reihe Filmgeschichte(n) bildet Jean Rouchs und Edgar Morins Chronique d'un été (Frankreich 1961), der zum einen dem Alltag der Menschen in Paris im Jahr 1960 nachgeht, und darin zum anderen eine Methode des Dokumentarischen – das Cinéma vérité – praktisch umsetzt, die davon ausgeht, dass die Anwesenheit der Kamera erst Realität hervorbringt. Ausgehend von den inhaltlichen wie ästhetischen Linien des Films, werden wir im Laufe des Seminars gemeinsam forschend eine Filmgeschichte entwickeln, die die Kamerawahrheit dieses Films mit denen anderer Filme ins Verhältnis setzt. Der Algerienkrieg, die Unabhängigkeit des Kongo, die Shoah – ihre Darstellung im Film, ihr Verhandeln wie auch ihr Erinnern im Kino als auch die Fragen nach den Möglichkeiten des Films, von der Welt zu erzählen, führen uns zu Arbeiten von Jean-Luc Godard, Safi Faye, Michael Haneke, Med Hondo, Marceline Lauridan-Ivens, Gillo Pontecorvo, René Vautier, Mamadou Sarr & Paulin Soumanou Vieyra u.a. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

In den späten 70er Jahren, dem sogenannten „Deutschen Herbst“ bis in die Gegenwart hinein verhandelt das Kino in Deutschland wiederkehrend die RAF — ihre politische Haltung und realen Strategien, die Reaktion des Staates, die unvermeidbare Mythologisierung und die realen Spuren, die diese Zeit hinterlassen hat. Von diesem hierzulande sehr vertrauten Kontext wollen wir den Blick weiten und diesen mit anderen Filmen — aus Italien, Japan, Indien, Argentinien, den Philippinen, den USA etc. — in einen Dialog bringen, um einerseits das Verhältnis von militanter Politik und (zum Teil auch: militantem) Kino zu erforschen und andererseits diese Form der Filmarbeit als eine sichtbar zu machen, die lokale Konflikte jenseits der Beschränkungen nationalen Denkens in den Blick rückt. Wie können Filme militante Politik darstellen, verhandeln, befragen, wie kann ein Kino selbst militant werden, um aus der Position der Beobachtung in die Position der Tat überzugehen? Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Als Fortführung der dritten (Ein Sommer in Paris) und vierten Sequenz (Nicht nur Deutschland im Herbst) der Reihe Filmgeschichte(n) nimmt die 5. Sequenz Winter in America das gleichnamige Album von Gil-Scott Heron und Brian Jackson zum Ausgangspunkt, um einen filmischen Blick auf die USA in den 1970er Jahren zu werfen. Im Fokus soll dabei erneut die Frage stehen, was ein politisches Filmemachen auszeichnet, wie es sich in einem spezifischen zeithistorischen Kontext situiert und welche Einsichten aus einem solchen für die Praxis einer Gegenwart produktiv werden können. Dabei sollen drei Perspektiven auf diese Zeit miteinander verschränkt werden: Neben zeitgenössischen Bewegungen wie der L.A. Rebellion und ausgewählten Arbeiten des New Hollywood sowie deren perspektivische Verlängerungen in BRD und DDR stehen Blicke von außen (etwa aus Cuba) und filmische Verhandlungen der 1970er Jahre in den USA aus der Gegenwart. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. As a continuation of the third (A Summer in Paris) and fourth sequence (Not only a German Autumn) of the series Filmhistory's Filmhistories, the 5th sequence Winter in America takes the album of the same name by Gil-Scott Heron and Brian Jackson as a starting point to foster a cinematic look at the USA in the 1970s. The focus will once again be on the question of what distinguishes political filmmaking, how it is situated in a specific contemporary historical context, and which insights from such a context can become productive for the practice of the present. Three perspectives on this period will be intertwined: Alongside contemporary movements such as the L.A. Rebellion and selected works of New Hollywood as well as their perspectival extensions in the FRG and the GDR, there are views from outside (for example from Cuba) and cinematic negotiations of the 1970s in the USA from the present. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, supplemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

Als Fortführung der dritten (Ein Sommer in Paris), vierten (Nicht nur Deutschland im Herbst) und fünften Sequenz (Winter in America) der Reihe Filmgeschichte(n) nimmt die 6. Sequenz „Was anderes Machen (the home and the movie)“ eine gleichnamige Ausstellung im silent green in Berlin zum Anlass, Fragen nach einer transnationalen Filmpraxis und der dafür notwendigen realen und utopischen Denk- / Produktions- und Rezeptionsräume zu stellen. Ausgangspunkt der Ausstellung in Berlin und des Seminars ist die Praxis sowie das Archiv der ZDF Redaktion „Das Kleine Fernsehspiel“. „Wir machen ein Kino, das es nicht mehr gibt und ein Fernsehen, das es noch nicht gibt“ (J.L. Godard). So beschrieb der Redaktionsleiter Eckart Stein die Vision der 1962 neu gegründeten ZDF- Redaktion Das Kleine Fernsehspiel. Konzipiert als Fernsehwerkstatt und Entwicklungslabor entstand eine Plattform für den internationalen Nachwuchs des Autor*innenkinos. Elementare Fragen unserer Gegenwart um Diversität, Gleichstellung und Dekolonisierung wurden auf diesem Sendeplatz seit den Anfängen verhandelt, ebenso wie kinematografische Experimente und filmsprachliche Positionen, die weit in die Zukunft wiesen: Rainer Werner Fassbinder und Alexander Kluge, Helke Sanders und Ulrike Ottinger, Sohrab Shahid Saless und Raoul Peck, Derek Jarman und John Akomfrah, Charles Burnett und Omah Diegu, die Filmemacher*innen der Berliner Schule und des deutsch-türkischen Kinos sind nur einige, deren frühe Werke hier zu finden sind. In einer zweiteiligen Exkursion nach Berlin werden wir vor Ort in der Ausstellung Filme aus dem Archiv des ZDF „Das Kleine Fernsehspiel“ sichten und diskutieren, mit den Ausstellungsmacher*innen und der ZDF Redaktion „Das Kleine Fernsehpiel“ in Kontakt treten sowie an einem internationalen Symposium teilnehmen. Da die Plätze für das Seminar vor dem Hintergrund der Reisen nach und Übernachtungen in Berlin beschränkt sind, beinhaltet eine Anmeldung eine unbedinge Zusage, an allen Sitzungen teilzunehmen. Termine: 07.11.2023 Vorbereitungstreffen KHM  16.-19.11.2023 Seminar Teil I in Berlin (inklusive Symposium etc.) 24.-26.11.2023 Seminar Teil II in Berlin (inklusive Symposium etc.) 28.11.2023 Nachbereitungstreffen KHM

Als die Bundesregierung im Jahre 1973 mit dem Anwerbestopp die staatlich regulierte Anwerbung „ausländischer Arbeitnehmer“ für beendet erklärt, fängt die filmische Produktion im Kontext von Migration erst richtig an. Autorenfilmer*innen wie Sohrab Shahid Saless, Rainer Werner Fassbinder oder Helma Sanders-Brahms erzählen von der marginalisierten Position der vermeintlich „Fremden“, während sie implizit deutsche Spießigkeit und rassistische Verhältnisse kritisieren. Es sind dann ab den 1990er Jahren Filmemacher*innen mit eigener Migrationsbiografie, die hybride Lebensentwürfe jenseits nationalstaatlicher Grenzen und Praktiken migrantischer Selbstermächtigung ins Zentrum rücken. Als Reaktion auf die massive rassistische Gewalt der 1990er Jahre und die Morde durch den NSU, entstehen in den Nuller Jahre vermehrt Videoarbeiten, die dominante Narrative gegen den Strich bürsten und den strukturellen Rassismus in Deutschland anklagen. Dieses Seminar reflektiert ausgehend von der postmigrantischen Realität Filme im Kontext der Migration, und zwar von den 1970er Jahren bis heute. Anhand von Filmen und Filmausschnitten aus den Bereichen Spielfilm, Dokumentarfilm oder Videokunst soll es um Aspekte einer diskriminierungskritischen Filmpraxis gehen. Im Zentrum stehen Filmemacher*innen, aktivistische Künstler*innen mit eigener Migrationsbiografie – so etwa Aysun Bademsoy, Serap Berrakkarasu, Cana Bilir-Meier, Chetna Vora oder Želimir Žilnik –, die widerständige Perspektiven und postmigrantische Bildpolitiken eröffnen. Auch werden wir uns jüngere Archivprojekte (Die fünfte Wand von Merle Kröger und Mareike Bernien) ansehen und Lektüren bspw. von bell hooks oder Stuart Hall mit einbeziehen.  Inhaltlich geht es um die Geschichte(n) von „Gastarbeit“ (Bundesrepublik) und „Vertragsarbeit“ (DDR), um Arbeit und Arbeitskämpfe, migrantische Solidaritäten und Selbstermächtigung, d.h. um die subjektiven Praktiken von Migrant*innen, die rigide Migrationspolitiken durchkreuzen. Zwischen Theorie und Praxis werden wir das Verhältnis von Film, Gesellschaft und Aktivismus betrachten. Folglich werden filmästhetische, gesellschaftspolitische und strukturelle Fragen ins Verhältnis gesetzt. In Bezug auf Methode und Haltung orientiert sich das Seminar an der „emanzipatorischen Pädagogik“ und fokussiert ein so genanntes migrantisch situiertes Wissen.  Als Analysebrille dient hier die „Perspektive der Migration“, eine Forschungsperspektive im Kontext der Kritischen Migrationsforschung. Wie sieht eine alternative, antirassistische Filmproduktion aus, die die postmigrantische Realität einklagt? Und was heißt es, die Perspektive der Migration einzunehmen und diese als gesamtgesellschaftliche Perspektive zu verstehen? When the German government declared an end to the state-regulated recruitment of "foreign workers" in 1973, film production in the context of migration really began. Auteur filmmakers such as Sohrab Shahid Saless, Rainer Werner Fassbinder or Helma Sanders-Brahms tell of the marginalised position of the supposed "foreigners", while implicitly criticising German stuffiness and racist conditions. From the 1990s onwards, it was filmmakers with their own migration biographies who placed hybrid life plans beyond the borders of the nation state and practices of migrant self-empowerment at the centre. As a reaction to the massive racist violence of the 1990s and the murders by the NSU, the noughties saw an increase in video works that brush dominant narratives against the grain and denounce structural racism in Germany. Starting from the post-migrant reality, this seminar reflects on films in the context of migration, from the 1970s until today. Using films and film excerpts from the fields of feature films, documentaries and video art, the seminar will focus on aspects of a film practice that is critical of discrimination. The focus will be on filmmakers, activist artists with their own migration biographies - such as Aysun Bademsoy, Serap Berrakkarasu, Cana Bilir-Meier, Chetna Vora or Želimir Žilnik - who open up resistant perspectives and post-migrant image politics. We will also look at recent archive projects (Die fünfte Wand by Merle Kröger and Mareike Bernien) and include readings by bell hooks or Stuart Hall, for example. The content will be about the history(s) of "guest labour" (Federal Republic of Germany) and "contract labour" (GDR), about labour and labour struggles, migrant solidarities and self-empowerment, i.e. about the subjective practices of migrants that thwart rigid migration policies. Between theory and practice, we will look at the relationship between film, society and activism. Consequently, film-aesthetic, socio-political and structural questions will be placed in relation to each other. In terms of method and attitude, the seminar is oriented towards "emancipatory pedagogy" and focuses on a so-called migrant situated knowledge. The "perspective of migration", a research perspective in the context of critical migration research, serves as the analytical lens here. What does an alternative, anti-racist film production look like that claims the post-migrant reality? And what does it mean to take the perspective of migration and understand it as a perspective of society as a whole?

Mit seinem zweiteiligen Projekt „Film ist“ hat der österreichische Künstler Gustav Deutsch 1998 und 2002 eine Phänomenologie des Mediums Film vorgelegt. Seine Untersuchungsgegenstände waren dabei der Wissenschafts-, Lehr- und Industriefilm sowie das frühe Kino. In Kapiteln mit Titeln wie „Schrift und Sprache“, „Erinnerung und Dokument“ oder „Gefühl und Leidenschaft“ sezierte und re-arrangierte Deutsch in „Film ist“ das filmische Zeichensystem und trug damit zur Beantwortung der Frage des Filmtheoretikers André Bazin bei: „Qu’est-ce que le cinéma?“. Gustav Deutschs Verfahren aufgreifend, werden wir uns in diesem Seminar anhand zahlreicher Beispiele aus der Geschichte des experimentellen Films mit denjenigen grundlegenden Elementen beschäftigen, die Film konstituieren: Material, Licht und Dunkel, Farbe, Bildfeld und Offscreen Space, Montage, Wiederholung und Differenz, Wort und Text im Bild, der Interaktion von Akteur*innen, der Welt der Objekte. Die hier vorgestellten Filme, die die gängige Syntax des Films unterlaufen und erweitern, auch in die Konventionen des Kinos eingreifen, versuchen, den Festschreibungen dessen, was „Film ist“, keine weiteren hinzuzufügen, sondern Möglichkeitsräume zu eröffnen: Was könnte Film sein? Künstler*nnen: Stan Brakhage, William Burroughs & Antony Balch, Cécile Fontaine, Hollis Frampton, Johann Lurf, Peter Miller, Sergei Parajanov, Maryam Tafakory, Jürgen Reble, Miranda Pennell u.a.

Mit seinem zweiteiligen Projekt „Film ist“ hat der österreichische Künstler Gustav Deutsch 1998 und 2002 eine Phänomenologie des Mediums Film vorgelegt. Seine Untersuchungsgegenstände waren dabei der Wissenschafts-, Lehr- und Industriefilm sowie das frühe Kino. In Kapiteln zu Themen wie „Schrift und Sprache“, „Erinnerung und Dokument“ oder „Gefühl und Leidenschaft“ sezierte und re-arrangierte Deutsch in „Film ist“ das filmische Zeichensystem und entwarf damit Vorschläge zur Beantwortung der Frage des Filmtheoretikers André Bazin: „Qu’est-ce que le cinéma?“. Gustav Deutschs Verfahren aufgreifend, haben wir uns im ersten Teil des Seminars anhand zahlreicher Beispiele aus Geschichte und Gegenwart des experimentellen Films mit denjenigen Elementen beschäftigt, die Film konstituieren: Material, Kamera, Licht, Montage, Wort/Text, Objekte u.a.. Wir vertiefen nun unsere Auseinandersetzung mit spezifischen Wesenszügen der Gattung und erweitern das Spektrum um die Thematisierung von Zeit- und Farbdramaturgien und werfen die Frage auf, was filmischen Stil ausmacht. Die Auswahl umfasst Filme, die sich auf reine Beobachtung konzentrieren und andere, in denen die den Künstler:innen zugewiesenen Positionen entschieden überschritten werden, um eigene zu besetzen – in räumlicher Hinsicht, aber auch in Bezug auf die Transgression reglementierter Repräsentationen, etwa von Sexualität. Anhand filmischer Beispiele, in denen nichtmenschliche Protagonist*innen wie Architektur, Landschaft, Pflanzen oder Tieren in den Fokus rücken, erforschen wir das alternative erzählerische Potenzial experimenteller Filme und befragen die Konstitution des jeweils spezifischen filmischen Blicks auf die Welt. Die hier vorgestellten Filme erweitern die gängige filmische Syntax und greifen damit in die Konventionen des Kinos ein. Sie versuchen dabei nicht, der Frage, was „Film ist“ weitere Festschreibungen hinzuzufügen, sondern neue Möglichkeitsräume zu eröffnen: Was könnte Film auch sein? Künstler*innen: Francis Alÿs, Yalda Afsah, Bruce Baillie, Francesca Bertin, Stan Brakhage, Thomas A. Edison, Su Friedrich, Jean Genet, Andree Korpys/Markus Löffler, Mara Mattuschka, Marie Menken, Marcel Odenbach, Sergei Parajanov, Maki Satake, Timo Schierhorn, Carolee Schneemann, Maya Schweizer, Sam Taylor-Wood, Anita Thacher, Naomi Uman, Andrew Norman Wilson u.a.

Bei der Filmmontage geht es nicht nur darum, Unnötiges herauszuschneiden, sondern vor allem Wesentliches freizulegen und mit Details, Tönen, Bewegungen, Blicken und Emotionen zu spielen, die zuvor unsichtbar und unhörbar waren. Kommt vorbei beim Film Montage Club! Hier schauen und besprechen wir regelmäßig zusammen eure Projekte, Schnitte und Montagetechniken und können die Filme auch "vor Publikum“ testen. Alle Studierende sind willkommen unabhängig von ihren Projekten (Spielfilm, Dokumentarfilm, Experimentalfilm. Musikvideo, Performance etc). Egal ob ihr noch beim Sichten seid, beim ersten Rohschnitt oder kurz vor dem Picture Lock. --- Film Montage does not just mean cutting out the unnecessary, but above all revealing the essential and playing with details, sounds, movements, glances and emotions that were previously unseen and unheard. Come visit the Film Montage Club! Here we regularly watch and discuss your projects, sequences and editing techniques and can also test films 'in front of an audience‘. All students are welcome regardless of their projects (feature film, documentary, experimental film, music video, performance, etc.). It doesn't matter if you're still reviewing the footage, working on the first rough cut or about to reach picture lock.

Bei der Filmmontage geht es nicht nur darum, Unnötiges herauszuschneiden, sondern vor allem Wesentliches freizulegen und mit Details, Tönen, Bewegungen, Blicken und Emotionen zu spielen, die zuvor unsichtbar und unhörbar waren. Kommt vorbei beim Film Montage Lab! Hier schauen und besprechen wir regelmäßig zusammen eure Projekte, Schnitte und Montagetechniken und können die Filme auch "vor Publikum“ testen. Alle Studierende sind willkommen unabhängig von ihren Projekten (Spielfilm, Dokumentarfilm, Experimentalfilm. Musikvideo, Performance etc). Egal ob ihr noch beim Sichten seid, beim ersten Rohschnitt oder kurz vor dem Picture Lock. Film Montage does not just mean cutting out the unnecessary, but above all revealing the essential and playing with details, sounds, movements, glances and emotions that were previously unseen and unheard. Come visit the Film Montage Lab! Here we regularly watch and discuss your projects, sequences and editing techniques and can also test films 'in front of an audience‘. All students are welcome regardless of their projects (feature film, documentary, experimental film, music video, performance, etc.). It doesn't matter if you're still reviewing the footage, working on the first rough cut or about to reach picture lock.

Was bestimmt die eigene Identität? Wie wirkt sich diese auf die eigene Wahrnehmung aus? Wie wird die eigene Wahrnehmung zur Quelle von Inspiration? Welchen Einfluss hat das eigene Geschlecht auf die persönliche Wahrnehmung und die künstlerische Transformation von Personen, Ideen und Räumen und damit auf die Perspektive eigener Abbildung von Wirklichkeit? Wie und von wem werden Geschichten erzählt, die besonders hohe Resonanz hervorrufen? In welchem Maß hat das mit dem eigenen Geschlecht zu tun? Und ganz wichtig: Wie gehen die Abgebildeten damit um? Ausgehend von der genauen Analyse anregender sehr aktueller und alter Filme, Literatur und bildender Kunst wollen wir der Geschichte der oben angedeuteten Fragen genauer auf die Spur kommen. Ziel ist das Erstellen eines „Filters“ der Reflexion, die Geschlechterperspektive aus der Entwicklung heraus zu erfassen und Schlüsse für den eigenen Umgang damit zu ziehen. Die Unterscheidung von Moden und langfristigen Entwicklungen soll dabei genauso thematisiert werden, wie die aktuelle Diskussion um die Rolle des Geschlechts im Kontext zur künstlerischen Praxis besonders in der filmischen Visualisierung. Gesellschaftliche Konventionen sollen im Kontext zu konventioneller Darstellung geprüft werden, wie auch das Unkonventionelle, das dem Dilemma des Abweichenden unterliegt, was oft zu ökonomischen Folgen führt. Alle Seminarteilenhmer*innen sollen anhand selbst ausgesuchter Filmbeispiele einen Aspekt des Themas zur praxisbezogenen Analyse im Vortrag darstellen. Das Seminar läuft über zwei Semester, was zur Erlangung eines Theoriescheins vollständig zu absolvieren ist.

Was bestimmt die eigene Identität? Wie wirkt sich diese auf die eigene Wahrnehmung aus? Wie wird die eigene Wahrnehmung zur Quelle von Inspiration? Welchen Einfluss hat das eigene Geschlecht auf die persönliche Wahrnehmung und die künstlerische Transformation von Personen, Ideen und Räumen und damit auf die Perspektive eigener Abbildung von Wirklichkeit? Wie und von wem werden Geschichten erzählt, die besonders hohe Resonanz hervorrufen? In welchem Maß hat das mit dem eigenen Geschlecht zu tun? Und ganz wichtig: Wie gehen die Abgebildeten damit um? Ausgehend von der genauen Analyse anregender sehr aktueller und alter Filme, Literatur und bildender Kunst wollen wir der Geschichte der oben angedeuteten Fragen genauer auf die Spur kommen. Ziel ist das Erstellen eines „Filters“ der Reflexion, die Geschlechterperspektive aus der Entwicklung heraus zu erfassen und Schlüsse für den eigenen Umgang damit zu ziehen. Die Unterscheidung von Moden und langfristigen Entwicklungen soll dabei genauso thematisiert werden, wie die aktuelle Diskussion um die Rolle des Geschlechts im Kontext zur künstlerischen Praxis besonders in der filmischen Visualisierung. Gesellschaftliche Konventionen sollen im Kontext zu konventioneller Darstellung geprüft werden, wie auch das Unkonventionelle, das dem Dilemma des Abweichenden unterliegt, was oft zu ökonomischen Folgen führt. Alle Seminarteilenhmer*innen sollen anhand selbst ausgesuchter Filmbeispiele einen Aspekt des Themas zur praxisbezogenen Analyse im Vortrag darstellen.

Die 2020 geführte Debatte um den Film LOVEMOBIL (Elke Margarethe Lehrenkraus, 2019) verweist mit Blick auf die Frage der Relevanz des Dokumentarfilms für die Gegenwart auf ein Doppeltes: In ihrer Breite steckt ein Potenzial, sie deutet an, dass das Nachdenken über das Verhältnis von Abbild und Wahrheit weit mehr Menschen interessiert, als es die übliche Bereitschaft, sich wirklich gute Dokumentarfilme anzusehen, vermuten ließe. In ihrem Begriff der dokumentarischen Form dagegen tut sich ein Missverständnis auf, das den Film eher als Medium der Abbildung von Realität als sein Potenzial mit Blick auf das Eingreifen in die Realität begreift. In dem Seminar werden wir ganz grundlegend davon ausgehen, dass es keinen Dokumentarfilm gibt, der nicht in die Welt eingreift und eher danach fragen, welche Formen des Eingriffs welche Begriffe von Realität implizieren. Entlang von historischen und zeitgenössischen Filmen und in Ergänzung um theoretische Positionen werden wir konkrete Filme sichten, diskutieren und auf ihre spezifischen Potenziale hin befragen. Der Dokumentarfilm wird hier als Ursprung eines Diskurses gedacht, der ganz grundsätzlich danach fragt, wie das, was uns umgibt, filmisch erfasst und verhandelt werden kann.

In diesem Seminar geht es um die Grundlagen des Erzählens in der Prosa. Plot, Erzählhaltungen, Dialoge, Perspektiven und Figurenbeschreibungen werden näher untersucht und ausprobiert. Was ist eigentlich ein guter Anfang? Was macht einen Titel aus? Wie baue ich am besten einen Rückblick ein? Wie wähle ich die richtige Perspektive für meinen Text und wie bleibe ich bei meiner Figur? Das Seminar beleuchtet die einzelnen Elemente des literarischen Erzählens anhand exemplarischer Lektüren und bietet die Möglichkeit im Rahmen kleinerer und größerer Schreibaufgaben die eigenen Texte zur Diskussion zu stellen. Neben traditionell erzählter Prosa lernen wir Textformen kennen, die sich im Grenzbereich herkömmlicher Gattungsvorstellungen bewegen. Es wird spannend!

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

To enter an archive is to enter a fortress. You might have been invited in or even gotten a key, but the openness is only selective and temporary. We think of archiving an inward movement: finding things, bringing them together, sorting them, and guarding them in a safe and stable place. The model of this type of archiving is the fortress. This model already provides a clear sense of the limits of the archive: fire, flooding, and data loss. Can we think of the archive differently? How can we manage the contradictions between conservation and accessibility? There is another way of archiving: to use things, bring them into circulation, and distribute them (in all senses of the word). A process that operates based on projecting films, sharing spread-sheets, scanning books, printing objects, uploading mixtapes. In the seminar, we will read, discuss, do, write, watch, listen and create a publication together. The outcome will be a publication.

Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Daneben wird eine Auswahl sowohl etablierter als auch aktueller künstlerischer Positionen, die mit dem Medium Fotografie arbeiten, im Seminar vorgestellt und diskutiert. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit digitalen Spiegelreflexkameras behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern, Druckern und dem Durst Lambda-Belichter werden in kleinen Gruppen eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2022 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2021/22. Ziel ist es, den eigenen künstlerischen Ansatz weiterzuentwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen: In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Daneben wird eine Auswahl sowohl etablierter als auch aktueller künstlerischer Positionen, die mit dem Medium Fotografie arbeiten, im Seminar vorgestellt und diskutiert. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt.

Wir werden unser Seminar in diesem Semester in zwei Teile teilen: Mittwoch 10:00 – 12:00 Uhr: Künstlerisch-fotografische Praxen und Aktivismus Künstlerische Fotografie eignet sich sehr gut für eine kritische Auseinandersetzung mit politischen Themen und gesellschaftlichen Diskursen und kann zur Aufklärung beitragen, was aktuell angesichts der ökologischen Krise, den Kriegen und das Erstarken rechtsradikaler Kräfte nötiger denn je ist. Andere, persönlichere und sensiblere Perspektiven sind möglich und Künstler*innen können weiterführende Ebenen einbringen als es Bilder der Berichterstattung können. Wir möchten im Fotoseminar als Gruppe zusammenwachsen und uns intensiv und über einen längeren Zeitraum mit der Frage beschäftigen, welche Wege mit Fotografie arbeitende Künstler*innen einschlagen können, um eine engagierte und involvierte Praxis zu entwickeln und mit der Kunst an der Grenze zum Aktivismus zu agieren. Dabei fokussieren wir uns auf Inputs, Vortragseinladungen und auf Texte, besonders auf die Klimakrise und Alltagsrassismus. Wir planen eine Exkursion vom 04. – 10.11.2024. Entweder zur Biennale in Venedig oder zur Paris Photo. Im Laufe des Semesters werden zudem einige Künstler*innen zu Artist Talks eingeladen. Es ist eine Kooperation mit der Photoszene Köln geplant. In diesen Rahmen wird es eine Ausstellung Eurer zu den oben genannten Themen erstellten Arbeiten geben. Es wird evtl. ein Symposium stattfinden, dass wir gemeinsam erarbeiten. Eröffnung der Photoszene ist der 15. Mai 2025. Regelmäßige Teilnahme ist erforderlich. Mittwoch 12:00 – 13:00 Uhr: Kolloquium für die kommenden Case-Ausstellungen Das Kolloquium dient der Vorbereitung der Ausstellungen von: Anna Traskalik Linda Nasdalack Thea Kleinhempel Bohye Lee Eva Swiatkowski Regelmäßige Teilnahme aller Aussteller*innen ist erforderlich. Wir können für die Case-Ausstellungen keine neuen Studierenden aufnehmen, da diese Veranstaltung im letzten Semester vorbereitet wurde und dies vorerst der letzte Zyklus der Case-Ausstellungen sein wird.

Künstlerische Fotografie eignet sich sehr gut für eine kritische Auseinandersetzung mit politischen Themen und gesellschaftlichen Diskursen und kann zur Aufklärung beitragen, was aktuell angesichts der ökologischen Krise, den Kriegen und das Erstarken rechtsradikaler Kräfte nötiger denn je ist. 
 Andere, persönlichere und sensiblere Perspektiven sind möglich und Künstler*innen können weiterführende Ebenen einbringen als es Bilder der Berichterstattung können. 

 Wir möchten im Fotoseminar als Gruppe zusammenwachsen und uns intensiv und über einen längeren Zeitraum mit der Frage beschäftigen, welche Wege mit Fotografie arbeitende Künstler*innen einschlagen können, um eine engagierte und involvierte Praxis zu entwickeln und mit der Kunst an der Grenze zum Aktivismus zu agieren. Dabei fokussieren wir in Inputs, Vortragseinladungen und Texten besonders auf die Klimakrise und Alltagsrassismus. Vortragseinladungen: tba Es ist eine Kooperation mit der Internationalen Photoszene Köln (15. Mai - 15. Juni 2025) geplant. In diesen Rahmen wird es eine Ausstellung Eurer zu den oben genannten Themen erstellten Arbeiten geben. Eröffnung der Photoszene ist der 15.Mai 2025. Ebenfalls in Kooperation mit der Internationalen Photoszene Köln findet am Freitag, 16. Mai und Samstag, 17. Mai 2025 in der Aula der KHM das Symposium "Another State of Mind. What We Feel, What We See, What We Do. Symposium über Gefühle in der Fotografie" statt.   Nähere Informationen dazu folgen über die KHM-Homepage. Darüber hinaus ist eine Exkursion zum Internationalen Foto Festival: 
Les Rencontres de la Photographie ARLES (Frankreich) vom 7. - 13. Juli 2025  in Planung.

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Arbeit/Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen und Input-Veranstaltungen zu verschiedenen fotografischen Positionen und Arbeitsweisen zur Einführung in die künstlerisch fotografische Arbeitsweise. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich, Blitztechniken und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Die analoge Fotografie ist ebenfalls ein Schwerpunkt: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Ziel des Grundlagenseminars ist es, die technischen Fähigkeiten in der Fotografie zu erlernen. Zum einen, um in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Fotografie mehr Möglichkeiten zu haben, zum anderen, um auch im angewandten Bereich besser aufgestellt zu sein. Im Rahmen des Seminars wird es eine Kollaboration mit der Schauspielschule Köln geben, um die erlernten Fototechniken praktisch in Bewegungs- und Portraitstudien on Location oder im Studio anzuwenden. Im Sommersemester 2025 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet im Wintersemester 2025/2026 erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, finden wir eine Lösung. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de

Das Grundlagenseminar Fotografie geht über zwei Semester. Teil 1 beginnt immer zum Wintersemester. Im Seminar werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich, Blitztechniken und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop, Lightroom, Capture One, ergänzen die technische Einweisung. Die analoge Fotografie ist ebenfalls ein Schwerpunkt: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Parallel wird an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Arbeit/Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen und Input-Veranstaltungen zu verschiedenen fotografischen Positionen und Arbeitsweisen zur Einführung in die künstlerisch fotografische Arbeitsweise. Ziel des Grundlagenseminars ist es, die technischen Fähigkeiten in der Fotografie zu erlernen. Zum einen, um in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Fotografie mehr Möglichkeiten zu haben, zum anderen, um auch im angewandten Bereich besser aufgestellt zu sein. Im Sommersemester wird als Fortsetzung das „Grundlagenseminar Fotografie Teil 2“ angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet im nächsten Wintersemester erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, finden wir eine Lösung. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de

Fortsetzung des Grundlagenseminars Fotografie I aus dem WS 2024/25. Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Arbeit/Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen und Input-Veranstaltungen zu verschiedenen fotografischen Positionen und Arbeitsweisen zur Einführung in die künstlerisch fotografische Arbeitsweise. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich, Blitztechniken und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Die analoge Fotografie ist ebenfalls ein Schwerpunkt: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Ziel des Grundlagenseminars ist es, die technischen Fähigkeiten in der Fotografie zu erlernen. Zum einen, um in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Fotografie mehr Möglichkeiten zu haben, zum anderen, um auch im angewandten Bereich besser aufgestellt zu sein. Im Rahmen des Seminars wird es eine Kollaboration mit der Schauspielschule Köln geben, um die erlernten Fototechniken praktisch in Bewegungs- und Portraitstudien vor Ort oder im Studio anzuwenden. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet dann erneut im Wintersemester 2025/26 statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, finden wir eine Lösung. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de

Das Grundlagenseminar Fotografie geht über zwei Semester . 
 Teil 1 beginnt immer zum Wintersemester.

 Das Seminar besteht aus zwei Teilen: Zum einen wird an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Arbeit/Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen und Input-Veranstaltungen zu verschiedenen fotografischen Positionen und Arbeitsweisen zur Einführung in die künstlerisch fotografische Arbeitsweise. Parallel dazu werden im Seminar fototechnische Grundlagen gelehrt . Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich, Blitztechniken und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Die analoge Fotografie ist ebenfalls ein Schwerpunkt: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Ziel des Grundlagenseminars ist es, die technischen Fähigkeiten in der Fotografie zu erlernen. Zum einen, um in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Fotografie mehr Möglichkeiten zu haben, zum anderen, um auch im angewandten Bereich besser aufgestellt zu sein. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, finden wir eine Lösung. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de

[SCROLL DOWN FOR ENGLISH DESCRIPTION] Das Seminar widmet sich den Büchern, Ausstellungsbeiträgen und Filmen von Ariella Aïsha Azoulay. In ihnen umkreist die Medienwissenschaftlerin und -aktivistin die Frage: Was haben fotographische Praxen mit Imperialismus zu tun? Die Fotografie und ihre Bildarchive nimmt sie als institutionelle Praxis in den Blick, die zur Autorisierung und Reproduktion von imperialer Gewalt beiträgt. Hier herrscht der fotografische Auslöser über Raum und Zeit. An den Schauplätzen von imperialer Gewalt speist sich die fotographische Praxis aus einer privilegierten Beobachter*innen-Perspektive, deren Subjekte sich mit gültigen Papieren und Aufenthaltstiteln ausweisen müssen. In den Sekunden seiner Verschlussbewegung trennt er Beobachter*innen von Involvierten. Mit den entstehenden Presse- oder Beweisfotos entsteht auch ein nachträgliches Sehen, in dem die gewaltvollen Ereignisse immer schon hinter uns liegen. Am Beispiel der palästinensischen Erfahrung und ihrer eigenen israelischen Staatsbürger*innenschaft zeichnet Azoulay die untrennbaren Verbindungen von fotografischen Praxen, Grenzregimes und imperialen Plündereien nach. The seminar is committed to the books, exhibition contributions and films of Ariella Aïsha Azoulay. In them, the media scholar and activist explores the question: What do photographic practices have to do with imperialism? Taking a close look at photography and its image archives, she identifies them as institutional practices that contribute to the authorization and reproduction of imperial violence. This is where the photographic shutter governs space and time. At the scenes of imperial violence, the practice of photography draws from a privileged observer perspective, its subjects having to provide identification with valid papers and residence permits. The seconds of its shutter motion divide the observer from the involved. The resulting press or evidence photographs also create a retrospective vision in which the violent events are always already behind us. Using the example of the Palestinian experience and their own Israeli citizenship, Azoulay traces the inseparable connections of photographic practices, border regimes, and imperial plunder. Texte | Reading matters: Ariella Aïsha Azoulay, Potential History: Unlearning Imperialism (2019); Civil Imagination: The Political Ontology of Photography (2012); Azoulay, The Civil Contract of Photography (2008). Jan Wenzel, Anne König (Hg.), The End oft he World as we know it ist der Beginn einer Welt, die wir nicht kennen (2016) Film: Ariella Aïsha Azoulay: Un-Documented: Unlearning Imperial Plunder (2020)

The focus of this academic block is on Foucault’s thought, specifically on his ideas about art and aesthetics. Throughout the course of the seminar, we will study Foucault’s lecture notes, interviews and his “Aesthetics, Method, and Epistemology: Essential Works of Foucault 1954-1984”, which critically analyse the functions of the artwork, both in the context of the art world and within wider philosophical and political contexts. The class aims to familiarize with Foucault’s thought, develop students’ analytical skills, strengthen their critical capacities and introduce aesthetic strategies optimal for expressing the desired artistic content, not least, pertinent for both art/cinema and culture at large.

The author of the Les Damnés de la Terre and Peau Noire, Masques Blancs has remained immensely influential in anti-colonial and decolonial studies, and movements, since his death in 1961. What is the enduring power of his work? How has his work resisted becoming merely academic history? In what ways have his two books (and others collected after his death) been received, and received differently, and by whom? What lessons can we draw from Fanon at this conjuncture? This seminar will read his classic texts and screen documentaries that have proliferated in recent years. Guarding against any hagiography of a single figure, we will also try to place Fanon in his revolutionary context within the Algerian revolution. Students will be required to keep a weekly journal.

Dr. Björn Theis, Zil Lilas 21.10, 04.11, 18.11, 02.12, 16.12 und 13.01 What is freedom? How is it defined − and by whom? What are the limits of freedom? What isit good for, and why does it matter? Where does it exist, and where does it hide? Today, the concept of freedom is used in a wide variety of contexts, ranging from “artistic freedom” to modern weapons systems such as the Northrop F-5 Freedom Fighter, a military combat aircraft. The linguistic origin of the term can be traced back to the Indo-European root peri- (“near,” “by,” “one's own”). Among the Germanic peoples, a “free person” was someone who belonged to and was protected by their own clan. This status was closely linked to the ownership of land and a home of one's own. Beyond the etymology of the term, this seminar will explore the concept of freedom from various perspectives, including its artistic, legal, philosophical, historical, and political origins, as well as its contemporary interpretations. Needless to say that degrees (and types) of freedoms vary dramatically from society to society also, prescriptive code, such as laws differ from the actual state of freedoms. In the seminar we will briefly summarise notions of micro and macro freedoms as were coined by Locke, Nietzsche, Lacan and Foucault. We will discuss the distinction between “positive freedom” (e.g., the freedom to do something) and “negative freedom” (e.g., the freedom not to do something).

Zeichnen ist eine Grundlage der Grundlagen. Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „ Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden “. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen. Sprache: Englisch, Deutsch

Beschreibung des Seminars Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Die Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Sie schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug an die Hand gegeben, um Dinge visuell zu formulieren – von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Außerdem werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die Spuren auf der Oberfläche hinterlassen. Drawing does not only guide the hand, but above all trains the ability to observe. As Goethe said: “Drawing compels attention, and attention is the highest of all skills and virtues.” Drawing, alongside language and gestures (dance), is one of the fastest and most direct ways of expressing oneself. It trains precise observation, and students are given a tool to visually formulate ideas—from the first notation to a developed drawing and to drawn movement. In this seminar, the focus is on studies of the human body in still poses and in motion. We will also explore a range of techniques and materials that leave traces on the surface.

“I came to theory because I was hurting – the pain within me was so intense that I could not go on living. I came to theory desperate, wanting to comprehend – to grasp what was happening around me. Most importantly, I wanted the hurt to go away.” Bell hooks, Teaching to transgress: Education as a Practice of Freedom „Es war die Erklärung, nach der ich jahrelang gesucht hatte. Plötzlich bestätigte sich, was ich tief im Inneren immer schon gewusst hatte. Nicht mein Körper war für all die Schwierigkeiten, die ich hatte, verantwortlich, sondern die äußeren Umstände waren es, die Barrieren der Gesellschaft, in der ich lebte. Ich wurde behindert – meine Fähigkeiten und Möglichkeiten eingeschränkt – durch Vorurteile, Diskriminierung, unzugängliche Räume und unzulängliche Unterstützung. Und wichtiger noch: Wenn all die Probleme durch die Gesellschaft hervorgebracht wurden, dann konnte die Gesellschaft sie auch abschaffen. Revolutionär!“ (Liz Crow: 1996) Die Suche nach Erklärungen für Erfahrungen von schmerzvollen und diskrimierenden Erfahrungen als Anlass zur Auseinandersetzung mit Theorie prägt sowohl rassismuskritische, feministische und klassismuskritische als auch Ansätze der kritischen Disability Studies sowie der Crip Theory. Die Kategorie des nicht-behinderten Körpers ist so sehr Norm, dass sie verschwindet, unsichtbar wird, es eine politische, situierte Arbeit braucht, um sie auf Begriffe zu bringen, zu versprachlichen. Die Fähigkeitsanforderungen einer durchkapitalisierten Gesellschaft sind so umfassend wirksam, dass ein Denken außerhalb von Differenzen wie ›behindert‹/ nichtbehindert ein utopischer Horizont zu sein scheint. In diesem einführenden Lektüreseminar nähern wir uns einigen Thesen der Cultural Disability Studies und der Crip Theory über unterschiedliche theoretische Zugänge an – von sozialwissenschaftlichen Modellen über kultur- und blicktheoretische Texte. Im Seminar konzentrieren wir uns auf die Lektüre, Analyse und Diskussion von Texten von u. a. Liz Crow, Anne Waldschmidt, Robert McRuer und Rosemarie Garland-Thomson und suchen stellenweise immer wieder den Anschluss an filmische Arbeiten. Das Seminar richtet sich an Studierende, die sich intensiv mit der Perspektive der Behinderung auseinandersetzen möchten und verlangt eine kontinuierliche Mitarbeit. Die Seminarsprache ist Deutsch und Englisch.

Jedes Filmwerk hat sein eigenes Budget. Ein Projekt hat gar kein Geld, ein anderes nur wenig und wieder ein anderes vermeintlich ganz viel. Doch immer ist es zu wenig. Aber was bedeutet das für die Regie? Die Finanzierung hat immer Auswirkungen auf das Projekt und damit vor allem auf die Regiearbeit. Doch wie auch immer das Budget ausfällt, die Zusammenarbeit zwischen Regie und Produktion ist essenziell für eine faire und nachhaltige Produktion. Anhand von Case Studies werden wir Filmwerke mit No- bis High End-Budget aus dem deutschen, europäischen und internationalen Kontext studieren und dabei ausloten, was wir von anderen Herangehens- und Denkweisen lernen können. Dies können sozialistische Bezahlmodelle, besondere Absprachen zwischen Regie und Produktion oder andere Herstellungsweisen sein. Das Seminar will sensibilisieren und gegebenenfalls zu einem Umdenken anregen. FROM NO BUDGET TO HIGH END ist ein Produktionsseminar mit dezidierter Schnittstelle zur Regie. Gleichzeitig können die Teilnehmenden ihre eigenen Diplom- und Debütstoffe vorstellen, diskutieren und über das Semester hinweg entwickeln. — Every film has its budget. Sometimes a project has no money at all, another only a little and yet another supposedly a lot. But it's still always too little. But what does this mean for the director? The financing always has an impact on the project and therefore above all on the director's work. But whatever the budget, the collaboration between director and producer is essential for a fair and sustainable production. Using case studies and field reports, we will study film works with no- to high-end budgets from the German, European and international context and explore what we can learn from other approaches and ways of thinking for local filmmaking. These could be socialist payment models, special agreements between directors and producers or other production methods. The seminar aims to sensitise and, if necessary, encourage a rethink. FROM NO BUDGET TO HIGH END is a production seminar with a dedicated interface to directing. At the same time, participants can present and discuss their own diploma and debut film and develop it over the course of the semester.

In diesem Seminar lernen wir, wie man narratives Material generiert, das wir dann weiterentwickeln, um schließlich ein Drehbuch für einen kurzen oder mittellangen Film zu schreiben. Dazu nutzen wir die verschiedenen Techniken des "Creative Writing", die uns zur Verfügung stehen – immer auf freie und undogmatische Weise, indem wir nur dem Drehbuch gehorchen, das gerade entsteht. Gemeinsam betrachten wir die grundlegenden Elemente des Erzählens: wie man eine Geschichte vorantreibt, wie man Konflikte aufbaut usw.. Wir legen besonderen Wert auf die Motivationen der Figuren, wobei wir zwischen dem Geschriebenen und dem Subtext unterscheiden. Ziel ist es am Ende der Lehrperiode, dass jede/r das gefunden hat, "was er/sie wirklich zeigen und sagen will".

…Im Ernst jetzt? Komik als Superpower Kaum etwas kann so gegensätzliche Funktionen haben wie Komik. Sie kann ein grundlegendes Weltverhältnis oder eine momentane Einstellung sein, Komik kann als Waffe dienen, Erleichterung verschaffen, schwierige Momente überbrücken, verbinden, vereinen, polarisieren und spalten oder auch vermitteln, unpassend sein oder den Nagel auf den Kopf treffen, komplett verschieden wahrgenommen werden – ihre Wirkung kann insofern einschüchtern oder erschrecken, abwerten, befreien, zusammenbringen und trennen. Obwohl Satire, Witz, Parodie, Albernheit und Slapstick irgendwie zusammengehören, sind es ganz unterschiedliche Verfahrensformen, die kontextuell völlig anders eingebettet sein können, sie sind in ihrer Organisationsform mal auf eine Pointe zulaufend, mal strukturell verlaufend. Je nach Kontext abgewertet oder als große Kunst betrachtet, mal hochprofessionell, mal vom Laienhaften, Spontanen lebend wie in der Stand-up Comedy. In diesem Seminar werden wir uns den medial unterschiedlichen Äußerungsformen von Komik zuwenden, die diskursive Auseinandersetzung erörtern, die Komik praktizierende Gäste aus unterschiedlichen Bereichen einladen und uns mit gegenwärtigen künstlerischen Positionen des Komischen auseinandersetzen, wir werden eigene Formen der komischen Äußerung erarbeiten und mal befremdet sein vom Gelächter und uns mal von ihm anstecken lassen. Inspirieren lassen wir uns von so unterschiedlichen Positionen wie u.a. Michael Bachtin, Stefanie Sargnagel, Denice Bourbon, Alenka Zupančič, Ágnes Heller, Eddie Izzard, Glasmeier/Steib, Terry Eagleton, Vanessa Stern, Conny Krumbach, Jilet Ayse (Idil Bayar), Jean Paul, Karl Valentin, vielleicht Helge Schneider und vielen anderen. Anwesenheit in der ersten Sitzung obligatorisch, andernfalls bitten wir darum, mit uns Kontakt aufzunehmen.

“Game as Method” is a seminar that looks at how game structures—rules, interaction, systems, and feedback—are already influencing the way we make and think about art. Instead of treating games only as digital products or entertainment, we want to explore how game-like approaches can help us build narratives, test ideas, and understand our own creative processes. Through conversations with guest artists and researchers, as well as small workshops and discussions, we hope to learn how different fields use game mechanics as tools for experimentation and reflection. At KHM, many of us are already working with game engines, simulations, or hybrid projects that mix film, installation, and game elements. These works often share similar questions about systems, participation, and narrative structure, but they usually appear in different corners of the school and rarely meet in the same space. We feel that bringing theseexperiments together could help us understand what they have in common and what eachapproach can learn from the others. This seminar is an attempt to create that shared space. By placing different practices side by side, we want to see how ideas travel across mediums: how rules shape storytelling, how interaction changes the role of the viewer, and how thinking in terms of systems can open up new artistic possibilities. Rather than aiming for a single theory, we hope to build a flexible set of methods that students can take into their own projects, and to support each other in developing new ways of working with games, both as a medium and as a way of thinking.

In diesem Seminar geht's um Ephemeres/Schnelles/Kurz(lebig)es…

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Willkommen sind Studierende aus allen Semestern

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments.

GESTURES OF (RE)PAIR: TOWARDS A MUSEUM THAT BELONGS In a majority of contexts, the frameworks through which museums have historically operated are deeply entangled with colonial conquest, imperial violence, and the epistemological dominance of the West. Whether ethnographic, natural history, or so-called “universal” art institutions, museums have not only collected but also extracted. They have not only protected but also erased. They have not only displayed but also distorted. Contemporary art museums are also not free from these entanglements. While acknowledging the visible, felt, and audible shifts within museums such as Melly Institute under the direction of Gabi Ngcobo, and the Haus der Kulturen de Welt under the direction of Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, this seminar aims to further unearth the inherent violence within historical museum practices while proposing new models that exist beyond the frameworks of museology in the Western context. Thinking alongside artistic practices such as Irena Haiduk’s “Nula”, Meschack Gaba’s “Museum of Contemporary African Art”, and multiple contemporary examples, students are invited to imagine and construct a museum that listens and belongs. In creating our own (non)museum, we will also reference "non-institutional" practices that allow us to reimagine its potential as a living, breathing, morphing and expansive structure. Through a deep engagement with ritual, oral tradition, storytelling, music, dance, sonic memory, and speculative thinking, we will explore how knowledge systems rooted in indigenous and diasporic cosmologies from the Global Majority can offer alternative conceptions of how a museum can become a fluid space. A place of convergence that understands that sometimes objects sing and weep, that the archive sweats, and that architectures breathe. A site where knowledge is not fixed but felt, and where the death of the institution is not feared but welcomed as a fertile ground for rebirth. A museum that is brave enough to collapse, generous enough to transform, and rooted enough to be shaped by the worlds it seeks to belong to. Guest curators, guest artists, a reading list, and excursion dates will be announced to participating students at the start of the Winter Semester 2025-26. To participate in the seminar, please submit a very brief paragraph of motivation (written, sonic, visual, or in any creative form) by email to donna.kukama@khm.de before 29.09.2025.

This seminar is a continuation of the winter semester 2025-26. It includes excursions during which students will bring their (non)museum/institution to life. In a majority of contexts, the frameworks through which museums have historically operated are deeply entangled with colonial conquest, imperial violence, and the epistemological dominance of the West. Whether ethnographic, natural history, or so-called “universal” art institutions, museums have not only collected but also extracted. They have not only protected but also erased. They have not only displayed but also distorted. Contemporary art museums are also not free from these entanglements. While the previous semester focused on the inherent violence in historical museum practices as a starting point, this semester aims to activate a new model existing beyond the frameworks of Western museology. Thinking alongside interventions such as “Decolonise this Place”, artistic practices such as Meschack Gaba’s “Museum of Contemporary African Art”, as well as multiple contemporary artistic examples and theoretical texts, students are invited to reimagine and activate a new (non)structure; one that is able to listen and belong. A living, breathing, morphing and expansive structure. Through a deep engagement with ritual, oral tradition, storytelling, sonic memory, and speculative thinking, we will explore, during our excursions, how knowledge systems rooted in indigenous and diasporic cosmologies from the Global Majority can offer alternative conceptions of how a future museum can become a non-structured, de-institutionalised, and fluid entity. A place of convergence that understands that sometimes objects sing and weep, that the archive sweats, and that architectures need to breathe. A site where knowledge is not fixed but felt, and where the death of the institution is not feared but welcomed. A n entity that is brave enough to collapse, generous enough to transform, and rooted enough to be shaped by the worlds it seeks to belong to. Previous seminar guests included the artist, activist, and co-founder of Decolonise This Place, Nitasha Dhillon; the independent curator, educator, and art historian Dr Nontobeko Ntombela; and the community organizer, activist, and co-founder of TWM Bibliotheek and PROUD Event, Glenda Obermuller. Selected Readings: Tuck & Yang (2012), “Decolonisation is not a Metaphor” (Link) Azoulay (2019), “Potential History: Unlearning Imperialism” (download link) Sharpe (2016), “In the Wake: On Blackness and Being” (pdf link) Moten & Harney (2013), The Undercommons. (pdf link) Françoise Verges, Paul Gilroy and Melissa Thackway (2024), A Programme of Absolute Disorder: Decolonizing the Museum, Lonetree (2012), Decolonizing Museums. Lorde (1979), The Master's Tools Will Never Dismantle The Master's House Spivak (1988), Can the Subaltern Speak? ( link ) Sylvia Wynter (2003), Unsettling the Coloniality of Being/Power/Truth/Freedom Linda Tuhiwai Smith (1999), Decolonizing Methodologies Gilmore, Ruth Wilson (2007),
 Golden Gulag: Prisons, Surplus, Crisis, and Opposition in Globalizing California. University of California Press Sinthujan Varatharajah) & Moshtari Hilal (2024), Hierarchies of Solidarity Caroline Hamilton et al (2007), The Politics and Aesthetics of Refusal Further References: Do Cultural Institutions Repair or Reproduce Violence? ( link ) Museum of Contemporary African Art: Meshack Gaba The Museum of Black Futures: Nula: Irena Haiduk Strike MoMA (& other interventions): Decolonise this Place Museum of Non-Permanence (donna Kukama) Museum of European Cultures: donna Kukama The Vocal Museum: Masello Motana Mining the Museum: Fred Wilson (pdf link )

Dieses Seminar soll dabei helfen, in Routinen des Schreibens und Überarbeitens zu kommen. Weniger aufschieben, weniger zweifeln, mehr machen. Zweifeln kann man danach im Zweifel ja immer noch. Dafür nimmt sich jede*r von uns jede Woche etwas vor, das wir in den nächsten sieben Tagen umsetzen wollen. Ich schreibe fünf Gedichte. Ich überarbeite den Schluss meiner Hausarbeit. Ich entwickle eine neue Figur für meinen Roman. Ich fange ein Drehbuch an. Ich schreibe einen Antrag für Fördergelder, eine Bewerbung für eine Job, eine E-Mail an die Liebe meines Lebens. Jede*r kann sich eigene Ziele geben. Es soll dabei vor allem darum gehen, sich gegenseitig upzudaten, zu motivieren und Erfahrungen auszutauschen, um so mehr und mehr ins Produzieren zu kommen, ins ständige Machen. Und wenn wir dann feststellen, dass das alles Müll ist, was wir da auf die Schnelle fabriziert haben, dann schreiben wir es nächste Woche neu.

Was ist Gewalt? Was zerstört sie? Warum Gewaltlosigkeit? Was ist Selbstverteidigung? Das Seminar befasst sich mit verschiedenen theoretischen Verständnissen von Gewalt. Und es fragt nach den genealogischen Linien von Gewalt gegen als Frauen* Positionierte und rassistischer Gewalt in ihren Verbindungen zu Kolonialismus und Kapitalismus.

DE: In diesem Seminar werden die Grundlagen und Arbeitsabläufe der computergenerierten Bildsynthese erarbeitet. Dabei werden die Prinzipien der Darstellung im dreidimensionalen Raum sowie die dafür geeigneten Werkzeuge vorgestellt. Das ist besonders in Hinblick auf das breit gefächerte Anwendungsgebiet der medialen Künste von Bedeutung. Während wir die theoretischen Grundlagen des 3D-Workflows erarbeiten, erstellen wir praktisch dreidimensionale geometrische Objekte mittels verschiedener Modellierungstechniken. Diese werden abschließend in eine virtuelle Umgebung integriert. Anschließend erfolgt eine Einführung in die Arbeit mit Material, Licht und Animation. Wir verstehen diesen Ansatz und die Lehre traditioneller und prozeduraler Modellierungs- und Animationstechniken unter Eric Freedmans Ausarbeitung zu prozeduraler Literalität als Voraussetzung für die Arbeit und Auseinandersetzung mit der sogenannten KI in den Bereichen Gaming und 3D. Vorkenntnisse im Umgang mit 3D-Software sind nützlich, aber nicht erforderlich. EN: This seminar explores the fundamentals and workflows of computer-generated image synthesis. The principles of representation in three-dimensional space and the appropriate tools for this purpose will be introduced, with a particular focus on a broad range of applications that are both suitable and necessary for the media arts. While we theoretically explore the fundamentals of the 3D workflow, we will practically create three-dimensional geometric objects using various modeling techniques. These will then be integrated into a virtual environment. This is followed by an introduction to working with materials, lighting, and animation. We view this approach and the teaching of traditional and procedural modeling and animation techniques, in light of Eric Freedman’s work on procedural literacy, as a prerequisite for working with and engaging in so-called AI in Gaming and 3D. Previous knowledge of 3D software is useful, but not required.

DE:  In diesem Seminar lernen wir die Grundlagen und Arbeitsabläufe der computergenerierten Bildsynthese kennen. Im ersten Teil werden die Prinzipien der Darstellung im dreidimensionalen Raum und die dafür geeigneten Werkzeuge, die an der KHM zur Verfügung stehen, vorgestellt. Während wir theoretisch die Grundlagen des 3D-Workflows erarbeiten, erstellen wir praktisch dreidimensionale geometrische Objekte mittels verschiedener Modellierungstechniken. Diese werden abschließend in eine virtuelle Umgebung integriert. Es folgt eine Einführung in die Arbeit mit Material, Licht und Animation.   Die Grundlagen bilden den ersten Teil des Seminars im WiSe 25/26, die angefangenen Arbeiten werden dann im zweiten Teil im SoSe 26 überarbeitet und ausgestellt. Vorkenntnisse im Umgang mit 3D-Software sind nützlich, aber nicht erforderlich.  EN:  In this seminar, we will learn the principles and workflows of computer-generated image synthesis. The first part introduces the principles of representation in three-dimensional space and the tools available at the KHM for this purpose. While we theoretically work out the fundamentals of the 3D workflow, we practically create three-dimensional geometric objects using various modeling techniques. These will then be integrated into a virtual environment. This will be followed by an introduction to working with material, light, and animation.   These principles will form the basis of the first part of the seminar in the winter 2025/26 semester. The work started will then be revised and exhibited in the second part of the seminar in the summer semester 2026. Previous knowledge of 3D software is useful, but not required.

EN In this seminar, we will learn the basics and workflows of computer-generated image synthesis. In the first part, we introduced the principles of representation in three-dimensional space and the appropriate tools available at KHM. The seminar is aimed at students who have taken “GLS 3D-Gestaltung I” in the winter semester and would like to build on that. In our weekly sessions, we combine practical workshops with individual project supervision and provide space for structured learning and creative experimentation. This seminar aims to develop a meaningful artistic practice in computer graphics and explore the boundaries of three-dimensional digital spaces, as well as their relationship to your everyday spatial experience. DE In diesem Seminar lernen wir die Grundlagen und Arbeitsabläufe der computergenerierten Bildsynthese kennen. Im ersten Teil wurden die Prinzipien der Darstellung im dreidimensionalen Raum sowie die dafür geeigneten, an der KHM verfügbaren Werkzeuge vorgestellt. Das Seminar richtet sich an Studierende, die “GLS 3D-Gestaltung I” im Wintersemester belegt haben und darauf aufbauen möchten. In unseren wöchentlichen Sitzungen verbinden wir praktische Workshops mit individueller Projektbetreuung und bieten Raum für strukturiertes Lernen und kreatives Experimentieren. Ziel dieses Seminars ist es, eine sinnvolle künstlerische Praxis in der Computergrafik zu entwickeln und die Grenzen dreidimensionaler digitaler Räume sowie deren Beziehung zu eurer alltäglichen Raumerfahrung zu erkunden. Sprache: Englisch, Deutsch

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2022/23. Ziel ist es, einen eigenen künstlerischen Ansatz zu entwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Voraussetzung ist die erfolgreiche Teilnahme am Grundlagenseminar Fotografie 1. Für diejenigen, die nicht das Grundlagenseminar belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren (foto@khm.de).

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt‘‘ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen. 

Im ersten Semester des über zwei Semester laufenden Seminars wollen wir über die Möglichkeiten, Vor- und Nachteile von Rückprojektionen für Filmaufnahmen recherchieren, analysieren sowie ein oder mehrere Drehbücher entwickeln. Ziel ist die praktische Anwendung von Rückprojektion in einer Dekoration. Bisher ist die Idee, ein Sechser-Abteil eines Bahnwaggons dafür zu nutzen. Wir werden am Ende des SoSe 2027 an drei - vier Drehtagen in der Dekoration drehen. Zuvor müssen natürlich die Hintergründe für die Rückpro und diverse Tests erstellt werden. Die Frage, ob Rückprojektion auch heute noch als Alternative für LED-Wände in Studios als kostengünstige Aufnahmetechnik im Kontext eines Studiums sinnvoll ist, soll jeder Teilnehmende für sich beantworten können.

EN: This seminar aims to deepen technical skills and develop your own artistic approach. Together we will build on the basics from the winter semester and learn advanced methods of 3D modelling, shader development and world-building. Our focus is to support you in developing your personal creative language in digital art. You will have the opportunity to work towards a concrete project - an exhibition, demonstration or interactive experience - that reflects your artistic perspective. The seminar is aimed at students who have taken GLS 3D Gestaltung I - Staging and wish to build on it. Our weekly sessions combine practical workshops with individual project supervision and provide space for both structured learning and creative experimentation. The title ‘Building’ describes our approach to help you develop a meaningful practice in computer graphics and explore the boundaries of three-dimensional digital spaces and their relationship to your everyday spatial experience around you. DE: Dieses Seminar hat zum Ziel, technische Fähigkeiten zu vertiefen und einen eigenen künstlerischen Ansatz zu entwickeln. Wir werden gemeinsam auf den Grundlagen aus dem Wintersemester aufbauen und fortgeschrittene Methoden des 3D-Modelling, Shader-Entwicklung und World-Building kennenlernen. Unser Fokus liegt darauf, euch bei der Entwicklung eurer persönlichen kreativen Sprache in der digitalen Kunst zu unterstützen. Ihr werdet die Möglichkeit haben, auf ein konkretes Projekt hinzuarbeiten – eine Ausstellung, Vorführung oder interaktive Experience – das eure künstlerische Perspektive widerspiegelt. Das Seminar richtet sich an Studierende, die GLS 3D-Gestaltung I - Staging belegt haben und darauf aufbauen möchten. Unsere wöchentlichen Sitzungen verbinden praktische Workshops mit individueller Projektbetreuung und bieten Raum für sowohl strukturiertes Lernen als auch kreatives Experimentieren. Der Titel "Building" beschreibt unseren Ansatz, euch dabei zu unterstützen, eine sinnvolle Praxis in der Computergrafik zu entwickeln und die Grenzen dreidimensionaler digitaler Räume und ihre Beziehung zu eurer alltäglichen räumlichen Erfahrung um euch herum zu erkunden.

Wie aufhören, wenn es nicht weitergeht? Einfach wieder zur Anfangsszene zurückkehren, Wiederholung, ein offenes Ende mit lauter Fragezeichen, ein dramatischer Schluss, alle sind tot, final girl, doppelter Schluss, vermeintliche Ankunft, Auflösung, „alle gehen auseinander und sehen sich nie wieder“, „kommt eh der Komet“ – es gibt unzählige Optionen, ein Theaterstück oder einen Film zu beenden. Wo ein Schluss für ein Theaterstück oder einen Filmscript zu finden ist, und wie er am besten gefunden wird, wollen wir gemeinsam eruieren.  Die Praxis zeigt, dass gerade ein Ende zu finden oft das schwierigste Unterfangen im gesamten Arbeitsverlauf ist, und es zeigt sich sowohl in der Gegenwartsdramatik wie auch in so manchem Film auf Festivals ein regelrechter Unwillen, es zu definieren. Warum das so ist und wie wir dennoch zu einem guten Ende kommen und was das auch für Rückwirkungen auf den ganzen Stücktext oder das Filmdrehbuch macht, das wollen wir in diesem Grundlagenseminar erkunden. Und vielleicht entdecken wir gemeinsam neue Wege?  Neben der Lektüre von dramatischen Texten, werden wir eigene Texte verfassen. How do you stop when it doesn't go on? Simply returning to the opening scene, repetition, an open ending with lots of question marks, a dramatic ending, everyone is dead, final girl, double ending, supposed arrival, resolution, “everyone breaks up and never sees each other again”, “the comet is coming anyway” - there are countless options for ending a play or a film. We want to find out together where to find an ending for a play or a film script and how best to find it.  Experience shows that finding an ending is often the most difficult undertaking in the entire process, and both in contemporary drama and in many a film at festivals there is a downright unwillingness to define it. In this basic seminar, we want to explore why this is the case and how we can still come to a good ending and what repercussions this has on the entire play text or film script. And perhaps we will discover new ways together? In addition to reading dramatic texts, we will write our own texts.  Sprache: Englisch und Deutsch

In diesem Seminar sollen vor allem Student*innen mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Student*innen schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein. Invited artist for Grundlagenseminar Animation: Coke Rioboo Stop Motion and the use of motion-slider  (October 25 to 28) With the new devices, camera movements in stop motion animation films are now within everyone's reach. How to use a motion control in a simple way. Plan and perform different camera movements.

In diesem Seminar sollen vor allem Student*innen mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken, einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studenten schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein. Guest: Laura Ibañez und Camila Reyes, Theatre Mécanique ein workshop ( Laura Ibanez and Cami) ( Arduino/ laser /collage) Theatre Mécanique a workshop were students will be designing an interactive storytelling device inspired on an optical precinema object. We´ll be using both analog and arduino-controlled multimedia systems.

In diesem Seminar sollen vor allem Studenten mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken, einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann.  Kurze Aufgaben werden die Studenten schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein.

In diesem Seminar sollen vor allem Studenten mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken, einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studenten schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein.

In diesem Seminar sollen vor allem Studierende mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken, einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studierenden schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein. * Invited artist for Grundlagenseminar Animation: Coke Rioboo who will be conducting a workshop on the use of camera slider for stopmotion animation

Im Seminar werden wir die Grundlagen und Arbeitsabläufe der computergenerierten Bildsynthese unter dem Aspekt des Staging kennenlernen. Im ersten Teil werden die Prinzipien der Darstellung im dreidimensionalen Raum und die dafür geeigneten Werkzeuge vorgestellt und erarbeitet. Zunächst werden einzelne 3D-Modelle, Scans, oder Skulpturen erstellt. Ziel ist es, diese anschließend in eine virtuelle Umgebung zu integrieren. Neben klassischen DCC-Programmen wird besonderes Augenmerk auf Echtzeit-Staging im Game Engine-Kontext gelegt. Die Grundlagen dieser Arbeitsweise bilden den ersten Teil des Seminars im WiSe 24/25, die abschließenden Arbeiten werden dann im zweiten Teil im SoSe 25 fertiggestellt und ausgestellt. Es sind keine Vorkenntnisse im Umgang mit 3D-Software erforderlich. Dieses Seminar richtet sich an Studierende aller Erfahrungsstufen, die sich mit 3D-generierter Kunst beschäftigen. Vorgeschlagene Literatur und Games: "Tomorrow and Tomorrow and Tomorrow" Zevin (2022) " Computer Graphics - From Pixels to Programmable Graphics Hardware", Boreskov, Alexey (2013), "How Computer Graphics Work" Suen (1994), “Design and Implementation of 3D Graphics Systems” (2012), Gomes, Veloh, Sousa. "The Stanley Parable" (2013), "Half-Life: Alyx" (2020), "Rain World" (2017), "LIMBO" (2010), "Sable" (2021), "Pools" (2024)

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen:  Im ersten Teil wird an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Arbeit/Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen und Input-Veranstaltungen zu verschiedenen fotografischen Positionen und Arbeitsweisen zur Einführung in die künstlerisch fotografische Arbeitsweise.  Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich, Blitztechniken und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung.  Die analoge Fotografie ist ebenfalls ein Schwerpunkt: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt.  Ziel des Grundlagenseminars ist es, die technischen Fähigkeiten in der Fotografie zu erlernen. Zum einen, um in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Fotografie mehr Möglichkeiten zu haben, zum anderen, um auch im angewandten Bereich besser aufgestellt zu sein. Im Rahmen des Seminars wird es eine Kollaboration mit der Schauspielschule Köln geben, um die erlernten Fototechniken praktisch in Bewegungs- und Portraitstudien on Location oder im Studio anzuwenden.  Im Sommersemester 2026 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet im Wintersemester 2026/2027 erneut statt.  Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, finden wir eine Lösung. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2023 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie 1 findet im Wintersemester 2023/2024 erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir im Wintersemester 2022/2023 eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de Die Buchung einer Sprechstunde bei Beate Gütschow oder Alex Grein ist nach E-Mail-Absprache möglich.

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2024 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet im Wintersemester 2024/2025 erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir im Wintersemester 2023/2024 eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: <foto@khm.de>

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2023/24. Ziel ist es, einen eigenen künstlerischen Ansatz zu entwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Voraussetzung ist die erfolgreiche Teilnahme am Grundlagenseminar Fotografie 1. Für diejenigen, die nicht das Grundlagenseminar belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren (foto@khm.de).

Inhalt des Grundlagenseminars ist die Auseinandersetzung mit Materialien und Materialprozessen, in Wechselwirkung zu Technologien und ihren Ästhetiken, im persönlichen wie gesellschaftlichen Kontext. Basis jeder künstlerischen Arbeit ist Material, ob haptisch und physikalisch als Werkstoff, Träger und Medium oder/und strukturell und immateriell als Codierung. Die Betrachtung und Bearbeitung der Interdependenzen von Material in grundlegenden Prinzipien und in ihren Übersetzungen und Überschneidungen zwischen dem Digitalen und dem Physikalischen, finden im Seminar durch Experimente und Materialstudien statt. Materialprozesse und algorithmische Abläufe sind Teil praktischer Übungen sowie theoretischer Einführungen. Den Schwerpunkt bilden das Beobachten und Kennenlernen von Material als eigenständigem Element, sowie die Bearbeitung von Materialien und deren Prozesse. Unter Einbeziehen grundlegender Techniken und der Nutzung der vorhandenen Geräte können eigene Experimente und Modelle erarbeitet werden. Analoge Materialien und Werkzeuge zur Bearbeitung von Material auf digitaler und maschineller Ebene (bspw. CNC-Fertigung wie Lasercutter oder Drucktechniken wie Riso) stehen zur Verfügung. Die im Seminar verhandelten Prinzipien können Basis für Arbeiten und Konzepte auf skulpturaler und/oder digitaler Ebene werden. ----- The basic seminar material & process aims to examine materials and material processes, in interaction with technologies and their aesthetics, in a personal and social context. The basis of every artistic work is material, whether haptic and physical as material, carrier and medium or/and structural and immaterial as coding. The consideration and examination of the interdependencies of material in their fundamental principles, in their translations and overlaps between the digital and the physical, will be carried out in the seminar through experiments and material studies. Material processes and algorithmic sequences are part of practical exercises and theoretical introductions. The focus is on observing and getting to know material as an independent element, as well as on working with materials and their processes. Students can develop their own experiments and models using basic techniques and existing equipment. Analog materials and tools for processing material on a digital and mechanical level (e.g. CNC production such as laser cutters, milling machines or printing techniques such as Riso) are available. The principles discussed in the seminar can become the basis for works and concepts on a sculptural and/or digital level.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall, aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen. Dieses Seminar richtet sich an alle „Fortschrittsstufen“! Erste Schreibversuche werden genauso in den Blick genommen und unterstützt wie z.B. künstlerische Krisen oder das Bedürfnis, etwas Neues auszuprobieren.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance.  Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden.  Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt. Sound, music, and noise are essential components of the artistic exploration of audiovisual media. Crafting sound (layers) is a central element, whether as an independent composition in the fields of music or sound art, or in conjunction with other media such as film, video, installations, radio, and performance. The introductory seminar on sound covers the technical, artistic, and scientific fundamentals of working with sound in both theory and practice. This includes topics such as sound propagation, auditory perception, auditory physiology, sound conversion, sound synthesis, digital audio technology, and film sound. In addition to these fundamentals, the course aims to cultivate a heightened aesthetic perception of sound events and their conscious use in the creative process of audiovisual media as well as (sound) art projects. Credits may be earned upon agreement by submitting an audio study. Participation in the introductory seminar on sound is a prerequisite for independent work in the Klangalbor and for borrowing audio equipment from there. The introductory course on sound is held regularly. Classes are taught in English and German.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt‘‘ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen.

Auch im Filzengraben 2 a / Atelier 4a/b Das Seminar baut auf den Erfahrungen und Experimenten aus dem Wintersemester auf. In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt‘‘ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen.

Im Grunde ist es natürlich Unsinn, diese Veranstaltung Guten Morgen zu nennen (zumal das erste Treffen am Nachmittag stattfinden soll). Aber sei's drum - die Alternative wäre gewesen "If you don't want two write, stay out of the kitchen", was auch nur rudimentär treffender und zudem ein eher mieser Kalauer gewesen wäre. Ok. Also Stoffentwicklung für fiktionale Filme. Egal ob lang, kurz, seriell. Es geht um eure Projekte. Die wollen wir einen Schritt weiter bringen. Wo immer ihr auch gerade steht. Das heißt Arbeit: Zwischen den Terminen wird geschrieben. Und gelesen, was alle anderen geschrieben haben. Damit das funktioniert, müssen wir alle durchgehend dabei sein ... Das Seminar lauft über 6 DOPPELTERMINE: jeweils montags (nachmittags) UND dienstags (vormittags). Diese Zeit werden wir brauchen, weil wir uns jedes Mal mit allen Stoffen beschäftigen wollen. Wer teilnehmen will, schickt mir bitte eine kurze Skizze (max. 1 Seite) des Projektes, an dem er*sie im Seminar arbeiten will. Diese Texte hätte ich gern bis spätestens zum 20.03.2025 (und BITTE als TEXTDOKUMENT: Word, LibreOffice, Pages, RTF o.ä. - KEINE PDFs).

Im exMedia Lab steht Studierenden eine professionelle Laborumgebung zur Verfügung, die speziell für biologische Beobachtungen, Experimente und künstlerische Arbeiten mit lebendem Material geeignet ist. In Workshops und Einzelstunden zum Thema kann hier praktische Erfahrung mit den vielfältigen Möglichkeiten dieses faszinierenden Forschungsfeldes verbunden werden. Weitere Details zu Anfang des Semesters und auf Anfrage an Klaus Herbst, Email: fritze@khm.de Inhalte und Ablauf: Im Labor sowie bei Beobachtungstouren im Nahbereich der Hochschule werden verschiedene Arten und ihre Lebensräume vorgestellt. Dabei geht es um Bakterien, Pilze, Algen, Flechten und Pflanzen – ihre Lebensweisen und ihre Beziehungen zur Umwelt. Praktische Methoden: Die Teilnehmer*innen lernen Isolations- und Kulturtechniken kennen, die sie für eigene künstlerische Experimente nutzen können. Dabei werden der Umgang mit Mikroskopen, Zentrifugen, Sterilwerkbänken, Autoklaven und anderen Geräten demonstriert und geübt. Wissenschaftliche Arbeitsweisen: Es werden Methoden der Dokumentation, Protokollierung und wissenschaftlichen Arbeitsweise vermittelt. Ebenso wird auf ethische Aspekte im Umgang mit Lebewesen eingegangen. Sicherheits- und Verantwortungsbewusstsein: Die Teilnehmer*innen werden befähigt, die Arbeitsmittel verantwortungsvoll zu nutzen und eigenständig Experimente zu planen, stets unter Beachtung von Sicherheits- und Hygieneregeln. Nach erfolgreichem Abschluss erhalten sie einen Laborschein. Sprache: Deutsch und Englisch

Das PHYTOTRON ist eine neue Forschungseinheit zur Beobachtung und Untersuchung der Wechselwirkungen zwischen lebenden Organismen und ihren Umwelten. Es wurde 2021 in Betrieb genommen und ist Teil des exMedia Labs. Das PHYTOTRON stellt Studierenden eine gut ausgestattete Laborumgebung für künstlerische Experimente mit Biomedien und Lebewesen zu Verfügung. Möglich sind mikro- und makrobiologische Untersuchungen, sowie die Kultivierung von Pflanzen, Bakterien und Pilzen in selbst erstellten Habitaten (z.B. Nährmedien). Im Rahmen des Kompaktseminars werden die Teilnehmer*innen zum verantwortlichen Gebrauch der Arbeitsmittel und zur eigenständigen Experimentalplanung unter Beachtung der Sicherheits- und Hygieneregeln befähigt. Mikroskope, Zentrifugen, Sterilwerkbank, Klimakammer, DNA-Analyse-Equipment etc. werden in praktischen Laborexperimenten erprobt. Aspekte wissenschaftlicher Protokollierung und Dokumentation sowie eine Auseinandersetzung mit ethischen Aspekten der Arbeit mit lebenden (Mikro-)Organismen sind ebenfalls Teil des Seminars.

Das Phytotron im exMedia Lab steht Studierenden als qualifizierte und sichere Laborarbeitsumgebung für künstlerische Experimente und Beobachtungen von Biomedien und Lebewesen zur Verfügung . An 5 Praxistagen werden diverse Lebewesen und Ihre Umgebungen vorgestellt: Bakterien, Pilze, Algen, Flechten und Pflanzen, ihre Habitate, Beziehungen und Kulturmethoden. Mikroskope, Zentrifugen, Sterilwerkbank, Klimakammer, DNA-Analyse-Equipment etc. werden in praktischen Laborexperimenten erprobt und diskutiert. Dazu gehören auch Protokollierung, wissenschaftliche Dokumentation und die Beachtung ethische Aspekten im Umgang mit (Mikro-)Organismen. Künstlerische Experimente werden beispielhaft angeregt und durch einen Ausblick auf Ausstellungspraktiken mit Biomaterialien ergänzt. Die Teilnehmer*innen werden zum verantwortlichen Gebrauch der Arbeitsmittel und zu eigenständiger Experimentalplanung unter Beachtung der Sicherheits- und Hygieneregeln befähigt und erhalten nach erfolgreichem Abschluss einen Laborschein. Die Anzahl möglicher Teilnehmer*innen ist begrenzt. Vorschläge für Biomaterialien, Spezies und Experimente werden gerne berücksichtigt und können bereits in den Anmeldungen mit kurzer Begründung angegeben werden. Filmanregung: Symbiotic Earth: Explores the life and ideas of scientific rebel Lynn Margulis https://vimeo.com/ondemand/symbioticearthhv

Im exMedia Lab steht Studierenden eine professionelle Laborumgebung zur Verfügung, die speziell für biologische Beobachtungen, Experimente und künstlerische Arbeiten mit lebendem Material geeignet ist. Das Fachseminar verbindet praktische Erfahrung mit den vielfältigen Möglichkeiten dieses faszinierenden Forschungsfeldes.  Inhalte und Ablauf:  Praxisorientierte Praxistage: Im Labor sowie bei Beobachtungstouren im Nahbereich der Hochschule werden verschiedene Arten und ihre Lebensräume vorgestellt. Dabei geht es um Bakterien, Pilze, Algen, Flechten und Pflanzen – ihre Lebensweisen und ihre Beziehungen zur Umwelt. Praktische Methoden: Die Teilnehmer*innen lernen Isolations- und Kulturtechniken kennen, die sie für eigene künstlerische Experimente nutzen können. Dabei werden der Umgang mit Mikroskopen, Zentrifugen, Sterilwerkbänken, Autoklaven und anderen Geräten demonstriert und geübt. Wissenschaftliche Arbeitsweisen: Es werden Methoden der Dokumentation, Protokollierung und wissenschaftlichen Arbeitsweise vermittelt. Ebenso wird auf ethische Aspekte im Umgang mit Lebewesen eingegangen. Sicherheits- und Verantwortungsbewusstsein: Die Teilnehmer*innen werden befähigt, die Arbeitsmittel verantwortungsvoll zu nutzen und eigenständig Experimente zu planen, stets unter Beachtung von Sicherheits- und Hygieneregeln. Nach erfolgreichem Abschluss erhalten sie einen Laborschein.

„Europa ist eine Ruine, in den Ruinen werden die Toten nicht gezählt. Die Wahrheit ist konkret, ich atme Steine. Leute, die ihre Arbeit machen, damit sie ihr Brot kaufen können, haben für solche Betrachtungen keine Zeit. Aber was geht mich der Hunger an. Uneinholbarkeit des Vorgangs durch die Beschreibung.“ (Heiner Müller: Das Gefühl des Scheiterns, 1955/1961) Wessen Gedanken mache ich mir? Worüber spreche ich? Wessen Probleme verhandle ich und in wessen Namen spreche ich? Gibt es ein Scheitern der Literatur als Versuch einer Gegenwartsbeschreibung wie sie Heiner Müller beschrieb. Wie begegne ich dem Gefühl, dass mich die Gegenwart stets überholt hat? Oder dem Ausgesetztsein ihrer Komplexität? Wir werden uns anhand von ausgewählten realismuskritischen Positionen (u.a. Hubert Fichte, Elfriede Jelinek, Annie Ernaux, Heike Geißler oder Denis Johnson, Swetlana Alexijewitsch, Michel Leiris oder Friederike Mayröcker) unterschiedliche Modelle der Mitschrift, Zeitgenossenschaft und dem Arbeiten mit dokumentarischem Material kennenlernen, uns über Anlässe und Dramaturgien Gedanken machen und von technischen und recherchebezogenen Fragen bis zu der spezifischen Form kommen. „Die Innenwelt der Außenwelt der Innenwelt“ (Peter Handke) wird uns genauso begegnen wie andere Verwicklungen zwischen dem „ich“, dem „wir“ und der Welt. In diesem Theorieseminars soll es durchaus auch um eigene Arbeiten gehen, auch anhand von Übungen und Fragen, die sich aus dem eigenen Schreibprozess ergeben. Es ist auch für die Studierenden gedacht, die z.B. das Fachseminar „Vor dem Gericht“ belegen und offen für Studierende aus dem Hauptstudium und findet hybrid statt.

Die Grenzen unserer Emotionen sind die Grenzen unserer Welt. Fehlt uns der emotionale Zugang zum Weltgeschehen, lassen uns die Schicksale kalt, von denen wir in den Tagesnachrichten hören. Wir nehmen sie zur Kenntnis, mehr auch nicht. Emotionale Weltkarten sind nicht gefüllt mit Zahlen und offiziellen Darstellungen des Geschehens. Ihre Koordinaten machen Geschichten von Individuen aus: die Veranschaulichung des gelebten Lebens Einzelner, die uns mitleiden, mithoffen, mitverstehen lässt – eben das Feld künstlerischen Ausdrucks. Dieses Seminar erkundet die vielfältige ukrainische Kunst durch Begegnungen mit einzelnen Werken ukrainischer Kunstschaffender. Die Studierenden suchen sich ein Kunstwerk aus, mit dem sie sich beschäftigen wollen, und stellen es im Seminar in zwei Schritten vor: zunächst in Form einer ästhetischen, historischen und politischen Einordnung. Dann in einer künstlerischen Auseinandersetzung in Form eines eigenen literarischen Textes – sei es zu Fotografien von Yevgenia Belorusets, sei es zu Gedichten von Serhij Zhadan oder Lyuba Yakimchuk. Die Romane von Katja Petrowskaja und Jurij Andruchowitsch können als Echoraum dienen. Das musikalische Werk von Marjana Sadowska kann zu eigenen Gedichten inspirieren. Die Architektur des Slowo-Gebäudes, des „Haus des Wortes“ in Charkiw, kann ein Denkanstoß sein: jenes Gebäude, das in Form eines C erbaut wurde (C ist der erste Buchstabe von „Слово“, gesprochen: Slowo, ukrainisch für „Wort“) und das von ukrainischen Avantgardist*innen bewohnt wurde, bis fast alle den Repressalien des Stalinregimes zum Opfer fielen. Die Spanne an Möglichkeiten reicht von Malerei (wie Kasimir Malewitschs „Schwarzem Quadrat“) bis zum zeitgenössischen ukrainischen Film (wie „Die Erde ist blau wie eine Orange“ von Iryna Tsilyk). Gemeinsam erkunden wir ein Land, dessen Kultur so reichhaltig ist und die wir bis jetzt so wenig gesehen haben. Im Austausch mit den Studierenden werden die Themen und Werke vor Seminarbeginn abgestimmt und vergeben.

With two specific tools: An EEG headset and an AR glasses. In this design process seminar, we will frame the relation between Haptic signal (Input) and artifact (Output). With two tools, an EEG headset and an AR Hollolens glasses. On from human brain activity, the other from overlapping 3D modeling (digital) with handmade fabrication (analogue) through special interface of Spatial-Gyroscopic-Augmented Reality and Rhinoceros Software + Grasshopper computation logic. We will receive a 6 axis robot, KUKA KR and will start on the side to open the Feed Back Lab on Robotic, with multiple Arduino Sensors and signals Mesmerization. Analogue and Digital as dancing in the medley of Human Vulnerabilities, Mind's trap, Sciences of imaginaries and subjectivities and incestuously wrapped, tangled, intertwined with digital interfaces, collecting and recoding in a symmetry and reciprocities: the cinema of our own perception, of our own environment, in a centripetal forces but also simultaneously the projection of our thought, feeling, mood, lines of escape in a centrifugal forces. The both vortex are at the origin of our fragility, of our paranoid suppression, and feed our dream and nightmare to embrace this schizoid biotopes.

Die Besetzung einer Rolle gehört zu den wichtigsten künstlerischen Entscheidungen eines Filmprojekts. Doch wie findet man die richtigen Schauspieler*innen für die Figuren eines Drehbuchs? Wie gestaltet man einen professionellen Castingprozess – von der ersten Recherche bis zur finalen Besetzungsentscheidung? Das Seminar richtet sich an Studierende, die sich in der Vorbereitung eines Filmprojekts befinden und konkrete Besetzungsfragen für ihre eigenen Arbeiten entwickeln möchten. Im Mittelpunkt stehen die Analyse von Figuren, die Recherche geeigneter Schauspieler*innen, die Kommunikation mit Agenturen sowie die Vorbereitung und Durchführung von Live-Castings. Gemeinsam beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Castingformaten und der Frage, wie Regie und Casting zusammenwirken. Wie verändert sich eine Figur durch unterschiedliche Besetzungen? Worauf kommt es bei einer Konstellation von Schauspieler*innen an? Und nach welchen Kriterien trifft man eine Besetzungsentscheidung? Die Teilnehmer*innen recherchieren und kontaktieren Schauspieler*innen für ihre Projekte selbst und lernen die organisatorischen und produktionellen Rahmenbedingungen von Castinganfragen im Kontext von KHM-Produktionen kennen. Für die ausgewählten Projekte werden Casting-Szenen entwickelt und Schauspieler*innen zu Live-Castings eingeladen. In zwei Blockterminen finden die Live-Castings statt. Die entstandenen Aufnahmen werden anschließend gemeinsam gesichtet und analysiert. Ziel ist es, die eigenen Besetzungsentscheidungen zu reflektieren und die Besetzung für das jeweilige Projekt und den bevorstehenden Dreh zu entwickeln. --- how to cast - working with actors Casting a role is one of the most important artistic decisions in a film project. But how do you find the right actors and actresses for the characters in a script? How do you organise a professional casting process – from the initial research to the final casting decision? The seminar is aimed at students who are in the process of preparing a film project and wish to develop specific casting strategies for their own work. The focus is on character analysis, researching suitable actors and actresses, communicating with agencies, and preparing for and conducting live auditions. Together, we will explore different casting formats and the question of how directing and casting interact. How does a character change with different casting choices? What matters when it comes to the ensemble of actors and actresses? And what criteria are used when making casting decisions? Participants research and contact actors for their projects themselves and familiarise themselves with the organisational and production-related aspects of casting calls within the context of KHM productions. For the selected projects, casting scenes are developed and actors are invited to live castings. The live castings take place over two blocks of sessions. The resulting footage is then viewed and analysed together. The aim is to reflect on one’s own casting decisions and to finalise the cast for the respective project and the upcoming shoot.

Vor fünf Jahren veröffentlichte das Google Research Team zusammen mit einigen Google Brain Autoren unter der Überschrift "Attention Is All You Need" den Ansatz der Transformer Architekturen. Und Aufmerksamkeit haben seitdem auch diese Large Language Models (LLM) auf sich gezogen. Seit circa 2 Jahren stehen sie im Zentrum der gesellschaftlichen Debatten über diskriminierende Tendenzen in KI- Sprachmodellen. Auch wenn diesen Machine-Learning-Verfahren Rassismen nicht explizit oder vorsätzlich eingeschrieben werden, generieren sie im Gebrauch schwer vorhersehbare Äußerungen, die von subtiler Alltagsdiskriminierung über Hetze im Netz reichen und tragen damit auch zu rassistischen Gewalttaten auf der Straße bei. Die Einführung in die Programmierung künstlich intelligenter Rassisten basiert auf der Programmiersprache Python. "How to program a racist AI" ist eine Fortsetzung des Seminars "Human Machine Readable – Einführung in die Programmierung" aus dem Wintersemester. Die Teilnahme im Wintersemester ist jedoch keine Voraussetzung. Das Seminar ist offen für alle, die schon Programmiererfahrung (egal in welcher Sprache) mitbringen. Wir werden drei Bereiche der Programmierung näher betrachten: 1. die Transformer-Modellarchitektur, 2. die Trainingsdaten und 3. das Pre-processing der jeweiligen Datensätze. Ziel des Seminars ist, dass am Ende jede*r Studierende die Grundlagen diverser Biases in KI-Sprachmodellen versteht und dazu in der Lage ist, einen eigenen Kommunikationsguerilla-Hate-Speech-Bot zu coden.

What is study? How do we study? This question might seem simple but we will explore the complexities and antagonism of a practice of study. To aid us in our study we will turn to examples of others studying together in different ways and in different contexts around the world. We will consider all the ways study can manifest itself in seemingly disparate practices, and we will consider the insurgent possibilities of the collective act of study. Texts will include 'Debt and Study' by Harney and Moten and The Classroom is Burning by the KUNCI collective. Please note this seminar will meet every two weeks during the semester and culminate in an intensive in the study week in July.

Seit Jahren schon steht die KHM in einer Kooperation mit Deutschlandradio für dessen jährlichen Kölner Kongress am Raderthalgürtel im März. Diesmal wollen wir die Kooperation etwas erweitern, so dass im Deutschlandradio Hörspiele entstehen könnten, die sowohl audiophone Kunst als auch literarische Miniatur darstellen und sogar mit filmischer Vorstellungskraft zu tun haben. Ob schnelle Geste oder längere Form, serielles Notat oder Mikroerzählung - gefragt sind maximal 10 Teilnehmer*innen, die bereit sind, sich auf diese Reise zu begeben, und in einer relativ schnellen Geste auf das Feld der audiophonen Literatur zu begeben.  Das Seminar steht im Zusammenhang mit dem Grundlagenseminar „The end of the story“, dem fachseminar „Spielzeit 25/26“ sowie dem Kompaktseminar zum „Sprechen und Lesen auf der Bühne“, in dem Literatur und dramatische Praxis verbunden werden. Besonders letzteres kann hier als Umsetzungshilfe und Vorbereitung verstanden werden.  Sprache: Seminarsprache Deutsch, englische Texte sind möglich.

Dieses Lektüreseminar widmet sich dem Autor Hubert Fichte, der durch ein vielfältiges und wundersames Werk beeindruckt und als Schriftsteller in der deutschsprachigen Literatur des späten 20. Jahrhunderts eine Ausnahmefigur darstellt: Queer, an Synkretismus wie Postkolonialismus interessiert, mit journalistischen wie poetischen Praktiken aus der Barockzeit wie aus dem Pop stets auf Reisen, hat er in 20 Ländern gelebt und seine Gesprächsgegenüber in verschiedensten sozialen Milieus gesucht. Der ehemalige Kinderschauspieler und Bauer gilt als der Ethnograph der Nachkriegszeit und fordert uns heraus mit seiner steten Fragestellung, was es bedeutet als Poet und als Journalist an Formen des Dazwischen interessiert zu sein. Er hat mit Interviews und Gesprächen gearbeitet, als andere noch aus ihrem Inneren schöpften, hat Popliteratur gemacht und gleichzeitig Postkolonialismus und Queerness ästhetisch ernst genommen und den Realismus neu definiert. Wir werden uns vom Szeneroman „Die Palette“ über autobiographische Arbeiten wie „Versuch über die Pubertät“, bis zur Erkundung des Synkretismus in der „Geschichte der Empfindlichkeit“ und seinem Interviewroman „Wolli Indienfahrer“ den Texten widmen und Gäste einladen, die sich mit ihm beschäftigt haben, um über seine vielfältige Wirkung zu sprechen. Lektürevorschlag: „Die Palette“, „Versuch über die Pubertät“, „Detlevs Imitationen Grünspan“, „Explosion“, „Forschungsbericht“, „Alte Welt“, „Platz der Gehenkten“, „Wolli Indienfahrer /Interviews aus dem Palais d’amour“, „Psyche“/“Gott ist ein Mathematiker“, „Die schwarze Stadt“, „Das Waisenhaus“.

Die Generierung von Text mittels Deep Neural Nets (NLG) hat sich rasant verbreitet. Unter anderem in Newsportalen, E-Commerce und Social Media kommen textbasierte Dialogsysteme wie Chatbots, Assistenzsysteme (Alexa/Siri) oder Roboterjournalismus vermehrt zum Einsatz. Überall dort, wo aus strukturierten Daten kontextbasierte, natürliche Sprache bzw. leserfreundliche Texte erzeugt werden sollen. Auch in den Künsten und in der Literatur haben Deep Writing Techniken mit Hilfe von Modellen wie ELMo (Embeddings from Language Models), BERT (Bidirectional Encoder Representations from Transformers) oder GPT-2/3 (Generative Pre-Training Transformer) Eingang gefunden. Ziel des Seminars ist, dass am Ende jede*r Studierende (einen) Text auf Grundlage eines der oben genannten neuronalen Sprachmodelle produziert hat. Gleichviel, ob Gedicht, Prosa, Novelle, Essay, Manifest, Einkaufszettel oder social bot. Der Kurs versteht sich als allgemeine Einführung in die Programmierung. Es werden also nicht nur Fertigkeiten vermittelt, um Texte zu generieren, sondern die Grundlagen von Python, einer universellen Programmiersprache, mit der bspw. auch Bilder, PDFs oder Webapplikationen programmiert werden können. Ausserdem ist Python die am weitesten verbreitete Sprache in der Programmierung Künstlicher Intelligenzen, insbesondere Deep Neural Nets.

1958 filmt Stan Brakhage in „Window Water Baby Moving“ die Geburt seines ersten Kindes. 2002 filmt Bin Chuen Choi in „Old Choi's Film“ das Sterben seines Vaters. Die autobiografischen Filme unseres Seminars suchen existentielle Situationen im unmittelbaren Lebensumfeld der Autor*innen auf; das „beschränkt den Radius, vertieft aber die Wahrnehmung“ (Karsten Witte). Karin Jurschick filmt ihren greisen Vater, der im Kampf gegen eine starke Brandung stürzt, eilt ihm aber nicht zu Hilfe. Über sieben Jahre entschuldigt sich Anne Charlotte Robertson vor ihrer Super-8-Kamera, „um Schuldgefühle abzubauen und Angstneurosen zu therapieren.“ Maria Mohrs skizziert in „Cousin Cousine“ eine aufgrund der engen Familienbande verbotene Jugendliebe. In größter Distanzlosigkeit und konsequentem Desinteresse an einer vorteilhaften Darstellung porträtiert Richard Billingham seine Familienmitglieder in „Fishtank“. Nelson Sullivans Fischaugen-Objektiv ist stets auf ihn selbst gerichtet und drängt die Welt an die Bildränder, macht sie zum „etcetera“. In einem seiner Tagebuch-Videos sehen wir George Kuchar beim Waschen seiner schmutzigen Unterwäsche, das der Filmemacher in den Worten kommentiert: „Lieber Gott, es tut mir leid, dass ich mit meiner Mutter streite, aber meine Unterwäsche ist meine Angelegenheit – und die meines Publikums.” Filme wie diese bringen etablierte Diskurse der Selbsterforschung zum Einsturz; Grenzen des Privaten sprengend, fordern sie uns heraus. Ging es in „Film ist“ um die grundlegenden Elemente des Mediums, stellt sich nun die Frage, was „Film darf“. Filme von Frank Beauvais, Eli Cortiñas, Rebana John, Sophie Calle & Greg Shephard, Maki Satake, Angelika Levi, Joaquim Pinto, Sylvia Schedelbauer u.a.

Stoffentwicklung ist ja ganz am Anfang ein bisschen wie: Ich bin total verknallt, aber ich weiß noch nicht genau in wen oder was, und eigentlich weiß ich auch nicht, ob wir wirklich zusammenpassen. In der Regel steht der Beziehungsstatus von Anfang an auf "es ist kompliziert". Aber eine gute Idee ist es wert, dass man sie nicht aufgibt - selbst wenn man sie noch gar nicht so richtig fassen kann. Das bedeutet Arbeit. Heißt hier konkret: Zwischen den (Doppel-)Terminen (wir haben jeweils den Montag UND den Dienstag, um mit allem einmal durchzukommen) werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde, damit wir beim nächsten Termin schon wieder ein wenig klarer sehen. Das Ziel ist, mit einer Idee für ein fiktionales Filmprojekt (egal ob lang, kurz, seriell oder divers) so weit zu kommen, dass ihr sie gut genug kennt, um den nächsten Schritt der Stoffentwicklung zu machen. Sprich: dass bis Weihnachten eine Seite da ist, mit der ihr im neuen Jahr eine ernsthafte Beziehung eingehen ... könntet.

‘Uh-huh, uh-huh. Like kick ass. Anyway, I don't wanna sound. Like a dick or nothing, but I looked at your dates and it seems like your fucked up, you talk like a fa*, and your sh*t may be reta*ded. What I'd do, grrl, is get plenty of unrest. KHM doesn't lie, gringo. But hear me – there's plenty of 'ta*ds out there doing real kickass careers. My first guy was reta*ded and he is a cu*ator and has a g*llry now.’ Idiocracy (2006, adapted) Idiocracy. Idiocrazy. In this seminar, we take a look at the concept of dumb, stupid, ignorant, uneducated, and all the capabilities and freedoms that come with the inability to understand, voice, conceptualize and convey one’s and other’s ideas into conversations, or even sparkle curiosity and, like, be transformed into work that kinda of contributes to society. What role does contemporary and digital art play in the context of idiocracy? Amplify or counteract? How to deal with society asking art to be educational and dictative instead of experimental and free. What are the implications on one’s work when dealing with idiocracy-like institutions & algorithms, art producers, NFT-bros, insta, and superficial & anxious curators? Is ‘intellectual’ art a dead- end or just a dream outta Old Europe? We look at art that examines the idea of ‘Idiocracy’ and at art that is idiocratic. We will watch, like, some films and try to decipher things that are written with, like, words and then, like, talk about stuff with, like, heavy words. This seminar is stupid and: #NoChildLeftBehind.

Gast: N.N. Teilnehmer*innenzahl: Begrenzt! 8 Studierende der ifs und 8 Studierende der KHM. Einmal jährlich veranstaltet die Kunsthochschule für Medien Köln und die internationale Filmhochschule (ifs) gemeinsam einen mehrtägigen sowohl praktischen als auch theoretischen Workshop speziell für Studierende mit dem Schwerpunkt Bildgestaltung. Für diesen dreitägigen Workshop wird auch in diesem Jahr wieder eine renommierte Kameraperson zu Gast sein.

Einmal jährlich veranstaltet die Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) und die internationale Filmhochschule (IFS) gemeinsam einen mehrtägigen Workshop speziell für Studierende mit dem Schwerpunkt Kamera. Für diesen Workshop wird 2023 wieder eine renommierte Kamerafrau/ ein renommierter Kameramann zu Gast sein und mit den Studierenden der IFS/KHM einen Kameraworkshop durchführen. Teilnahmeberechtigt sind seitens der KHM Student*innen des Hauptstudiums, die bereits regelmäßig die Grundlagenseminare Kamera besucht haben, sowie Postgraduierte mit dem Schwerpunkt Kamera. Veranstaltungsort: Internationale Filmschule (IFS) Teilnehmerzahl: 8 Studierende der IFS und 8 Studierende der KHM.

Vor gut 50 Jahren wurde die Essaysammlung Image Music Text (1977) von Roland Barthes veröffentlicht. Sie versammelt einige der wichtigsten Schriften, die Barthes zu Fotografie, Film, Bildlichkeit und Sound verfasst hat. Inspiriert von der im Titel gesetzten Trias, wollen wir im Seminar den unterschiedlichen Zusammenhängen zwischen Image , Music und Text nachgehen: durch die Analyse von Bildern, das Lesen fototheoretischer Texte und die Beschäftigung mit Musik. Dabei soll ein Hauptaugenmerk auf den Implikationen liegen, die sich aus den Zusammenhängen zwischen Fotografie und Pop-Musik sowie deren jeweiligen Theoretisierungen ergeben und über die wir uns grundlegenden Begriffen wie ‚Index‘, ‚Ikon‘, ‚Symbol‘ sowie ‚punctum‘ und ‚studium‘ nähern werden. Neben intensiven Lektüren (u. a. Texte von Roland Barthes, Diedrich Diederichsen, Rosalinde Krauss, Susan Sontag) beschäftigen wir uns mit Fotografien, Fotoarchiven und Fotobüchern, in denen es um pop-musikalische bzw. popkulturelle Phänomene geht, um uns darüber auszutauschen, was wir auf den jeweiligen Bildern sehen, inwiefern sie mit Musik korrespondieren und ob/wie sie uns berühren. Seminarsprache ist Deutsch mit der Möglichkeit punktuell ins Englische zu wechseln. Es werden sowohl deutsche als auch englische Texte gelesen.

Welche Bedeutung hat die Imagination des Betrachters narrativer filmischer Erzählung und wie wird sie angeregt? Es gibt einfache dramaturgische Regeln, die man vom Schreiben und Inszenieren kennt, z.B. das Streben nach Erzählung in ihrer möglichst knappsten Form. Gezeigte Handlungen, Situationen, Dialoge rufen im Betrachter Assoziationen, Erinnerungen, Gefühle und Klischees hervor und vervollständigen die Erzählung. Ein Teil dieser Assoziationen stammen aus individueller Erfahrung, andere aus medialer Seherfahrung. Gelten diese Regeln auch für die Bildgestaltung? Wieviel Raum kann durch gezieltes Nichtzeigen entstehen? Ein gestalteter Mangel kann das Gehirn anregen, fehlende Informationen zu ergänzen und aus eigener Kraft Bilder zu erzeugen. Erinnerte Bilder und Szenen aus einem vor längerer Zeit gesehenen Film werden abweichen von dem tatsächlichen Bild, denn diese „selbstgemachten“ Bilder haften am Besten. Dieses Seminar widmet sich unter diesem Aspekt der Analyse zeitgenössischer szenischer Filme (Drama und Genre) und, wenn Ihr möchtet, auch studentischer Arbeiten. Wir betrachten analytisch den Aufbau von Raumerzählung, Informationsverteilung, Timing und verschiedener perspektivischen Aspekte und hinterfragen Auflösung und Schnittentscheidungen.

This seminar locates imagination as a political and artistic necessity for practices of sensing, relating, and existing otherwise. This is an invitation to cultivate different ways of being in the world, grounded in the understanding that knowledge emerges through relationships with bodies, territories, waters, and the wider community of life. Together, seminar participants will explore practices of autonomy, reciprocity, joy, desire, and interdependence as foundations for artistic inquiry and world-making. Through critical inquiry, collective experimentation, embodiment, and situated learning, participants will engage feminist, Indigenous, and autonomous approaches to knowledge-making. A central component of the seminar is a two-week field excursion to Mexico City, where participants will engage with locally led initiatives, feminist and Indigenous movements, autonomous cultural spaces, and grassroots educational projects. Through collective learning, cultural production, and self-organisation, these encounters offer opportunities to ‘‘imagine elsewhere” by breaking into practices that are fluid and autonomous, where shared responsibility, radical imagination, and collective flourishing is at the centre. Proposed Field Encounters: Librería Amoxtli - A cooperative bookstore and cultural space hosting workshops, conversations, and community gatherings focused on territory, collective learning, and cultural exchange. Mujeres y La Sexta - A feminist collective working alongside Indigenous and Zapatista communities to create spaces for dialogue, autonomy, care, and collective organising. Escuela de Cultura Popular Mártires del 68 - A school dedicated to engraving, printmaking, and popular education, with extensive archives that trace histories of visual culture, collective memory, and social imagination. ATEA - A self-organised cultural space bringing together artists, makers, and community initiatives working across media, printmaking, weaving, digital culture, food, and everyday forms of collaborative creation. READING GUIDE: As We Have Always Done: Indigenous Freedom through Radical Resistance (2017) - Leanne Betasamosake Simpson Bodies of Water: Posthuman Feminist Phenomenology (2019) - Astrida Neimanis Our Word Is Our Weapon (2002), Subcomandante Marcos, Sister Outsider: Essays and Speeches (1984) - Audre Lorde The Feminist Killjoy Handbook: The Radical Potential of Getting in the Way - Sara Ahmed The Undercommons: Fugitive Planning & Black Study (2013) - Fred Moten & Stefano Harney Undrowned: Black Feminist Lessons from Marine Mammals ( 2020) - Alexis Pauline Gumbs Red Skin, White Masks: Rejecting the Colonial Politics of Recognition (2014)- Glen Sean Coulthard The seminar approaches learning as a lived, relational, and collective process. The field encounters offer pathways for “imagining elsewhere” by existing in the worlds we wish to inhabit. The readings accompany this process as guides to thinking with embodiment, relationality, autonomy, community, and collective becoming.

Bücher werden gebaut, nicht geschrieben, wusste schon Alfred Döblin. In diesem Fachseminar soll es um Architektur gehen, d.h. um Textarchitekturen, die sich nicht als Handlungsfaden auflösen lässt. Wie bauen wir Bücher? Mit Zeitformen, aus Dramaturgie, durch Perspektiven oder Rhythmen? Hilft Grammatik? Benötigen wir visuelle Aufbereitungen, ein Mapping? Dabei sind ungewöhnliche Textarchitekturen am meisten interessant, die jenseits des Storytellings und Plottings uns das Gefühl für Architektur und Dramaturgie vermitteln, wie wir sie noch nicht gelesen haben, die unsere Zeitwahrnehmung und unsere Idee von Spannung verändern. Mit Übungen an eigenen Texten, von dem in-Gang-setzen einer Dramaturgie bis zur erzählerisch entschlossenen Unabschließbarkeit, aber auch durch Nacherzählungen, Um- und Nachbauten mit Hilfe von unterschiedlichsten Lektüreerfahrungen von Autor*innen wie z.B. Roberto Bolaño, Elfriede Jelinek, Lydia Davis, Hervé Le Tellier, Cormac McCarthy, Friederike Mayröcker oder Anna Weidenholzer – ausdrücklich sind eigene Textvorschläge gewünscht! - an denen wir uns orientieren, sowie mit kurzen Ausflügen in die audio-theatrale Form vom Literatur -  werden wir uns durch dieses Fachseminar bewegen und am Ende den literar-architektonischen Möglichkeitsraum erweitert haben.

Ich ist in. Ich ist authentisch. Ich ist autobiographisch oder autofiktional. Das Ich beglaubigt die Erfahrung. Das Ich ist das verletzliche Zentrum. Das Ich weiß, wovon es spricht, wenn es Ich sagt. Puh, und jetzt atmen wir alle mal durch und werden autoimmun! Heißen wir also Texte willkommen, in denen das eigene Leben einmal nicht Grundlage des Schreibens sein soll. Aber wo beginnt überhaupt das eigene Leben, und wie und wodurch mündet es in Fiktion? Lässt sich das eine vom anderen trennen? Wer mag sagen, was erlebt und was erfunden wurde? Ist Fiktion denn nicht immer geformte Wirklichkeit und vielleicht genau jenes Element der Literatur, das sie vom Leben unterscheidet? In diesem Seminar wollen wir uns wegschreiben vom eigenen Ich und ihm auf diese Weise vielleicht sogar näherkommen. Im Mittelpunkt stehen die Texte der Teilnehmer*innen. Anhand von ausgewählten Beispielen werden wir zudem untersuchen, wie gut man auskommen kann ohne sich selbst. Verlassen wir das vertraute Heim! Machen wir uns auf in eine Welt, deren Figuren und Orte wir kennenlernen, indem wir sie uns erschreiben, denn : We’re not there, we’re gone!

Join us to the Impakt Festival 2022 in Utrecht, the Netherlands, taking place from 2 - 6 November 2022. Up to ten people can join.  At the centre of the IMPAKT Festival 2022 stands a proposition: The most Dissatisfying technology of all is the one that works. We all know the feeling of dissatisfaction with technology that underperforms, behaves unpredictably or breaks down completely.  IMPAKT Festival invites its audience to embark on a train of thought that travels in the opposite direction: could it be that technology reveals itself at its most dissatisfactory precisely when it operates well or even exceeds expectations? The idea that technology can provide ultimate satisfaction and at the same time be utterly dissatisfying is baffling and paradoxical. Since art is uniquely able to deal with such contradiction, IMPAKT Festival 2022 places art centre stage, with installations, films, performances by Danica Dakić, Μarta Dauliūtė & Viktorija Šiaulytė, Anita Di Bianco, Zachary Formwalt, Sasha Litvintseva & Beny Wagner, Alaa Mansour and Todd McGowan & Ryan Engley of the philosophy podcast Why Theory. These events are the core of a programme of discussion and debate. IMPAKT Festival 2022: The Curse of Smooth Operations, Curated by Florian Wüst and Erik Bunger For more information: www.impakt.nl

Roboter auf der Basis Künstlicher Intelligenz (KI), die autonom im physischen Raum operieren, unabhängige Entscheidungen treffen und sozial interagieren können sind heute keine Science Fiction mehr. Tatsächlich sind physische Intelligenzsysteme mit Bild-, Sprach- und Handlungskompetenz bereits fester Bestandteil der Arbeits- und Sozialwelt geworden. Sei es in Form von kognitiven Industrierobotern in der Fertigungs-, Agrar- und Forstwirtschaft oder mit künstlichen Emotionen, Tast- und Feinsinn ausgestatteten Pflege-, Lern- und Sexrobotern in privaten Bereichen. Sie begegnen uns weltweit in unterschiedlichen kulturellen Kontexten und Größen und Formen, die zuweilen weniger an Menschen als vielmehr an Tiere oder gar Cartoons erinnern. Neben Hardwarerobotern, in Form von Service-, Sicherheits- und Kampfrobotern in der Kriegsindustrie, werden inzwischen auch virtuelle Softwaresysteme wie Chatbots oder generative KI-Modelle zu den kognitiven Robotern gezählt. Diese rasante Entwicklung emergenter künstlicher Handlungssysteme stellt uns vor weitreichende gesellschaftspolitische Fragestellungen. Wie verändert die Mensch-Roboter-Interaktion unsere Kommunikation und unser Verhalten? Welche Folgen für unsere Wert- und Normvorstellungen ergeben sich daraus? Was bedeutet diese zunehmende robotische Transformation der Gesellschaft für das Selbstverständnis des Menschen? Im Seminar wollen wir aus einer experimentell orientierten künstlerisch-wissenschaftlichen Perspektive tentative Antworten auf diese Fragen entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu entwickeln, wer oder was eigentlich intelligente Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Werkzeuge, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Kunst- und Arbeitswelt, die Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen alternative Visionen einer Politik der Roboter im Zentrum der Diskussion. Literatur: Zu Beginn des WS 2025/2026 wird ein Reader zur Verfügung stehen.

Das Seminar behandelt in der Praxis erprobte Herangehensweisen in der Entwicklung und Realisation von Dokumentarfilmprojekten – auch im Kontext einer „formatierten“ Branchenrealität: Wie sind Freiräume in der Ideenfindung, Umsetzung und Platzierung im Sendealltag zu finden, ohne eigene künstlerische Ansprüche aufzugeben? „In der Wirklichkeit gefunden“ richtet sich an die Studierenden, die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung eines dokumentarischen Stoffes befinden. In Ergänzung zur praktischen Arbeit wird im Seminar an Hand von Filmbeispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen – von der Idee zum fertigen Film – untersucht und dabei werden Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar bietet damit nicht nur eine beratende und kritische Begleitung der Projekte – sowohl in der Diskussion mit den anderen Studierenden, als auch durch die individuelle Betreuung – sondern auch die flankierende Auseinandersetzung mit dem Dokumentarfilm-Markt und dessen Auswertungsmechanismen.

Das Seminar behandelt in der Praxis erprobte Herangehensweisen in der Entwicklung und Realisation von Dokumentarfilmprojekten – auch im Kontext einer ,,formatierten‘‘ Branchenrealität: Wie sind Freiräume in der Ideenfindung, Umsetzung und Platzierung im Sendealltag zu finden, ohne eigene künstlerische Ansprüche aufzugeben? ,,In der Wirklichkeit gefunden‘‘ richtet sich an die Studierenden, die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung eines dokumentarischen Stoffes befinden. In Ergänzung zur praktischen Arbeit wird im Seminar an Hand von Filmbeispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen – von der Idee zum fertigen Film – untersucht und dabei werden Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar bietet damit nicht nur eine beratende und kritische Begleitung der Projekte – sowohl in der Diskussion mit den anderen Studierenden, als auch durch die individuelle Betreuung – sondern auch die flankierende Auseinandersetzung mit dem Dokumentarfilm-Markt und dessen Auswertungsmechanismen.

Warum hängt das da? Wie passt das zusammen? Welche Bezüge erzeugt der Ausstellungsraum? Was wird sichtbar, was bleibt verborgen? Welche Wege und Parcours erschließen Ausstellungen? Können wir uns mit oder gegen die vorgezeichneten Logiken der Ausstellung hindurchbewegen? Gibt es Interaktion? Wer_was spricht aus der Nähe (speaking nearby, Trinh T. Minh-ha)? Wer_was wird adressiert? Wie kann Ausstellen, Kuratieren „para:sitär“ (Jane Graham) sein, eine Gleichzeitigkeit von widersprüchlichen Bewegungen erzeugen? Wie werden institutionelle Brüche hergestellt (Belinda Kazeem-Kaminski)? Wie wird mit institutionellen Beschränkungen umgegangen? Eine Praxis des Ausstellens und Kuratierens entsteht meist vielstimmig und bedeutet oftmals Aushandlung aus differenten Perspektiven. Indem Akteur_innen, Werke oder Arbeiten und ihre Verflechtungen ästhetisch, mit Archiv- und Kontextmaterial oder auch intuitiv erfahrbar werden, rücken die Übergänge, Schnittstellen, Interfaces in den Fokus. Diese sichtbaren und verdeckten räumlichen, institutionellen Dispositive sind Teil der Ausstellungsparatexte und -rahmungen und daher macht- und entscheidungskritisch zu hinterfragen. Wir werden uns der Analyse und Kritik von Praktiken des Ausstellens und Kuratierens zuwenden und dazu sechs Ausstellungen in Karlsruhe, Bochum, Dortmund, Wolfsburg, Köln und Stuttgart besuchen und diese gemeinsam und zum Teil mit den Kurator_innen diskutieren. Geplante Termine: 1. Termin Dienstag, 24.10.23: Vorbesprechung, Seminarraum KMW 2.04, ca. 17-19h Uhr. An den Exkursionstagen zumeist ganztägig an den jeweiligen Orten. 6 Termine dienstags ganztägig: 07.11.23, ganztägig 21.11.23, ganztägig 05.12.23, ganztägig 12.12.23, ganztägig 09.01.24, ganztägig 23.01.24, ganztägig

A collaborative seminar between different schools around the world that explores the rapid impact that technological development has on our perception and the gradual disappearance of details, objects, and relationships, portions of life that fade away. The outcome of the seminar is a collective film made by students from KHM_ Kunsthochshule der Medien, Köln, CAFA_the Central Academy of Fine Arts (Beijing), the Vilnius Academy of Arts (Vilnius), and Anant National University, Gujarat, India, Chung-Ang University, Seul, Korea. Many authors, filmmakers, and painters have reflected on this theme. Proust, in In Search of Lost Time (1913), speaks of the view from a moving carriage and how, in this acceleration, the peasant woman disappears. “One must make an effort if one wants to keep seeing anything. Everything vanishes,” Cézanne writes to his son. What do we lose or gain in this continuous acceleration of the world? Examples of previous collaborative seminars Letters form the jungle https://vimeo.com/ Making of https://vimeo.com/ Sprache: Englisch, Deutsch

When gay marriage was legalized in the US, one of the arguments justifying the decision was that marriage fulfilled “yearnings for security […] that express our common humanity”. Inadvertently, this decision queerly echoes research from Queer Theory, in which neoliberal precarization is seen as a mechanism that has turned security into a technology of governing and a focal point of current ways of subjectivation. For many queers themselves being considered a security risk, a threat to children, to the family, the nation-state, or the reproductive order was and_or is quite a common experience. In racist discourse, on the other hand, the safety of queers has been mobilized against racialized others. During the last decades, security has turned into a leitmotif of Western societies. Intensified by war on terror discourse, securitization processes portray all kinds of societal issues, such as migration, student protests, poverty, pandemics, houselessness, to name just a few, as security problems, as risks to be managed, and threats to be prevented, most often with the help of technology. In this current technosecurity culture, invocations of threats or dangers justify more and more authoritarian styles of governing. We’re going to read texts on security and securitization from Queer Theory, from feminist Science & Technology Studies, and critical studies of security, and are going to try to figure out what a queer take on (In)Security could look like.

Eine Soundscape wird von vielerlei Klangspuren durchzogen und durch sie geprägt. Ihnen allen gemein ist ihre physikalische Basis – erst die Bewegung, Anregung und Resonanz von Raumkörpern erzeugt Klang und verknüpft dabei räumliche Strukturen mit zeitlichen Dauern. Jeder Ort hat sein eigenes räumlich-zeitliches Beziehungsgeflecht, an dem der/die Hörende aktiv partizipiert. In Fortsetzung vom Sommersemester werden in diesem Seminar und in Auseinandersetzung mit den Soundscapes alltäglicher, urbaner und spezifischer Orte künstlerische Strategien und Techniken in Form von raumbezogenen Klanginstallationen, künstlerischen Handlungsanweisungen, Audiowalks und interaktiven Raum-Klang-Instrumenten erprobt und eigene künstlerische Projekte entwickelt. In Kolloquien und Einzelbesprechungen werden individuelle wie gemeinschaftliche Prozesse begleitet. Der Schwerpunkt dieses Semesters liegt auf der Realisierung der individuellen Projektvorhaben im Rahmen einer gemeinsam geplanten Ausstellung.

Künstlerische Installationen handeln von den Beziehungen zwischen Objekten, Klängen und Projektionen. Sie sind Teil einer lebendigen Aufführungspraxis, in der Künstler*innen und Betrachter*innen den Raum immer wieder neu erfahren und konstruieren. Die Installation als Mittelpunkt und Quelle dieser Transformationsprozesse ist Herausforderung und Angebot zugleich: In ihrer Konfiguration weist sie eine Vielzahl von künstlerischen Techniken und Strategien auf, in ihrer Form ist sie ein komplexes sensorielles Angebot an die Betrachter*innen. In diesem Seminar experimentieren wir mit Materialien und Immaterialien, mit Gefundenem, Angeeignetem und Gemachtem, in individuellen und kollaborativen Handlungsräumen. Teil der Praxis wird das Vorstellen und Diskutieren künstlerischer Arbeiten sein. Am Ende der Kompaktwoche soll eine gemeinsame Rauminstallation für einen spezifischen Ort entstehen. Einführung / Techniken: Transmedialer Raum, mittwochs, 10 – 13 Uhr, wöchentlich vom 12. April –7. Juni 2023 Umsetzung/ Präsentation: Kompaktwoche, täglich 12. – 16. Juni 2023, Kunsthafen (Rhenania) oder Ersatzort Literaturempfehlungen: Claire Bishop, Installation Art Ilya und Emila Kabakov, Über die „totale“ Installation Faye Ran, A History of Installation Art and the Development of New Art Forms Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation

Einführung / Techniken: Transmedialer Raum, mittwochs, 10 – 13 Uhr, wöchentlich vom 12. April – 7. Juni 2023 Umsetzung/ Präsentation: Kompaktwoche, täglich 12. – 16. Juni 2023, Kunsthafen (Rhenania) bzw. anderer Ort (wird noch bekannt gegeben). Künstlerische Installationen handeln von den Beziehungen zwischen Objekten, Klängen und Projektionen. Sie sind Teil einer lebendigen Aufführungspraxis, in der Künstler*innen und Betrachter*innen den Raum immer wieder neu erfahren und konstruieren. Die Installation als Mittelpunkt und Quelle dieser Transformationsprozesse ist Herausforderung und Angebot zugleich: In ihrer Konfiguration weist sie eine Vielzahl von künstlerischen Techniken und Strategien auf, in ihrer Form ist sie ein komplexes sensorielles Angebot an die Betrachter*innen. In diesem Seminar experimentieren wir mit Materialien und Immaterialien, mit Gefundenem, Angeeignetem und Gemachtem, in individuellen und kollaborativen Handlungsräumen. Teil der Praxis wird das Vorstellen und Diskutieren künstlerischer Arbeiten sein. Am Ende der Kompaktwoche soll eine gemeinsame Rauminstallation für einen spezifischen Ort entstehen. Literaturempfehlungen: Claire Bishop, Installation Art Ilya und Emila Kabakov, Über die „totale“ Installation Faye Ran, A History of Installation Art and the Development of New Art Forms Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation

Künstlerische Installationen handeln von den Beziehungen zwischen Objekten, Klängen und Projektionen. Sie sind Teil einer lebendigen Aufführungspraxis, in der Künstler*innen und Betrachter*innen den Raum immer wieder neu erfahren und konstruieren. Die Installation als Mittelpunkt und Quelle dieser Transformationsprozesse ist Herausforderung und Angebot zugleich: In ihrer Konfiguration weist sie eine Vielzahl von künstlerischen Techniken und Strategien auf, in ihrer Form ist sie ein komplexes sensorielles Angebot an die Betrachter*innen. In diesem Seminar experimentieren wir mit Materialien und Immaterialien, mit Gefundenem, Angeeignetem und Gemachtem, in individuellen und kollaborativen Handlungsräumen, und den jeweils entsprechenden Techniken. Teil der Praxis wird das Vorstellen und Diskutieren künstlerischer Arbeiten sein. Am Ende der zwei Kompaktwochen soll eine gemeinsame Rauminstallation für einen spezifischen Ort entstehen. Literaturempfehlungen: Claire Bishop, Installation Art Ilya und Emila Kabakov, Über die „totale“ Installation Faye Ran, A History of Installation Art and the Development of New Art Forms Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation

Künstlerische Installationen handeln von den Beziehungen zwischen Objekten, Klängen und Projektionen. Sie sind Teil einer lebendigen Aufführungspraxis, in der Künstler*innen und Betrachter*innen den Raum immer wieder neu erfahren und konstruieren. Die Installation als Mittelpunkt und Quelle dieser Transformationsprozesse ist Herausforderung und Angebot zugleich: In ihrer Konfiguration weist sie eine Vielzahl von künstlerischen Techniken und Strategien auf, in ihrer Form ist sie ein komplexes sensorielles Angebot an die Betrachter*innen. In diesem Seminar experimentieren wir mit Materialien und Immaterialien, mit Gefundenem, Angeeignetem und Gemachtem, in individuellen und kollaborativen Handlungsräumen, und den jeweils entsprechenden Techniken. Teil der Praxis wird das Vorstellen und Diskutieren künstlerischer Arbeiten sein. Am Ende soll eine gemeinsame Rauminstallation entstehen. Der Aufbau findet vom 22.-24. Juni statt. In dieser Woche muss mit einem höheren zeitlichen Aufwand gerechnet werden. Literaturempfehlungen: − Claire Bishop, Installation Art − Ilya und Emila Kabakov, Über die „totale“ Installation − Faye Ran, A History of Installation Art and the Development of New Art Forms − Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation

von den klingenden wasserbrunnen der antike, über die äolsharfen der romantik bis zur internetbasierten klangskulptur: neben musikalischen aktivitäten gab es schon immer unternehmungen, (organisierten) klang aus der zeitllichen beschränkung von darbietung zu lösen. gleichzeitig trägt das zusammengesetzte wort "klangkunst" die historische spur seiner herkunft aus den bereichen musik + bildende kunst eingeschrieben. das hat bedeutung für die materiale gestalt und auswirkungen auf das verständnis was eine installation ist. anhand von ausgewählten positionen der klangkunst wird eine phänomenologie der ansätze und themen erarbeitet, die gleichzeitig auch eine historische perspektive entwickelt. das seminar fokussiert besonders ansätze, die nicht auf lautsprechern basieren. einführende Lektüre in der KHM Bibliothek: LaMotte-Haber, Helga de [Hrsg.]: Klangkunst - tönende Objekte und klingende Räume Tadday, Ulrich [Hrsg.]: Klangkunst

Mit der 1993 von James Meyer kuratierten Ausstellung „What happened to institutional critique?" in Soho, New York machte er auf den Verlust von Kunstinstitutionen durch Gentrifizierung und Privatisierung aufmerksam und der damit einhergehenden zunehmenden Bedeutung des Politischen, der Kritik und anderen Gemeinschaften in der Kunst. Renée Green war eine der institutionskritischen Künstler*innen, die mit ihrer Bibliothek Import/Export Funk Office dem Flow kultureller EInschreibungen und Übertragungen nachging, damit ein Bewusstsein für die Institution und ihre Praktiken herstellte. Institutionskritik als künstlerische Praxis zeigt sich in mehreren Phasen seit den 1960er Jahren, welche auch die Kritik der Institutionen nachhaltig verändert hat, obwohl diese bereits parallel zur Instituierung von Museen und Kultureinrichtungen begann. Gegenwärtig verändern sich Räume und Orte der Kunst gesellschaftskritisch in Reaktion auf die bereits bei Meyer thematisierte Neoliberalisierung und Prekarisierung. Jedoch ist mit der Frage nach einem Instituieren von Kritik (Nowotny/Raunig, Steyerl u.a.) weit mehr adressiert als das Kunstfeld: mit Foucaults Kritikbegriff ist es die Ablehnung, in bestimmter Weise regiert zu werden, als Subjektivierung, als „seitliche Stimme“, mit der sowohl soziale Fragen, als auch intersektionale Bewegungsgeschichte*n (Piesche) einbezogen werden. Es handelt sich dabei ebenfalls um eine Kritik der Repräsentation. Im Seminar werden wir uns diesen Verflechtungen, Geschichte(n), Diskursen nähern, aber auch in Ortsbegehungen den Praxen der Institutionen und selbstorganisierten Räumen des sogenannten Kunstbetriebs widmen. Literatur (Auswahl) Natalie Bayer/Belinda Kazeem-Kaminski/Nora Sternfeld, Kuratieren als antirassistische Praxis, Berlin 2017. Franziska Brüggemann, Institutionskritik im Feld der Kunst, Bielefeld 2020. Eva Birkenstock/ Ruth Sonderegger u. a. (Hg.), Kunst und Ideologiekritik nach 1989, KUB, dt./engl., Köln 2014. Michel Foucault, Was ist Kritik?, Berlin 1992. Michel Foucault, Diskurs und Wahrheit. Berkeley-Vorlesungen 1983, Berlin 1996. Frieze Art Fair: Institutionskritik, Texte zur Kunst 59 (2005). Sønke Gau, Institutionskritik als Methode. Hegemonie und Kritik im künstlerischen Feld, Wien 2018. Lucie Kolb, Studium, nicht Kritik, Wien u. a. 2017. Christian Kravagna (Hg.), Das Museum als Arena: institutionskritische Texte von KünstlerInnen, Köln 2001. Stefan Nowotny/Gerald Raunig, Instituierende Praxen. Bruchlinien der Kunstkritik, Wien 2008. Peggy Piesche (Hg.), Labor 89. Intersektionale Bewegungsgeschichte*n aus West und Ost, Berlin 2019. Gerald Raunig u.a. (Hg.), Art and contemporary critical practice. Reinventing institutional critique, London 2009. Hito Steyerl, Die Institution der Kritik. Psychologie und Gesellschaftskritik, 31/1 (2007), S. 71-80.

Die Studierenden erproben inszenierend unterschiedliche Herangehensweisen an eine vorgegebene Szene. Ziel des Seminars ist, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs miteinander aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert.

Wir nutzen die Frühstückszeit, um uns in kleinen und gut verdaulichen Häppchen mit unterschiedlichen Konzepten und Möglichkeiten der Interaktion mit Audio zu beschäftigen. Die meisten der etablierten Konzepte zur Ansteuerung von Klangerzeugern oder der Kontrolle von Audiosoftware sind für die individuelle Nutzung optimiert. Daher stellen wir uns vor allem die Frage: Wie lässt sich gemeinsam auf Klang und Klingendes Einfluss nehmen? Um am Ende möglichst viele Grenzen überwinden zu können, liegt der Fokus dieses Seminars auf der webbasierten Interaktion mit Sound. Dazu werden wir in erster Linie das Online Tool cables.gl nutzen. Aber auch MIDI – das Urgestein der Interaktion – wird nicht zu kurz kommen.

Jede der 14-tägigen Sitzungen behandelt ein in sich abgeschlossenes Thema im weiten Feld von Interactive Audio. Die Sitzungen sind sowohl Intro in die jeweiligen Themen/Tools, und vertiefen zugleich jeweils spezielle weiterführende Aspekte. Die Themen werden in der ersten Sitzung gemeinsam final abgestimmt. Im Allgemeinen orientiert sich das Seminar an den Fragen: - Wie navigiere ich stressfrei im Dschungel der Tools und Möglichkeiten? - Wie sortiere ich nach dem für mich aktuell hilfreichen und wenig relevanten aber wissenswerten? - Wie erschließe ich mir neue Werkzeuge, um sie weiterführend für meinen Ideen und Bedarfe kreativ, unkonventionell, intuitiv, etc. nutzen zu können? - Wie finde oder gestalte ich selbst passende Werkzeuge zur Umsetzung meiner Ideen? Themenvorschläge: - Advanced Audio Editing - Mehr Möglichkeiten als Cut, Copy, Paste und Crossfade erschließen - Mixing/Mastering Helpful Concepts - Etablierte Konzepte kennenlernen und nach Bedarf erweitern/verändern - Interconnecting Audio Tools & Software 1 - Möglichkeiten der Verknüpfung verschiedenster Tools und Software - Interconnecting Audio Tools & Software 2 - TouchDesigner & Ableton Live - WebAudio Basics - Online Audio-Projekte im WebBrowser - Interactive Audio - Audio steuern und beeinflussen, mit Sensoren, Kameras, AI-Tools, ... - 3D/Spatial Audio - Lokal für Lautsprecher / Online für Kopfhörer - Advanced Realtime Audio Streaming - Audio über Netzwerke Streamen (online/global und offline/lokal)

Short film is still the most important source of film renewal, the experimental field on which future film languages are formed. Today, the diversity of forms, themes and approaches is greater than ever. Feature film or essay, installation, thesis film or artist's film, music video, animation, documentary and all conceivable hybrid forms are emerging all over the world and increasingly online on numerous platforms. The International Short Film Festival Oberhausen has been moving in this field of tension for over 60 years; it is a catalyst and showcase for current developments, a forum for often controversial discussions, a discoverer of new trends and talents and, last but not least, one of the most important short film institutions worldwide. Oberhausen is the oldest short film festival in the world and the largest festival in North Rhine-Westphalia, with around 7,000 films submitted each year, approximately 500 films in the festival programme and over 1,100 accredited professional visitors annually. www.kurzfilmtage.de On Monday, 20 April, we will meet online at 5:30 pm to plan and discuss the festival programme. We have 20 accreditations available. Priority will be given to diploma students who have not previously attended the festival.

Teilnahme am IFFF Workshop mit Betty Schiel zum Thema „Wut im Film“ in der KHM Aula am 19.4. von 11:00 -15:00 Uhr und an exklusiven Kuratoriumsgesprächen. Participation in the IFFF workshop with Betty Schiel on the topic "Anger in film" in the KHM auditorium on 19 April from 11:00 -15:00 and exclusive talks with the board of trustees.

The International Women’s Film Festival Dortmund+Cologne (IFFF) is Germany’s largest forum for women in the film industry and presents outstanding films by women across all genres and styles. The festival takes place annually, alternating between Cologne and Dortmund; the 2026 edition runs 22–26 April 2026 in Cologne. As part of the excursion, there will also be a meeting between students and curators. www.frauenfilmfest.com We have 20 accreditations available.

International Film Festival Rotterdam (IFFR, 25 Jan - 4 Feb 2024) offers a high quality line-up of carefully selected fiction and documentary feature films, short films and media art. The festival's focus is on recent work by talented new filmmakers. However, there is also room for retrospectives and themed programmes. IFFR actively supports new and adventurous filmmaking talent through its co-production market CineMart, its Hubert Bals Fund, Rotterdam Lab and other industry activities. Limited to 10 participants, travels dates in the Kompaktwoche and to be determined.

International Film Festival Rotterdam (IFFR, 29 Jan - 8 Feb 2026) offers a high quality line-up of carefully selected fiction and documentary feature films, short films and media art. The festival's focus is on recent work by talented new filmmakers: "In the Bright Future section, the festival shows films by mostly young, up-and-coming talents who are developing their own cinematic style. This section shows feature film debuts that are celebrating their world or international premiere." However, there is also room for retrospectives and themed programmes. IFFR actively supports new and adventurous filmmaking talent through its co-production market CineMart, its Hubert Bals Fund, Rotterdam Lab and other industry activities. https://iffr.com/en/

Scenes involving nudity, physical intimacy, simulated sex or other forms of heightened vulnerability require a clear, respectful and professionally guided process. Intimacy coordination helps create a clearer and more protected working process for actors as well as directors, supporting both artistic intention and agreed boundaries. In many productions, such scenes have historically been approached without sufficient preparation, with unclear boundaries or improvised choreography. This can create uncertainty for actors and may lead to insufficiently protected working conditions. This workshop introduces students to the role and working methods of an intimacy coordinator in film production. It explores how intimacy coordination supports directors’ artistic visions while helping to create transparent communication, agreed boundaries and precise choreography for intimate scenes. Kasia Szustow, certified intimacy coordinator and member of the European Intimacy Practitioners’ Guild, will lead the workshop. Her credits include Gentle Monster, Rosebush Pruning, The Assessment and Deutsches Haus, among others. The workshop is divided into two parts: Part I: Introduction and Best Practices 10 December 2026, 10:00–13:00, Aula The first part offers a general introduction to intimacy coordination, professional standards and best practices. This session is open to all interested students. The number of participants is not limited, but prior registration is required: m.polednova@khm.de Part II: Practical Workshop 10 December 2026, 14:00–17:00, Studio A 11 December 2026, 10:00–17:00, Studio A The second part is a practical workshop and is limited to 16 participants. Students who wish to take part in the practical section are asked to submit a scene of their own by 10 November 2026. The submitted scene should be 1–2 pages long and may involve intimacy, nudity, physical closeness or another form of heightened vulnerability: m.polednova@khm.de , pia.marais@khm.de The workshop deals with sensitive subject matter. All discussions and practical exercises will take place within a respectful working framework based on consent, confidentiality, agreed boundaries and the right to pause or step out of an exercise.

Warum schwere Kameras schleppen, wenn das Kino längst in der Hosentasche steckt? Dieses Seminar beschäftigt sich mit dem Smartphone als ernstzunehmendem, vielseitigem Werkzeug für den Kinofilm. Dabei geht es weniger um Technikfetischismus als um die Frage, wie gute Ideen, starke Bilder und kluge Entscheidungen auch (oder gerade) mit einfachen Mitteln entstehen. Anhand von Filmbeispielen und praktischen Übungen untersuchen wir gemeinsam, was das Smartphone dem Kino hinzufügen kann: mehr Nähe, mehr Spontaneität, neue Perspektiven? Und kann es vielleicht eine Inszenierung begünstigen, die stärker aus der Situation heraus entsteht und ein flexibles Blocking ermöglicht? Das Seminar verbindet theoretische Reflexion mit praktischen Übungen und richtet sich an alle, die Lust haben, filmische Konventionen zu hinterfragen und herauszufinden, ob „gedreht mit dem Smartphone“ eine bewusste künstlerische Entscheidung sein kann.

Von allen erzählerischen Kunstformen ist die Stand-up Comedy wahrscheinlich die diverseste in Sachen Alter, Hautfarbe, Geschlecht, sozialer Herkunft und Vermögen. Fast unbemerkt vom Feuilleton ist die einheimische Stand-up Comedy Szene in den letzten acht Jahren quasi explodiert. Täglich gibt es mittlerweile mehrere Venues, an denen deutsch- und englischsprachige Stand-up Comedy ausprobiert und aufgeführt wird. Ziel des im 2-Wochen-Rhythmus stattfindenden Seminars ist eine erste Kontaktaufnahme. Es soll darum gehen, zu verstehen, dass und wie Stand-up Comedy geschrieben wird, warum es kein Zufall ist, dass die Stand-up Szene diverser ist als andere, Stand-up Comedians als potentielle Schauspieler*innen und Co-Autor*innen für filmisches Erzählen zu entdecken, für andere zu schreiben oder es gegebenenfalls selbst zu versuchen und auf der Bühne oder in einer filmischen Erzählung auszuprobieren.

Dies ist ein Seminar für kollektive Klang- und Hörexperimente. Wir untersuchen Klang als Medium, Material und Denkraum, der uns neue Zugänge zu Wissen und Erfahrung eröffnet. Durch Übungen mit Stimme und Körper fragen wir uns, wie man mit Klang denken kann und welches Wissen im Prozess des Machens und Hörens entsteht. Wir verstehen sowohl das Produzieren von Klang als auch das Zuhören als künstlerische Forschungsmethoden: als Wege, die Welt zu erkunden, Beziehungen zu entwerfen und alternative Formen des Zusammenlebens zu imaginieren. Wir beginnen mit Pauline Oliveros’ Deep-Listening-Übungen und verschiedenen Methoden zu Improvisation und Dirigat. Darauf aufbauend entwickeln wir individuelle und kollektive Strategien, um spezifische Wissensfragen am Material Klang zu untersuchen und eigene künstlerisch-forschende Methoden zu formulieren. This is a seminar for collective sound and listening experiments. We explore sound as a medium, material and space for thought that opens up new approaches to knowledge and experience. Through exercises with voice and body, we ask ourselves how one can think with sound and what knowledge arises in the process of making and listening. We understand both the production of sound and listening as artistic research methods: as ways to explore the world, design relationships and imagine alternative forms of coexistence. We begin with Pauline Oliveros' deep listening exercises and various methods of improvisation and conducting. Building on this, we develop individual and collective strategies for investigating specific questions of knowledge related to the material of sound and formulating our own artistic research methods. Sprache: Deutsch & English

»One night I wandered into a rock-n-roll club named CBGB’s. The lights went boomp boomp boomp the drum went boomp boomp boomp the floor went boomp boomp boomp. Boomp boomp boomp entered my feet. Boomp boomp boomp entered my head. My body split into two bodies. I was the new world.« Das vorangestellte Zitat schildert ein Erlebnis der Hauptprotagonistin aus Kathy Ackers Roman Blood and Guts in High School. Es verdeutlicht die Wucht und Intensität, mit der subkulturelle Orte – in diesem Fall der Punk Club CBGB’s in New York City – sich häufig auf das Leben ihrer Besucher*innen auswirken, ohne dass diese sofort konkrete Worte dafür finden: Als körperliche und physische Erfahrung können aus den Begegnungen mit solchen Orten neue Weltbezüge und sogar völlig neue Welten entstehen. Sie erweisen sich oft als identitätsstiftend oder auch identitätszersetzend. Menschen können sich dort neu erfinden und Alternativen zu ihrem bisherigen Lebenslauf entwickeln. Hier treten sie mit Subkultur(en) in direkten Kontakt. Im Seminar wollen wir uns mit ebendiesen Orten auseinandersetzen. Wir ergründen ihre Besonderheiten, Bedeutungen und Beschaffenheiten und tauschen uns darüber aus, wo und wie wir selber mit Orten und Räumen in Berührung gekommen sind, die uns kulturell, persönlich, künstlerisch, musikalisch und politisch geprägt haben. Das können neben Clubs, Autonomen Zentren, Bühnen, Tanzflächen, Ateliers, Proberäumen und speziell eingerichteten Treffpunkten auch völlig unscheinbare »Nicht-Orte« wie Bushaltestellen, Bordsteine, Wendehammer, Parkplätze und Garagen sein. Was dabei für viele Menschen unsichtbar und unverständlich bleibt oder sich lediglich als unpersönliches Alltagsszenario darstellt, wird für einige wenige zum zentralen Ort des (sub-) kulturellen Ausdrucks, Austauschs und Agierens. Was geschieht dort genau? Was macht diese Orte aus? Was für Eigenschaften besitzen sie? Wie sehen sie aus? Woran lassen sie sich erkennen? Wie entstehen sie? Wie findet man sie? Wer frequentiert sie? Wie lassen sie sich dokumentieren? Um uns analytisch und ästhetisch der Beantwortung dieser (und weiterführender) Fragen anzunähern, beschäftigen wir uns hauptsächlich mit Perspektiven, die aus der Kulturwissenschaft und der Fotografie auf das Thema entwickelt wurden, ergänzen diese aber auch um Exemplarisches aus Literatur, Film, Musik und anderen Künsten.

»One night I wandered into a rock-n-roll club named CBGB’s. The lights went boomp boomp boomp the drum went boomp boomp boomp the floor went boomp boomp boomp. Boomp boomp boomp entered my feet. Boomp boomp boomp entered my head. My body split into two bodies. I was the new world.« Das vorangestellte Zitat schildert ein Erlebnis der Hauptprotagonistin aus Kathy Ackers Roman Blood and Guts in High School . Es verdeutlicht die Wucht und Intensität, mit der subkulturelle Orte – in diesem Fall der Punk Club CBGB’s in New York City – sich häufig auf das Leben ihrer Besucher*innen auswirken, ohne dass diese sofort konkrete Worte dafür finden: Als körperliche und physische Erfahrung können aus den Begegnungen mit solchen Orten neue Weltbezüge und sogar völlig neue Welten entstehen. Sie erweisen sich oft als identitätsstiftend oder auch identitätszersetzend. Menschen können sich dort neu erfinden und Alternativen zu ihrem bisherigen Lebenslauf entwickeln. Hier treten sie mit Subkultur(en) in direkten Kontakt. Im Wintersemester 24/25 haben wir uns bereits mit unterschiedlichen Orten subkultureller Prägung auseinandergesetzt und uns dem Thema theoretisch genähert. In diesem Semester führen wir das fort und möchten den Fokus um praktische(s) Arbeiten erweitern. Es geht darum, Besonderheiten, Bedeutungen und Beschaffenheiten von speziellen Orten zu ergründen und uns darüber auszutauschen, wo und wie wir selber mit Orten und Räumen in Berührung gekommen sind, die uns kulturell, persönlich, künstlerisch, musikalisch und politisch geprägt haben. Das können neben Clubs, Autonomen Zentren, Bühnen, Tanzflächen, Ateliers, Proberäumen und speziell eingerichteten Treffpunkten auch völlig unscheinbare »Nicht-Orte« wie Bushaltestellen, Bordsteine, Wendehammer, Parkplätze und Garagen sein. Was dabei für viele Menschen unsichtbar und unverständlich bleibt oder sich lediglich als unpersönliches Alltagsszenario darstellt, wird für einige wenige zum zentralen Ort des (sub-) kulturellen Ausdrucks, Austauschs und Agierens. Was geschieht dort genau? Was macht diese Orte aus? Was für Eigenschaften besitzen sie? Wie sehen sie aus? Woran lassen sie sich erkennen? Wie entstehen sie? Wie findet man sie? Wer frequentiert sie? Und besonders: Wie lassen sie sich dokumentieren? Wie können wir ihnen künstlerisch begegnen? Wie können/ wollen/ dürfen wir davon und darüber berichten? Neben weiterführenden Textlektüren wollen wir konkret und praktisch am Thema arbeiten. Denkbar sind in diesem Sinne Produktionen von eigenen Texten, Fanzines, Fotoserien, Filmen, Performances und Ausstellungsformaten.

What makes James Baldwin, perhaps most amongst any of his peers, still relevant today? Why do some many readers and viewers return to his work in other moments in contemporary history? We will explore these questions in the seminar, taking note that Baldwin was a writer and as such wrote everyday as a practice. We will practice regular writing through journal-keeping as part of our efforts to understand Baldwin’s appeal and relevance. We will use his text The Devil Finds Work (1976), selected essays, and documentaries as our sources for this seminar.

Videomapping, Mobile Projection und Fulldome Mapping sind innovative Techniken, um Bilder und Animationen auf reale Oberflächen und Räume zu projizieren. Dabei werden Inhalte präzise an Architektur, bewegliche Objekte oder kuppelförmige Räume angepasst und erweitern klassische Bildschirmformate in den physischen Raum. Im Kurs lernen die Studierenden, diese Technologien kreativ und technisch für eigene künstlerische Projekte einzusetzen.

„Ich filme, was ich nicht verstehe!“    Peter Sempel (Just Visiting This Planet) Das dokumentarische Interesse an Personen bewegt sich zwischen zwei Polen: Die filmische Annäherung kann dem Impuls folgen, Protagonist*innen zu zeigen, die den Filmemacher*innen bekannt sind oder die ihnen völlig fremd erscheinen. Beiden Ausgangssituationen ist gemein, dass das dokumentarische Portrait immer eine Reise ins Ungewisse ist. Voraussetzung ist Neugier, den Protagonist*innen unvoreingenommen zu begegnen, um unerwartetes zu offenbaren, getrieben von der Lust auf Neues und Unbekanntes verbunden mit dem Anspruch den Figuren nahe zu kommen. Die Beziehung zwischen den Dokumentarfilmer*innen und den Protagonisten*innen ist heikel: Filmemacher*innen möchten etwas erfahren und aufzeichnen, Protagonist*innen müssen im Rahmen dieser Verabredung etwas Preis geben. Das ist für beide Seiten nicht immer leicht: Vertrauen muss aufgebaut werden und die Verantwortung gegenüber der Protagonisten*innen ist mit Drehschluss nicht vorbei. Im Seminar werden mögliche Portrait-Ideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form für die individuellen Projekte zu finden. Darüber hinaus sind dokumentarische Projekte (auch Mischformen), die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung befinden, willkommen. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

„Ich filme, was ich nicht verstehe!“ Peter Sempel (Just Visiting This Planet) Das dokumentarische Interesse an Personen bewegt sich zwischen zwei Polen: Die filmische Annäherung kann dem Impuls folgen, Protagonist*innen zu zeigen, die den Filmemacher*innen bekannt sind oder die ihnen völlig fremd erscheinen. Beiden Ausgangssituationen ist gemein, dass das dokumentarische Portrait immer eine Reise ins Ungewisse ist. Voraussetzung ist Neugier, den Protagonist:innen unvoreingenommen zu begegnen, um unerwartetes zu offenbaren, getrieben von der Lust auf Neues und Unbekanntes verbunden mit dem Anspruch den Figuren nahe zu kommen. Die Beziehung zwischen den Dokumentarfilmer*innen und den Protagonisten*innen ist heikel: Filmemacher*innen möchten etwas erfahren und aufzeichnen, Protagonist*innen müssen im Rahmen dieser Verabredung etwas Preis geben. Das ist für beide Seiten nicht immer leicht: Vertrauen muss aufgebaut werden und die Verantwortung gegenüber der Protagonist*innen ist mit Drehschluss nicht vorbei. Im Seminar werden mögliche Portrait-Ideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form für die individuellen Projekte zu finden. Darüber hinaus sind dokumentarische Projekte (auch Mischformen), die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung befinden, willkommen. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

Das Seminar wird über zwei Semester angeboten und mit der praktischen Kameraübung im Juli 2024 enden. Im SoSe 2024 wird das Seminar wöchentlich stattfinden, um die Dreharbeiten genau vorbereiten zu können. Im ersten Semester geht es um die inhaltliche Vorbereitung, also den Kontext, in dem ein innerhalb des Seminars zu entwickelndes Drehbuch stehen soll. Es geht also darum, in einem Team von Autor*innen gemeinsam ein Drehbuch zu entwickeln, das von ebenso mehreren Regie- und Kameraleuten an 4 Drehtagen umgesetzt werden soll. Dies ist ein entscheidender Unterschied zu allen anderen Filmübungen, die an der KHM stattfinden und wichtiger Bestandteil des Lehrkonzepts. Wir werden gemeinsam über Filme diskutieren, die sich formell durch die Darstellung verschiedener Realitätsebenen ähneln. Das können Träume, Visionen, Zeitsprünge und Erinnerungen sein, aber auch für den Zuschauer zuerst nicht erkennbare verschiedene Realitäten, wie bspw. in den Filmen von Ruben Östlund: Wo befinde ich mich als Zuschauer und wie kann ich den Inhalt des Films zur eigenen Realität ins Verhältnis setzen? Hier wird der entscheidende Unterschied zum dokumentarischen Film deutlich, in dem zumindest diese Verabredung mit dem Zuschauer ernst genommen wird: Die Realität ist jetzt und am angegebenen Ort. Zum Ende es WiSe muss eine erste Drehbuchfassung vorliegen, damit eine Kalkulation entstehen kann, die den Verhältnissen der KHM und damit den Möglichkeiten einer Hochschule entspricht.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der dokumentarischen Bildgestaltung sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der Bildgestaltung im Dokumentarfilm, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der Bildgestaltung im Dokumentarfilm, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der Bildgestaltung im Dokumentarfilm, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen. Eine Anmeldung zum Seminar ist nicht notwendig. Sprache: Deutsch und Englisch

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der dokumentarischen Bildgestaltung, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen.  Die Teilnahme an dem Kompaktseminar „analog Capture“ schließt an dieses Seminar an. 

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der Bildgestaltung im Dokumentarfilm, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen. Eine Anmeldung zum Seminar ist nicht notwendig.

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der Arri Alexa Kamera und allem erdenklichem Zubehör gelehrt. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit der Arri Alexa, deren praktische Handhabung und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und aller weiteren Positionen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Der Höhepunkt des Seminars wird in der Kompaktwoche mit einer gemeinsamen Übung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamera-bewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet. Die Teilnahme am Seminar ist verpflichtend, um auch an der praktischen Übung in der Kompaktwoche vom 12. - 16.06.2023 teilnehmen zu können. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen.

Gemeinsam begeben wir uns auf die Reise des szenischen Filmemachens aus Perspektive einer Kameraperson. In diesem Seminar erlernst du (Drehbuch-) Texte in Bewegtbilder zu verwandeln, deine technischen und kreativen Fähigkeiten zu vereinen und theoretisch erlernte Prozesse in der Praxis auszutesten. In einer praktischen Einführung in die Arri Alexa, beleuchten wir Handhabung und Vor- und Nachteile der großen Kino-Kamera. Das elementare Handwerk der Kameraarbeit, in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung, Set Design, der szenischen Auflösung und vieles mehr, wenden wir anschließend gemeinsam in einer praktischen Kameraübung an. Außerdem bekommst du dort die Möglichkeit, alle Positionen zu durchlaufen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Die Kameraübung findet vom 26.-28.06.2025 im Studio B statt. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen. Die Teilnehmer*innen Zahl ist begrenzt. Grundständige Studierende werden im Anmeldeverfahren bevorzugt berücksichtigt.

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der 16 mm Filmtechnik gelehrt. Studierende, die an dem Seminar „dokumentarische Miniaturen“ oder „Spielfilmübung I“ teilnehmen, wird dieses Seminar dringend empfohlen. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit verschiedensten 16 mm Filmkameras, deren praktische Handhabung, das Ein- und Auslegen von Filmmaterial und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und in die Belichtungsmessung. Der Höhepunkt des Seminars wird am Ende mit einer gemeinsamem Abschlussübung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet.

Die Wahl einer bestimmten Licht- und Farbstimmung, einer Objektivbrennweite, einer Perspektive, Bildkomposition, Szenenauflösung, Kamerabewegung und vieles mehr beeinflusst und definiert, wie wir eine Geschichte mit unserer Kamera erzählen können und wie diese später vom Zuschauer wahrgenommen wird. Auf diese Mittel wollen wir im Kamera III Seminar genauer eingehen, sie analysieren, lernen zu bestimmen und anzuwenden. Unmittelbar verknüpft ist damit die Frage, mit welcher (Aufnahme-) Technik sich die jeweilige Bildgestaltungsidee im Rahmen eines vorliegenden Drehbuchs oder einer dramatischen Situation bestmöglich verwirklichen lässt.

Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die bereits an den Grundlagenseminaren Kamera I und Kamera II teilgenommen haben. Die Wahl einer bestimmten Licht- und Farbstimmung, einer Objektivbrennweite, einer Perspektive, Bildkomposition, Szenenauflösung, Kamerabewegung und vieles mehr beeinflusst und definiert wie wir eine Geschichte mit unserer Kamera erzählen können und wie diese später vom Zuschauer wahrgenommen wird. Auf diese Mittel wollen wir im Kamera III Seminar genauer eingehen, sie analysieren, lernen zu bestimmen und anzuwenden. Unmittelbar verknüpft ist damit die Frage, mit welcher (Aufnahme-)Technik sich die jeweilige Bildgestaltungsidee im Rahmen eines vorliegenden Drehbuchs oder einer dramatischen Situation bestmöglich verwirklichen lässt. Praktische Übungen sollen während des Semesters zu der Beantwortung dieser Fragen beitragen.

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der Arri Alexa Kamera und allem erdenklichem Zubehör gelehrt. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit der Arri Alexa, deren praktische Handhabung und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und aller weiteren Positionen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Der Höhepunkt des Seminars wird in der Kompaktwoche mit einer gemeinsamen Übung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen. 

Gemeinsam begeben wir uns auf die Reise des szenischen Filmemachens aus Perspektive einer Kameraperson. In diesem Seminar erlernst du (Drehbuch-) Texte in Bewegtbilder zu verwandeln, deine technischen und kreativen Fähigkeiten zu vereinen und theoretisch erlernte Prozesse in der Praxis auszutesten. In einer praktischen Einführung in die Arri Alexa, beleuchten wir Handhabung und Vor- und Nachteile der großen Kino-Kamera. Das elementare Handwerk der Kameraarbeit, in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung, Set Design, der szenischen Auflösung und vieles mehr, wenden wir anschließend gemeinsam in einer praktischen Kameraübung an. Außerdem bekommst du dort die Möglichkeit, alle Positionen zu durchlaufen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Die Kameraübung findet vom 26.-27.06.2026 im Studio B statt. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen. Sprache: Deutsch/Englisch Together, we will explore the world of film-making from the perspective of a cinematographer. In this seminar, you will learn how to transform (screenplay) texts into moving images, combine your technical and creative skills, and put the processes you have learned from theory into practice. In an introduction to the Arri Alexa, we will examine the handling, advantages and disadvantages of this and other cinema cameras. The craft of camera work, in the form of lighting, image composition, camera movement, set design, blocking, and much more, will then be implemented in a practical camera exercise. You will have the opportunity to try out all the positions that support the cinematographer in their work on a fiction film set. The camera exercise will take place from June 26-27, 2026, in Studio B. This seminar is highly recommended for all students participating in the “Spielfilmübung I” seminar. The number of participants is limited. Grundständige students will be given preference in the registration process.

Bühnentexte müssen immer mit dem Hier und Jetzt umgehen. War die Bühnensituation lange medial gesehen ein einfacher Raum, sind durch die Existenz audiovisueller Zeitmedien und Online-Welten auch auf der Bühne multidimensionale Räume entstanden. Wir erleben heute Vielschichtigkeiten im Theater, die das Präsens der Bühnensituation angreifen. Was macht das mit den Texten? Wer spricht eigentlich wirklich mit wem? Was ereignet sich tatsächlich, und was heißt es, nach vorne zu sprechen? Existiert die vierte Wand noch? Wie entwickeln wir Szenen, am Ende so etwas wie Handlung, und wenn ja, wer oder was handelt noch? Diese Fragen und andere, wie die nach Sprache, Bildlichkeit und Musikalität und nach der feststehenden Verfasstheit der Texte sollen uns durch dieses Seminar ins dramatische Schreiben begleiten, in dem wir uns durch die Gegenwartsdramatik von z.B. Elfriede Jelinek, René Pollesch, Wolfram Lotz, Miroslava Svolikova, Sarah Kane, Felicia Zeller, Wolfram Höll und Roland Schimmelpfennig inspirieren lassen.

Machen wir uns nichts vor. Film ist immer mit Risiken verbunden. Es ist ein riskantes Geschäft. Das Risiko kann Angst machen, es kann Scheitern bedeuten. Aber es kann auch zu etwas Gutem führen, wenn das Risiko in etwas Kreatives verwandelt wird und wir es als Chance begreifen. Den Fragen, denen man sich stellen muss: Wie mutig will ich sein, wie leichtsinnig darf ich sein und wie vernünftig muss ich sein? Kann ich den Druck des Risikos aushalten? Doch es gibt auch Filme, in denen noch eine moralische Dimension hinzukommt. Ist es vertretbar ein Risiko einzugehen, wenn Menschen in Gefahr sind? Das Seminar macht euch mit dem sog. Risikomanagement vertraut. So lernt ihr, Risiken in euren eigenen Projekten zu erkennen, zu analysieren, zu steuern und zu kontrollieren. Case Studies, aber auch Erfahrungsberichten von Expert*innen und Sicherheitsberater*innen helfen zusätzlich, Rückschlüsse für die eigenen Projekte zu ziehen. Am Ende kann es jedoch nie eine 100%ige Sicherheit geben. Aber wichtige Filme könnten nicht entstehen, wenn wir keine Risiken eingehen. Das Seminar wendet sich an Studierende mit oder ohne (riskantem) Projekt.

In den Köpfen vieler Lesender wie Schreibender hat sich der Roman als Königsdisziplin der erzählenden Literatur etabliert. Doch während die lange Form einiges verzeiht und sich den Raum nehmen kann, Handlung und Figuren zu entwickeln, liegt eine besondere Herausforderung kürzerer Formen gerade darin, ohne diesen Platz auszukommen. Aber wie gelingt das Erzählen auf wenigen Seiten oder gar nur wenigen Zeilen? Gelten hier womöglich in mehrfacher Hinsicht andere Maßstäbe als in längeren Erzählungen? Und können wir anhand kurzer Formen dennoch allgemein etwas über Erzählarchitektur lernen? Braucht eine Prosaminiatur unbedingt Handlung? Welche Rolle spielen Andeutung und Auslassung? Inwiefern (be)schreibt man auch den Raum zwischen den Zeilen? Und wie schaffe ich es, dass in meinem Text wirklich kein Wort zu viel steht? In diesem Seminar wollen wir uns anhand von Lektüren sowie Schreib- und "Verdichtungsübungen" mit kurzen Prosaformen beschäftigen. Darüber hinaus können nach Bedarf auch eigene Kurzprosaprojekte der Seminarteilnehmenden vorgestellt und diskutiert werden.

Im Seminar [keIs] Hülle ƒ 2 werden studentische Arbeiten im Projektraum CASE gezeigt. Die Ausstellungen, die jeweils ein/e Studierende/r alleine bestreitet, gehen bewusst mit dem physischen Raum und institutionellen Rahmen um. Im Seminar werden die Arbeiten der Studierenden in Hinblick auf diese Ausstellungen entwickelt und die aktuellen Präsentationen diskutiert, darüber hinaus werden auch andere studentische Projekte besprochen. Das Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars [keIs] Hülle ƒ aus dem Sommersemester 2022. Die meisten CASE-Ausstellungsplätze sind schon aus dem letzten Semester heraus verplant, wir können maximal 1 bis 2 Ausstellungsplätze neu vergeben. Sprechstunden: Die Buchung einer Sprechstunde bei Beate Gütschow oder Alex Grein ist nach E-Mail-Absprache möglich.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seinem Besitzer, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Offen für alle Studierenden.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Offen für alle Studierende.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seinem/r Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“, wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seiner Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Gastdozent: Marvin Hesse 1. voraussichtlicher Termin: 12.5., 18:30-21:30 2. voraussichtlicher Termin: 13.5., 18:30-21:30 Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“, wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seiner Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“, wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seiner Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Sprache Deutsch und Englisch

Was geschieht mit Formen, wenn sie in Bewegung versetzt werden? Wie werden Räume durch bewegte Objekte geschaffen und verändert? Welche Klänge entstehen beim Bewegen der Objekte oder umgekehrt können diese Objekte erst in Bewegung versetzen? Was für Athmosphären entstehen dabei und welche Geschichten werden davon erzählt? Was hält diese kleinen klingenden-leuchtenden Universen zusammen? Im Seminar wollen wir entlang dieser Fragen Klang-Bild-Maschinen erdenken, entwerfen und realisieren, wobei wir uns auf Aspekte der gemeinsamen Gestaltung von Klängen und Licht in Bewegung konzentrieren. Dabei möchten wir uns an dem Begriff "expanded cinema" orientieren. Seit den 1970er Jahren verweist "expanded cinema" auf die künstlerisch-forschende Suche nach Möglichkeiten zur Erweiterung etablierter kinematografischer Standards. Dabei geht es in erster Linie um das prozesshafte Experimentieren entlang einer "expanded consciousness". (Siehe dazu: Sheldon Renan "The underground film" (1967) und Gene Youngblood "Expanded Cinema" (1970), sowie auch Alvin Toffler "Futur Shock" (1970).

klang und raum interagieren auf vielfältige und manchmal schwer vorraussagbare weise miteinander, dafür aber oft umso überraschender. das seminar untersucht solche verhältnisse in praktischen erkundungen. dafür werden zuvor individuelle soundprojekte entwickelt. das seminar besteht aus drei teilen, zwei davon als blockveranstaltungen: im ersten teil (3 ganze tage zu beginn des semesters) werden technische und theoretische grundlagen gelegt, die für audioprojekte mit mehrern lautsprechern beziehungsweise kanälen notwendig sind. der zweite teil besteht aus tutoring sessions, die die entwicklung der eigenen projekte im laufe des semesters begleiten. diese werden wir, vergleichbar mit sprechstunden, nach bedarf planen. im dritten teil werden diese projekte in einem raum erprobt und die dazugehörigen oder neu aufkommenden fragen (lautsprecherpositionen, lautsprechertypen, mehrkanal-konfigurationen, besonderheiten der architektur, hall etc.) beleuchtet. dieser teil wird als block 5 tage beanspruchen und findet nicht an der KHM statt. Das Seminar findet in drei Teilen statt, Termine nach Verabredung beim ersten Treffen.

Kooperationsseminar zur künstlerischen Forschung mit der Weißensee Kunsthochschule Berlin und der Universität der Künste Berlin mit Anna Bromley, sowie Knut Ebeling (Weißensee Kunsthochschule Berlin) und Kathrin Busch (Universität der Künste Berlin).  Ort: ifa-Galerie Berlin, Gutshof Sauen – Begegnungsstätte der künstlerischen Hochschulen Berlins Mit welchen Verfahren forschen Künstler*innen in Archiven? Und welche Formen und Formate entstehen dabei? Das Seminar führt in die Methode der künstlerischen Archivforschung ein und zeigt, wie man mit den Strategien der künstlerischen Forschung Archive erschließen und künstlerisch nutzen kann. Es werden Strategien der (Neu-) Schreibung von Geschichtserzählungen entlang von aktuellen künstlerischen Beispielen und Publikationen vorgestellt sowie an ausgewählten Archiven erprobt (ehemaliges Zentralinstitut für Kunst der DDR, Bundesarchiv, Grauzonenarchiv). Anna Bromley und zwei eingeladene Künstler*innen (Luise Schröder, Patrizia Bach) stellen dem Seminar ihre künstlerischen Arbeiten mit Archiven vor, die unter anderem Zeichnung, Fotografie und Klang einbeziehen. Ablauf: Nachdem wir in Berlin ausgewählte Archive besucht haben (ifa, Bundesarchiv), konzentrieren wir uns anschließend auf dem Gutshof Sauen (etwa 80 km südlich von Berlin) – der Begegnungsstätte der Berliner Kunsthochschulen – auf die künstlerischen Archivforschungen und ihre Theoretisierung. Außerdem unternehmen wir einen Ausflug zum Kunstarchiv Beeskow (Museum Utopie und Alltag). Luise Schröder, Strömungen in Bewegung, Berlin, 2025. Suza Husse und Elske Rosenfeldt (Hg.), Wildes Widerholen: Dissidente Geschichten zwischen DDR und pOstdeutschland #1, Berlin, 2019. ifa Agora: Das Zentrum für Kunstausstellungen der DDR, https://agora.ifa.de/de/themen/zfk-neu Sithara Weeratunga und Marcus Andrew Hurttig, RE-CONNECT, Kunst und Kampf im Bruderland, Leipzig, 2023

In Kooperation mit Guido Arnold vom  Duisburger Institut für Sprach- und Sozialforschung  (DISS) und Conny Crumbach vom  jfc Medienzentrum e. V. In diesem Jahrtausend dominieren Informations- und Kommunikationsräume unsere Wahrnehmung der Lebenswirklichkeit sowie unser mediales Selbstbild. Algorithmen schaffen vollkommen neue Erfahrungs-, Handlungs- und Entscheidungsräume. Sie gestalten die gesellschaftliche und politische Realität mit, indem sie kuratieren und moderieren, welche Inhalte wir sehen, worüber wir diskutieren und welche Wirklichkeit uns präsentiert wird. Damit stellen sie auch eine Form struktureller, oft unsichtbarer Gewalt dar. Das Seminar untersucht aus der Perspektive der kritischen Informatik, der Medienpädagogik und der Diskursanalyse solche Formen algorithmischer Gewalt im Kontext von Medien, Krieg und autoritärer Technikideologie. Darüber hinaus wird gemeinsam erarbeitet, wie sich diese mit ästhetischen Widerstandsstrategien und künstlerischen Praktiken sichtbar machen lassen. Vor dem Hintergrund von KI, Social Media und rechter Kulturkampf-Rhetorik schreiten wir zur Gegenwehr und holen uns Deutungshoheiten und zivilgesellschaftliche Handlungsmacht (Digital Sovereignty) als Antwort auf die technokratische Vision einer „rücksichtslos-kreativen” Elite zurück. Im Zentrum stehen dabei Fragen nach Verantwortung, (In)Transparenz, technischer Dehumanisierung und der Rolle künstlerischer Praxis. Durch die Kooperationen mit dem jfc und dem DISS sind wir in der Lage, eigene Vermittlungsformate zu KI und Gesellschaft zu konzipieren und diese in die eigene künstlerisch-edukative oder künstlerisch-aktivistische Arbeit einzubinden. Was bedeutet Kreativarbeit im Zeitalter des Hyperkriegs?

Das künstlerisch filmische Arbeiten im Kollektiv ist eine echte Alternative zum von der kapitalistischen KI favorisierten Einzelkämpfer*innentum. Anhand von internationalen Film- und Performancebeispielen wollen wir erforschen, wie das gemeinschaftliche Arbeiten Erzählform und Tonalität beeinflusst und zu Ergebnissen führt, die in hierarchischen Strukturen so nicht möglich wären. In unserem Seminar werden wir die Vorteile kollektiver Arbeit eingehend betrachten und dabei sowohl ihre Potenziale als auch die damit verbundenen Grenzen und Herausforderungen diskutieren. Zu diesem Zweck werden wir Gespräche mit Mitgliedern verschiedener Kollektive führen, die bemerkenswerte Performances und Filme produziert haben, um Einblicke in ihre praktischen Erfahrungen zu gewinnen. Artistic film work in a collective is a genuine alternative to the lone wolf approach favoured by capitalist AI. Using international film and performance examples, we want to explore how collaborative work influences narrative form and tonality and leads to results that would not be possible in hierarchical structures. In our seminar we will look in depth at the benefits of collective work, discussing its potential as well as its limitations and challenges. To this end, we will have conversations with members of various collectives who have produced remarkable performances and films to gain insights into their practical experiences.

Das Seminar wird gleichzeitig auch als Zoom-Konferenz angeboten. Im Wintersemester 2021/22 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

In diesem Kolloquium werden wir eigene Texte lesen und diskutieren, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten. Gewisse Fragen stellen sich beim Schreiben immer wieder: Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie lasse ich Zeit vergehen? Wie kommen meine Figuren von A nach B? Wie schreibe ich einen guten Dialog? Was unterscheidet die erlebte Rede von der indirekten Rede? Zudem möchten wir die Teilnehmer*innen des Kolloquiums mit der Lebensrealität von Schriftsteller*innen vertraut machen, denn inzwischen sollte sich herumgesprochen haben, dass die meisten von ihnen nicht vom Verkauf ihrer Bücher leben können. Wovon aber leben sie dann?

Im Sommersemester 2022 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Dieses Seminar wird eine Textwerkstatt, die sich auf studentische Arbeiten und Projekte bezieht. Erwünscht sind alle Formen der Textproduktion, kürzere und längere Bögen. Fragen der Konstruktion und Dramaturgie können neben Fragen der Recherche und des Kontextes gestellt werden. Wo fängt ein Text an und wo hört er auf? Welche ästhetische Grammatik liegt ihm zu Grunde, ob Gedicht, ob Roman, Drehbuch oder installatives Format, ob Hörspiel oder Kurzprosasammlung. Was sind meine Erwartungen an den Text? Trägt er ein Versprechen in sich und wie folge ich ihm? Wie arbeitet er mit anderen künstlerischen Gesten zusammen, will er überhaupt in einem Genre begriffen sein? Wie kann ich ihn (dann) befragen? Welche Reaktionen kommen von anderen, mit denen ich nicht gerechnet habe? Mit diesen Fragen werden wir unsere spielerischen Fähigkeiten in der Lektüre herausfordern und unsere eigenen Schreibprozesse unterstützen.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation, experimentellen Games und Vr vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Seminar stehen die eigenen Projekte und Arbeiten im Vordergrund. Vom Roman übers Drehbuch bis hin zur Lyrik oder Textformen, die sich keiner Gattung zuordnen lassen, sind hier alle schriftlichen Arbeiten und ihre Autor*innen herzlich willkommen. Fragestellungen zu den Themen Plotentwicklung, Figurencharakterisierung und Relevanz, können genauso diskutiert werden wie sprachliche Aspekte bis hin zum Feinlektorat. Verstehen andere meinen Text inhaltlich so wie ich will? Wenn nicht, warum nicht? Sind die Dialoge glaubhaft? Was fehlt dem Text noch und was kann ich am besten? Dabei geht es nicht nur um eine intensive Lektüre, wir üben uns auch darin, eine Sprache zu finden, in der wir uns produktiv über Geschriebenes austauschen können. Wie argumentieren wir aus dem Text heraus? Was ist im Sinne des Textes notwendig? Darüber hinaus bietet das Kolloquium Raum, sich über poetologische Verunsicherungen zu unterhalten, Fragen zum Literaturbetrieb zu stellen oder sich über aktuelle Debatten und Diskurse auszutauschen.

Im Wintersemester 2022/23 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

Im Sommersemester 2023 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Je mehr Text ich produziere, umso größer wird meine Verantwortung für das bereits Entstandene und die Notwendigkeit seiner Überarbeitung. Wie behalte ich eine Form im Blick, die ich noch gar nicht kenne? Wie finde ich die richtige Frage, die mich und meinen Text weiterführt? Und was fange ich mit der Antwort an? „Wir müssen beschränken, wonach wir fragen“, schreibt Klaus Heinrich in seinem Buch „Versuch über die Schwierigkeit nein zu sagen“. Und weiter: „Obschon wir nicht die Ansicht teilen, dass sinnwidrige Fragen zu stellen in jedem Falle ein sinnwidriges Unternehmen ist, obschon wir vielmehr der Ansicht sind, dass kaum eine Frage so dringlich ist wie die, was Menschen dazu treibt, sinnwidrige Fragen zu stellen, und wir beinahe geneigt sind, an der Ernsthaftigkeit einer Aussage zu zweifeln, die sich nicht in Form einer sinnwidrigen Frage vortragen lässt, wollen wir doch zuerst nach dem Sinn unserer Frage fragen.“ Im Montagscolloquium bietet sich die Möglichkeit sowohl sinnwidrige wie sinnvolle Fragen an entstehende Texte zu stellen und im gemeinsamen Gespräch, Antworten darauf zu finden.

Im Wintersemester 2023/24 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

In diesem Kolloquium stehen die Texte der Seminarteilnehmer*innen im Vordergrund, die wir lesen und diskutieren wollen, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten, auch Essays, Drehbücher, lyrische Arbeiten und gattungsübergreifende Textformen sind willkommen. Gewisse Fragen stellen sich im Schreibprozess immer wieder: Wie entwickle ich glaubhafte Figuren? Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie lasse ich Zeit vergehen? Wie kommen meine Figuren von A nach B? Wie schreibe ich einen guten Dialog? Wie gehe ich bei der Recherche vor? Was unterscheidet die erlebte Rede von der indirekten Rede? Trägt die Sprache? Stimmen die Bilder? Habe ich zu wenig, habe ich zu viel gesagt? Diese und andere Fragen wollen wir im Seminar stellen und gemeinsam Antworten finden.

Im Sommersemester 2024 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Wintersemester 2024/25 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Sommersemester 2025 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Wintersemester 2025/26 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Sommersemester 2026 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch erste Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und respektvoll gemeinsam diskutiert werden. In diesem Zusammenhang sollte bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem werden auch die spezifischen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert. Die Organisation studentischer Gruppenausstellungen, Publikationen, Gäste sowie Ausstellungsbesuche sind weitere wichtige Bestandteile, die das Kolloquium ergänzen und weiterführen.

In diesem offenen Kolloquium stehen die Texte der Seminarteilnehmer*innen im Vordergrund die wir lesen und diskutieren wollen seien es Auszüge aus Romanprojekten Erzählungen oder Kurzgeschichten. Auch Essays Drehbücher lyrische Arbeiten und gattungsübergreifende Textformen sind willkommen. Gewisse Fragen stellen sich im Schreibprozess immer wieder: Sind meine Figuren glaubhaft? Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie gehe ich bei der Recherche vor? Wie finde ich die richtige Form für den Stoff? Trägt die Sprache? Stimmen die Bilder? Wie wird mein Text von anderen gelesen und verstanden? Diese und andere Fragen wollen wir im Kolloquium stellen und gemeinsam Antworten finden. Sprache: Deutsch

Im Wintersemester 2026/2027 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch erste Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und respektvoll gemeinsam diskutiert werden. In diesem Zusammenhang sollte bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem werden auch die spezifischen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert. Die Organisation studentischer Gruppenausstellungen, Publikationen, Gäste sowie Ausstellungsbesuche sind weitere wichtige Bestandteile, die das Kolloquium ergänzen und weiterführen.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation, experimentellen Games und VR vorgestellt und besprochen. Die Studierenden sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden sowohl historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Studierenden sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student_innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student_innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation ,experimentellen Games und Vr vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

Unterrichtssprache: Deutsch, englische Texte können besprochen werden Dieses Seminar ist die wiederkehrende Textwerkstatt des Literarischen Schreibens, die sich auf studentische Arbeiten und Projekte bezieht, die bestehen, in Gang gebracht werden müssen oder dem Ende zu gehen. Erwünscht sind alle Formen der Textproduktion, die auf kürzere oder längere Formate hinauslaufen. Fragen der Konstruktion und Dramaturgie können neben Fragen der Recherche und des Kontextes gestellt werden. Wo fängt ein Text an und wo hört er auf? Welche ästhetische Grammatik liegt ihm zu Grunde, ob Roman oder Gedicht, ob Theatertext oder Drehbuch oder installatives Format, ob Hörspiel oder Kurzprosasammlung. Was sind meine Erwartungen an den Text? Was für ein Versprechen trägt er in sich und wie kann ich dem folgen? Wie arbeitet er mit anderen künstlerischen Gesten zusammen, will er überhaupt in einem Genre oder gar Gattung begriffen sein? Wie kann ich ihn (dann) befragen? Welche Reaktionen kommen von anderen, mit denen ich nicht gerechnet habe? Mit diesen Fragen werden wir unsere spielerischen Fähigkeiten in der Lektüre herausfordern und unsere eigenen Schreibprozesse unterstützen.

In diesem Kolloquium stehen die Texte der Seminarteilnehmer*innen im Vordergrund, die wir lesen und diskutieren wollen, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten. Auch Essays, Drehbücher, lyrische Arbeiten und gattungsübergreifende Textformen sind willkommen. Gewisse Fragen stellen sich im Schreibprozess immer wieder: Sind meine Figuren glaubhaft? Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie gehe ich bei der Recherche vor? Wie finde ich die richtige Form für den Stoff? Trägt die Sprache? Stimmen die Bilder? Wie wird mein Text von anderen gelesen und verstanden? Diese und andere Fragen wollen wir im Kolloquium stellen und gemeinsam Antworten finden. [Konkrete Details zur inhaltlichen Ausgestaltung dieses Seminars werden an dieser Stelle nach Abschluss des Besetzungsverfahrens für die KüWi-Stellen im Literarischen Schreiben ergänzt.]

In diesem Kolloquium stehen die Texte der Seminarteilnehmer*innen im Vordergrund, die wir lesen und diskutieren wollen, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten. Auch Essays, Drehbücher, lyrische Arbeiten und gattungsübergreifende Textformen sind willkommen. Gewisse Fragen stellen sich im Schreibprozess immer wieder: Sind meine Figuren glaubhaft? Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie gehe ich bei der Recherche vor? Wie finde ich die richtige Form für den Stoff? Trägt die Sprache? Stimmen die Bilder? Wie wird mein Text von anderen gelesen und verstanden? Diese und andere Fragen wollen wir im Kolloquium stellen und gemeinsam Antworten finden. Die Bereitschaft zur regelmäßigen Teilnahme wird erwartet. You are welcome to bring and discuss writings in English!

Dieses Kolloquium ist die Textwerkstatt des Literarischen Schreibens. Erwünscht sind alle Formen der Textproduktion, ob Roman, Lyrik, Kurzprosa, Drehbuch, Essay oder installative Arbeiten. Fragen der Konstruktion und Dramaturgie werden hier auf Fragen der Figurenentwicklung, Bildlichkeit oder des Rhythmus treffen. Problematiken der Recherche und Erkundungen des Kontextes haben hier ihren Raum. Wo fängt ein Text an und wo hört er auf? Was sind meine Erwartungen an den Text? Trägt er ein Versprechen in sich und wie folge ich ihm? Welche ästhetischen Mitteln helfen mir dabei, welche Umwege muss ich vielleicht gehen und welche Abkürzungen nehmen? Wie arbeitet der Text mit anderen künstlerischen Gesten zusammen? Wie kann ich ihn (dann) befragen? Welche Reaktionen kommen von anderen, mit denen ich nicht gerechnet habe? Mit diesen Erkundungen werden wir unsere spielerischen Fähigkeiten in der Lektüre herausfordern und unsere eigenen Schreibprozesse unterstützen. Die Seminarsprache ist deutsch, englischsprachige Texte können jedoch auf Englisch besprochen werden. This colloquium serves as a writing workshop for literary composition. All forms of text production are welcome, whether novels, poetry, short prose, screenplays, essays or installation-based works. Questions of structure and dramaturgy will intersect here with questions of character development, imagery and rhythm. We will address issues of research and contextual exploration. Where does a text begin and where does it end? What are my expectations of the text? Does it hold a promise, and how do I follow it? Which aesthetic devices help me do this, which detours might I have to take, and which shortcuts can I take? How does the text interact with other artistic gestures? How can I (then) interrogate it? What reactions come from others that I hadn’t anticipated? Through these explorations, we will challenge our playful abilities in reading and our own and support our own writing processes. The seminar will be conducted in German, but English-language texts may be discussed in English.

Britta Tekotte ist Sprecherzieherin und Multiartist (Schriftstellerin, Live-Musikerin und Musikmaschinenbauerin an der Schnittstelle zum Tanz) mit Basis in Köln. Als Sprecherzieherin arbeitet sie derzeit vor allem am Schauspiel Köln und im Theater Münster mit den Ensembles, aber auch Stimmchöre und unterschiedlichen Spielclubs mit Laiendarsteller*innen. Das Literarische Schreiben hat sie eingeladen, einen Workshop zum Sprechen und Lesen auf der Bühne zu geben, ein Kompaktseminar, in dem wir vorwiegend praktisch an der physiologisch gesunden Körperhaltung, Atmung und Stimmgebung arbeiten. Letzteres schließt auch ansprechende Artikulation, Bühnenpräsenz und Vorlesetechniken mit ein. Hierbei liegt der Fokus auf der Präsentation eigener Texte, welche eine besondere Herausforderung darstellt, weil die darstellende Person sich im Vollzug gleich doppelt offenbart. Damit das Publikum verstehen kann, worum es in Autor*innentexten geht und mit-, weiterdenken kann und die Autor*innen selbst möglichst viel Freude an der Präsentation haben, lohnt es sich, den Vorleseakt genauer zu üben. Auch Studierende, die ihre Texte in jedweder Form performen, sind willkommen.  Das Seminar steht im Zusammenhang mit dem dramatischen Seminar „The End of the Story“ sowie dem Kompaktseminar „Hörspiellabor“ im Deutschlandradio und dem Fachseminar „Spielzeit 25/26“, in dem Literatur und dramatische Praxis verbunden werden. Texte für das „Hörspiellabor“ können in diesem Seminar akustisch erarbeitet werden.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre filmischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht. Seminarsprache: deutsch und englisch From the theoretical approach to the viewing, analysis and further development of student projects: Material order: the idea of ordering Theme: crystallizing and focusing Concepts of time and space: continuity and discontinuity Structural principles: Fragment, document, narration, experiment Forms of montage: intra-sequential and trans-sequential Element research: image, sound, silence, text, language Reality: construction and reconstruction Students are given the opportunity to present their filmwork from rough cut to fine cut. The focus will be on analytical and understanding-oriented reception, the view of others on the own artistic filmmaking. In mutual discussion, we will develop ideas and perspectives on creation, in particular with the means of montage. In addition by arrangement, there is the possibility of continuous dramaturgical collaboration during the editing process. Regular participation is desired. Seminar language: German and English.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion. Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt der Betrachtung and Diskussion. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht nach Absprache die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung des studentischen Projektes: – Materialordnung: die Idee des Ordnens – Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren – Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität – Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment – Montageformen: innersequentiell und transsequentiell – Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache – Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre doku- mentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick des anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht nach Absprache die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung des studentischen Projektes. Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht.

Zinnober, Auripigment, Meteoritenstaub und Purpurschnecken – beim beständigen Experimentieren des Malers und intermedialen Künstlers Sigmar Polke mit organischen Pigmenten, Pflanzen, Chemikalien und Bindemitteln stand das Zusammenwirken und die Veränderung der Materialeigenschaften und ihrer Zustände im Fokus. Mit der Echtzeitbeobachtung von Kontamination und Toxizität sowie einem alchemistischen Interesse am Experimentieren mit und gegen physikalische und chemische Verfalls- und Transformationsweisen, lag Polkes Blick auf dem Prozess und seinem Nachvollzug durch Träger- und Aufzeichnungsmedien wie Textilien, Leinwand, Papier, Ausstellungswände, Fotografie, Film, Projektion. Die Arbeit mit und gegen Techniken und Materialien hat viele Künstler*innen der letzten Jahre zu Materialinterventionen und Reflexion mit Polkes Experimentierweisen inspiriert. Die Malerin Helen Marten hat seine Arbeitsweise als fluide Systeme der Weltbeschreibung und die vielschichtige Nutzung von Projektion, – fotografisch, theatral im Sinne von Drag, psychologisch etc. – hervorgehoben. Die Prozessualität des Materials durch Einflüsse von Feuchtigkeit und Wärme war zentrales Merkmal von Polkes Biennale-Zyklus und schreibt sich in fluiden Ausstellungsinszenierungen und Experimenten der Gegenwartskunst als material- und ökokritische Reflexionen fort. Der in Kooperation veranstaltete Studientag ¬ der Anna Polke-Stiftung und der KHM anlässlich 40-jährigen Jubiläums von Polkes Athanor-Projekts im Deutschen Pavillon in Venedig 1986 in Kooperation mit dem Museum Abteiberg (Polke-Raum) die diversifizierten Zugänge, Experimentierweisen und künstlerischen Aktualisierungen untersucht und mit theoretischen und performativen Interventionen reflektiert werden. Zum Seminar finden Exkursionen statt, und es wird auf einen Studientag mit Interventionen im Museum Abteiberg am 7.11.2026 hingearbeitet. English: Cinnabar, orpiment, meteorite dust, and purple snails—in his constant experimentation with organic pigments, plants, chemicals, and binders, painter and intermedia artist Sigmar Polke focused on the interaction and transformation of material properties and their states. With his real-time observation of contamination and toxicity, as well as an alchemical interest in experimenting with and against physical and chemical modes of decay and transformation, Polke focused on the process and its reproduction through carrier and recording media such as textiles, canvas, paper, exhibition walls, photography, film, and projection. Working with and against techniques and materials has inspired many artists in recent years to engage in material interventions and reflect on Polke's methods of experimentation. The painter Helen Marten has highlighted his working method as a fluid system of describing the world and his multi-layered use of projection—photographic, theatrical in the sense of drag, psychological, etc. The processual nature of the material due to the effects of moisture and heat was a central feature of Polke's Biennale cycle and continues to be reflected in fluid exhibition staging and experiments in contemporary art as material and eco-critical reflections. The jointly organized study day by Anna Polke Foundation and KHM on the occasion of the 40th anniversary of Polke's Athanor project at the German Pavilion in Venice in 1986, the diverse approaches, experimental methods, and artistic updates will be examined and reflected upon with theoretical and performative interventions in 2026 in cooperation with the Museum Abteiberg (Polke Room). On occasion of the seminar there will be excursions and it will culminate in a study day with interventions at the Museum Abteiberg on November 7, 2026. Literaturliste (Auswahl) / Reading list (selection): Kathrin Busch/Kathrin Peters (Hg.), Wessen Wissen? Materialität und Situiertheit in den Künsten, Berlin 2016. Reader Produktive Bildstörung: Sigmar Polke und aktuelle Perspektiven, Anna-Polke-Stiftung, Berlin 2023. Kathy Halbreich/Barbara Engelbach (Hg.), Alibis: Sigmar Polke Retrospektive 1963–2010, Ausst.-Kat. MoMA New York/Museum Ludwig Köln, München 2014. Dierk Stemmler (Hg.), Sigmar Polke: ATHANOR, Ausst.-Kat. Deutscher Pavillon, Biennale Venedig, Düsseldorf 1986. Anna Lowenhaupt Tsing, Der Pilz am Ende der Welt: über das Leben in den Ruinen des Kapitalismus, Berlin 2018.

Mit Kopfhörern Klängen zu lauschen scheint mittlerweile eine alltägliche Sache zu sein. Doch gibt es verhältnismäßig wenig Auseinandersetzung mit den vielfältigen Möglichkeiten des Kopfhörens an sich. In diesem Seminar beschäftigen wir uns daher detailliert mit dem Hören von Klängen, die wir gezielt entweder direkt neben unseren Ohren oder sogar unmittelbar in den äußeren Gehörgängen entstehen lassen. Wir erkunden verschiedene Bauformen von Kopfhörern und experimentieren mit ihren jeweiligen Möglichkeiten als Schallverstärker oder Schallquelle. In einem zweiten Schritt erproben wir unterschiedliche Formen der Klanggestaltung und kreieren Klangwelten zum Kopfhören: kleine und groß, filigrane und gewaltige, farbefrohe und trübe, eindimensionale oder räumliche, wilde und ruhige, … Im Laufe des Seminars werden wir uns dabei von der Imagination bis hin zum Higher Order Ambisonics Processing mit Head Tracking und binauralem Rendering wegweisende Technologien des Kopfhörens erschließen. Fachseminar Hauptstudium und weiterqualifizierendes Studium, offen für Interessierte aus dem Grundstudium.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar Produktion richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen und die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Seminar die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Nach der neuen Projektordnung werden KHM-Studierende unter bestimmten Voraussetzungen zu Produzent*innen bzw. Hersteller:innen ihrer eigenen Werke. Spätestens dann übernehmen sie für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams die wirtschaftliche Verantwortung. Doch bereits für das erste Projekt – genauso wie für die spätere Tätigkeit als Regisseur*in – ist es essentiell, die Wechselwirkung zwischen dem Künstlerischen und dem Produktionellen sowie die Herstellungsprozesse zu verstehen. Anhand eines Beispiel-Drehbuchs simuliert das Grundlagenseminars die einzelnen produzentischen Schritte und vermittelt dadurch die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen, rechtlichen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke: von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, das Casting und die Teambesetzung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Rechteklärung, Endfertigung, Abrechnung und Auswertung. Under the new project regulations, KHM students become producers of their own works under certain conditions. At this point, at the latest, they assume financial responsibility for their artistic projects, their creative decisions and, if applicable, for the members of the production team. However, even for the first project – just as for later work as a director – it is essential to understand the interaction between the artistic and the production aspects, as well as the production processes. Using a sample script, the basic seminar simulates the individual production steps and thus teaches the essential economic, organisational, legal and technical basics of producing audiovisual works: from the initial idea to calculation and financing, casting and team selection, the entire project organisation to rights clearance, final production, accounting and evaluation.

Mit dem ersten Projekt werden KHM-Studierende häufig auch zu Producer*innen, für eigene Vorhaben oder für Projekte von Kommilliton*innen. Unter bestimmten Voraussetzungen können sie nach der neunen Projektordnung auch Hersteller*innen ihrer Werke werden. Das Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 1 + 2 vermittelt über zwei Semester die dafür notwendigen wirtschaftlichen, organisatorischen, rechtlichen, ethischen und ökologischen Grundlagen audiovisueller Produktion: von der ersten Idee über Kalkulation, Finanzierung und Projektorganisation bis zu Rechteklärung, Endfertigung und Auswertung. Im Mittelpunkt steht der Balanceakt zwischen künstlerischem Anspruch, verfügbaren Mitteln, Realisierbarkeit und rechtlichem Rahmen. Produktion wird dabei als Teil künstlerischer Praxis verstanden. Ziel des Seminars ist es, Studierende handlungsfähiger und souveräner im Umgang mit ihren Projekten zu machen.

Im Grundlagenseminar “Kreatives Produzieren II“ werden einige der im ersten Teil des Grundlagenseminars vermittelten Themen vertieft und Softwarelösungen für Drehplan, Kalkulation, CashFlowPlan, Kostenstand und Abrechnung vorgestellt und geübt. Erweitert werden die Themen um die Grundlagen des „nachhaltigen Produzierens“, Festival- und Auswertungsbasics sowie medienrechtliche Grundlagen zur Sensibilisierung im Umgang mit urheberrechtlich geschütztem Material. Die Entstehung von Urheberschaft durch die Schaffung neuer Werke, der Schutz der Persönlichkeit und die Regelung von Ansprüchen sowie Arbeitsverhältnissen durch Vertragsgestaltung stehen ebenso im Fokus des Seminars wie die Pflichten als Produzent*in.

Im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 2 werden die im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, ihr steht in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc.. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Weiteres zentrales Thema bleibt die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Ein ebenso wichtiger Bestandteil des kreativen Produzierens ist die Frage der Sichtbarmachung der Filmwerke für ein Publikum (Festivalstrategie, Verleih, Vertreib etc.) – eine Frage, die bereits in der Stoffentwicklung essenziell ist. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit euren künstlerischen Projekten an der KHM behandelt.

Im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 2 werden die im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, ihr steht in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc.. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Weiteres zentrales Thema bleibt die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Ein ebenso wichtiger Bestandteil des kreativen Produzierens ist die Frage der Sichtbarmachung der Filmwerke für ein Publikum (Festivalstrategie, Verleih, Vertreib etc.) – eine Frage, die bereits in der Stoffentwicklung essenziell ist. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit euren künstlerischen Projekten an der KHM behandelt.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar PRODUKTION richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen, die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Grundlagenseminar PRODUKTION die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Nach der neuen Projektordnung werden KHM-Studierende unter bestimmten Voraussetzungen zu Produzent: innen bzw. Hersteller:innen ihrer eigenen Werke. Spätestens dann übernehmen sie für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter:innen des Produktionsteams die wirtschaftliche Verantwortung. Doch bereits für das erste Projekt – genauso wie für die spätere Tätigkeit als Regisseur:in – ist es essentiell, die Wechselwirkung zwischen dem Künstlerischen und dem Produktionellen sowie die Herstellungsprozesse zu verstehen. Anhand eines Beispiel-Drehbuchs simuliert das Grundlagenseminars die einzelnen produzentischen Schritte und vermittelt dadurch die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen, rechtlichen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke: von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, das Casting und die Teambesetzung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Rechteklärung, Endfertigung, Abrechnung und Auswertung. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen, die Produktionsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt dieses Grundlagenseminar die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen, rechtlichen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Rechteklärung, Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 2 werden die im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, ihr steht in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc. für die studentischen Arbeiten. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Weiteres zentrales Thema bleibt die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Ein wichtiger Bestandteil des kreativen Produzierens ist die Frage der Sichtbarmachung der Filmwerke für ein Publikum – eine Frage, die bereits in der Stoffentwicklung essentiell ist. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen, wie z.B. Verhandlungspraktiken, Postproduktionsplanerstellung, Kalkulation und Abrechnung soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit euren künstlerischen Projekten an der KHM behandelt.

The 1991 Gulf War was the first televised war in history. "There are changes in the military order, just as there are changes in the political order. In the meantime, diplomacy is only effective through interposed images. As a hostage of the televisual interface, the viewer becomes the recipient of a principle of insecurity", wrote Paul Virilio in 1991 in "L'Écran du Désert" (German title: "Krieg und Fernsehen"). We will use Virilio's analysis to approach the current militarized media order and to reflect about artistic interventions of audiovisual disarmament.

Das Seminar richtet sich vor allem an Studierende, die unsere KI-Seminare der zurückliegenden Semester besucht haben und nun an eigenen Projekten in diesem Bereich arbeiten. Neben der Vorstellung und Besprechung der studentischen Vorhaben werden wir auch neue Arbeiten in der Kunst und aktuelle Fortschritte in den KI-Technologien vorstellen und diskutieren. Neueinsteiger mit KI- und Python-basierten Projektideen wie auch Interessierte ohne eigene Projekte sind natür-lich willkommen.

Das Seminar richtet sich vor allem an Studierende, die unsere KI-Seminare der zurückliegenden Semester besucht haben und nun an eigenen Projekten in diesem Bereich arbeiten. Neben der Vorstellung und Besprechung der studentischen Vorhaben werden wir auch neue Arbeiten in der Kunst und aktuelle Fortschritte in den KI-Technologien vorstellen und diskutieren. Neueinsteiger mit KI- und Python-basierten Projektideen wie auch Interessierte ohne eigene Projekte sind selbstverständlich willkommen.

Das Seminar richtet sich vor allem an Studierende, die unsere KI- und Grundlagen-Seminare der zurückliegenden Semester besucht haben und nun an eigenen Projekten arbeiten. Neben der Vorstellung und Besprechung der studentischen Vorhaben werden wir auch neue Tendenzen in der Kunst und aktuelle Fortschritte in den KI-Technologien vorstellen und diskutieren. Neueinsteiger mit KI- und Python-basierten Projektideen wie auch Interessierte ohne eigene Projekte sind natürlich willkommen.

Wie verändert sich die Stadt, wer kommuniziert auf Werbeflächen und wie kann kulturelle Teilhabe im Zeitalter des Anthropozäns noch gestaltet werden? Im viertägigen Kompaktseminar setzen wir uns mit Litfaßsäulen und Werbeflächen in der Stadt auseinander: Themen wie Adbusting, Urban Art, unintended Design und der Einfluss von Vermarktungsstrategien auf unsere Lebenswelt stehen im Fokus. Ausgehend von der eigenen Arbeit der Teilnehmenden entwickeln wir künstlerisch-grafische Konzepte, die sich für eine 360°-Rundumplakatierung einer Litfaßsäule eignen. Im Spannungsfeld von politischer Reflexion und kommerzieller Realität erhalten die Studierenden die Möglichkeit die Litfaßsäulen für kurze Zeit aus ihrem Werbekontext zu lösen. Die individuell gestalteten dreidimensionalen Entwürfe werden gedruckt und in einer gemeinsamen Ausstellung für einen Monat auf Litfaßsäulen im Düsseldorfer Stadtraum plakatiert. Dadurch werden die Werbeflächen im Sommer zum Teil der Stadtkultur.

"Short film is still the most important source of film renewal, the experimental field on which future film languages are formed. Today, the diversity of forms, themes and approaches is greater than ever. Feature film or essay, installation, thesis film or artist's film, music video, animation, documentary and all conceivable hybrid forms are emerging all over the world and increasingly online on numerous platforms. The International Short Film Festival Oberhausen has been moving in this field of tension for over 60 years; it is a catalyst and showcase for current developments, a forum for often controversial discussions, a discoverer of new trends and talents and, last but not least, one of the most important short film institutions worldwide. Oberhausen is the oldest short film festival in the world and the largest festival in North Rhine-Westphalia, with around 7,000 films submitted each year, approximately 500 films in the festival programme and over 1,100 accredited professional visitors annually. “ www.kurzfilmtage.de, Mi, 26.04.2023 - Mo, 01.05.2023 On the weekend, on 29 and 30 April, we will meet with filmmakers, curators and distributors. The accreditation will give you access to the screenings, presentations, talks and parties.

Das Seminar "Land of Thousand Dances" ist eine Kooperation mit Prof. Dr. Michael Rappe an der Hochschule für Musik und Tanz Köln (HfMT Köln) und steht Studierenden beider Hochschulen offen. Inhalt des Seminars ist die Auseinandersetzung mit den wichtigsten Gestaltungsprinzipien Elektronischer (Pop)Musik wie z.B. Hip Hop, House, Techno und Electronica. Anhand zentraler künstlerischer Entwicklungen (DJing, Mixing) und der exemplarischen Darstellung wichtiger medialer Transformationen (vom analogen DJ-Setup zu digitalen Techniken des Sampling oder wegweisende Synthesizer- und Effekttechnologien) sollen die spezifischen Kunstfertigkeiten und die stilimmanenten musikalischen Techniken erarbeitet und so ein Überblick über die stilistischen Unterschiede der wichtigsten Genres im Bereich der Elektronischen (Pop)Musik gegeben werden. Im weiteren Verlauf des Seminars soll darüber hinaus das Spannungsverhältnis zwischen subkultureller Verortung und musikindustrieller Vereinnahmung elektronischer Sounds thematisiert werden. Erstes Treffen am Samstag 9. April 10:00 - 17:00 zum eröffnenden Workshop Tag an der Kunsthochschule für Medien Köln. Ab dem 12. April wöchentliches Seminar Dienstags 13:15 - 14:45 an der Hochschule für Musik und Tanz Köln (Unter Krahnenbäumen 87, 50668 Köln).

((Ankündigung Deutsch)) Seit einigen Jahren lässt sich ein neuer Boom lateinamerikanischer Literatur beobachten, wie man ihn wohl seit den 60ern/70ern nicht mehr erlebt hatte. Autorinnen wie Samanta Schweblin, Fernanda Melchor, María Fernanda Ampuero, Mónica Ojeda oder Mariana Enriquez werden von der internationalen Kritik entdeckt und gefeiert. Die Literaturwissenschaft spricht von ihnen als Vertreterinnen eines „New Gothic“, „Gótico Latinoamericano“ oder „Gótico Andino“, die Erzähltechniken des Horrors und Fantastischen miteinander verbinden. Doch trifft dieses Label überhaupt zu? Ihre Texte erzählen schließlich keine Gespenstergeschichten in der Tradition klassischer Schauerromane. Sie verhandeln vielmehr die Schrecken realer gesellschaftlicher Zustände ihres Kontinents: Femizide, Traumata von Diktaturen, soziale Ungleichheit und Extraktivismus. In diesem Seminar werden wir gemeinsam zeitgenössische Autorinnen aus Ländern wie Argentinien, Mexiko und Ecuador lesen und in ihren Texten untersuchen, wie Schauerromantik mit indigenen Kosmologien, lateinamerikanischer Geschichte und gegenwärtigen feministischen Perspektiven verknüpft wird. Wir diskutieren, ob gerade das Genre des Horrors ein wirksames Werkzeug ist, um Unaussprechliches zu erzählen und fragen uns nicht zuletzt, wie man dies für das eigene Schreiben nutzen kann. Die Bereitschaft zur regelmäßigen Lektüre in Vorbereitung auf die Seminarsitzungen wird erwartet. Die Texte werden, je nach Verfügbarkeit, auf Englisch und/oder Deutsch sowie im spanischen Original zur Verfügung gestellt. Spanischkenntnisse sind nicht erforderlich. ((Ankündigung Englisch)) In recent years, there has been a “boom” in Latin American literature unlike anything seen since the 1960s and 1970s. Especially female writers such as Samanta Schweblin, Fernanda Melchor, María Fernanda Ampuero, Mónica Ojeda, and Mariana Enríquez are being discovered and celebrated by international critics. Literary scholars refer to them as representatives of a “New Gothic,” “Gótico Latinoamericano,” or “Gótico Andino,” blending the narrative techniques of horror and the fantastic. But does this label even apply? After all, their texts do not tell ghost stories in the tradition of classic gothic novels. Rather, they address the horrors of real social conditions on their continent: femicide, the trauma of dictatorships, social inequality, and extractivism. In this seminar, we will read works by contemporary female authors from countries such as Argentina, Mexico, and Ecuador, and examine how Gothic aesthetics are intertwined with indigenous cosmologies, Latin American history, and contemporary feminist perspectives in their texts. We will discuss whether the horror genre in particular is an effective tool for telling the unspeakable, and, not least, ask ourselves how this can be applied to our own writing. Participants are expected to read regularly in preparation for the seminar sessions. Depending on availability, the texts will be provided in English and/or German, as well as in the original Spanish version. Knowledge of Spanish is not required.

Lektüreseminar mit praktischen Übungen. In diesem Seminar lesen wir gemeinsam wichtige literarische Publikationen der letzten zwanzig Jahre. Welche Bücher haben die Art und Weise wie über Literatur nachgedacht, und was unter ihr verstanden wird, jüngst maßgeblich verändert? Lektüren zur Orientierung und zur Umorientierung.

The seminar reflects on documentary artistic practices in relation to the "non-representability of the completely different" (M. Poos). Who or what do we seek and recognize “in the other” (place, culture, individual), if not ultimately only ourselves? Who speaks about or with whom and from what relationship with the other? We develop participation and representation strategies that open up the possibility of overcoming the limits of the limitation of our own self. Students are invited to discuss ideas, themes, approaches and developing material from their own ongoing projects at any phase.

The essay is an uncertain genre. It is derived from the Latin "exagium" attempt. The French verb "essayer" goes in the direction of "try for the first time", dare to do something, while the English "searching" means to seek and examine. In Italian, the verb “saggiare” in the substantiated form “saggio” has the double meaning of “trial” or “attempt”, but also means “the wise”, as an adjective “wise”. "The wisdom of the essay arises from experience, the self-experienced is processed in a direct, unencrypted way - one of the reasons why very few authors can resist this form." Chaim Noll writes about the essay as an attempt. In this seminar we will write, think, try together. We exchange words, images and sounds, the seminar writes its own text. At the end there might be a joint (cinematic?) Attempt, shall we go online? Let's essayer!

Bei allen Versuchen und Bemühungen, die Aufmerksamkeit auf die Bedürfnisse und den Schutz gesellschatlicher Minderheiten und Schieflagen zu lenken, ist die Bereitschaft, die sehr unterschiedliche Verteilung von Besitz zum Thema des filmischen Erzählens zu machen die, die am wenigsten gefördert wird. Warum das so ist, soll Teil dieses Seminars sein. Aber vor allem geht es darum, den Blick zu schärfen für gesellschaftliche Klassenunterschiede und das darin enthaltene Potential für filmische Stoffe. Das Seminar ist ein Angebot an Studierende, die schon in der Entwicklung begriffene Projekte auf diesen Aspekt hin beleuchten und bearbeiten wollen, sowie Studierende, die neue Stoffe für Filme, Serien und andere filmische Erzählformate entwickeln wollen, in denen unterschiedliche Besitzverhältnisse eine wesentliche Rolle spielen. Wir werden uns im Zwei-Wochen-Rhythmus treffen und in der Gruppe die Entwicklung der eigenen Stoffe und die Stoffe der anderen zugewandt und kritisch diskutieren, aber natürlich auch bestehende filmische Erzählungen analysieren, die sich mit der Klassenthematik befassen.  In all attempts and efforts to draw attention to the needs and protection of societal minorities and imbalances, the willingness to make the very different distribution of property the subject of cinematic storytelling is the one that is least encouraged. Why this is so will be part of this seminar. But above all, it is about sharpening the eye for social class differences and the potential they contain for cinematic material. The seminar is an offer to students who want to examine and work on projects already in development with regard to this aspect, as well as students who want to develop new material for films, series and other cinematic narrative formats in which different property relations play an essential role. We will meet every two weeks and discuss the development of our own material and the material of others in an approachable and critical way in the group, but of course also analyse existing cinematic narratives that deal with the class issue.

Das heißt natürlich auch: Lasst uns über "uns" und unsere Beteiligung an Institutionen sprechen. Nicht nur über die KHM als öffentlich geförderte Kunsthochschule, sondern auch: über deinen Staat, über meinen Verlag, unsere Gesundheitssysteme und über eure WG. Was als "Institutional Critique" vor ein paar Jahrzehnten noch häufig als ein Konzept der Zerstörung oder des Angriffs auf "die Institution" gelesen wurde, muss heute längst verstanden werden als spielerische und demokratische Praxis, sie als solche überhaupt am Leben zu halten. Wir schauen sowohl auf die inzwischen historischen, institutionskritischen Aktionen von Hans Haacke oder Andrea Fraser genauso wie auf aktuelle künstlerische Projekte, die den konkreten Aufbau einer Institution zum Ziel haben. Dazu rufen wir uns die historischen Voraussetzungen der Institutionsentwicklung ins Gedächtnis und lesen soziologische und politische Institutstheorien (wie zum Beispiel Acemoğlu, Ahrendt, Althusser, Castoriadis, Heinrich, Luhmann, Möllers, Weber u.a.). Um am Ende vielleicht etwas besser zu wissen: Welche Form der Institutionen sind wirklich "nützlich" (Tania Bruguera) und (wie?) zu schützen und welche müssen wir (wie?) verändern.

Thematisch beschäftigt sich unser Seminar mit dem wachsenden Ungleichgewicht der Verteilung des Vermögens in unserer Lebensumgebung. Diese Entwicklung bringt enorme gesellschaftliche Probleme mit sich und verdient eine filmische Auseinandersetzung. Wir wollen einen Entwicklungsraum anbieten für No- bis Low-Budget Miniserien/Minireihen, die sich mit den Konflikten und der Komik beschäftigen, die zutage treten, wenn unterschiedliche gesellschaftliche Klassen aufeinandertreffen. Dabei wollen wir von Anfang an die produktionelle Umsetzung mitdenken, um neue erzählerische Formate anzustoßen. Das Seminar richtet sich ausdrücklich an alle Klassenperspektiven. Our seminar deals thematically with the growing imbalance in the distribution of wealth in our living environment. This development causes enormous social problems and deserves to be addressed in filmic narrative. We want to offer a development space for no- to low-budget mini-series that deal with the conflicts and comedy that appear when different social classes clash. We will also give thought to the production possibilities from the very beginning in order to challenge new narrative formats. The seminar is explicitly aimed at all class perspectives.

Wie bringe ich ein Gedicht zu einem guten Ende? Weiß ich, wo es hinwill, oder umgekehrt: weiß es, wo ich hinwill? Setze ich auf Pointen? Sehe ich kurz vor Schluss einer haltbaren Sentenz entgegen? Wartet dort etwa die Bilanz? Oder breche ich einfach ab, mitten im Vers oder gar mitten im Wort, im Sinne von Paul Valéry sprichwörtlicher Feststellung, die für alle Amateure* von Unruhe und Perfektion Gültigkeit habe: “Un ouvrage n’est jamais achevé . . . mais abandonné”, man schreibt es nie fertig, man gibt es auf. Doch wann ist es genug? Wenn ich eine klassische Form wie das Sonett zugrundelege, weiß ich, dass mit dem vierzehnten Vers ein Ende erreicht sein muss, ganz gleich, ob es sich um ein gutes oder ein schlechtes handelt. Nehme ich ein Langgedicht in den Blick, habe ich es womöglich mit einer ganzen Staffel letzter Verse zu tun, mit Etappenstopps, auf die Langstrecke verteilt. Welche Lektüren, Routinen, Formen und Methoden helfen bei der Finalisierung? Wir besprechen eigene (entstehende oder vorläufig beendete) Gedichte und ziehen Gedichte und zuweilen auch literaturwissenschaftliche Texte zurate. Zum Beispiel von Helena Boberg, Mira Mattar, Alice Notley, Kim Hyesoon, Ursula Andkjær Olsen, Frank Kermode, Andrea Polaschegg, Reinhard Priessnitz, Georg Leß, Richard Siken, Dominik Steiger und anderen. Mit Übungen. Unterrichtssprache: Deutsch.

Using documentary film and a series of readings on the history of liberation movements from Cuba, to South Africa, to Palestine, this seminar will explore the common themes of these movements, the unfinished qualities and reversals, and the contemporary and future manifestations of liberation movements. Concentrating on the anti-colonial impulse in liberation movements, the seminar also explores betrayals of the revolutions, and limits of their visions. Finally it re-examines ongoing imperial projects in light of this history and present.

Zusammen mit einem/einer renommierten Oberbeleuchter*in werdet ihr in kleinen Gruppen die Lichttechnik der KHM ausprobieren und lernen, wie diese gestalterisch und dramaturgisch für eure Projekte zu nutzen ist. Wir möchten in diesem praktisch orientierten Licht-Kompaktseminar an verschiedenen Locations der KHM unterschiedliche alltägliche und häufig wiederkehrende Lichtstimmungen vorplanen, erzeugen und drehen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung Gegenstand des Seminars werden.

In diesem Seminar wollen wir praktisch verschiedene Auflösungsvarianten einer vorgegebenen Szene im und vor dem Studio A erarbeiten, um das komplexe Verhältnis zwischen Bewegung von Menschen und /oder der Kamera und einer möglichen Beleuchtung zu erforschen. Dabei gibt es einfache Regeln, die allerdings jeweils viele Konsequenzen auf die mögliche filmische Darstellung haben. Was kann/ muss am Set realisiert werden und welche Möglichkeiten bietet die Postproduktion, also Montage und Grading, um in möglichst langen Einstellungen zu erzählen? Welche Faktoren sind hilfreich und welche eher hinderlich? Aus der Gruppe der Teilnehmenden werden Team und Darsteller*innen bestimmt, wofür jede/r in allen Funktionen zur Verfügung stehen soll. Eine Anmeldung ist erforderlich, auch um Vor- und Nacharbeiten außerhalb der Seminarzeit organisieren zu können.

Licht und Schatten zu verstehen und ihren Erzählcharakter zu erspüren, ist eine der schwierigsten Fähigkeiten die ein visueller Künstler, oder Künstlerin zu erlernen hat. Wie wählt man den Kontrast einer Szene? Die Qualität des Lichts? Seine Intensität, oder was soll mit Licht gezeigt und vor allem was soll im Schatten versteckt bleiben? Auf all diese Fragen möchten wir versuchen gemeinsam, theoretisch und auch praktisch Antworten zu finden, indem wir uns langsam der Technik und den zur Verfügung stehenden Gestaltungsmitteln annähern. In der Lichtwerkstatt I werden wir versuchen, in das abstrakte Universum des Lichts einzutauchen und zu analysieren, wie das Licht von einigen Maler*innen in ihren Werken verwendet wurde. Wir werden den Weg des Lichts in der Malerei mit dem des Films verbinden und verstehen, welches unsere Beleuchtungswerkzeuge sind, um ein Bild zu gestalten. Am Ende werden wir in einer praktischen Übung verschiedene Lichtkonzepte von Maler*innen in eine freie filmische Szene zu übertragen.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort in dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung dieser Werkstatt liegt nicht ausschließlich auf der Lichtgestaltung filmischer Projekte. In praktischen Fingerübungen erarbeiten wir selbst, wie wir losgelöst von Konventionen mit Licht gestalten können, um eine Atmosphäre zu verdichten, zu stilisieren, das Licht zu personalisieren, besondere Nähe zu den Figuren entstehen zu lassen oder Objekte in ihrer Wirkung zu unterstützen. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden. Seminartermine: 05.11.24 / 19.11.24 / 03.12.24 / 17.12.24 / 07.01.25 / 21.01.25 

Licht und Schatten zu verstehen und ihren Erzählcharakter zu erspüren, ist eine der schwierigsten Fähigkeiten die ein visueller Künstler, oder Künstlerin zu erlernen hat. Wie wählt man den Kontrast einer Szene? Die Qualität des Lichts? Seine Intensität, oder was soll mit Licht gezeigt und vor allem was soll im Schatten versteckt bleiben? Auf all diese Fragen möchten wir versuchen gemeinsam, theoretisch und auch praktisch Antworten zu finden, indem wir uns langsam der Technik und den zur Verfügung stehenden Gestaltungsmitteln annähern. In der Lichtwerkstatt I werden wir versuchen, in das abstrakte Universum des Lichts einzutauchen und zu analysieren, wie das Licht von Maler*innen in ihren Werken verwendet wurde. Wir werden den Weg des Lichts in der Malerei mit dem des Films verbinden und verstehen, welches unsere Beleuchtungswerkzeuge sind, um ein Bild zu gestalten. Verschiedene Lichtkonzepte von Maler*innen übertragen wir anschließend praktisch, in eine freie filmische Szene. Für die Lichtwerkstatt I ist keinerlei technisches Grundwissen zu unterschiedlichen Lampentypen notwendig, da es im Seminar selbst vermittelt wird. Termine: 04.11.25/ 18.11.25/ 2.12.25 / 16.12.25 / 13.01.26 / 27.01.26 Sprache: Deutsch und Englisch

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort an dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort an dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden. Erste Berührungen mit Lichttechnik und die Grundlagen der Lichtgestaltung werden diesem Seminar vorausgesetzt. Termine: 16.04., 30.04.24,14.05.24, 28.05.24, 11.06.24, 25.06.24 

experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens, kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden. Erste Berührungen mit Lichttechnik und die Grundlagen der Lichtgestaltung werden diesem Seminar vorausgesetzt. Termine: 22.4./6.5./20.5./3.6./17.6./1.7.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort an dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens, kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden. Erste Berührungen mit Lichttechnik und die Grundlagen der Lichtgestaltung werden diesem Seminar vorausgesetzt. Wir bitten um eine kurze eigene Wissenstands-Einschätzung bei der Anmeldung. Die Teilnehmer*innen Zahl ist begrenzt. Die Anmeldung werden der Reihenfolge der Anmeldungen nach berücksichtigt. Termine: 21.4./5.5./19.5./2.6./16.6./30.6. The Lighting Workshop is an open space where participants can freely experiment with light. This semester, the focus is on developing lighting plans for film projects. The specially designed, creative lighting concepts are then implemented collaboratively and practically on different motifs. Along the way, participants will naturally become familiar with countless technical tools and explore their advantages and disadvantages. Every two weeks, we will tackle a new task and learn about different lighting methods and techniques. The practical exercises will also explicitly focus on participants own approaches and questions regarding lighting and the search for their own unique expression. This seminar requires participants to have initial experience with lighting. We ask that you briefly describe your level of knowledge when registering. The number of participants is limited to 10. Registrations will be considered in the order in which they are received. Appointments: 21.4./5.5./19.5./2.6./16.6./30.6.

LIMINAL ANIMALS Liminal animals are not aliens or trespassers who belong elsewhere. In most cases, liminal animals have no place else to live; urban areas are their home and their habitat. — Sue Donaldson and Will Kymlicka, Zoopolis, p. 212 This is an invitation to step into the spaces between categories, to nest between the cracks and to darken the doors. What are our relational obligations towards those who exist neither as wild nor domestic, who make their homes with our constructed worlds? What stories emerge when we refuse the binary thinking that sorts life into neat compartments of nature and culture, belonging and trespass, welcome and unwanted, unruly and tamed? How might we learn new forms of attention, new ways of communicating across species differences? Liminal animals are characterized by their living situation, not their species identity. They are foxes threading through suburban gardens, crows who remember your face, pigeons whose ancestors worked for and resisted ours, rats that know their way around places that we tend to avoid, as well as cats and dogs that left ‘their‘ humans and went feral, by choice or by accident. Existing in what Sue Donaldson and Will Kymlicka call the space of "denizenship"—they are an integral part of our daily lives, but yet not fully included in our political imagination. Together we will explore multispecies methods, that provide space for deep encounters and understanding. We will try out practices as Intuitive Interspecies Communication, in which we invite liminal animals to approach us, instead of approaching them. We will search for ways of creating and presenting that include our more-than-human neighbors in the city. Bring your curiosity! Guests: Marta Bogdańska (Visual Artist, Photographer, Filmmaker, Warsaw, PL) Shumon Hussain (Principal Investigator, Deep-Time Archaeology, MESH (Multidisciplinary Environmental Studies in the Humanities), University of Cologne, DE Workshop: Co-creating with other species via Intuitive Interspecies Communication (telepathic and embodied communication), Inga Hamilton (Autistic, sculptor, jeweller & PhD researcher, University of Sunderland, UK) Excursions: Into the urban space, above and below ground Reading List: DeMello, Margo. Animals and Society: An Introduction to Human-Animal Studies. New York: Columbia University Press, 2012. Donaldson, Sue, and Will Kymlicka. Zoopolis: A Political Theory of Animal Rights. Repr. Oxford: Oxford Univ. Press, 2014. Kegel, Bernhard, Tiere in der Stadt: Eine Naturgeschichte, Dumont, 2013 Nagy, Kelsi, and Phillip David Johnson, eds. Trash Animals: How We Live with Nature’s Filthy, Feral, Invasive, and Unwanted Species. Minneapolis: University of Minnesota Press, 2013. Philo, Chris, and Chris Wilbert. Animal Spaces, Beastly Places: New Geographies of Human-Animal Relations. Critical Geographies 10. London: Routledge, 2000.

»Popular music is nothing if not dialogic, the product of an ongoing historical conversation in which no one has the first or the last word.« (George Lispsitz) Sowohl der Titel des Seminars als auch das vorangestellte Zitat stammen von dem einflussreichen amerikanischen Kulturwissenschaftler George Lipsitz. Sie implizieren, inwiefern eine Auseinandersetzung mit Pop-Musik nicht nur an konzentrierte Hör- und Lernerfahrungen gekoppelt sein kann, sondern auch, dass sie immer in einem ganzen Geflecht von unterschiedlichen Kontexten stattfindet, die miteinander in Austausch stehen: als »ongoing historical conversation«. Im Seminar begeben wir uns in diese historische Konversation und wollen genau zuhören, um etwas von Pop-Musik zu lernen. Dazu sind zahlreiche Kolleg:innen aus der KHM eingeladen, jeweils eine Seminarsession zu gestalten und aus ihrer jeweiligen Perspektive und Expertise heraus, einen für sie bedeutsamen Song vorzustellen. Gemeinsam hören wir diesen Song, um dann anhand von weiterführenden Materialien (Film, Video, Literatur, bildende Kunst, Theorie) darüber ins Gespräch zu kommen. »Pop-Musik« ist dabei keiner vollkommen eindeutigen Definition untergeordnet, sondern lässt eine Vielzahl von Genres zu (z.B. Pop, Rock, Punk, Hardcore, Electro, Techno, House, Hip Hop, Metal, Noise, etc.). Ganz im Sinne des von Diedrich Diederichsen formulierten Credos – »Pop-Musik ist immer so gut, wie die Fragen, die zu stellen sie ermöglicht« – können die folgenden (aber auch darüber hinaus reichende) Fragestellungen als Ausgangspunkte dienen: Was für Fragen kann ein Pop-Song aufwerfen und was für Fragen lassen sich an ihm diskutieren? Was lässt sich von einem Pop-Song lernen? Wie kann mich ein Song persönlich beeinflussen? Was kann er mir bedeuten? Was für Erfahrungen jenseits von Bedeutungszuschreibungen können damit einhergehen? Aus welchen analytischen Perspektiven lässt sich ein Song betrachten? In welche Diskurse (theoretisch, politisch, historisch, gesellschaftlich) ist er eingeflochten? Inwiefern spielen diese Diskurse eine Rolle für das eigene Leben und ggfs. die eigene Arbeit (an der Kunsthochschule)? Was für eine Rolle spielen dabei die beteiligten Musiker:innen/Bands? Was für Medien sind an der Entstehung/Verbreitung eines Songs beteiligt? Gäste: Heike Ander, Pamela Aryeh, Alejandro Bachmann, Juan Guse, donna Kukama, Andreas Langfeld, Joana Moll, Monika Rinck, Oliver Schwabe.

»Popular music is nothing if not dialogic, the product of an ongoing historical conversation in which no one has the first or the last word.« (George Lispsitz) Sowohl der Titel des Seminars als auch das vorangestellte Zitat stammen von dem einflussreichen amerikanischen Kulturwissenschaftler George Lipsitz. Sie implizieren, inwiefern eine Auseinandersetzung mit Pop-Musik nicht nur an konzentrierte Hör- und Lernerfahrungen gekoppelt sein kann, sondern auch, dass sie immer in einem ganzen Geflecht von unterschiedlichen Kontexten stattfindet, die miteinander in Austausch stehen: als »ongoing historical conversation«. Im Seminar begeben wir uns in diese historische Konversation und wollen genau zuhören , um etwas von Pop-Musik zu lernen. Genau wie bereits im Sommersemester 2025 sind dazu auch in diesem Semester wieder zahlreiche Kolleg*innen aus der KHM (und darüber hinaus) eingeladen, jeweils eine Seminarsession zu gestalten und aus ihrer jeweiligen Perspektive und Expertise heraus einen für sie bedeutsamen Song vorzustellen. Gemeinsam hören wir diesen Song, um dann anhand von weiterführenden Materialien (Film, Video, Literatur, bildende Kunst, Theorie) darüber ins Gespräch zu kommen. »Pop-Musik« ist dabei keiner vollkommen eindeutigen Definition untergeordnet, sondern lässt eine Vielzahl von Genres zu (z.B. Pop, Rock, Punk, Hardcore, Electro, Techno, House, Hip Hop, Metal, Noise, etc.). Ganz im Sinne des von Diedrich Diederichsen formulierten Credos – »Pop-Musik ist immer so gut, wie die Fragen, die zu stellen sie ermöglicht« – können die folgenden (aber auch darüber hinaus reichende) Fragestellungen als Ausgangspunkte dienen:  Was für Fragen kann ein Pop-Song aufwerfen und was für Fragen lassen sich an ihm diskutieren? Was lässt sich von einem Pop-Song lernen? Wie kann mich ein Song persönlich beeinflussen? Was kann er mir bedeuten? Was für Erfahrungen jenseits von Bedeutungszuschreibungen können damit einhergehen? Aus welchen analytischen Perspektiven lässt sich ein Song betrachten? In welche Diskurse (theoretisch, politisch, historisch, gesellschaftlich) ist er eingeflochten? Inwiefern spielen diese Diskurse eine Rolle für das eigene Leben und ggfs. die eigene Arbeit (an der Kunsthochschule)? Was für eine Rolle spielen dabei die beteiligten Musiker*innen/Bands? Was für Medien sind an der Entstehung/Verbreitung eines Songs beteiligt? Beitragende (in alphabetischer Reihenfolge) : Axel Autschbach (Werkstatt der KHM) Juan S. Guse (Literarisches Schreiben/Prosa) Caroline Krüger (Kanzlerin der KHM) donna Kukama (Prof. for Contemporary Art/Global South) Isabell Lorey (Prof. für Queer Studies) Kathrin Röggla (Prof. für Literarisches Schreiben) Philip Scheffner (Prof. für dokumentarische Praxen/Dokumentarfilm) Stefanie Schrank (Musikerin/Künstlerin aus Köln) Tina Tonagel (Prof. für Sound) Tobias Yves Zintel (Videokunst und Performance) Abhängig von den jeweiligen Beitragenden findet das Seminar auf Deutsch oder Englisch statt. Nachfragen und Diskussionen sind immer in beiden Sprachen möglich. Ggfs. wird das Seminar im folgenden Semestern mit weiteren Kolleg*innen fortgeführt.

"Freilich bräuchte ich, um unserem Thema zu entsprechen, hier vor Ihnen nichts anderes zu tun, als zu essen und zu trinken - eine Voraussetzung aller Poesie." Das sagte Ernst Jandl vor 40 Jahren in seiner berühmten Poetikvorlesung. Das heißt: zunächst schrieb er den Satz vermutlich auf, tippte ihn sicherlich in seine Schreibmaschine. Die Vorstellung von Oralität in der Literatur ist im deutschsprachigen Betrieb noch immer stark geprägt von einem "Sprechen nach der Schrift" - der sogenannten Lesung, dem Vortrag. Zugleich gibt es ein wachsendes Bewusstsein für kulturelle Techniken der Speicherung und Vermittlung von Wissen jenseits des Buchs: die mündliche Überlieferung, die Zeugenschaft, das kollektive Gedächtnis. Was heißt das für die Literatur? Was kann das womöglich für unsere literarische Praxis heißen, auch im Hinblick auf die allgegenwärtigen Krisen nicht nur des Buchmarktes? Anhand von historischen und gegenwärtigen Beispielen, aber auch praktischen Übungen werden wir unter anderem über Formeln und Rituale, Rhetorik und Stimme ("Manipulation"), Geskriptetes Sprechen, Memoriertechniken, Improvisation, Handicaps und Konzepte sprechen. Große Bühnen-Events wie sie etwa die Spoken-Word-Szene etabliert hat, werden ebenso in den Blick genommen wie auditive Erzählformen und aktuelle performative Experimente - auch jenseits der Live-Situation. Non-german/native speakers welcome! Non-writing artists welcome!

Ort: auch Filzengraben 2a, Atelier 4a/b Das Live-Art Forum bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu präsentieren – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke und Choreographien vorzustellen oder aufzuführen und diese gemeinsam zu diskutieren. Sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen als auch Live-Performances vor Ort sind möglich. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. 
 Im Laufe des Semesters ist eine Exkursion nach Berlin vorgesehen, die Besuche von Vorstellungen in der Volksbühne, im HAU und in den Sophiensälen umfasst.

Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an. Wenn die Pandemie es zulässt, können Gäste eingeladen und Exkursionen geplant werden.

Von der Idee zu einer Fernsehshow. Musikshow, Talkshow, Quizshow, TV-Magazin, Kinderprogramm..., alles ist denkbar. Entwicklung eines TV-Formats von der Idee bis zur Umsetzung. Grundlagen der Verbundkameraproduktion. Erlernen der Grundlagen einer Studioproduktion bis zur Umsetzung. Entwicklung von Formaten die der geänderten Fernsehnutzung Rechnung tragen und auf unterschiedlichen Endgeräten in unterschiedlichen Formaten funktionieren.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Des weiteren begleiten wir das Fachseminar „Talking Heads" von Marcel Kolvenbach. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt, Regie und Redaktion.

Im Seminar Live wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion. In the Live seminar, we want to explore the various possibilities of live production. Performative, documentary and fictional work in the studio. In addition to 3 studio cameras, a light stage, image direction, live editing and image technology will be available. The technical basics as well as live streams of concerts or stage shows are at the centre of our joint work. To this end, we cooperate with the Cologne University of Music and Dance - where classical music productions are accompanied - and the Drama Centre - where live recordings of theatre productions, video as set design and video as lighting take place. Live directing is teamwork. We work in rotation in the areas of camera, editing. directing and editing.

Live TV ist Storytelling in Echtzeit. Die populärsten Fernsehformate sind „live“, vom Sportereignis über die Gameshow bis zur Konzertübertragung. „Live on tape“ nennen sich aufgezeichnete Formate, wie z.B. Talkshows oder Opernaufführungen, die im Moment der Aufzeichnung geschnitten und zu einem späteren Zeitpunkt ausgestrahlt werden. Die besondere Herausforderung besteht darin im richtigen Moment das richtige Bild zu finden und somit die zeitgleich stattfindende Geschichte bestmöglich zu erzählen. Im Seminar Live-TV wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Daneben erkunden wir den Bereich der Interviewtechnik. Wir suchen auch Talente vor der Kamera. Live TV ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt, Regie und Redaktion. --- Live TV is storytelling in real time. The most popular television formats are ‘live’, ranging from sporting events and game shows to concert broadcasts. ‘Live on tape’ refers to pre-recorded formats, such as talk shows or opera performances, which are edited at the time of recording and broadcast at a later date. The particular challenge lies in finding the right image at the right moment and thus telling the story unfolding in real time in the best possible way. In the Live TV seminar, we aim to explore the various possibilities of live production. The technical fundamentals, as well as live streams of concerts or stage shows, are the focus of our collaborative work. We will also explore the field of interview techniques. We are also looking for talent in front of the camera. Live TV is teamwork. We will rotate through the roles of camera, editing, directing and production.

Also online or at Filzengraben 2 a, Atelier 4 a + b Live/Art is an ongoing process-based seminar which focusses on developing performative practice and moving-image works in both the studio and public space. Live/Art participants are invited to work across disciplines in solo works, duets and small groups to expand on digital, durational and live performance work to consider and think critically on the contemporary political landscape. International artists and guests are regularly invited to interact with the group and there is a strong emphasis on the regular attendance of live musical and theatrical performance and contemporary exhibition-making. The ongoing current protests which have originated from emancipatory, liberation movements and a continued resistance to authoritarian governments and systems of harm have had broad, popular global appeal. These protests have had non-hierarchical formations at the heart of their strategies of opposition, and the creative arts and performance, as articulated by marginalised communities, has been central to the ways in which the demonstrations have taken shape. Live/Art will continue its research into art-washing and the dominance of weapons manufacturers, ecocide, toxic patriarchy and systems of oppression as represented by the boards of directors in cultural institutions and learning institutions. We will be meeting with filmmakers, artists, researchers and protest movements to create common links and creative action, discuss the prescience of Jodi Dean’s re-evaluation of comradeship in the light of these conversations, and pursue the line drawn by Shelby Zoe Coley in what she names and heralds a ‘diary of small revolutions’.

The Live/Art lives seminar continues to foreground, workshop, develop and critique the ongoing works and projects of the young artists and students who form the collective expression of the seminar group. The teaching blocks are both practical and discussion-based. This is an ongoing and developmental work in establishing units of production and collective support work, as well as facilitating and sustaining individual practices. In this we continue to follow the discussion around praxis and follow ideas to presentation – both within rehearsal spaces and for public audiences. This is an organic project seeking to learn through connection and reflection on and with other participants’ work. The seminar places the highest priority on creating collective vocabularies and opportunities with visits to cultural events – theatre shows, performance events, concerts, exhibitions – with the radical potential of popular culture and the live moment at the heart of the seminar as a joint process of learning and reflecting. We are thankful that the KHM Bibliothek supports this project with books and dvds which inspire and amplify some of the themes that underlie the central themes of the seminar. These include historical works, biography, theory, anti-racist, feminist and queer texts centred on struggle and social transformation, plays, poetry and novels.

Location: or at Studio A William Shakespeare wrote  The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark  sometime at the turn of the 17th century in a period personally overshadowed by the death of his son Hamnet. Irish writer Maggie O’Reilly makes a convincing case in  Hamnet  her recent, celebrated novel that Shakespeare’s play – in its relentless deferrals and interrogation of archetypes – is a work characterised by grief.  The seminar will continue its close reading of  Hamlet  in order to examine themes of theatricality and literary conceits in contemporary popular culture. Furthermore, we will research and reflect on PoC, feminist, socialist and queer productions of a tragedy capable of "seemingly endless retelling and adaptation by others”. (Thompson and Taylor, Arden Edition).  Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, theatre, concerts).

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Live TV ist Storytelling in Echtzeit. Die populärsten Fernsehformate sind „live”, vom Sportereignis über die Gameshow bis zur Konzertübertragung. „Live on tape” nennen sich aufgezeichnete Formate, wie z.B. Talkshows oder Opernaufführungen, die im Moment der Aufzeichnung geschnitten und zu einem späteren Zeitpunkt ausgestrahlt werden. Die besondere Herausforderung besteht darin im richtigen Moment das richtige Bild zu finden und somit die zeitgleich stattfindende Geschichte bestmöglich zu erzählen. Im Seminar Live-TV wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Daneben erkunden wir den Bereich der Interviewtechnik. Wir suchen auch Talente vor der Kamera. Live TV ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt, Regie und Redaktion.

Entwicklung einer TV Show in den Genres Talk - Show - Musik - Game, die wir gemeinsam Erarbeiten und in einer Show umsetzen. Eine Mehrkamera Produktion hat ganz eigene Anforderungen an die Produktionssituation als auch an die Arbeit im Team. Es ist daher sinnvoll als Vorbereitung auf das Blockseminar das Seminar „Live - Storytelling in Echtzeit“ von Marcel Kolvenbach und Gerrit Lucas zu belegen.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit.  Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion. In the Live Directing seminar we want to explore the various possibilities of live production. Performative, documentary and fictional work in the studio. In addition to 3 studio cameras, light stage, image direction, live editing and image technology are available. The technical basics as well as live streams of concerts or stage shows are the focus of our joint work.  To this end, we cooperate with the Cologne University of Music and Dance - where classical music productions are accompanied - and the Schauspielzentrum - where live recordings of theatre productions, video as scenery, video as light take place. Live directing is teamwork. We work in rotation in the areas of camera, editing. Directing and editing.

Im Seminar Live wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Im Seminar Live wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Erster Termin 07.04.2022, verpflichtender Termin /obligatory date Das Seminar mündet in ein gemeinsamen Workshop mit Doktorand*innen der KHM und der Akademie der Bildenden Künste Wien am 17. und 18. Juni (Freitag/Samstag) an der KHM. Wir diskutieren mit Stefano Harney die Konzepte von Logistik und Improvisation in seinem Buch All Incomplete (mit Fred Moten) The seminar leads into a joint workshop with PhD students of the KHM and the Academy of Fine Arts Vienna on June 17 and 18 (Fri+Sat) at the KHM. We will discuss with Stefano Harney the concepts of logistics and improvisation in his book All Incomplete (with Fred Moten). Logistik ist kolonisierend und sucht die kürzeste Linie. Sie soll für die Sicherheit von Versorgung sorgen, just in time. Doch sie liefert die Unplanbarkeit ins Zuhause und das Management der Improvisation. Die Basis ist extreme Unsicherheit und Prekarisierung. Logistik kapitalisiert die Gegenwart und produziert bestimmte Lebens- und Subjektivierungsweisen. Und: Logistik und Improvisation sind zentrale Elemente von Migration, Transit, Flucht. Wie lassen sich aus queerer Perspektive die gewaltvollen Ströme der Logistik aufbrechen und ausnutzen? Welche Rolle spielt das Virus? Wie blockieren und unterbrechen queere, schwarze Schulden auf nicht-logistische Weise? Wie verbündet queere Intimität im Transport und welche Verbindung entstehen in der Versorgung der Prekären? Wie lässt sich im Gemeinsamen improvisieren? Logistics is colonizing and seeks the shortest line. It is supposed to provide security of supply, just in time. But it brings unpredictability into the home and the management of improvisation. The basis is extreme insecurity and precarization. Logistics capitalizes the present and produces certain ways of life and subjectivation. And: logistics and improvisation are central elements of migration, transit, flight. How can the violent flows of logistics be broken up and used from a queer perspective? What role does the virus play? How do queer, black debts block and interrupt in non-logistic ways? How does queer intimacy ally in transportation and what connections emerge in the care of the precarious? How can we improvise in common? Literaturauswahl: COWEN, Deborah, "Rough Trade? Sex, Death, and the Queer Nature of Circulation" , in: The Deathly Life of Logistics, Minnesota, London 2014. HARNEY, Stefano, MOTEN, Fred, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013. HARNEY, Stefano, MOTEN Fred, All Incomplete, London 2021. LINEBAUGH, Peter, "All the Atlantic Mountains Shook", Labour/Le Travailleur, Aug. 10, 1982 LÓPEZ MARÍN, Bernardo, Gianmaria LENTI, "Between Coercion und Improvisation. The Case of Irregulated Migrants in Transit Across Mexico", Sites. New Series, 16:2 (2019). LOREY, Isabell, "Logistifizierungen. Pandemie und Unplanbarkeit", https://transversal.at/blog/logistifizierungen. TINSLEY Omise'eke Natasha, "Black Atlantic, Queer Atlantic. Queer Imaginings of the Middle Passage", GLQ 14:2-3 (2008), 191-215. TSING, Anna, "Supply Chains and the Human Condition", Rethinking Marxism, 21:2 (2009).

Das kollaborative Seminar ist mit einer Gesprächsreihe zu Langzeitpraktiken künstlerischen Forschens und künstlerischen Verfahren des Re-Historisierens verbunden. Alle 14 Tage werden in die KHM-Bibliothek Künstler*innen, Kunstphilosoph*innen, Medienaktivist*innen und Kollektive eingeladen, ihre unterschiedlichen Ansätze vorzustellen und direkt mit den Studierenden und einer interessierten Öffentlichkeit in einer Workshopatmosphäre ins Gespräch zu kommen. In ergänzenden Lektüresitzungen werden wichtige Stimmen aus der Theoriebildung diskutiert. Dabei geht es um die Dezentralisierung und ein De-Skilling der hegemonialen Geschichtsschreibung, zum Beispiel in Sci-Fi-Settings. Die künstlerische Forschung, die wir im Seminar thematisieren, bewegt sich zwischen/mit Verflechtungen, geht intergenerationale Bündnisse ein und entbirgt verstummte, verschüttete Praxen. Archivarische Bilder werden aktiviert, künstlerische Zentren jenseits des eurozentrischen Blicks aufgesucht, Erfahrungen von erzwungener Migration oder Armut einbezogen. Solche De-Historisierungen queeren die Strukturen der Normalisierung und der Kolonialität. Nicht zuletzt kümmern sich Protagonist*innen der künstlerischen Forschung um verletzliche Lernräume, etwa für das Nachdenken über historisches Wissen und seine prozessuale Produktion, die sich von Strukturen der Reproduktion abzugrenzen sucht (Holert). Das Seminar umfasst außerdem eine Exkursion nach Utrecht, wo wir das BAK besuchen – einen Kunstort, der nicht zuletzt mit seinem Residency-Programm der künstlerischen Forschung ein wichtiges Dach bietet. Lektüren: Tom Holert, Eva Mayer & Eran Schaerf, Irit Rogoff, Gabi Ngcobo u. a. Bände: Tom Holert/ Maria Hjavajova (Eds.): Marion von Osten: Once We Were Artists, Utrecht, 2017. Maria Hlavajova/ Jil Winder/ Binna Choi (Eds.): On Knowledge Production: A Critical Reader in Contemporary Art, Utrecht, 2008. Jochen Volz/ Gabi Ngcobo (Eds.), We Are Many: Art, the Political and Multiple Truths, London, 2019. Yvette Mutumba/ Gabi Ngcobo (Eds.), A Labour of Love, Bielefeld, 2016.

Mittwoch 13.15-13.45 in zweiwöchigem Rhythmus, Beginn am 5.11., fortlaufend bis zum Wintersemester 2026/27. Mitten in der Innenstadt: Das Literarische Schreiben plant am neuen Interims-Standort der Stadtbibliothek eine neue Vortragsreihe als klassische Lunch-Lecture. Zusammen mit Gästenwird jeweils ein deutschsprachiges Buch der letzten 70 Jahre pro Termin vorgestellt, Schriftsteller*innen sprechen über die Bücher, die sie besonders beschäftigt haben oder die sie für wesentlich für ihr Schreiben und Leben halten. Eine Reihe an kritischen Würdigungen, die es ermöglichen wird, den literaturgeschichtlichen Raum von der Gegenwart aus aufzusuchen.  Für eine kulinarische Versorgung wird gesorgt.  Offen für alle! 

Magie und Technik sind zwei scheinbar gegensätzliche Konzepte, die jedoch auf vielfältige Weise miteinander verknüpft sind. Sowohl Magie als auch Technik haben einen genuin poietischen Charakter. Im Zentrum steht die Erreichung sehr weltlicher Ziele wie die Bereitstellung materieller Güter, Macht, Wohlstand, Fruchtbarkeit etc. Beiden geht es um Kontrolle und die Erweiterung der Wirkmächtigkeit menschlichen Handelns, aber dafür braucht es jeweils besondere Expertisen. Vor allem aber verbindet Magie und Technik die grundsätzliche Erklärungslücke zwischen den rituellen bzw. technischen Handlungen einerseits und den Wirkungen dieser Handlungen andererseits. Diese Kluft des Nicht-Verstehens und des Nicht-Erklären-Könnens werden wir insbesondere für eine Reihe technischer und algorithmischer Methoden genauer untersuchen. Dazu gehören: Machine Learning und Embedding-Verfahren der Künstlichen Intelligenz, das Emergenz-Phänomen bei Zellulären Automaten, genetische und evolutionäre Algorithmen sowie das Embodiment in der Robotik. Dass wir gegenwärtige Technik nicht mehr verstehen können, ist also nicht nur eine Frage unserer Bequemlichkeit oder der zu großen Vielfalt technischer Prinzipien, sondern ein ontologisch-epistemologisches Problem. Die Verbindung von Magie und Technik wird im Rahmen des Seminars vor allem auch als Ausgangspunkt verwendet, um die gesellschaftlichen Auswirkungen technologischer Entwicklungen zu reflektieren. Dafür werden verschiedene „Ontologien“ wie Animismus, Naturalismus, Totemismus und Analogismus (nach Descola) gegenübergestellt.

Gemeinsam Beats bauen – und dabei verschiedenste Tools, Instrumente, Software, Konzepte usw. kennenlernen, sowie uns darin üben, Beats im weitesten Sinn zu verstehen und in größtmöglicher Vielfalt zu feiern: Vom Hip-Hop Beat, Breakbeat, konfusen Drumloop, über live improvisierte Pattern bis hin zu weiß der Geier was. Gerne kann das Seminar auf die Veröffentlichung ausgewählter Beats hinauslaufen. ... und warum genau dieses Semester? Vielleicht weil an der KHM Jahr des Jubiläums ist und eine meiner persönlichen Lieblingsdoktorarbeiten auch Jubiläum feiert: "Making Beats: The Art of Sample-Based Hip-Hop", vor einem ganzen Vierteljahrhundert eingereicht von Joseph Schloss. Oder vielleicht einfach nur, weil ich persönlich kaum etwas spannenderes, lehrreicheres und emotionalers kenne, als gemeinsam Beats zu basteln.

In what sense could the figure of Malcolm X be considered ‘transversal’? Let us understand transversality in part as rejection of hierarchy that is at the same time not content with the horizontal. Let us also suggest transversality calls into question of the very idea of leadership in the search for a different organizational practice. Does Malcolm X then begin to emerge not so much as mobilizer of others, but as the mobilization in others. When we hear someone say he spoke for us, could we think of this phrase outside of the Western political epistemology of representation and leadership? Are there aspects of his oratorial style, of his performances, that point in this direction? In this seminar we are going to read the Autobiography, but we are also going to read, listen to, and watch a constellation of figures and movements, before, during and after Malcolm X to rethink the way Malcolm X served. Figures and movements like Yuri Kochiyama, women in the Black Panther Party, Amiri Baraka and the Black Arts Movement, and the traditions of the itinerant preacher in the American South will be studied. Students should read the Autobiography, in any available language, prior to attending the seminar.

Seit ihrer Gründung 1996 in Rotterdam versteht sich die Manifesta als nomadische Kunstbiennale. Sie wird in wechselnden Regionen in Europa und von unterschiedlichen internationalen Teams aus Kurator*innen, Architekt*innen und Vermittler*innen organisiert. Das temporäre kuratorische Format der Manifesta basiert darauf, dass sich regionale Stadtverwaltungen um die Ausrichtung der Manifesta bewerben – in der Hoffnung, daraus einen Vorteil für Sichtbarkeit, Infrastruktur und Tourismus zu ziehen. Die Manifesta fand bisher in geopolitisch, kulturell und historisch heterogenen Regionen statt, darunter Südtirol, Pristina, Zürich, Barcelona, San Sebastián, Sankt Petersburg, Palermo, Marseille usw., während sie in Nikosia aufgrund mehrerer geopolitischer Konflikte abgesagt werden musste. Während in einigen Ausgaben der Schwerpunkt eher auf Mehrsprachigkeit oder regionalen Besonderheiten lag, ging es in anderen um konkrete Fragen (What do people for money? in Zürich oder The planetary garden. To cultivate the commons in Palermo). Die nächste Manifesta wird in 16 säkularisierten Kirchen im Ruhrgebiet (in Duisburg, Essen, Gelsenkirchen und Bochum) zu sehen sein. Und statt Kuratoren, wird sie von engagierten Kulturvermittler*innen konzipiert. Im Rahmen unseres Exkursions- und Kritik-Seminars befassen wir uns mit Publikationen und Paratexten der Manifesta, mit ihren Topologien und politisch-kulturellen Entscheidungsprozessen, ihren kritischen Ansätzen, ihrer kuratorischen und vermittelnden Praxis sowie ihren raumplanerischen und institutionsbezogenen Strategien. Um die Manifesta kritisch zu reflektieren, zu interpretieren und zu verstehen, diskutieren wir die Ausstellung, sprechen darüber mit den beteiligten Vermittlern, setzen uns mit verschiedenen Texten und Ansätzen des Schreibens und der Kritik auseinander und reflektieren darüber. Das Ziel des Seminars ist es, mit experimentellen und multiperspektivischen Formen des Kunstschreibens/der Kunstkritik zu experimentieren. English: Since its founding in Rotterdam in 1996, Manifesta is a nomadic art biennial. The biennial takes place in different regions of Europe and is organized by changing international teams of curators, architects, and educators. Manifesta's temporary exhibition format relies on regional city governments applying to host the event, seeking to benefit from increased visibility, infrastructure development, and tourism. The venues of Manifesta have taken place in geopolitically, culturally and historically heterogenic regions, such as South Tirol, Prishtina, Zurich, Barcelona, San Sebastián, Saint Petersburg, Palermo, Marseille etc. but was cancelled in Nicosia due to several geopolitical conflicts. While in some editions the focus was more on multilingual aspects or the specificity of regions, in others it followed specific questions ( What do people for money? in Zurich Or The planetary garden. To cultivate the commons in Palermo). The next Manifesta 16 will take place at 16 secularized churches in the Ruhr area (at Duisburg, Essen, Gelsenkirchen and Bochum). And instead of curators, it is conceived by engaged cultural mediators. Within our excursion and critique seminar we look into the publications and other paratexts of the Manifesta, from its topologies and political decisions, its critical approaches to its curatorial, educational practice as well as its spatial and institutional decisions. For a critical reading, debating and understanding of Manifesta we discuss the exhibition, speak to its involved mediators, read and reflect on diverse texts and approaches of writing and developing critiques. The aim of the seminar is trying out experimental and multiperspective forms of art writing/art critiques.  Lektüren / Reading Matter : Marina Vishmidt, „Beneath the Atelier, the Desert: Critique, Insatitutional and Infrastructural, in: Maria Hjavalova / Tom Holert: Marion von Osten: Once We Were Artists (A BAK Critical reader in Artist`s Practice), Utrecht, 2016, S. 218–238. Pelin Tan, „The General Intellect of Transcversal Instituting“, in: Bijana Ciric / Nikita Yingqian Cai, „Active Withdrawals – Life and Death of Institutional Critique“, ed. By Bijana Ciric and Nikita Yingquian Cai, Active Withdrawals: Life and Death of Institutional Critique, London 2016, S. 43-55. Aruna D`Souza, Imperfect Solidarities, S.52–67. Kea Wienand, „Artistically Juxtaposed (Hi)stories: Hiwa K.`s View from Above as a Multidirectional Memory Practice“, in: Cathrine Bublatzky, Burcu Dogramaci, Kerstin Pinther, Mona Schieren (Eds.), Entangled Histories of Migration: Theories, Sites and Research Methods, Bristol: 2024, S. 15–37 Estelle Hoy, Tba. Recherche-Material / Research Material : Manifesta-Publications for critical reviews: https://manifesta14.org/wp-content/uploads/2023/01/2023-01-31-Festa-3.pdf Manifesta-Paratexts: https://secondaryarchive.org/news/secondary-archive-at-manifesta-14/ https://manifesta.org/education https://www.frieze.com/article/school%E2%80%99s-out Since its founding in Rotterdam in 1996, Manifesta is a nomadic art biennial. The biennial takes place in different regions of Europe and is organized by changing international teams of curators, architects, and educators. Manifesta's temporary exhibition format relies on regional city governments applying to host the event, seeking to benefit from increased visibility, infrastructure development, and tourism. The venues of Manifesta have taken place in geopolitically, culturally and historically heterogenic regions, such as South Tirol, Prishtina, Zurich, Barcelona, San Sebastián, Saint Petersburg, Palermo, Marseille etc. but was cancelled in Nicosia due to several geopolitical conflicts.

During this seminar, the production of an animated film will take place in collaboration with various schools around the world. The premise is as follows: A Martian arrives on planet Earth and conducts a study on human behaviour, addressing topics such as love, human relationships, nature, technology, art, power, and religions, as well as the meaning of art and money, among others. The title of this seminar pays homage to the novel of the same name, "The Martian Chronicles" by Ray Bradbury, a work published in 1950 during the Cold War that narrates how humans invade Mars, fleeing a world on the brink of destruction and under the threat of nuclear conflict. In our case, we reverse the roles and eliminate the belligerent and destructive impulse. Our Martian is a reporter and explorer in the tradition of Herodotus, a peaceful character with the broadest tolerance who travels through planet Earth guided by curiosity and the objective of assessing the feasibility or interest in establishing some form of embassy or relationship with humans. The participating schools are (KHM) Kunsthochschule der Medien in Cologne, (CAFA) Central Academy of Fine Arts in Beijing, China, (NID) National Institute of Design in Andhra Pradesh, India, and (CAU) Accademia di Belle Arti di Napoli, Naples, Italy. Additionally, Vilnius Art Academy in Lithuania is also part of the collaboration.

Einmal jährlich veranstaltet die Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) gemeinsam mit der internationalen Filmhochschule (IFS) eine mehrtägige Masterclass speziell für ihre Studierenden mit dem Schwerpunkt Kamera. Eine renommierte Kameraperson wird zu Gast sein und zusammen mit den Studierenden der IFS / KHM einen Aspekt der Bildgestaltung innerhalb des Workshops vertiefen. Teilnahmeberechtigt sind seitens der KHM Studierende des Hauptstudiums, die die Grundlagenseminare Kamera besucht haben, sowie Postgraduierte mit dem Schwerpunkt Kamera.

Einmal jährlich veranstaltet die Kunsthochschule für Medien Köln und die internationale Filmhochschule(IFS) gemeinsam einen mehrtägigen sowohl praktischen als auch theoretischen Workshop speziell für Studierende mit dem Schwerpunkt Bildgestaltung. Für diesen dreitägigen Workshop wird in diesem Jahr die renommierte Kamerafrau Birgit Gudjonsdottir zu Gast sein. Teilnahmeberechtigt sind seitens der KHM Student*innen des Hauptstudiums, die bereits regelmäßig die Grundlagenseminare Kamera besucht haben, sowie Postgraduierte mit dem Schwerpunkt Kamera.

Masterclass given by Adina Pintilie, focused on the process of working with actors or non-actors, creating protective layers between them and the character, to let them find the safe space to be personal and true performances.

Was meinen material immaterialities, Materialitäten und Immaterialitäten, Digitales und Analoges, Physikalisches, Ephemeres, Wortfragmente, Schallwellen, Taktiles, Luft, Rauch, Licht, Klang…? Der Bereich, der Materialitäten umschreibt und fasst, ist immens und wird aus unterschiedlichen Perspektiven divers beleuchtet. Ausgehend von den Begrifflichkeiten und der Untersuchung des Bereichs werden im Seminar die Facetten, Brüche, Grenzen und Details der Materialitäten und Immaterialitäten auf praktischer wie denkender Seite verhandelt. Ob skulptural, räumlich, sprachlich..., wie könnte eine Auseinandersetzung mit material immaterialities in unterschiedlichen Formaten aussehen? Welche Weisen des Ausstellens und Exponierens können dabei entstehen? Ausformungen sind in digitalen wie physikalischen Formen denkbar. Passende oder auch neue Ausstellungs- und Präsentationsformate werden gemeinsam entwickelt und umgesetzt.

Inhalt des Grundlagenseminars ist die Auseinandersetzung mit Materialien und Materialprozessen, in Wechselwirkung zu Technologien und ihren Ästhetiken, im persönlichen wie gesellschaftlichen Kontext. Basis jeder künstlerischen Arbeit ist Material, ob haptisch und physikalisch als Werkstoff, Träger und Medium oder/und strukturell und immateriell als Codierung. Die Betrachtung und Bearbeitung der Interdependenzen von Material in grundlegenden Prinzipien und in ihren Übersetzungen und Überschneidungen zwischen dem Digitalen und dem Physikalischen, finden im Seminar durch Experimente und Materialstudien statt. Materialprozesse und algorithmische Abläufe sind Teil praktischer Übungen sowie theoretischer Einführungen. Den Schwerpunkt bilden das Beobachten und Kennenlernen von Material als eigenständigem Element, sowie die Bearbeitung von Materialien und deren Prozesse. Unter Einbeziehen grundlegender Techniken und der Nutzung der vorhandenen Geräte können eigene Experimente und Modelle erarbeitet werden. Analoge Materialien und Werkzeuge zur Bearbeitung von Material auf digitaler und maschineller Ebene (bspw. CNC-Fertigung wie Lasercutter, Fräse oder Drucktechniken wie Riso) stehen zur Verfügung. Die im Seminar verhandelten Prinzipien können Basis für Arbeiten und Konzepte auf skulpturaler und/oder digitaler Ebene werden.

[English below] Inhalt des Grundlagenseminars ist die Auseinandersetzung mit Materialien und Materialprozessen, in Wechselwirkung zu Technologien und ihren Ästhetiken, im persönlichen wie gesellschaftlichen Kontext. Basis jeder künstlerischen Arbeit ist Material, ob haptisch und physikalisch als Werkstoff, Träger und Medium oder/und strukturell und immateriell als Codierung. Die Betrachtung und Bearbeitung der Interdependenzen von Material in grundlegenden Prinzipien und in ihren Übersetzungen und Überschneidungen zwischen dem Digitalen und dem Physikalischen, finden im Seminar durch Experimente und Materialstudien statt. Materialprozesse und algorithmische Abläufe sind Teil praktischer Übungen sowie theoretischer Einführungen. Den Schwerpunkt bilden das Beobachten und Kennenlernen von Material als eigenständigem Element, sowie die Bearbeitung von Materialien und deren Prozesse. Unter Einbeziehen grundlegender Techniken und der Nutzung der vorhandenen Geräte können eigene Experimente und Modelle erarbeitet werden. Analoge Materialien und Werkzeuge zur Bearbeitung von Material auf digitaler und maschineller Ebene (bspw. CNC-Fertigung wie Lasercutter oder Drucktechniken wie Riso) stehen zur Verfügung. Die im Seminar verhandelten Prinzipien können Basis für Arbeiten und Konzepte auf skulpturaler und/oder digitaler Ebene werden. --------- The basic seminar material & process aims to examine materials and material processes, in interaction with technologies and their aesthetics, in a personal and social context. The basis of every artistic work is material, whether haptic and physical as material, carrier and medium or/and structural and immaterial as coding. The consideration and examination of the interdependencies of material in their fundamental principles, in their translations and overlaps between the digital and the physical, will be carried out in the seminar through experiments and material studies. Material processes and algorithmic sequences are part of practical exercises and theoretical introductions. The focus is on observing and getting to know material as an independent element, as well as on working with materials and their processes. Students can develop their own experiments and models using basic techniques and existing equipment. Analog materials and tools for processing material on a digital and mechanical level (e.g. CNC production such as laser cutters, milling machines or printing techniques such as Riso) are available. The principles discussed in the seminar can become the basis for works and concepts on a sculptural and/or digital level.

Inhalt des Grundlagenseminars ist die Auseinandersetzung mit Materialien und Materialprozessen, in Wechselwirkung zu Technologien und ihren Ästhetiken, im persönlichen wie gesellschaftlichen Kontext. Basis jeder künstlerischen Arbeit ist Material, ob haptisch und physikalisch als Werkstoff, Träger und Medium oder/und strukturell und immateriell als Codierung. Die Betrachtung und Bearbeitung der Interdependenzen von Material in grundlegenden Prinzipien und in ihren Übersetzungen und Überschneidungen zwischen dem Digitalen und dem Physikalischen, finden im Seminar durch Experimente und Materialstudien statt. Materialprozesse und algorithmische Abläufe sind Teil praktischer Übungen sowie theoretischer Einführungen. Den Schwerpunkt bilden das Beobachten und Kennenlernen von Material als eigenständigem Element, sowie die Bearbeitung von Materialien und deren Prozesse. Unter Einbeziehen grundlegender Techniken und der Nutzung der vorhandenen Geräte können eigene Experimente und Modelle erarbeitet werden. Analoge Materialien und Werkzeuge zur Bearbeitung von Material auf digitaler und maschineller Ebene (bspw. CNC-Fertigung wie Lasercutter, Fräse oder Drucktechniken wie Riso) stehen zur Verfügung. Die im Seminar verhandelten Prinzipien können Basis für Arbeiten und Konzepte auf skulpturaler und/oder digitaler Ebene werden.

Die derzeitige Praxis der hybriden und Hyperkriegsführung schließt zivile, öffentliche, unsere Informations- und auch unsere medialen Räume mit ein. Sie verwischen die rechtlichen und moralischen Grenzen zwischen Krieg und Frieden. Angesichts dieser zunehmenden KI-tisierung des Krieges und Militarisierung sozialer Medien, VR-Technologien, Computerspiele, generativer KI-Systeme, Interface-Logiken und -Ästhetik, von digitalen Medien und Technologien stellen sich derzeit auch zunehmend Fragen nach der gesellschaftlichen Verantwortung von Kunst- und Kulturarbeiter*innen. Von jenen, die mediale Werke und Inhalte entwerfen und Medien und Medientechnologien künstlerisch erforschen und gestalten. Im Seminar stellen wir uns diesen Fragen und untersuchen gemeinsam wie soziale Medien und Large Language Models (LLM) Sprache, Wahrnehmung und Zivilgesellschaft transformieren. Wir bilden in einer relativ kleinen Runde die Möglichkeit zum offenen Dialog und gestalten einen Debattenraum, in dem wir zusammen mit Dr. Guido Arnold vom Duisburger Institut für Sprach- und Sozialforschung die gesellschaftliche Wirkung von LLMs, u.a. als Bullshitgeneratoren diskutieren können. Die aktuelle Zersetzung der politischen Öffentlichkeit durch die unbalancierte Reichweitensteuerung der „sozialen“ Medien in Verbindung mit der Erzeugung von Inhalten ohne verlässlichen Wirklichkeitsbezug durch LLMs ist eine gefährliche antidemokratische Entwicklung. In einer Informationswelt, in der alles Fake sein kann, brauchen wir ein gesellschaftlich breit geteiltes Fundament von Wirklichkeit. Ohne ein gemeinsames Verständnis von Tatsachenwahrheiten im Gegensatz zu bloßen Meinungen zerfällt eine Gesellschaft innerlich und wird nur durch äußere, insbesondere ökonomische Beziehungen zusammengehalten. Postfaktizität befördert soziale Verunsicherung, Rückzug und gesellschaftliche Fragmentierung. Die Zivilklausel der KHM steuert dem innerinstitutionell entgegen. Sie dient uns im Seminar als politischer Ausgangspunkt, um selbstkritisch und selbstbewußt über Kunstfreiheit, Selbstzensur und gesellschaftliche Verantwortung zu diskutieren. Als friedensorientierte Selbstverpflichtung eröffnet sie uns Denk- und Handlungsräume, um zivilgesellschaftliche Deutungshoheiten zurückzuerobern und uns so gegen die Vereinnahmung unserer Sprache und Wahrnehmung zu wehren.

Die Zeit nach der KHM will schon während des Studiums vorbereitet sein. Es gilt also jetzt schon Allianzen zu schmieden, Netzwerke aufzubauen und Partner zu finden und im besten Falle bereits Projekte anzuentwickeln. Doch wie mache ich das und worauf muss ich achten? Die Herstellung eines Filmes ist ein langer Prozess, in dem es viele Entscheidungen zu treffen gilt. Die Teilnehmer*innen sollen anhand von Case Studies, aber auch anhand ihres konkreten Debüts lernen, wo und wie sie ihr Projekt und sich selbst am besten auf dem späteren, hart umkämpften Markt positionieren können. Dabei geht es darum, dass sie lernen, wann der beste Zeitpunkt ist, um mit dem Projekt rauszugehen, wie und wo man Förderungen für die Entwicklung beantragt, wie eine Finanzierung aufgebaut ist, wie Debütredaktionen bei Sendern ticken, aber auch, wie man die ersten Verträge verhandelt. Und noch vieles mehr. Das Seminar soll eine praktische Hilfestellung, Vorbereitung und Begleitung sein. Gleichzeitig sollen sich die Teilnehmer*innen ein Portfolio an zukünftigen Projekten aufbauen, mit denen sie sich nach Beendigung des Studiums der Filmbranche präsentieren können.

Die Zeit nach der KHM will schon während des Studiumsvorbereitet sein. Es gilt das Projekt inhaltlich zu entwickeln, Allianzen zu schmieden, Netzwerke aufzubauen und Partner zu finden. Doch wie mache ich das und worauf muss ich achten? Die Herstellung eines Filmes ist ein langer Prozess, in dem es viele Entscheidungen zu treffen gilt. Die Teilnehmer sollen anhand von Case Studies, aber auch anhand ihres konkreten Debüts lernen, wo und wie sie ihr Projekt und sich selbst am besten auf dem späteren, hart umkämpften Markt positionieren können. Dabei geht es darum, dass sie lernen, wann der beste Zeitpunkt ist, um mit dem Projekt rauszugehen, wie und wo man Förderungen für die Entwicklung beantragt, wie eine Finanzierung aufgebaut ist, wie Debütredaktionen bei Sendern ticken, aber auch, wie man die ersten Verträge verhandelt. Und noch vieles mehr. Das Seminar soll eine praktische Hilfestellung, Vorbereitung und Begleitung sein. Gleichzeitig sollen sich die Teilnehmer ein Portfolio an zukünftigen Projekten aufbauen, mit denen sie sich nach Beendigung des Studiums der Filmbranche präsentieren können.

Als dezidiert urbane Praxis wird die Bewegungskultur des Skateboarding von einer ganzen Reihe politischer und interventionistischer Implikationen begleitet. Im Sinne einer „performativen Kritik an Architektur“ (Iain Borden) verkörpert es stets auch einen Eingriff in den städtischen Raum, der es den Protagonist*innen erlaubt Alternativen zu vorgegebenen Strukturen und Bewegungsabläufen aufzuzeigen und umzusetzen. Im Seminar setzen wir uns mit der Entwicklung des Skateboarding vom Sidewalk Surfing der 1950er Jahre bis zum Queer Skateboarding der 2010/20er Jahre auseinander und fragen uns: Wie inszenieren Skateboarder*innen sich medial bzw. wie werden sie inszeniert? Welche Rolle spielen intersektionale Kategorien wie race, class, gender und Sexualität dabei? Wie artikulieren sich Skateboarder*innen in Kunst, Musik, Film und Literatur? Welche konkreten materiellen Praxen liegen den Bewegungen des Skateboarding zu Grunde? Inwiefern können diese inspirierend für eigene künstlerische Projekte und Arbeitsweisen sein? Wie eigenen sich Skateboarder*innen Räume an? Wie interagieren sie mit ihrer Umwelt (z.B. in Stadt und Suburbia)? Wie grenzen sie sich ab und in welchem (Wechsel-)Verhältnis stehen sie zum sogenannten „Mainstream“? Über die Lektüre unterschiedlicher Textformen nähern wir uns den ästhetischen, künstlerischen, politischen sowie kulturwissenschaftlichen und medientheoretischen Dimensionen des Skateboarding. Der Fokus liegt dabei eher auf den subkulturell konnotierten Ausdrucksformen einer Praxis, die fernab von den Organisationsstrukturen des offiziellen Sports (Skateboarding ist seit 2020/21 olympische Disziplin) emanzipatives und partizipatorisches Potential verspricht.

Jedes neue Medium bringt seine eigene Spielart von Kitsch hervor. In diesem Kompaktseminar werden wir versuchen, den Unterschied zwischen Menschenkitsch und Maschinenkitsch zu bestimmen und daran entlang künstlerisch zu arbeiten. Es handelt sich um ein No Screen Seminar, das drinnen und draußen stattfinden kann. Der Unterschied zwischen Kitsch und Kunst besteht nicht zuletzt im Gebrauch. Wofür (ge)brauche ich Kunst, wofür (ge)brauche ich Kitsch? Diese Fragen stellen sich gerade angesichts der endlosen Flut von faschistoiden Nostalgie-Kitsch, der wir zunehmend ausgesetzt sind. Im Rahmen des Vortreffens am 5. Mai 2026 verteile ich einen Reader mit ausgewählten Textbeispielen von Andrea Long Chu, T.W. Adorno, Ruth Klüger, Roland Meyer, Sal Randolph, Xiaolu Guo, Dagmar Herzog, Isabel Fargo Cole, Eve Babitz, Friederike Mayröcker, Johannes Franzen, Susan Sontag, Friederike Kempner und anderen. Der Reader dient zur Anregung und gibt eine gewisse Grundlage. MENSCHENKITSCH versteht sich dabei als Praxis, es ist kein reines Lektüreseminar. + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + + Every new medium produces its own variation of kitsch. In this compact seminar, we will attempt to determine the difference between human kitsch and machine kitsch and work artistically along these lines. This is a no-screen seminar that can take place indoors or outdoors. The difference between kitsch and art lies not least in their use. What do I need art for, what do I need kitsch for? These questions arise especially in view of the endless flood of fascistic nostalgia kitsch to which we are increasingly exposed. During the preliminary meeting on May 5, 2026, I will distribute a reader with selected text examples by Andrea Long Chu, T.W. Adorno, Ruth Klüger, Roland Meyer, Sal Randolph, Xiaolu Guo, Dagmar Herzog, Isabel Fargo Cole, Eve Babitz, Friederike Mayröcker, Johannes Franzen, Susan Sontag, Friederike Kempner, and others. The reader is intended to stimulate discussion and provide a certain foundation. MENSCHENKITSCH is understood as a practical exercise; it is not purely a reading seminar. Sprache: Deutsch und Englisch

Animation's ability to navigate freely in the mimesis/abstraction representational spectrum in an infinite variety of styles, as well as its freedom from space/time restrictions, makes it a powerful medium to express inner states of being. We will be analyzing films that explore this potential in the context of poetry and animation aesthetics. Metaphor, suggestion, symbolism, lyrical narrative structure, rhythm and metamorphosis are some of our areas of investigation and experimentation. Students will be encouraged to perceive 'poetic moments' in their apparently ordinary routines and register them in a diary. This journal will serve as their source of ideas to explore concepts debated in class in a variety of animation techniques. Exercises are designed to help students explore their own themes authentically, whilst strengthening their feeling for timing and intuitive understanding of animated motion.

Workshop - Dr. Doris Krystof - Kuratorin Kunstsammlung NRW Mike Kelley (1954–2012) ist seit den späten 1970er, den frühen 1980er-Jahren mit seinem subversiven, gegen Kategorisierungen und Festschreibungen anarbeitenden Werk, das Zeichnungen, Fotografien, Video, Sound, Skulpturen und Texte mit einbezieht, einer der einflussreichsten Installations- und Performancekünstler, auch für eine jüngere Künstler*innengeneration. Das Seminar widmet sich Kelleys künstlerischer Praxis und der damit verbundenen Frage der Relation von Darstellen und Ausstellen. Wie werden performative Strategien in ausstellbare Installationen / Werke überführt? Wie macht Kelley das – im Vergleich zu anderen Künstler*innen seiner Generation und was bedeutet das Ausstellen von Mike Kelley posthum? Anlässlich der Ausstellung „Mike Kelley. Ghost and Spirit“ in K21 (23.03. – 08.09.2024) bietet sich durch die große Anzahl der in Düsseldorf versammelten Arbeiten die Möglichkeit, vor Ort gemeinsam und intensiv an den Werkkontexten und -genesen zu arbeiten.

Minga (mink'a in Quechua), "to ask for help by promising something", is a pre-Columbian tradition of community or collective volunteering for social or reciprocal purposes that can be found today in several Latin American countries. For one week, together with Argentine artist Nicolás Rodríguez, we will explore the public space inside and outside the KHM buildings as a social landscape through artistic practices. About the artist: Nicolás Rodríguez (1986) In his artistic work he proposes crossings on themes related to origin, time and materiality, starting from the affective and combining his own and familiar historical imaginaries, focusing on manual work as a method of exploration "My work is an exploration between materials, ideas and everyday practices. I am interested in the relationships that exist between ways of acting and thinking and the resulting consequences, as well as the meaning given in a particular context. I work with installation, object, painting, video, ceramics and research." CURRENT WORKS HERE: https://www.instagram.com/nicolasrodriguez____/

In diesem Blockseminar begegnen sich Filmschaffende aus der KHM und Künstler*innen aus dem inklusiven Kunsthaus Kalk und dem Kunsthaus KAT 18. Gemeinsam untersuchen wir die Schnittstellen zwischen Malerei, Zeichnung und Film: Was geschieht mit Formen, Farben, Schatten und Licht, wenn sie in Bewegung versetzt werden? Wie verändern sich Bewegtbilder durch Geräusche, Stille und Ton? Wie entstehen aus abstrakten Formen Geschichten? Und wie verändern sich diese, wenn Menschen mit unterschiedlichen Vorerfahrungen und Wahrnehmungsweisen sie gemeinsam gestalten? Das Seminar versteht Animation als eine Praxis des World-Makings: als Versuch, bestehende Beziehungen zwischen Menschen und Bildern in Bewegung zu bringen und neue Beziehungsweisen zu (er-)finden, die in der Gegenwart noch nicht existieren. Künstlerische Ausgangspunkte sind auch Konzepte des Expanded Cinemas, des abstrakten und experimentellen Materialfilms, Klang-Licht-Maschinen, u.a.m. Das Seminar besteht aus drei Teilen: dem gegenseitigen Kennenlernen, Filmsichtungen und ästhetischen Versuchsanordnungen sowie einer zwei tätigen künstlerischen Werkstatt in Tandems. Do., 22.10., 14-18h, KHM Fr., 23.10., 10-16h, Kunsthaus KAT 18 Fr., 30.10., 10-16h, KHM Raum 0.18/0.19 Fr., 13.11., Sa., 14.11., 10-16h, Kunsthaus Kalk und KHM Fr., 20.11., 10-16h, Kunsthaus Kalk Zum Kunsthaus Kalk: Der Kölner Verein KUBiST e.V. und das Architekt*innen-Kollektiv raumlaborberlin haben die das Kunsthaus Kalk zusammen im Jahr 2017 gestartet. Zusammen mit anderen Gruppen setzen sie sich seit langer Zeit für Inklusion ein. Im Kunsthaus KAT18. Oder im X-SÜD-Künstler*innen-Kollektiv. Bei X-SÜD arbeiten Künstler und Künstlerinnen. Sie machen Kunst, Design, Architektur und spielen Theater. Es sind Künstler*innen mit und ohne Beeinträchtigung zusammen. https://kunsthaus-kalk.de

Künstlerische Fotografie ist ein sinnvolles Mittel, sich einzumischen. Sie kann zur kritischen Auseinandersetzung mit politischen Themen und gesellschaftlichen Diskursen und zur Aufklärung beitragen, was aktuell angesichts von ökologischen, technologischen und sozialen Systemkrisen, den Kriegen und dem Erstarken rechtsradikaler Kräfte nötiger denn je ist. Mit Fotografie sind persönlichere und sensiblere Perspektiven möglich und Künstler*innen können weiterführende Ebenen einbringen als eine konventionelle Bildberichterstattung oder schnell zirkulierende Social Media Posts, die oftmals zu verzerrten Wahrnehmungen führen. Fotografischen Mittel können eingesetzt werden, um… … nicht wegzuschauen … tief in ein Thema einzutauchen … zu reagieren … umher zu wandern und aufzutanken … sich selbst im Weltgeschehen wiederzufinden … Machtstrukturen aufzudecken … über Fotografie nachzudenken … an Utopien zu arbeiten … mitreißende Bildwelten zu schaffen … Menschen zu begegnen … Widerstand zu leisten Wir möchten im Fotoseminar als Gruppe zusammenwachsen und neben dem Austausch über Fotografie auch das künstlerische und politische Arbeiten in der Gruppe erproben. Gruppenprozesse werden nicht nur von uns, sondern auch von euch initiiert und alle tragen Verantwortung für das Gelingen. Deshalb ist regelmäßige Teilnahme und ein vertrauensvoller und fehlerfreundlicher Umgang miteinander wichtig. Da wir eine begrenzte Teilnehmendenzahl haben, bitten wir euch, euch verbindlich anzumelden. Wenn Ihr unsicher seid, ob das Seminar für euch in Frage kommt, vereinbart vor der Anmeldung eine Sprechstunde bei uns. Wir möchten hiermit vermeiden, dass ein Platz unnötig besetzt wird, während wir anderen Menschen absagen müssen. Das Seminar besteht aus Besprechungen eurer fotografischen Arbeiten, fotografische Inputs (von euch & von uns) und Artist Talks. Außerdem planen wir eine Exkursion im Zeitraum 12. - 15.11.26, Ziel geben wir noch bekannt.

Die Theatertage in Mülheim an der Ruhr (hier link: https://www1.muelheim-ruhr.de/kunst-kultur/theater/stuecke/festival/126 ) sind ein bundesweiter Wettbewerb für die besten Stadttheaterinszenierungen der Gegenwartsdramatik des letzten Jahres. Prämiert werden von den sieben gezeigten Stücken in erster Linie die Texte, aber das Zusammenspiel von Inszenierung und Text ist natürlich sehr wichtig. Zahlreiche diskursive Formate begleiten es, an denen wir teilnehmen können, nicht zuletzt die öffentliche Jurydiskussion. Da Mülheim von Köln relativ gut zu erreichen ist, lässt sich das Festival gut in den Alltag einbringen. Die Theatertage 2026 finden vom 16.5.2026-6.6.2026 statt. Sprache: Deutsch

Welche Wirkung entfalten Text, Stimme und Körpersprache im Zusammenspiel und vor Publikum? Wie erreichen (meine) Texte und Inhalte mein Gegenüber? Ein Seminar über Sprache, Performance und authentische Präsenz vor Anderen und Sprechen als künstlerische Praxis. In diesem Seminar untersuchen wir, wie Texte und Inhalte so gesprochen werden können, dass sie ein Publikum erreichen – auf der Bühne, vor dem Mikrofon, vor der Kamera oder im öffentlichen Raum. Ausgangspunkt sind eigene oder fremde Texte, literarische Miniaturen, performative Skizzen, Drehbuchszenen, künstlerische Statements, improvisierte Reden oder andere Formen des gesprochenen Wortes. Im Zentrum steht die Frage, wie Inhalt, Stimme, Körpersprache im digitalen oder realen Raum vor Publikum zusammenwirken – und wie sich die Sprechenden für solche Situationen eine bewusste, authentische Sprechhaltung erarbeiten können. Das Seminar verbindet praktische Übungen mit Reflexion, Textarbeit, Experiment und Feedback. Wir arbeiten an Atmung, Stimme, Körperhaltung, Präsenz und Sprechausdruck; zugleich analysieren wir Texte auf Struktur, Rhythmus, Sinnabschnitte, Wirkungsabsicht und emotionale Bewegung. Es geht nicht um eine normierte Vorstellung von „richtigem“ Sprechen, sondern darum, Stimme, Sprechen und Körpersprache als gestalterisches Material zu begreifen. Die Teilnehmenden erproben auf Basis ihrer Bedarfe unterschiedliche Auftritts- und Sprechsituationen, entwickeln kurze Präsentationen oder performative Sequenzen und reflektieren deren Wirkung. Ziel ist es, eine Form von Präsenz zu entwickeln, die der eigenen künstlerischen, literarischen, performativen oder medialen Arbeit entspricht. Gast: Najima El Moussaoui ist Journalistin, Moderatorin, ausgebildete Fernsehredakteurin und studierte Soziologin. Sie arbeitet an der Schnittstelle von Medien, Film, öffentlicher Kommunikation und gesellschaftlichem Diskurs. Sie moderiert auf Bühnen und entwickelt filmische Stoffe zu gesellschaftspolitischen Themen. Zuvor war sie als Redakteurin für ntv und die Deutsche Welle sowie als Autorin für den WDR und für Produktionsfirmen tätig. In ihrer Arbeit verbindet sie journalistisches Textverständnis, dramaturgisches Denken, Kamera- und Bühnenerfahrung sowie eine besondere Sensibilität für Sprache, Wirkung und Publikum. Inhaltlich liegt ihr Fokus auf Demokratie, Diversität und der Wirkung gesellschaftlicher Narrative.

erkundungen in der welt spannungsgesteuerter klangerzeugung und sich selbst modifizierender systeme anhand von "klassischen" modularsynthesizer patches (z.b. todd barton´s krell, richard brewster´s quantussy cell und jaap vinks feebdack patch). entlang des weges werden die verschiedenen typen von modulen im modularsynth des klanglabors untersucht, klangerzeuger, klangveränderer, brot-und-butter und auch exoten. das seminar ist keine grundlegende einführung, sondern eine entdeckungsreise, die eigeninitiative und -ideen vorraussetzt und bei der der praktische nutzen für den nächsten hit an letzter stelle steht.

Montage ist eine künstlerische Praxis, in der durch die Kombination unterschiedlicher Elemente Beziehungen geschaffen und Ordnungen verhandelt werden. Gleichzeitig kennt die Praxis der Montage auch die gegenläufige Richtung: bestehende Verbindungen werden atomisiert und in kleinste Sinneinheiten zerlegt. Dabei ist unwesentlich, ob sich Montage im Dialog mit Texten, Tönen, Bildern, Gesten oder Objekten vollzieht. Entscheidend ist, dass die Kombination oder auch "Kollision" (Eisenstein) einzelner Sinneinheiten im Prozess der menschlichen Anschauung etwas Drittes, Imaginäres hervorbringt. Dieser imaginäre Raum ist der eigentliche Gegenstand der Montage, ihn gilt es im Rahmen der künstlerischen und reflexiven Praxis zu erforschen und zu gestalten. Montage findet in nahezu allen Bereichen, Diskursen, künstlerischen Formen der KHM ihre Anwendung, ohne aber explizit in der Lehre verortet zu sein. Das Montage-Seminar versteht sich als Ort, den an der KHM zirkulierenden Montagepraxen Sichtbarkeit zu verleihen. Im wöchentlichen Wechsel gestalten Lehrende und Mitarbeiter*innen der KHM eine Sitzung. Je nach Vortragendem nimmt das Seminar die Form einer Vorlesung, eines Lecture-Screenings oder einer Case-Study an. Vortragende: Alejandro Bachmann, Daniel Burkhardt, Christian Becker, Lilian Haberer, Valerie Heine, Hans W. Koch, Matthias Müller, Melissa de Raaf, Philip Scheffner, Fani Schoinopoulou, Tobias Yves Zintel. Die Veranstaltung steht Studierenden im Grundstudium offen. Seminarsprache: deutsch/englisch

Montage ist eine künstlerische Praxis, in der durch die Kombination unterschiedlicher Elemente Beziehungen geschaffen und Ordnungen verhandelt werden. Gleichzeitig kennt die Praxis der Montage auch die gegenläufige Richtung: bestehende Verbindungen werden atomisiert und in kleinste Sinneinheiten zerlegt. Dabei ist unwesentlich, ob sich Montage im Dialog mit Texten, Tönen, Bildern, Gesten oder Objekten vollzieht. Entscheidend ist, dass die Kombination oder auch "Kollision" (Eisenstein) einzelner Sinneinheiten im Prozess der menschlichen Anschauung etwas Drittes, Imaginäres hervorbringt. Dieser imaginäre Raum ist der eigentliche Gegenstand der Montage, ihn gilt es im Rahmen der künstlerischen und reflexiven Praxis zu erforschen und zu gestalten. Montage findet in nahezu allen Bereichen, Diskursen, künstlerischen Formen der KHM ihre Anwendung, ohne aber explizit in der Lehre verortet zu sein. Das Montage-Seminar versteht sich als Ort, den an der KHM und darüber hinaus zirkulierenden Montagepraxen Sichtbarkeit zu verleihen. Im wöchentlichen Wechsel gestalten Lehrende, Mitarbeiter*innen der KHM und externe Gäste eine Sitzung. Je nach Vortragendem nimmt das Seminar die Form einer Vorlesung, eines Lecture-Screenings oder einer Case-Study an. Die Veranstaltung ist die Fortführung des Seminars M:O:N:T:A:G:E aus dem WiSe 2025/26.

In this seminar, drawing is understood as a dynamic process, always in motion. It moves from perception to gesture, and from gesture to line. Visual observation is combined with listening, using sound as a perceptual stimulus. Students translate what they see and hear into quick notations, which later become the basis for more complex drawings and sequences of drawn movement. Through a series of guided exercises, we explore movement not only as physical action, but as an experiential and perceptual event. Drawing goes beyond copying what is visible. Sprache: Englisch und Deutsch

The edge of extinction is not just a metaphor; system collapse is not a thriller. Ask any refugee of any species. (Haraway, Staying with the Trouble) This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and carefull telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? In Multispecies Storytelling Part II we will focus on stories of extinction – told and shared as fables, myths, multispecies ethnographies, songs, films, installations, and probably a parade. We search for cultural strategies that raise awareness of extinction as not only the death of species but of cultures, pieces of the universe, of sensations that fade away (Despret). We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. Let us compost. Guest speaker: Gerard Ortín Castellví Excursions: Senckenberg Museum Frankfurt; date: n.n. Sensory Ethnographic Fieldwork in the Eifel; date: n.n. Recommended literature: Chao, Sophie, Karin Bolender, and Eben Kirksey, eds. The Promise of Multispecies Justice . Durham: Duke University Press, 2022. Heise, Ursula K. Imagining Extinction: The Cultural Meanings of Endangered Species . Chicago; London: The University of Chicago Press, 2016. Kimmerer, Robin Wall. Braiding Sweetgrass: Indigenous Wisdom, Scientific Knowledge and the Teachings of Plants . Minneapolis, Minn: Milkweed Editions, 2013. Le Guin, Ursula K. The Word for World Is Forest . London: Gollancz, 2022. Rose, Deborah Bird, Thom Van Dooren, and Matthew Chrulew, eds. Extinction Studies: Stories of Time, Death, and Generations . New York: Columbia University Press, 2017. Van Dooren, Thom. World in a Shell: Snail Stories for a Time of Extinctions . Cambridge, Massachusetts: MIT Press, 2023.

It matters what stories tell stories; it matters whose stories tell stories. (Haraway 2019) This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and care-full telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. We want to talk about projects and ideas, and find out how we can create new exhibition formats that expand our ability to connect and engage with each other. Let us compost. Guest speakers: Gerard Ortín Castellví  Laure Vigna  Field trips: 3-day workshop: Intuitive Interspecies Communication (IIC) Recommended literature: Bencke, Ida, and Bruhn, Jørgen, eds. Multispecies Storytelling in Intermedial Practices. Santa Barbara: Punctum Books, 2022. Ferdinand, Malcom, Smith, Paul Anthony. A Decolonial Ecology: Thinking from the Caribbean World. Cambridge: Polity Press, 2022. Gumbs, Alexis Pauline. Undrowned: Black Feminist Lessons from Marine Mammals. Chico: AK Press, 2020. Haraway, Donna Jeanne. Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene. Experimental Futures: Technological Lives, Scientific Arts, Anthropological Voices. Durham: Duke University Press, 2016. Le Guin, Ursula K. Dancing at the Edge of the World: Thoughts on Words, Women, Places. New York: Grove Press, 1989. Wadiwel, Dinesh Joseph. The War against Animals. Boston: Brill, 2015.

I learned that the story has no beginning, and no story has an end. That the story is all muddle, all middle. That the story is never true, but that the lie is indeed a child of silence. Ursula K. Le Guin This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and care-full telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. Let us compost. In this 3rd part of the seminar, we are going to prepare for a series of exhibitions and presentations, therefore only students who participated in Multispecies Storytelling I or II can take part. Guests: Chloé Vanden Berghe, Multispecies Ethnographer, Liège Terike Haapoja, Künstlerin, Berlin Workshop: hearing the unknown, with studio s:o:m - Janine Blöß & Tom Förderer, Köln Recommended literature: Chao, Sophie, Karin Bolender, and Eben Kirksey, eds. The Promise of Multispecies Justice. Durham: Duke University Press, 2022. Ferdinand, Malcom. A Decolonial Ecology: Thinking from the Caribbean World. Cambridge: Polity Press, 2022. Kimmerer, Robin Wall. Braiding Sweetgrass: Indigenous Wisdom, Scientific Knowledge and the Teachings of Plants . Minneapolis, Minn: Milkweed Editions, 2013. Le Guin, Ursula K. The Word for World Is Forest . London: Gollancz, 2022. Wadiwel, Dinesh Joseph. The War against Animals . Boston: Brill, 2015.

"To name the world as gift is to feel your membership in the web of reciprocity. It makes you happy – and it makes you accountable." Robin Wall Kimmerer This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and care-full telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. Let us compost. In this 4th part of the seminar, we are going to exhibit what we've worked on over the past semesters, therefore only students who participated in Multispecies Storytelling III can take part. Guests: Chloé Vanden Berghe, Multispecies Ethnographer, Liège Workshop: Hearing the Unknown, with studio s:o:m - Janine Blöß & Tom Förderer, Köln Exhibitions: Museum Morsbroich, n.n. Videonale.20, Schaumburg Bonn, 9. – 11. Mai 2025 Recommended literature: Sophie Chao, Karin Bolender, and Eben Kirksey, eds. The Promise of Multispecies Justice . Durham: Duke University Press, 2022. Ferdinand, Malcom. A Decolonial Ecology: Thinking from the Caribbean World. Cambridge: Polity Press, 2022. Kimmerer, Robin Wall. The Serviceberry, An Economy of Gifts and Abundance , Allen Lane, Penguin Random House, 2024 Le Guin, Ursula K. The Word for World Is Forest . London: Gollancz, 2022. Wadiwel, Dinesh Joseph. The War against Animals. Boston: Brill, 2015.

Im Multispecies Studio geht es um die Erschaffung eines gemeinsamen Raums, um über Ideen zu sprechen und Projekte zu entwickeln, welche die Perspektiven nicht-menschlicher Akteur*innen (wie Tiere, Pflanzen, Pilze, Bakterien oder KI’s) mitdenken und miteinbeziehen. In einer Zeit, in der wir die Verluste aus der ökologischen Krise und dem Artensterben noch gar nicht umfassend einschätzen können, geht es darum, im Hier und Jetzt Praktiken und Rituale der Annäherung zu entwickeln, die uns dazu befähigen, uns aufeinander einzulassen und füreinander zu sorgen. Hierfür arbeiten wir konkret an der Entwicklung der KHM als Multispezies-Lebensraum und untersuchen Technologien im Hinblick auf ihre Potenziale, Betrachter*innen zu aktivieren und zu involvieren. Das Kolloquium bietet in regelmäßigen Abständen Raum, um über studentische Projekte zu sprechen und sie gemeinsam zu entwickeln. Im Gespräch mit unseren Gästen werden wir uns u.a. Formen nicht-menschlicher Ästhetik widmen. Gäste u.a.: Eva Meijer, Philosophin und Autorin, Amsterdam Semâ Bekirovic, Künstlerin, Rotterdam Exkursion: Spaziergang im Hambacher Wald Literaturempfehlungen: Chang, Alenda Y.: Playing nature. Ecology in video game s, Bd. 58: Electronic mediations. Minneapolis: University of Minnesota Press 2020. Chao, Sophie / Karin Bolender / Eben Kirksey (Hrsg.): The Promise of Multispecies Justice . Durham: Duke University Press 2022. Despret, Vinciane / Brett Buchanan: What Would Animals Say If We Asked the Right Questions? , v.38: Posthumanities. Minneapolis: University of Minnesota Press 2016. Gigliotti, Carol: The creative lives of animals, Animals in context. New York: New York University Press 2022. Meijer, Eva: Learning to See Mice. (Stray Philosophy III). In: Humanimalia 13,1 (2022), S. 203–251. Westerlaken, Michelle / Simon Niedenthal / Per-Anders Hillgren / Andrew Morrison: Imagining Multispecies Worlds. Malmö: Malmö universitet 2020.

Das Seminar vermittelt die theoretischen, rechtlichen und methodischen Grundlagen nachhaltiger Film- und Medienproduktion. Behandelt werden unter anderem ESG-Kriterien, Sustainable Financing sowie ökologische Standards als Fördervoraussetzungen in der Bundes- und Länderfilmförderung. Im Zentrum steht Kreislaufdesign als Denk- und Arbeitsweise, abgeleitet aus der Konsistenzstrategie und der Kreislaufwirtschaft und angewendet auf Materialien, Produktionsprozesse und Formen der Zusammenarbeit. Diskutiert und erprobt werden nachhaltige Produktionsformen in den Bereichen Energie, Transport, Material und Entsorgung. Begleitend werden Instrumente der CO₂e-Bilanzierung für audiovisuelle Produktionen vorgestellt.

Das Seminar verknüpft theoretische, rechtliche und methodische Grundlagen nachhaltiger Film- und Medienproduktion mit künstlerischer und organisatorischer Praxis. Behandelt werden unter anderem ESG-Kriterien, Sustainable Financing sowie ökologische Standards als Fördervoraussetzungen der Bundes- und Länderfilmförderungen. Im Zentrum steht das Kreislaufdesign als Denk- und Arbeitsweise, abgeleitet aus der Konsistenzstrategie und der Kreislaufwirtschaft, angewendet auf Materialien, Produktionsprozesse und Formen der Zusammenarbeit. Diskutiert und erprobt werden nachhaltige Produktionsformen in den Bereichen Energie, Transport, Material und Entsorgung sowie deren Wechselwirkungen mit Film, Kunst, Architektur und anderen Kultursparten. Begleitend werden Instrumente des CO₂e-Footprintings für audiovisuelle Produktionen vorgestellt und in einen erweiterten kulturellen Kontext eingeordnet. Zum Abschluss entwickeln die Teilnehmenden in einem gemeinsamen Brainstorming konkrete Ansätze für nachhaltige Praxis in Lehre, Projekten und Übungen an der KHM. “Sustainable Media, Art, and Film Production” (AT) This seminar combines theoretical, legal, and methodological foundations of sustainable film and media production with artistic and organizational practice. Topics include, among others, ESG criteria, sustainable financing, and ecological standards as funding requirements of federal and state film funding bodies in Germany. At its core, the seminar explores circular design as a way of thinking and working, derived from consistency strategies and the principles of the circular economy, and applied to materials, production processes, and modes of collaboration. Sustainable production practices are discussed and tested in the areas of energy, transportation, materials, and waste management, as well as their interrelations with film, art, architecture, and other cultural fields. In parallel, tools for CO₂e footprinting in audiovisual productions are introduced and contextualized within a broader cultural framework. In the final phase, participants collaboratively develop concrete approaches for sustainable practice in teaching, projects, and exercises at the KHM.

Ggf. auch online. “When they entered the tank room, the chamber at the heart of the Darwin Centre, he would give the visitors a moment without prattle. The big room was walled with more shelves. There were hundreds more bottles, from those chest-high down to those the size of a glass of water. All of them contained lugubrious animal faces. It was a Linnaean décor; species clined into each other. There were steel bins, pulleys that hung like vines. No one would notice. Everyone would be staring at the great tank in the centre of the room.“ (China Meville, Kraken, S.7) Im 19. Jahrhundert kommt es weltweit zu der Gründung naturhistorischer Museen, die unter ihrem Dach oftmals individuelle Sammlungen von Abenteurer*innen, Forscher*nnen und Naturhobbyist*innen systematisieren und einhegen. Spezies werden ausgewählt, gesammelt, kategorisiert, konserviert und ausgestellt. Der amerikanischen Soziologin Susan Leigh Star folgend, waren „(…) die bedeutenden konservierten Objekte ökologische Fakten, nicht bloß Exemplare, die dazu dienten, die Öffentlichkeit über eine verschwindende Wildnis zu unterrichten.“ Diesem Erhalt von Wissen und ökologischen Fakten durch das Sammeln, Töten und Konservieren von Spezies setzen wir innerhalb des Seminars eine kritische Perspektive entgegen. Wir hinterfragen die institutionelle Ordnungsinstanz des naturkundlichen Museums und suchen nach den individuellen Narrationen und Verflechtungen, die an den Ausstellungsobjekten haften. Wir nehmen Bezug auf die dynamische Inszenierung toter Tiere, ihre Herkunft und die damit verbundene koloniale Vergangenheit: Welche individuellen Geschichten verstecken sich hinter den einzelnen Präparaten? Wo kommen sie her und wer hat sie gesammelt? Und vielleicht entscheidend: Wie können wir als Künstler*innen mit der ausgestellten Gewalthaftigkeit solcher Sammlungen arbeiten?

„This was what they came for, that pinkly enormous thing. For all its immobility; the wounds of its slow-motion decay, the scabbing that clouded its solution; despite its eyes being shrivelled and lost; its sick colour; despite the twist in its skein of limbs, as if it were being wrung out. For all that, it was what they were there for.” (China Miéville, Kraken, 2010) . Im 19. Jahrhundert kommt es weltweit zu der Gründung naturhistorischer Museen, die unter ihrem Dach individuelle Sammlungen von Abenteurer*innen, Forscher*innen und Naturhobbyist*innen systematisieren und einhegen. Spezies werden ausgewählt, gesammelt, kategorisiert, konserviert und ausgestellt. Der amerikanischen Soziologin Susan Leigh Star folgend, waren „ (…) die bedeutenden konservierten Objekte ökologische Fakten, nicht bloß Exemplare, die dazu dienten, die Öffentlichkeit über eine verschwindende Wildnis zu unterrichten. “ Dieser Produktion von Wissen und ökologischen Fakten durch das Sammeln, Töten und Konservieren von Spezies setzen wir innerhalb des Seminars eine kritische Perspektive entgegen. Wir hinterfragen die institutionelle Ordnungsinstanz des naturkundlichen Museums und suchen nach den individuellen Narrationen und Verflechtungen, die an den Ausstellungsobjekten haften. Wir nehmen Bezug auf die dynamische Inszenierung toter Tiere, ihre Herkunft und die damit verbundene koloniale Vergangenheit: Welche individuellen Geschichten verstecken sich hinter den einzelnen Präparaten? Wo kommen sie her und wer hat sie gesammelt? Und vielleicht entscheidend: Wie können wir als Künstler*innen mit der ausgestellten Gewalthaftigkeit solcher Sammlungen arbeiten? Das Seminar knüpft nahtlos an die bereits vermittelten Themen, Theorien und Praktiken an, die im Sommersemester intensiviert und vertieft werden. Ziel des Semesters ist die Umsetzung der individuellen studentischen Projekte und die raumgreifende Arbeit an einer thematischen Ausstellung. Literatur: Darwin, Charles: The Voyage of the Beagle, 1839. Desmond, Jane C.: Displaying Death and Animating Life, 2016. Haraway, Donna: Teddy Bear Patriarchy: Taxidermy in the Garden of Eden, 1984. Kirksey, Eben: The Multispecies Salon, 2014. Leigh Star, Susan: Grenzobjekte und Medienforschung, 2017. Ritvo, Harriet: The platypus and the mermaid, and other figments of the classifying imagination, 1998. Rutherford, Stephanie: Governing the Wild – Ecotours of power, 2011. Wolch, Jennifer & Emel, Jody: Animal Geographies, Place, Politics, and Identity in Nature-Culture Borderlands, 1998.

The Internet is a hyperobject (Morton, 2013), an entity so vast, all encompassing and all consuming that it is almost impossible for us to perceive. Nonetheless it increasingly shapes almost everything about our lives, defining the information we can access, the images we see, the things we buy, the places we go, etc. "Networked Practice" takes a decentralised, participatory research to the Internet. The core idea is to co-investigate the techno-political-biological networks within which we live together and to work in collaborative constellations of people from different geographies, bodies and minds. This seminar features contributions from a spectrum of practitioners who inquire into the Internet, from philosophers and anthropologists, to artist and designers. A few examples being Meghan O'Gieblyn; who inquires into the philosophical/spiritual contexts of the Internet, Kohn/Siré; whose practice explores alternative, offline networks, CAMP studio; whose projects reveal the interwoven techno-political networks in which we live and Melisa Allela; whose research reveals the specific ways in contemporary technology is conceived of, and for, white men. Together we will produce a zine of experimental writing on and about networked technologies, using the open-source writing tool Marginalia.

(Seminar in German and English) Als physische und virtuelle Räume bewahren Archive eine Auswahl von Dokumenten und Objekten auf. Was und wie in ihnen geordnet, restauriert und digitalisiert wird, hängt vom Fokus und Selbstverständnis ab. Davon ist auch abhängig, was Archive bewahren und was nicht. Auf die Leerstellen in institutionellen Archiven reagierten aktivistische Archivar*innen, indem sie eigene widerständige Archive anlegten. So tragen sie Sorge für marginalisierte Vergangenheiten und Unterdrückungserfahrungen. Aber auch solche Archive von unten haben ihre Grenzen, denn alltägliche Einschüchterung, Repressionen und Mikro-Widerstände gegen sie hinterlassen selten Spuren. Zwischen den vielstimmigen Geschichte(n), Objektbiografien und Leerstellen in den Archiven bewegen sich machtsensible Archivforscher*innen, Aktivist*innen, Künstler*innen und Kurator*innen, um aus 'neu gesehene' Vergangenheiten ihre Vorschläge für andere mögliche Zukünfte zu generieren.

Die ganze Nacht geschrieben, während rings um mich die Lichter ausgingen. Es wurde stiller, noch stiller, jetzt meldet sich die Amsel. Andere Vogelstimmen mischen sich ein, das Licht kehrt zurück, und ich klappe den Rechner zu, putze mir die Zähne und lege mich hin, zufrieden, denn der Text ist fertig. Mit dem Erwachen erwacht auch die Unruhe. Der Text ist fertig, schön und gut. Nur, was ist das eigentlich? Handelt es sich hierbei um Tagebuchnotizen oder um autofiktionale Prosa? Habe ich eine Kurzgeschichte geschrieben oder ist das schon eine Erzählung? Ist das noch eine Erzählung oder schon der Beginn eines Romans? Nach dem ersten Kaffee frage ich mich, ob es sich nicht vielleicht auch um ein Langgedicht handeln könnte. Aber erinnert manches darin nicht doch eher an einen Essay? Und: Ist das überhaupt wichtig? Wozu braucht es eine Gattungsbezeichnung? Nach dem zweiten Kaffee beruhige ich mich mit dem Gedanken, dass nicht ich allein diese Frage beantworten muss, und ich fasse den Entschluss, meinen Text im Seminar »Noch oder schon?« vorzustellen. Vielleicht weiß ja dort jemand Rat.

Entwerfen, Konzipieren, Entwickeln, Durcharbeiten, Mitteilen: Alle diese Aspekte der künstlerischen und forschenden Arbeit beruhen wesentlich auf dem Zeichnen. Häufig sind die tastenden Zeichenpraxen von Vorstudien in Malerei, Musik, Schreiben, Tanz, Theater, Film und Wissenschaften aufschlussreicher für den ästhetisch-epistemischen Prozess als das abgeschlossene Werk. (Benjamin: »Das Werk ist die Totenmaske der Konzeption«) Wir unternehmen eine Exkursion zu Zeichenpraxen von Leonardo bis Beuys, der Laban-Notation im Tanz, dem Schriftbild der neuen Musik, Textgenesen und Atomphysik. Dabei geht es um die Materialität der Zeichen und die Agency der Zeichenszene zwischen Hand, Auge, Stift und Papier. (Nietzsche: »Das Schreibzeug arbeitet mit an unseren Gedanken«) Die Funktionen von Modellierung, Metaphern und Mapping werden analysiert (z.B. Carte de Tendre). Dabei werden theoretische Positionen und historische Praxen referiert von Leibniz (Drôle de Pensée) zu Peirce (How to make our ideas clear) und von Derrida (Grammatologie) zu Krämer (Diagrammatologie). Parallel dazu erkunden wir unsere eigene Notationspraxis als Zeichen-/Denkszenen und erweitern diese durch Übungen und Experimente.

A year after his death, Gordon Matta-Clark received a angry latter from the city of New York Tax authority for the unpaid real-estate tax on his 15 plots of land. His widow and manager of the estate didn't really understand what was happening. He was a poor artist, not a land owner. Years earlier, he discovered that the city was selling odd plots of land for as little as 25$. On auction he bought 15. He meticulously documented the leftover, in-between, mistaken, bureaucratically neglected, junk spaces, trough maps and panorama photographs. The Block-Seminar will examine the work of Gordon Matta-Clark from three angles: -what were the socio-economic conditions that led to him having “junk” houses to use as raw material in the first place and what are the parallels to our economic reality today; -occupying space- how his practice of controlled demolition, “cutting” and trespassing, worked as elements for the creation of social space; -contemporary examples of art project that have parallels to his Reality Properties: Fake Estates; projects that reconsider the notions of property, ownership and social exchange – the forces that govern our lives. The seminar will look at mechanisms for taking over physical space, creating a new metabolism, one that evolves, one that can be traded, changing its value and status for a set of time. If a big economic reset already started, what can we do to prepare? What elements can be taken over? How does one represent that? How can a sketch give instructions on property and ownership over a set period of time? The students will work on individual proposals, in the forms of sketches with instructions on: how to take-over space in, on, over, under, the KHM. The proposals, together with a collectivity assembled reader will constitute a fanzine as an end result.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort in dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung dieser Werkstatt liegt nicht ausschließlich auf der Lichtgestaltung filmischer Projekte. In praktischen Fingerübungen erarbeiten wir selbst, wie wir losgelöst von Konventionen mit Licht gestalten können, um eine Atmosphäre zu verdichten, zu stilisieren, das Licht zu personalisieren, besondere Nähe zu den Figuren entstehen zu lassen oder Objekte in ihrer Wirkung zu unterstützen. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden.

Donna Haraway’s 1985 Cyborg Manifesto is going to turn 40 soon and is often regarded as the proto-cyberfeminist text. But the older the Manifesto gets, the more cryptic it seems to become. Will we be able to decode Haraway’s insinuations and allusions to 1980s politics, pop and protest culture? What was C3I again? Wtf are Harlequin romances? Does “Star Wars apocalypse” relate to George Lukas’ space opera or to something completely different? Who are the Greenham women and why are they witch-weaving? And what is witch-weaving anyways? We will spend five sessions reading and deciphering the manifesto together. And if we’re feeling adventurous, we’re going to turn our findings into a little zine. Language will be mostly English, but there’s a German version of the text und es ist auch ok wenn Ihr im Seminar Deutsch oder Denglish sprecht. Dates: 1. 17.04.2024 2. 15.05.2024 3. 29.05.2024 4. 13.06.2024 5. 26.06.2024

Imperialist projects, authoritarian regimes, colonial legacies, warfare, policies of exclusion affect our personal and collective bodies displacing and reconfiguring them. Stories and rituals are remapping post-socialist grammar, colonial violence in the North-, West- and Central Asia and the realities it has created. What stories do we want to tell and why? To whom? What type of connections existed and can be imagined between art and politics? What approaches can artist take towards different struggles within interconnected and disconnected geographies? A space for stories that are untold and not shared, daily practices that create a potential for change where one still can hope for its materialization. How artists can be situated in local histories that are not in line with expected narratives and produce contexts that are not giving in to the politics of representation. The seminar is a part of continues practice by self-organising liquid resistance within solid structures of the western academy.

Imperialist projects, authoritarian regimes, colonial legacies, warfare, policies of exclusion affect our personal and collective bodies displacing and reconfiguring them. Stories and rituals are remapping post-socialist grammar, colonial violence in the North-, West- and Central Asia and the realities it has created. What stories do we want to tell and why? To whom? What type of connections existed and can be imagined between art and politics? What approaches can artist take towards different struggles within interconnected and disconnected geographies? A space for stories that are untold and not shared, daily practices that create a potential for change where one still can hope for its materialization. How artists can be situated in local histories that are not in line with expected narratives and produce contexts that are not giving in to the politics of representation. “on the other side of the Rhine. Part II” is a continuation of the seminar that was organised by a group of students with a so-called post-socialist background. This semester we keep on with our research on mentioned topics, walks on another side of the Rhine, sharing food and hosting guests.

Imperialist projects, authoritarian regimes, colonial legacies, warfare, policies of exclusion affect our personal and collective bodies displacing and reconfiguring them. Stories and rituals are remapping post-socialist grammar, colonial violence in the North-, West- and Central Asia and the realities it has created. What stories do we want to tell and why? To whom? What type of connections existed and can be imagined between art and politics? What approaches can artist take towards different struggles within interconnected and disconnected geographies? A space for stories that are untold and not shared, daily practices that create a potential for change where one still can hope for its materialization. How artists can be situated in local histories that are not in line with expected narratives and produce contexts that are not giving in to the politics of representation. “on the other side of the Rhine. Part II” is a continuation of the seminar that was organised by a group of students with a so-called post-socialist background. This semester we keep on with our research on mentioned topics, walks on another side of the Rhine, sharing food and hosting guests. Kontaktperson: Tania Licheuskaya

Das exMedia Lab bietet in den beiden Kompaktseminarwochen verschiedene Workshops an, die diverse Produktionstechniken, Materialitäten und Themen des Digitalen und Analogen verbinden und deren Ästhetiken und Themen reflektieren. Woche eins (31.01.-04.02.2022) A – Lasercutter Vermittlung der grundlegenden Technik des Lasercutters, Experimentieren und Ausloten anhand eigener Entwürfe (Di–Do) Karin Lingnau B – Hands-On Biomedia – Einführung in die Arbeit mit biologischen Medien Dr. Klaus Fritze, Verena Friedrich Woche zwei (07.-11.02.2022) C – Rechnen durch Handeln – Was ist ein Computer? Verena Friedrich D – Risograph Vermittlung der grundlegenden Technik des Risographs und Umgang mit relevanten Materialien, Experimentieren und Ausloten anhand eigener Entwürfe. Jacqueline Hen, Karin Lingnau Weitere Informationen zu: B – Hands-On Biomedia – Einführung in die Arbeit mit biologischen Medien Mit den neuen Arbeitsräumen im exMedia Lab steht den Studierenden nun eine wissenschaftliche Arbeitsumgebung für künstlerische Experimente mit Biomedien und Lebewesen zur Verfügung. Mikroskope, Zentrifugen, Sterilwerkbank, Klimakammer, DNA-Analyse-Equipment etc. werden in praktischen Laborexperimenten erprobt und diskutiert. Aspekte wissenschaftlicher Protokollierung und Dokumentation sowie eine Auseinandersetzung mit ethischen Aspekten der Arbeit mit lebenden (Mikro-)Organismen sollen künstlerische Experimente und künftige Ausstellungspraktiken mit Biomaterialien ergänzen. Die Teilnehmer*innen werden zum verantwortlichen Gebrauch der Arbeitsmittel und zu eigenständiger Experimentalplanung unter Beachtung der Sicherheits- und Hygieneregeln befähigt und erhalten nach erfolgreichem Abschluss einen Laborschein. C – Rechnen durch Handeln – Was ist ein Computer? Im Rahmen des Workshops erforschen wir die geschichtliche Entwicklung der Computertechnologie anhand von Beispielen und praktischen Experimenten. Beginnend bei der Automatisierung des Rechnens bis hin zur elektronischen Digitaltechnik rekonstruieren wir ausgewählte Mechanismen im Hinblick auf die direkte Auseinandersetzung mit den zugrundeliegenden Strukturen und Prozessen. Ziel ist die (individuelle oder gemeinsame) Entwicklung eigener Modelle und Prototypen mit einfachen Materialien und Werkzeugen sowie computergestützten Fertigungsmethoden, welche die erlernten Prinzipien implementieren und ggf. künstlerisch adaptieren. Die praktische Auseinandersetzung wird durch eine Reihe von Vorlesungen inhaltlich vertieft und kontextualisiert.

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken oder Programmierung statt.

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken, Programmierung und der Arbeit mit biologischen Medien statt.

"Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken, Programmierung und der Arbeit mit biologischen Medien statt.“

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf können zudem Workshops und Einführungen zu Themen aus dem Bereich DIY, Methoden/ Prozesse, Planen/ Entwerfen, Prototyping- und Drucktechniken, Biomedien und anderen Materialitäten stattfinden. The “Open Lab” is colloquium and meeting place for discussing current projects and shared research focuses in the context of the exMedia Lab. It offers an environment for presenting and testing artistic works, cooperative strategies, experiments, installations, workshops, lectures, texts, etc. in various stages of development. Workshops and introductions to topics from the fields of DIY, methods/processes, planning/design, prototyping and printing techniques, biomedia and other materialities can also take place in addition or as needed.

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf können zudem Workshops und Einführungen zu Themen aus dem Bereich DIY, Methoden/ Prozesse, Planen/ Entwerfen, Prototyping- und Drucktechniken, Biomedien und anderen Materialitäten stattfinden. The “Open Lab” is colloquium and meeting place for discussing current projects and shared research focuses in the context of the exMedia Lab. It offers an environment for presenting and testing artistic works, cooperative strategies, experiments, installations, workshops, lectures, texts, etc. in various stages of development. Workshops and introductions to topics from the fields of DIY, methods/processes, planning/design, prototyping and printing techniques, biomedia and other materialities can also take place in addition or as needed.

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf können zudem Workshops und Einführungen zu Themen aus dem Bereich DIY, Methoden/ Prozesse, Planen/ Entwerfen, Prototyping- und Drucktechniken, Biomedien und anderen Materialitäten stattfinden. The “Open Lab” is colloquium and meeting place for discussing current projects and shared research focuses in the context of the exMedia Lab. It offers an environment for presenting and testing artistic works, cooperative strategies, experiments, installations, workshops, lectures, texts, etc. in various stages of development. Workshops and introductions to topics from the fields of DIY, methods/processes, planning/design, prototyping and printing techniques, biomedia and other materialities can also take place in addition or as needed. Sprache: Deutsch und Englisch

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf können zudem Workshops und Einführungen zu Themen aus dem Bereich DIY, Methoden/ Prozesse, Planen/ Entwerfen, Prototyping- und Drucktechniken, Biomedien und anderen Materialitäten stattfinden. The “Open Lab” is colloquium and meeting place for discussing current projects and shared research focuses in the context of the exMedia Lab. It offers an environment for presenting and testing artistic works, cooperative strategies, experiments, installations, workshops, lectures, texts, etc. in various stages of development. Workshops and introductions to topics from the fields of DIY, methods/processes, planning/design, prototyping and printing techniques, biomedia and other materialities can also take place in addition or as needed.

Die Veranstaltung „open sound“ ist ein offener Treff zu allen Fragen rund um das Thema „sound“. Da sich viele Fragen immer wiederholen, liegt der Fokus auf konkreten Projekten, das Ziel ist der gegenseitige Austausch und das Voneinander-Lernen. Das schließt die Diskussion neuer Entwicklungen, die Lektüre von relevanten Texten, algorithmische Untersuchungen am Sound und verschiedene Experimente mit ein.

Kolloquium zu Fragen rund um Sound, Performance, Installation. Inklusive Exkurse in Mediengeschichte, Ästhetik, Technik. In erster Linie geht es aber um die Vorstellung eigener Projekte /Projektideen und Feedback dazu in der Gruppe - wir wollen alle voneinander lernen.

Kolloquium zu Fragen rund um Sound, Performance, Installation. Inklusive Exkurse in Mediengeschichte, Ästhetik, Technik. In erster Linie geht es aber um die Vorstellung eigener Projekte /Projektideen und Feedback dazu in der Gruppe - wir wollen alle voneinander lernen.

das kolloquium beschäftigt sich mit fragen rund um sound, performance, installation. inklusive exkurse in mediengeschichte, ästhetik, technik. in erster linie geht es aber um die vorstellung eigener projekte /projektideen und feedback dazu in der gruppe - wir wollen alle voneinander lernen. sprache ist hauptsächlich englisch. the colloquium explores questions related to sound, performance, and installation. it also includes discussions on media history, aesthetics, and technology. however, the primary focus is on presenting your own projects or project ideas and receiving feedback from the group—we all want to learn from one another.

Seien es Kompositionen oder Installationen, Songs, Klingeltöne oder Improvisationen: Allen gemeinsam ist, dass sie nach geschriebenen oder ungeschriebenen Regeln Klang organisieren. Im Seminar werden einige dieser Regelsysteme untersucht, denkbare Vektoren sind historisch, interkulturell, materiell/physikalisch, konzeptuell, kybernetisch. Zum Scheinerwerb gehört die Entwicklung und Anwendung eines eigenen Regelsystems.

Kein Film spricht aus sich heraus, kein Film begegnet seinem Publikum in einem luftleeren Raum. Festivals sind ein möglicher konkreter Ort für Filme: Sie rahmen jeden Film mit einem Programm, mit Texten, Gesprächen, anderen Filmen und Abspielorten. Vom 09. bis 12. November besuchen wir gemeinsam die Duisburger Filmwoche, die innerhalb der Diskurse rund um den Dokumentarfilm eine singuläre Rolle einnimmt. Vor Ort werden wir den Formatierungen des Festivals nachgehen und neben einer intensiven Begegnung mit den Filmen Gespräche mit der Leitung/Auswahlkommission, Filmemacher*innen und miteinander führen und der Frage nachgehen, wie ein bestimmter Ort des Films, Filme auf bestimmte Weise sichtbar macht. Die Exkursion findet in Kooperation mit der Duisburger Filmwoche statt. Kosten für An- und Abreise, sowie Akkreditierung werden von der KHM übernommen.

Kein Film spricht aus sich heraus, kein Film begegnet seinem Publikum in einem luftleeren Raum. Festivals sind ein möglicher konkreter Ort für Filme: Sie rahmen jeden Film mit einem Programm, mit Texten, Gesprächen, anderen Filmen und Abspielorten. Vom 08. bis 12. November besuchen wir gemeinsam die Duisburger Filmwoche, die innerhalb der Diskurse rund um den Dokumentarfilm eine singuläre Rolle einnimmt. Vor Ort werden wir den Formatierungen des Festivals nachgehen und neben einer intensiven Begegnung mit den Filmen Gespräche mit der Leitung/Auswahlkommission, Filmemacher*innen und miteinander führen und der Frage nachgehen, wie ein bestimmter Ort des Films, Filme auf bestimmte Weise sichtbar macht. Im den Wochen vor dem Festival und der Woche danach werden wir uns je einmal treffen, um uns mit Filmen und Diskursen zu beschäftigen, die das Festival geprägt haben, um sein gegenwärtiges Programm in einen Bezug zu seinen Traditionen zu stellen. 8. bis 12. November 2023 (in Duisburg) ganztägig, zudem Treffen an der KHM (23.10, 30.10, 13.11, jeweils 14 bis 17 Uhr, Aula der KHM) Die KHM übernimmt Kosten für Akkreditierung und Übernachtung.

Kein Film spricht aus sich heraus, kein Film begegnet seinem Publikum in einem luftleeren Raum. Festivals sind ein möglicher konkreter Ort für Filme: Sie rahmen jeden Film mit einem Programm, mit Texten, Gesprächen, anderen Filmen und Abspielorten. Vom 06. bis 10. November besuchen wir gemeinsam die Duisburger Filmwoche, die innerhalb eines deutschsprachigen Diskurses rund um den Dokumentarfilm eine singuläre Rolle einnimmt. Vor Ort werden wir den Formatierungen des Festivals nachgehen und neben einer intensiven Begegnung mit den Filmen Gespräche mit der Leitung/Auswahlkommission, Filmemacher*innen und miteinander führen und der Frage nachgehen, wie ein bestimmter Ort des Films, Filme auf bestimmte Weise sichtbar macht. Die KHM wird die Kosten für Übernachtungen sowie Akkreditierungen übernehmen. Es können maximal 10 Personen an dem Seminar teilnehmen. Die Anmeldung erfolgt bis zum 27. September nach dem „first come, first serve“-Prinzip an Alejandro.bachmann@khm.de und sollte eine kurze Schilderung des persönlichen Interesses an dem Seminar beinhalten. Bitte melden Sie sich nur an, wenn Sie bereits im Hauptstudium sind & tatsächlich teilnehmen werden.

Das Seminar schließt an das im WS 2022/23 gehaltene Lektüreseminar zum Verlernen/Unlearning an. Dies hatte sich mit dem Verlernen als Praxis auseinandergesetzt unter anderem bei Gayatri Chakravorti Spivak, Trinh T. Minh-ha und Gloria Anzaldúa. Alle drei legen aus einer feministischen, geopoetischen und postkolonialen Perspektive ideologische und institutionalisierte Formierungen offen und mit ihnen die determinierten und machtvolle, vorgezeichnete Strukturen und setzen diesem ein Verlernen/Unlearning/Undoing als poetische Denkpraxis entgegen, wie Spivak dies mit dem Bild der ,unsichtbaren Flickarbeit‘ thematisierte – einem Gewebe, in dem die bislang nicht sichtbare Perspektiven und Stränge in die kulturelle und gesellschaftliche Textur eingewoben werden. Diesmal richtet sich die Aufmerksamkeit auf die Orte, die Räume ästhetischer Bildung und Vermittlung und ihre Verschränkungen mit Praktiken des Verlernens und inwiefern sie Kunst und ihre Institutionen affizieren. Dabei sind Aspekte von Bewegung wie Flucht und migrantische Bewegung, koloniale Vergangenheit und de/postkoloniale Auseinandersetzung für die theoretische und künstlerische Auseinandersetzung mit Verfahren des Verlernens maßgeblich. So plädiert Christine Ross in ihrer Untersuchung für eine Betrachtung von Koexistenz und Gegenseitigkeit, um die Macht- und Betrachtungsgefälle von Bürger*innen auf der Flucht und denjenigen mit Wohnsitz zu entkoppeln. Im Seminar suchen wir die Orte des Verlernens und ihre Praktiken auf, entwickeln Fragen und Herangehensweisen an Texte und künstlerische Arbeiten. The seminar follows on from the reading seminar on Unlearning/Verlernen held in WS 2022/23. This had dealt with unlearning as a practice in Gayatri Chakravorti Spivak, Trinh T. Minh-ha and Gloria Anzaldúa, among others. They expose ideological and institutionalized formations from a feminist, geopoetic and postcolonial perspective and with them the determined and powerful, predetermined structures and counter this with unlearning/undoing as a poetic thought practice, as Spivak thematized with the image of 'invisible patchwork' - a fabric in which previously invisible perspectives and strands are woven into the cultural and social texture. This time, the focus is on the places, the spaces of aesthetic education and mediation and their entanglements with practices of unlearning and the extent to which they affect art and its institutions. Aspects of movement such as flight and migrant movement, colonial past and de/post-colonial confrontation are decisive for the theoretical and artistic examination of processes of unlearning. In her study, Christine Ross argues for a consideration of coexistence and reciprocity in order to decouple the power and perspective imbalances between citizens-on-the-move and those who are resident. In the seminar, we will seek out the places of unlearning and their practices, develop questions and approaches to texts and artistic works. Vorgeschlagene Lektüre/suggested readings: Gayatri Chakravorty Spivak, An aesthetic education in the era of globalization, Cambridge Mass 2012 María do Mar Castro Varela/Leila Haghighat (Hg.), Double Bind Postkolonial. Kritische Perspektiven auf Kunst und Kulturelle Bildung, Bielefeld 2023. Miwon Kwon, One place after Another. Site-Specific Art and Locational Identity, Cambridge Mass./London, 2002. Trinh T. Minh-ha, elsewhere, within here. Immigration, refugeeism and the boundary event, New York/London 2011. Christine Ross, Art for Coexistence. Unlearning the Way we See Migration, Cambridge Mass./London, 2022.

Gibt man dem künstlich intelligenten Sprachmodell GPT-3 den Auftrag, write a lecture an-nouncement for a theory seminar about Artificial Intelligence, kommt u.a. der folgende Text heraus, der für diese Ankündigung von deepL Translator, einer weiteren KI, ins Deutsche übersetzt wurde. Wir werden von dieser Inhaltsbeschreibung abweichen und versprechen, dass das Seminar nicht so langweilig wird, wie es der Ankündigungstext erwarten lässt: Künstliche Intelligenz: Geschichte, Herausforderungen und Theorien. In diesem Seminar werden wir uns mit der Geschichte der künstlichen Intelligenz (KI), den Herausforderungen, die sich für die Gesellschaft durch KI ergeben, und den wissenschaftlichen Theorien im Zusammenhang mit KI befassen. Wir werden die Ursprünge der KI bis ins antike Griechenland zurückverfolgen, als Philosophen erstmals die Frage stellten, ob Maschinen denken können. Anschließend werden wir uns mit der jüngeren Geschichte befassen, einschließlich der frühen Versuche zur Schaffung denkender Maschinen im 19. und 20. Jahrhundert. Schließlich werden wir die aktuellen Herausforderungen der KI erörtern, wie z.B. die Gewährleistung, dass KI-Systeme ethisch einwandfrei und für die Gesellschaft als Ganzes von Nutzen sind.

otic. ist eine von Studenten betriebene Radioplattform an der KHM. otic. ist ein Raum für Kunst, die sich eher auf das Ohr als auf das Auge bezieht. otic. ist auf der Suche nach Zuhörer*innen. otic. ist auf der Suche nach Sender*innen. Gemeinsam denken und lernen wir über die unzähligen Rollen, die das Radio als experimentelles Medium in einer sich ständig verändernden technologischen Landschaft spielen kann. Hörspiele / Storytelling / Lesungen / Spoken Word / Artist Talk / Improvisation / Diskussionsshows / Klangkunst / experimentelle Musik / DJ-Sets / dokumentarische Beiträge / Field Recordings / Kollaborationsshow In diesem Semester wollen wir das Broadcast Program vielfältiger und vielstimmiger gestalten und euch dazu einladen, kollektiv in einer wöchentlichen Seminarsitzung, alle technischen Aspekte der Planung, Bearbeitung, Erstellung des Streamings und des Masterings einer Radiosendung zu explorieren, zu lernen und hier gemeinsam künstlerische Arbeiten zu kuratieren und zu moderieren, mit dem Ziel, eine regelmäßige Broadcast Shows u.o. die Erarbeitung einer LIVE Sendung, die während des Rundgangs25 präsentiert werden soll, herzustellen. Wir freuen uns, Gäste aus verschiedenen Fachbereichen begrüßen zu dürfen: aus dem Medien- und Urheberrecht mit Einblicken zu Themen wie der Nutzung und Integration von Materialien in Radiosendungen, von einem internationalen Radiosender, aus der akademischen Perspektive eines Lehrstuhls für experimentelles Radio sowie aus den Bereichen Öffentlichkeitsarbeit, redaktionelle Arbeit und Kuration.. Hintergrundwissen ist nicht erforderlich, aber die Bereitschaft aktiv im Team zu arbeiten. --- ENGLISH VERSION otic.radio otic. is a student-run radio platform from KHM. otic. is a space for works that relate to the ear rather than the eye. otic. is looking for listeners. otic. is looking for broadcasters. Together, we explore and learn about the countless roles radio can play as an experimental medium in an ever-evolving technological landscape. 
Radio plays / storytelling / readings / spoken word / artist talks / improvisation / discussion shows / sound art / experimental music / DJ sets / documentary pieces / field recordings / collaborative shows This semester, we aim to make the broadcast program more diverse and multi-voiced, inviting you to collectively explore, learn, and engage in a weekly seminar session. Together, we’ll delve into all the technical aspects of planning, editing, creating, streaming, and mastering a radio program. Our goal is to curate and moderate artistic works while collectively producing regular broadcast shows and/or developing a LIVE broadcast to be presented during Rundgang25. We are delighted to welcome guests from a variety of disciplines: from media and copyright law with insights into topics such as the use and integration of materials in radio programs, from an international radio station, from the academic perspective of a chair for experimental radio as well as from the fields of public relations, editorial work and curation. No prior knowledge is required, but a willingness to actively work as part of a team is essential.

Nachhaltigkeit als der Ansatz nicht mehr zu verbrauchen, als nachwachsen kann, heisst auch, mit den Ressourcen, die bereits vorhanden und im Umlauf sind, umgehen zu lernen. Dazu gehören Prinzipien des Reduzierens, Recyclens und Re-Using ebenso wie Transformationsmöglichkeiten von Materialien und Formaten. Geplant ist, im Seminar gemeinsam mit Axel Autschbach und Sepp Liebisch (der Werkstatt) eine Maschine zu bauen, die Plastik schreddert. Geschreddertes Plastik kann als Granulat geschmolzen und zu Filament für 3D-Druck oder zur Herstellung von Plattenmaterial genutzt werden. Das open source Projekt "precious plastic" (//preciousplastic.com/) dient im Seminar als Ausgangspunkt, auch für weitere Überlegungen wie Materialrecherche und Sammlung der entsprechenden Wertstoffe. Die Frage nach den eigenen Möglichkeiten Ressourcen zu reduzieren oder zu transformieren, ist ein Aspekt in der Auseinandersetzung mit dem Thema Klimawandel. Anhand von Beispielen aus künstlerischen und angewandten Disziplinen können bereits bestehende Technologien, Experimente und Materialien als auch zukünftige Entwicklungen diskutiert werden. Und welche Technologien, Kenntnisse und Fragestellungen werden für die eigenen künstlerischen Prozesse notwendig, um das Thema aktiv zu denken? own your plastic...

Ist die Lyrik eine Geheimwissenschaft für nur eine Handvoll von Eingeweihten – oder ist sie grundsätzlich ein universelles und jedem zur Verfügung stehendes Mittel der Weltenerfassung, ist ihr Publikum nicht in einer Nische zu finden, richtet sich die Lyrik vielmehr an alle? Ist sie exklusiv oder inklusiv? Zum Selbstverständnis der meisten Dichter gehört, dass sie das Gedicht als essentiell und existentiell begreifen, dass sie also ein, zumindest theoretisch, großes, wenn nicht gar unendliches Publikum im Sinn haben. Dem scheint die seltsame Tatsache zu widersprechen, dass Gedichte augenblicklich als minderwertig gelten, sobald sie viele Leser finden. In diesem Seminar soll der feinen Grenze zwischen Popularität und Geschmacklosigkeit nachgeforscht werden, allerdings ausschließlich anhand großartiger (und zugleich bei einer breiten Leserschaft immens beliebter) Lyrikerinnen und Lyriker, also beispielsweise Pablo Neruda, Bertolt Brecht, Dylan Thomas, Simon Armitage, Sylvia Plath, Allen Ginsberg, Mascha Kaléko, Louise Glück und anderen. Sie sollen, auch in Referaten, vorgestellt werden, ausgewählten (und populären) Gedichten von ihnen werden wir lauschen und gemeinsam herauszufinden versuchen, was das Geheimnis ihres Erfolges und ihrer Klasse ist. Zugleich soll Zeit bleiben, um, so gewünscht, auf eigene Gedichte der Teilnehmenden einzugehen und sie mit Offenheit und Neugier zu besprechen. Und vielleicht ließe sich dem Ganzen ein bedenkenswerter Satz aus Pablo Nerudas Manifest für eine „Poésie impure“ voranstellen: „Wer sich vor dem Geschmacklosen fürchtet“, so Nerdua, „den holt der Frost“.

Atelier 4a/4b oder Studio A Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

Atelier 4a/4b Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an.

Atelier 4a/4b Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an.

Arne Bro and Lotte Mik-Meyer lead a challenging and inspiring workshop about revealing each participant’s pictorial language. Through short and intense visual assignments with small cameras and subsequent evaluations, the team focuses on identifying and strengthening the personal visual language of each participant. The workshop offers insights in and knowledge about visual capacities and constitutive visual elements of each participant’s specific pictorial language. The camera is used as an investigative tool to identify the filmmaker’s personal relation to aesthetics & methods and to character(s), space, movement etc. in their stories. The camera will identify in physical form personal motifs and basic film language deeply rooted in each storyteller. This identification is of importance to the ways in which each storyteller approaches the development process of a film. The core interest is to further identify, challenge and develop the filmmaker’s personal voice. Visual methods and concepts of the workshop are based on the training and development methods related to fiction, documentary and TV production under the limited conditions of smaller European societies, as film artists in Europe are very often confronted with extremely small budgets, limited access to a crew, shooting and editing time, as well as salaries. The working methods of this workshop is therefore both aiming at research and development methods, as it is aiming at possible production methods to be used by the director in between funding or when there is no funding at all. The workshop invites a maximum of 8 visual artists, documentary or fictional filmmakers, producers, who aim at developing their visual and conceptual storytelling skills and their individual pictorial language. Participants have to be prepared to work from 9 am to 5 pm every day and can’t hold other working relation during the 5-day workshop. Each participant will be provided with a DV Cam which requires little or no technical skills. ARNE BRO (b. 1953) Head of Documentary & TV Dept. and Former Vice Director of The National Film School of Denmark (NFSD). Educated as Director and Script Writer, NFSD. Has directed and produced documentary films and TV programs. Has founded and developed the documentary education and tradition at The National Film School of Denmark. LOTTE MIK-MEYER (b. 1968) Professor, Head of Conceptual Documentary (MFA), The Norwegian Film School. Independent documentary filmmaker. Developing, shooting and directing documentaries. Director and cinematographer of ”What We See” (2006), ”Drawing” (a non-linear Structure) (2006), ”The Arab Initiative” (2008) and ”Return of a President” (2017). Internationally the workshop has been offered to media professionals since 2001 at places like: SUNDANCE Institute, BINGER FilmLab – Netherlands (Director’s and Documentary Director’s program), SABC (National Broadcaster) – South Africa (Director’s & Documentary Director’s program) etc. The seminar is offered in English.

Ggf. auch als Online-Seminar. Im Fachseminar „Photographic" Utopia sollen Ideen entwickelt werden, wie eine utopische „Fotografie" aussehen könnte und inwieweit eine gesellschaftliche Relevanz darin zu erkennen wäre. Fragen, ob die Kameras der Zukunft überhaupt noch von Menschen bedient werden oder wie sich Motiv und Material verändern können, sind Bestandteil dieser Auseinandersetzung. Das Themenfeld kann medienübergreifend bearbeitet werden. Neben der künstlerischen Auseinandersetzung soll ein theoretischer Diskurs anhand von Texten und Filmen das Seminar begleiten. Theoretiker*innen wie zum Beispiel Joanna Zylinska oder die Reihe „Digitale Bildkulturen“ (Verlag Klaus Wagenbach) sollen hier die Grundlage bilden. Ziel des Fachseminars ist eine Gruppenausstellung, die von einer gemeinsam erarbeiteten Publikation begleitet wird.

In dieser akustischen Werkstatt entwerfen und konstruieren wir individuelle Instrumente, selbstspielende Musikmaschinen oder Klanginstallationen. Wir erforschen das Klangpotential von Alltagsgegenständen, Schrott, Gebäudeteilen oder elektrischen Geräten, experimentieren mit Gitarrensaiten, Pianodraht oder Trommelfellen und entwickeln daraus eigene Klang-Erzeuger. Kontaktmikrofone (Piezos) oder E-Gitarren-Pickups dienen als Tonabnehmer, um die Klänge über selbstgebaute Lautsprecher zu verstärken. Mit kleinen Motoren oder Hubmagneten können die Apparaturen automatisch gespielt werden, wer möchte, kann auch Sensoren wie zum Beispiel Näherungs-, Licht- oder Lautstärke- Module einsetzen und das Ganze mit dem Arduino ansteuern. Vorkenntnisse im Löten oder in der Elektronik sind nicht erforderlich!

In diesem Grundlagenseminar soll das Erstellen von Dialogen im Fokus stehen. Wie sprechen wir miteinander? Welcher Ton ist lauter, welcher leise. Was bedeutet authentisch zu sprechen und was nehmen wir als manieriert war? Was verstehen wir unter einem absurden Dialog? Wieviel Luft muss man lassen? Was ist ein Dialog, der über Bande verläuft, über Unbeteiligte, Außenstehende. Dass Dialoge darüber hinaus Tempo und Rhythmus haben, in ihnen ein Schweigen durchlaufen kann, und der Dialogkontext mal stärker sein kann als das Gespräch selbst, sind Erkundungen, die wir gemeinsam unternehmen werden, ebenso wie die mediale Signatur, die einen Text bestimmt. Die Schreib- und Leseübungen werden durch eine dialogische Lehrsituation unterstützt, und am Ende sollen selbst erarbeitete Dialogtexte stehen, die in alle mediale Richtungen reichen können, von Film, Bühne und Hörspiel, über Prosa vielleicht bis zum Gedicht. Unterrichtssprache: Deutsch (überwiegend) und Englisch.

Wie verändern digitale Medien unsere Gesellschaft? Um diese Frage beantworten zu können, wollen wir im Seminar einen Blick zurück in die Vergangenheit digitaler Medien werfen. Ein schematischer Überblick über die entscheidenden medialen Innovationen in der Zivilisationsgeschichte der Menschheit soll uns dabei helfen, gegenwärtige und mögliche zukünftige gesellschaftliche Veränderungen kritisch beleuchten und gestalten zu können. Dabei beschränken wir uns nicht nur auf eine rein medienhistorische, medienkulturelle oder medienästhetische Analyse der Evolution digitaler Medien. Vielmehr wird es zunächst um die grundsätzliche Frage nach der gesellschaftlichen Funktion von Medien gehen und damit, um deren zentrale Bedeutung für soziale Weltwahrnehmungs- und Sinngebungsprozesse. Vor diesem Hintergrund lässt sich dann untersuchen, welche gesellschaftlichen Sinnzusammenbrüche jeweils mit einem neuen Medium unmittelbar in Verbindung stehen, die im historischen Rückblick über epochale Leitmedien wie etwa Sprache, Schrift, Buchdruck oder elektronische Medien jeweils ausgelöst worden sind und weitreichende kulturelle, ökonomische und politische Umwälzungen provoziert haben. Dabei lassen sich algorithmusbasierte Mediensysteme, vom Computer über das Internet der Dinge bis hin zur Künstlichen Intelligenz und die damit verbundenen Techniken und Praktiken nicht nur als Mittler oder Träger von Informationen deuten, sondern sie treten selbst als eigensinnige Akteure in Erscheinung. Niklas Luhmann hat im Rahmen seiner Theorie autopoietischer sozialer Systeme in dieser Lage den Vorschlag unterbreitet, all das Medien zu nennen, was Kommunikation wahrscheinlicher macht. Aufbauend auf dieser post-anthropozentrischen Analyseperspektive und mit den Einsichten praxeologisch orientierter Arbeiten der Science and Technology Studies erweitert, lassen sich die Konturen einer Theorie der planetaren Mediatisierung skizzieren. Das Seminar möchte mit diesem medientheoretischen Themenschwerpunkt einen spekulativen Raum des gemeinsamen Nachdenkens über die Gefahren und Chancen ermöglichen, die mit den radikalen gesellschaftlichen Veränderungen unter den Bedingungen neuester Medien im Zusammenhang stehen. Als gemeinsame Lektürebasis dient ein Reader, der zu Beginn des Seminars im WS 2023/24 zur Verfügung stehen wird.

Viele namhafte Regisseurinnen und Regisseure greifen bewusst auf Plansequenzen als ein Gestaltungsmittel der Bildsprache zurück. Welchen künstlerischen Ausdruck ermöglichen die zeitliche Authentizität und „topografische Treue“ von Plansequenzen und welche besonderen Anforderungen stellen sie? Wir untersuchen die Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit von Kamera-Arbeit, Mechanismen innerer Montage, besondere Möglichkeiten der Schauspiel-Arbeit und die Berührungspunkte zum Filmschnitt. Als Fortsetzung des praktischen Seminars „szenische Choreografie“ wollen wir die filmischen Aspekte anhand unseres Materials, als auch von ausgesuchten Plansequenzen der Filmgeschichte untersuchen und vertiefen. Das Seminar ist für alle Studierenden offen. 

Nature is a reoccurring topic throughout a large variety of games, ranging from triple A-titles that display beauty and awe with slick frame rates, to the more experimental play experiences in Indie gaming. In this seminar, we will look at flora and fauna as a phenomenon in video games. As a starting point, we will draw on the representation of different aspects of nature within game worlds: From the creation of photorealistic forest environments, over the staging of catastrophes and the forces of nature as design elements, to the representation of individual plants and animals and their roles as the representatives of livelihood in an artificial landscape. Following North-American philosopher Ian Bogost, play can be rendered as a general access to the world we live in – with a magic circle that has become brittle and a perpetual renegotiation of the rules for our game. We will try to understand play not as something that is detached from the world, but rather as something that takes in an active perspective in the eye of climate change, the mass extinction of animals or the individual losses of a dearly loved tree. In this grim reality we will use play as modus to bare our coming loss and to survive on our damaged planet. Throughout the seminar we hopefully find answers collectively to challenging questions: How can we as artists use the language of games as a specific form of protest and activism? How can we stage media in a playful fashion that will counter-narrate the green-washed stories of filthy cooperate identities? How can we display not only the beauty of nature but also its wonderful messiness? And maybe more zoomed-in: What is it like to be a dying forest dried out by the players of global fossil fuels? Literature list: Bogost, Ian. 2007. Persuasive Games: The Expressive Power of Videogames. The MIT Press Ser. Cambridge: MIT Press. Chang, Alenda Y. 2020. Playing nature. Ecology in video games. Electronic mediations 58. Minneapolis: University of Minnesota Press. Gray, Kishonna L. und David J. Leonard, Hrsg. 2018. Woke Gaming: Digital Challenges to Oppression and Social Injustice. Seattle: University of Washington Press. Head, Lesley. 2016. Hope and Grief in the Anthropocene: Re-Conceptualising Human-Nature Relations. Routledge research in the Anthropocene. London, New York: Routledge.

In the face of the urgent ecological crises of our time, how can we develop games and glossaries as conceptual, speculative, and material tools? At its core, a glossary is not a static or closed dictionary but is instead rather alive, always pointing to its own incompleteness. It is what Raymond Williams famously treated in Keywords as a record of an ongoing inquiry rather than a set of fixed definitions, through which he perhaps also showed that a glossary doesn't have to be the appendix of a book but instead can be a work in its own right. It can be a tool for research, thinking, and for sharing. Games – be it video games, card decks, or pen & paper – are storytelling carrier bags, radically multimodal, breaking the magic circle, and one of our, the lecturers', favorite fields of inquiry, artistic tools and materials. In some ways game and glossary are familiar strangers. What if we brought those closer together, playfully? Playing the Glossary is an open workshop designed to get, through the lens of play, toward a playful, interactive glossary of art and ecology, contributing to an upcoming international and multimodal publication. The seminar is part of EcoSenda, an international ERASMUS cooperation partnership exploring ecological sensibilities in fine art education. The seminar relies on student-led collaboration; participants will take the lead in scheduling sessions with each other outside seminar meetings. We offer an optional residency taking place in The Hague (12–18 April 2026). Please see the course catalog for details and registration.

Playtime ist ein Seminar, das auf die Arbeit mit Text und Schauspieler*innen basiert. Es richtet sich an Studierende, die an einem individuellen Projekt oder an ihrem Diplomfilm arbeiten. Die Studierenden werden mit Schauspieler*innen auf der Grundlage ihrer eigenen Szenen arbeiten und dabei Charaktere, Tonalität und filmische Sprache ihres Projekts spielerisch erforschen. Kurz vor Semesterbeginn wird eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Es wird außerdem zu Anfang des Seminars ein Casting mit Schauspielstudierenden stattfinden, bei dem die Studierenden die Schauspieler*innen für ihre Szenen selbst auswählen werden.

In 14-tägig stattfindenden Terminen erproben die Student*innen die unterschiedlichen Herangehensweisen an eine eigene Szene. Die Regiestudierenden erforschen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Ziel des Seminars ist es, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs mit diesen aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert. Voraussetzung für die Teilnahme an dem Seminar ist, dass vor Beginn des Seminars eine Szene mit maximal zwei Figuren entwickelt wurde, an der während des Seminars begleitend weitergearbeitet und diese inszeniert werden kann. Außerdem wird im Rahmen des Seminars an einem Wochenende eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die ihre Projekte spielerisch erforschen wollen.

In 14-tägig stattfindenden Terminen erproben die Student*innen die unterschiedlichen Herangehensweisen an eine eigene Szene. Die Regiestudierenden erforschen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Ziel des Seminars ist es, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs mit diesen aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert. Voraussetzung für die Teilnahme an dem Seminar ist, dass vor Beginn des Seminars eine Szene mit maximal zwei Figuren entwickelt wurde, an der während des Seminars begleitend weitergearbeitet und diese inszeniert werden kann. Außerdem wird im Rahmen des Seminars an einem Wochenende eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die ihre Projekte spielerisch erforschen wollen.

In 14-tägig stattfindenden Terminen erproben die Student*innen die unterschiedlichen Herangehensweisen an eine eigene Szene. Die Regiestudierenden erforschen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Ziel des Seminars ist es, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs mit diesen aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert. Voraussetzung für die Teilnahme an dem Seminar ist, dass vor Beginn des Seminars eine Szene mit maximal zwei Figuren entwickelt wurde, an der während des Seminars begleitend weitergearbeitet und diese inszeniert werden kann. Außerdem wird im Rahmen des Seminars an einem Wochenende eine 2-tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die ihre Projekte spielerisch erforschen wollen. The seminar which takes place every 14 days, focuses on exploring one's own written material i.e. characters and scene in collaboration with acting students from cooperating acting schools. By trying out a scene with actors, one can discover new aspects of the characters, and about the tone of the scene, discover if it works as written or needs to be re-worked. In general it can be seen as a part of a process of preparing a film. The seminar also aims to help break down the anxiety often experienced when working with actors. And helping to figure out what is a "useful direction" and what might not be so useful. The goal is to find a common language that will facilitate future directing work. To participate in the seminar, students must have developed a scene with a maximum of two characters before the start of the seminar, which can be further developed and finally staged within the seminar. In addition, the seminar offers a 2 day introduction to the Sanford Meisner acting technique, which forms the basis for further scene work. This seminar is aimed at all students who want to explore their projects in a playful way.

In einer zunehmend medialen Gesellschaft ist ein elementares Verständnis von Algorithmen und Programmiersprachen der zentrale Schlüssel zur digitalen Selbstbestimmung. Digitale Informations- und Kommunikationsräume dominieren mittlerweile die Wahrnehmung unserer Lebenswirklichkeit und unser mediales Selbstbild. Noch wichtiger aber ist, dass wir auf der Basis algorithmischer Konstruktionen vollkommen neue Erfahrungs-, Handlungsräume und Entscheidungsräume herstellen. Intelligente Algorithmen komponieren heute schon Musik, generieren interaktive Bildwelten und schreiben Gedichte. Wir müssen analytische und generative Algorithmen deshalb als grundlegende Kulturtechnik begreifen, deren Gefahren und ästhetische Schichten es gleichermaßen freizulegen gilt. Das Seminar vermittelt die technischen und künstlerischen Grundlagen der Programmierung unter Python. Generative Algorithmen der Texterstellung bilden dabei den Kern der verwendeten Methoden. Neben der Vermittlung zentraler Daten- und Kontrollstrukturen innerhalb einer einfachen Entwicklungsumgebung geht es insbesondere um die Einführung in die Programmierung als künstlerische Praktik. Das Seminar kann dabei allerdings nur über die ersten Hürden helfen. Code kann erst zur eigenen künstlerischen Handschrift werden, wenn das Handwerk so gut beherrscht wird, dass es nicht mehr ums reine Funktionieren geht, sondern um das Ausloten des ästhetischen Potentials. Insbesondere gilt es bei generativen Verfahren um die Balance zwischen Freiheit und Kontrolle. Wo kann ich auf Kontrolle zugunsten von Überraschung verzichten, wo will ich die Kontrolle behalten, um bestimmte ästhetische Ergebnisse zu erzielen?

Das Kolloquium dient der Fortführung der Themen und Arbeiten aus dem Workshop in Montepulciano im Sommer 2022. Die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben werden vorgestellt und diskutiert.

Mehr und mehr Metatext! In den letzten Jahren beobachten wir im deutschsprachigen Raum eine eigentümliche Vermehrung der Poetikvorlesung. Was einerseits ein erfreuliches Phänomen ist, offenbart andererseits eine "unbarmherzige Orientierung an den Produzent*innen" (A. Utler). Sie! soll! es! uns! selbst! erklären! Auf verwandte Weise begegnet uns das Phänomen der autor*innen-fixierten Deutung im Rahmen von Lesungen, Interviews oder Artist Talks. In diesem Theorieseminar untersuchen wir Machart, Methode und Poetologie des Metatextes. Komplettiert diese Textgattung den Text oder höhlt sie ihn aus? Welche Spielräume bietet der Auftrag zur poetologischen Selbstreflexion? Kann ich alles machen? Muss ich alles machen? Was bleibt besser geheim? Wie gestalte ich das Verhältnis von Text und Kommentar? Auf welche Theorien und Materialien greife ich zurück, wenn es nicht nur die eigenen sein sollen? In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Metatext zu literarischen Texten (insbesondere Lyriktheorie), es sind aber gegebenenfalls auch andere Kombinationen möglich: Text zu Film, Bild, Performance, Sound etc. Mit Texten von Etel Adnan, Ann Cotten, Marcel Beyer, Elke Erb, Katharina Grosse, Kim Hyesoon, Sergio Raimondi, Anja Utler, Uljana Wolf und anderen. Hausarbeit: Poetologische Reflexion eines eigenen Textes oder einer eigenen Arbeit. Keine Voranmeldung nötig, Anwesenheit in der ersten Sitzung ist obligatorisch, andernfalls bitte ich um Kontaktaufnahme via Email: monika.rinck@khm.de.

Dieses Seminar ist die Fortsetzung aus den vergangenen beiden Semestern. Es ist zugleich offen für neue Interessierte. This seminar is the continuation from the last two semesters. It is at the same time open for new interested persons. Die Praktiken und Betrachtungen, um die die Seminarreihe „Politiken der Abweichung“ im Wintersemester kreist, sind jene des französischen Sozialpsychologen Fernand Deligny (1913-1996). Gegen jegliche Hospitalisierung gerichtet, entsteht 1969 aus dem aktivistischen Umfeld der 68er-Bewegung in den Cevennen eine Lebensgemeinschaft, die die abweichenden Bewegungen, die Fährten vor allem von autistischen, nicht sprechenden Kindern nachzeichnet ( tracer ). Aus kartografischen Praxen entfalten sich pädagogisch-therapeutische Wahrnehmungsweisen, die wiederum untrennbar verbunden sind mit bestimmten filmischen Praxen, die Deligny camerer genannt hat. Wir konzentrieren uns auf den Film „Ce gamin, là“ (Fr 1975 von Renaud Victor), der an den Praxen in den Cevennen beteiligt war. Nicht nur die Praxen und Philosophien von Deleuze und Guattari, angefangen vom Begriff des Rhizoms bis zu dem des Maschinischen, hin zu den Praxen in der Klinik La Borde, sind zutiefst beeinflusst von Delignys Arbeit, sondern ebenso wissenschaftliche und künstlerische Praxen.  The practices and reflections around which the seminar series "Politics of Deviance" revolves in the winter semester are those of the French social psychologist Fernand Deligny (1913-1996). In 1969, against any kind of hospitalisation, a social community emerged from the activist environment of the 1968 movement in the Cévennes, which traced the deviant movements, the traces, above all, of autistic, non-speaking children. Pedagogical-therapeutic modes of perception unfold from cartographic practices, which in turn are inextricably linked to certain cinematic practices that Deligny called camerer. We focus on the film „Ce gamin, là” (Fr 1975 by Renaud Victor and Chris Marker), which was involved in the practices in the Cévennes. Not only the practices and philosophies of Deleuze and Guattari, from the concept of the rhizome to that of the machinic, to the practices at La Borde clinic, are deeply influenced by Deligny's work, but also scientific and artistic practices. The seminar will culminate in a workshop on 14 December (2-8pm), to which several guests will be invited. Participation in the workshop is compulsory for seminar participants; all other members of the KHM are invited to attend. Das Seminar mündet am 14.12. in einem Workshop (14-20 Uhr), zu dem mehrere Gäste eingeladen werden. Für die Seminarteilnehmenden ist die Teilnahme am Workshop verpflichtend; alle anderen Mitglieder der KHM sind zur Teilnahme eingeladen. The seminar languages are German and English.

Dieses Seminar ist die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2022/23. Es ist zugleich offen für neue Interessierte. This seminar is the continuation from the winter semester 2022/23. It is at the same time open for new interested persons. Die Figur, um die auch dieses Seminar kreist, ist François Tosquelles (1912-1994) und seine anti-faschistischen und anti-autoritären institutionellen Praxen. Wir werden weniger in seine klinischen psychiatrischen Praxen einsteigen, als in die historischen Verhältnisse und sein daraus entstandenes kooperatives und queeres Denken. Tosquelles hat maßgeblich die Psychiatriekritik des 20. Jahrhunderts beeinflusst, und die davon nicht zu trennende poststrukturalistische Theorie. The figure around which also this seminar revolves is François Tosquelles (1912-1994) and his anti-fascist and anti-authoritarian institutional practices. We will delve less into his clinical psychiatric practices than into historical conditions and his evolving cooperative and queer thought. Tosquelles was a crucial influence on the 20th century critique of psychiatry, and the poststructuralist theory that cannot be separated from it. In mehreren Semestern arbeiten wir zu unterschiedlichen Strängen in Tosquelles‘ Denken und verbinden sie mit Denken und Praxis derjenigen, die er beeinflusst hat. In several semesters, we work on different strands of Tosquelles' thinking and connect them to the thinking and practice of those he influenced. In diesem Semester befassen wir uns weiter mit Michel Foucault und seinen Untersuchungen zur Verschränkung von Wahnsinn und Sexualität. Und wir werden uns das radikal-reformistische offene Psychiatriemodell von Franco Basaglia aus den 1960ern und 70er Jahren in Gorizia und Triest anschauen. Es werden uns zum Beispiel Fragen begleiten wie: Wie wurde die Politik der Abweichung im 20. Jahrhundert zu einer anti-faschistischen institutionellen Praxis? Welche Rolle spielen die Anstalten des Wahnsinns, seine Verwahrung und seine Verwaltung? Wie wird in der europäischen Moderne das Unnormale und Pathologische konstruiert und abgesondert? Wie hängt die Geschichte des Wahnsinns mit der Bestimmung von Sexualität zusammen? Und was lässt sich lernen aus den kollektiven Praxen und Versammlungen der Reformpsychiatrie? This semester we will continue to look at Michel Foucault and his investigations into the intertwining of madness and sexuality. And we will look at Franco Basaglia's radical reformist open psychiatry model of the 1960s and 70s in Gorizia and Trieste. We will be accompanied, for example, by questions such as: How did the politics of deviance become an anti-fascist institutional practice in the 20th century? What is the role of the institutions of insanity, its custody and its management? How is the abnormal and pathological constructed and segregated in European modernity? How is the history of madness related to the determination of sexuality? And what can be learned from the collective practices and assemblies of reform psychiatry?

Michel Foucault ist auch deshalb einer der wichtigsten Theoretiker der Queer Studies, weil er über Jahrzehnte hinweg die Politiken der Abweichung untersucht hat. Wie wird in der europäischen Moderne das Unnormale konstruiert und abgesondert? Welche Rolle spielt die Vereindeutigung binärer Zweigeschlechtlichkeit? Und welche Funktion hat der Wahnsinn im Kontext des europäischen Kolonialismus? Wie wurde die Politik der Abweichung im 20. Jahrhundert zu einer anti-faschistischen institutionellen Praxis? Welche Rolle spielen die Anstalten des Wahnsinns, seine Verwahrung und seine Verwaltung? Michel Foucault is also one of the most important theorists of Queer Studies because he has studied the politics of deviance for decades. How is the abnormal constructed and segregated in European modernity? What function does the unification of two binary gender have? And what role does madness play in the context of European colonialism? How did the politics of deviance become an anti-fascist institutional practice in the 20th century? What is the role of the institutions of madness, its custody and its administration? Possible Literature: Michel Foucault, Wahnsinn und Gesellschaft, Frankfurt/M. 1973. Michel Foucault, Die Macht der Psychiatrie, Berlin 2015. Michel Foucault, Die Anormalen, Frankfurt/M. 2007.

Dieses Seminar ist die Fortsetzung aus den vergangenen vier Semestern. Es ist zugleich offen für neue Interessierte. This seminar is the continuation from the last four semesters. It is at the same time open for new interested persons. Die Praktiken und Betrachtungen, um die die Seminarreihe „Politiken der Abweichung“ im Wintersemester kreist, sind jene des französischen Sozialpsychologen Fernand Deligny (1913-1996). Gegen jegliche Hospitalisierung gerichtet, entsteht 1969 aus dem aktivistischen Umfeld der 68er-Bewegung in den Cevennen eine Lebensgemeinschaft, die die abweichenden Bewegungen, die Fährten vor allem von neurodiversen, nicht sprechenden Kindern nachzeichnet ( tracer ). Aus kartografischen Praxen entfalten sich pädagogisch-therapeutische Wahrnehmungsweisen, die wiederum untrennbar verbunden sind mit bestimmten filmischen Praxen, die Deligny camerer genannt hat. Nicht nur die Praxen und Philosophien von Deleuze und Guattari, angefangen vom Begriff des Rhizoms bis zu dem des Maschinischen, hin zu den Praxen in der Klinik La Borde, sind zutiefst beeinflusst von Delignys Arbeit, sondern ebenso wissenschaftliche und künstlerische Praxen.

Die Figur, um die auch dieses Seminar kreist, ist François Tosquelles (1912-1994) und seine anti-faschistischen und anti-autoritären institutionellen Praxen. Wir werden ebenso seine psychiatrischen Praxen kennenlernen, als auch in die historischen Verhältnisse und sein daraus entstandenes kooperatives und queeres Denken eintauchen. Tosquelles hat maßgeblich die Psychiatriekritik des 20. Jahrhunderts beeinflusst, und die davon nicht zu trennende poststrukturalistische Theorie. Im Kontext von Krieg, Migration und Flucht entwickelte er ein philosophisch-therapeutisches Denken, das Bewegungen und Körperrhythmen in den Mittelpunkt stellt. Die revolutionäre Therapie inmitten des anti-faschistischen Widerstands in Südfrankreich besteht mittels Selbstverwaltungen und Versammlungen vor allem darin, gemeinsam, kooperativ Leben zu lernen. Dazu braucht es weniger Einzel-, sondern institutionelle Therapie und die Sorge um die Institution. Das Seminar dient auch zur Vorbereitung der internationalen Konferenz „Queer Tosquelles“, am 21. und 22. Juni an der KHM. The figure around which also this seminar revolves is François Tosquelles (1912-1994) and his anti-fascist and anti-authoritarian institutional practices. We will also get to know his psychiatric practices, as well as the historical circumstances and his resulting cooperative and queer thinking. Tosquelles was a crucial influence on the 20th century critique of psychiatry, and the poststructuralist theory that cannot be separated from it. In the context of war, migration and flight, he developed a philosophical-therapeutic way of thinking that focuses on movements and bodily rhythms. The revolutionary therapy in the midst of the anti-fascist resistance in southern France consists primarily of learning to live together, cooperatively, by means of self-administration and assemblies. This requires less individual therapy than institutional therapy and care for the institution. The seminar also serves as preparation for the international conference "Queer Tosquelles" on June 21 and 22, 2024 at the KHM.

In dem zweisemestrigen filmpraktischen Seminar beschäftigen wir uns mit dokumentarischen Porträts. Das Porträt einer Person, einer Gruppe, einem Lebewesen, einem Ort… Es besteht die Möglichkeit innerhalb von zwei Semestern ein Porträt zu entwickeln und im kleinen Team digital oder analog auf 16mm umzusetzen. Fragen des dokumentarischen Arbeitens begleiten den Prozess: Wie finde ich Zugang zu einer Person, zu einem Ort, zu einem Sujet? Wie recherchiere und schreibe ich mein Thema? Wie entstehen die filmsprachlich relevanten ästhetischen und inhaltlichen Entscheidungen? Welche Verantwortung trage ich für meine Protagonist*innen? In der Beschäftigung mit der dokumentarischen Praxis begleitet das Seminar Recherche, Drehvorbereitung, Dreh- und Schnittprozess von mehreren dokumentarischen Porträts bis zur Fertigstellung. Neben zahlreichen filmischen Beispielen, beleuchten Filmemacher*innen, Bildgestalter*innen und Editor*innen multiperspektivisch den Entstehungsprozess eines filmischen Porträts. Begleitet wird das Seminar punktuell von zwei 3SAT/ZDF Redakteur*innen, um die Zusammenarbeit mit einer Redaktion, ihre Sicht- und Arbeitsweisen exemplarisch zu erfahren. Das Seminar wendet sich an alle, die einen Porträtfilm realisieren möchten, sowie an alle, die sich für Kamera- und Tonarbeit im dokumentarischen Arbeiten interessieren und praktisch anwenden möchten. Sprache ist Deutsch und Englisch. In this two-semester practical film seminar, we deal with documentary portraits. The portrait of a person, a group, a living being, a place... There is the opportunity to develop a portrait within two semesters and to realise it digitally or analogue on 16mm in a small team. Questions of documentary work accompany the process: How do I find access to a person, a place, a subject? How do I research and write my subject? How do I make aesthetic and content-related decisions that are relevant to the film language? What responsibility do I bear for my protagonists? In dealing with documentary practice, the seminar accompanies the research, filming preparation, shooting and editing process of several documentary portraits through to completion. In addition to numerous film examples, filmmakers, cinematographers and editors will shed light on the process of creating a film portrait from multiple perspectives. The seminar will be accompanied by two 3SAT/ZDF editors in order to experience the collaboration with an editorial team and their way of seeing and working. The seminar is aimed at anyone who would like to realise a portrait film, as well as anyone who is interested in camera and sound work in documentary work and would like to apply it in practice. The language is German and English.

To take the world as the starting point and the horizon of ecology is, in essence, to approach the ecological crisis with the following questions: how can a world be made on Earth between humans and with non-humans? How can a world-ship be built in the face of the tempest? (Ferdinand 2022, 20) Anthropozentrismus als Gedankenmodell ist verbunden mit der Vorstellung menschlicher Vorherrschaft über alles Mehr-als-Menschliche; er gilt für viele Forscher*innen auch als die gedankliche Vorlage für weiße Vorherrschaft. Koloniale Ausbeutung zerstörte die Lebensgrundlagen, Beziehungen und das Wissen von menschlichen ebenso wie von mehr-als-menschlichen Akteur*innen. Die Verschleppung über Kontinente hinweg in Schiffen, Käfigen, oder Wardschen Kästen, die Kolonisierung von Lebensräumen, sowie die Plantagenökonomie hatten enorme ökologische Auswirkungen, die anhaltenden ökologischen Folgen sind immens. Die Kolonialen „Sammlungen“ – Naturkundemuseen, Botanische Gärten und Zoos zeugen von der Sammelwut der Zeit. Doch wie können wir vermeiden, die Opfer zu trivialisieren und zu essentialisieren, wenn wir über beides sprechen – die Unterdrückung von Menschen und von Tieren, fragt die Black Studies Forscherin und Professorin für Africanamerican and African Studies Bénédicte Boisseron. Eine Kritik, die sie formuliert ist, dass oft von generischen Gruppen gesprochen wird, ohne Rücksicht auf ihre Besonderheiten als Spezies oder als Individuen. In diesem Seminar fragen wir, wie wir die Geschichten kolonialer Tiere und Pflanzen anders erzählen können, als es beispielsweise das Museumsnarrativ vorgibt – nicht als Exemplare einer Spezies, sondern als Individuen mit Agency. Wir lesen gemeinsam Texte, diskutieren künstlerische Arbeiten und erkunden die Möglichkeiten von Interspezies-Allianzen. In den Kolloquien möchten wir gemeinsam Projekte entwickeln und vorstellen. Im Sommersemester 2027 ist eine Ausstellung mit Arbeiten aus dem Seminar in Kooperation mit der Kuratorin Anne Hölck im Meinblau Projektraum Berlin geplant. Gäst*innen: NN Exkursionen: Museum für Naturkunde Berlin Literatur: Anderson, Virginia DeJohn. Creatures of Empire: How Domestic Animals Transformed Early America. Oxford University Press, 2006. Baratay, Éric, Élisabeth Hardouin-Fugier, und Éric Baratay. Zoo: von der Menagerie zum Tierpark. Wagenbach, 2000. Boisseron, Bénédicte. Afro-dog: blackness and the animal question. Columbia University Press, 2018. Ferdinand, Malcom. A Decolonial Ecology: Thinking from the Caribbean World. Übersetzt von Paul Anthony Smith. Critical South. Polity Press, 2022. Gumbs, Alexis Pauline. Undrowned: black feminist lessons from marine mammals. Emergent strategy series. AK Press, 2020. Haris, Susan. „Subalterns in the House: Sites for a Postcolonial Multispecies Ethnography“. Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 13, Nr. 2 (2022): 6–25. https://doi.org/10.37536/ECOZONA.2022.13.2.4736 . Kaiser, Katja, Ina Heumann, und Eran Wolff, Hrsg. Umgang mit kolonialen Objekten der Naturkunde: Empfehlungen, Forschung, Reflexionen. ART-Books. Sandstein Kultur, 2026. https://doi.org/10.11588/arthistoricum.1749 . Ko, Aph. Racism as zoological witchcraft: a guide for getting out. Lantern Books, 2019. Ko, Aph, und Syl Ko. Aphro-Ism: Essays on Pop Culture, Feminism, and Black Veganism from Two Sisters. Lantern Publishing & Media, 2020. Ullrich, Jessica, Hrsg. De-Koloniale Tiere. Tierstudien, 29 (2026). Neofelis, 2026. Wadiwel, Dinesh Joseph. The war against animals. Volume 3. Brill, 2015. Yusoff, Kathryn. A Billion Black Anthropocenes or None. Forerunners Ideas First from the University of Minnesota Press. University of Minnesota Press, 2018.

Im Seminar geht es um die Vorstellung der geschnittenen Fassung und die Möglichkeit, eine Resonanz von allen Seminarteilnehmer*innen zu bekommen. Darüber hinaus kann ein finaler Look für die Übungen gemeinsam entwickelt werden, der dann individuell hergestellt werden muss. Gast: Andreas Köhler Ort: Gradingsuite FG Eingang neben Studio B

In diesem Seminar wird das verschiedene gedrehte Material der Spielfilmübung 2 aus dem Vorsemester analysiert und die Gestaltungsmöglichkeiten in der Postproduktion besprochen. Unter Begleitung einer Editorin werden Schnittfassungen erstellt. Die Terminierung der Bild- und Ton-Postproduktion wird geplant und in ihren Abläufen koordiniert. Es handelt sich um eine Veranstaltung für alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 im Wintersemester 25/26, sowohl Regie- als auch Kamerapersonen.

In diesem Seminar werden die verschiedenen Schnittfassungen aller Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 "LABOR" analysiert und die Gestaltungsmöglichkeiten in der Postproduktion besprochen sowie auf ihre Realisierbarkeit hin untersucht. Die Terminierung der Bild- und Ton Postproduktion wird geplant und in ihren Abläufen koordiniert. Es handelt sich um eine Veranstaltung für alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 "LABOR" im Wintersemester 2023/2024, sowohl Regie- als auch Kamerapersonen.

This Seminar will express the relation between what we call the French Theories, with Lyotard, Guattari, Deleuze, Foucault, which question the legitimacy of discourse, the mechanism of subjectivation, the relation and apparatus of knowledge, within and beyond institutions, and at the same period (80-90ties) at opposite of the planet, in Autopia LA, the cyberpunk, which could be resumed as a dystopic zeitgeist, with the writers Stephenson, Sterling, Gibson, issued from new wave J.G. Ballard, P.K. Dick, and the 'god father' W. Burroughs. I will speak, we will talk and we will plan some screening (from Philosophical Postures and Monologues records to Cyber-Cypher punk Science-Fiction report, movies, mockumentaries / English Language or Subtitle). We will face, strategies of the languages, in the heritage of bio-political lefties, post Marxist, socially and societally concerned VS Anarchist disenchanted Libertarian.

Dokumentarische Praxis bedeutet radikale Strukturbefragung: der „bestehenden Verhältnisse“, der eigenen künstlerischen Arbeit – und damit auch der eigenen Verstrickung und Positionierung innerhalb von Institutionen der Lehre, der Vermittlung und der Verwertung. Wie also wollen wir leben, lernen, arbeiten? Welche Strukturen sind produktiv, welche müssen verändert und welche neu erdacht und geschaffen werden? Wie können wir daran gemeinsam arbeiten und welche Räume sind dafür notwendig? Das Seminar praxis - open space versucht zur Entstehung eines solchen Raums beizutragen – die Strukturierung und damit die inhaltlichen Schwerpunkte und der genaue Ablauf der Seminarabende werden gemeinsam von allen Teilnehmer*innen erarbeitet. Angedacht ist u.a. die Erarbeitung einer öffentlichen Veranstaltungsreihe mit Gäst*innen, die in unterschiedlichen Kontexten an dokumentarischen Praxen arbeiten. Documentary practice means radical structural questioning: Of the "existing conditions", of one's own artistic work - and thus also of one's own entanglement and positioning within institutions of teaching and the art / cinema-world. So how do we want to live, learn, work? Which structures are productive, which need to be changed and which need to be reimagined and created? How can we work on this together and what kind of spaces are needed? The seminar praxis – open space tries to contribute to the emergence of such a space - the structuring and thus the content-related focal points and the exact course of the colloquium will be worked out jointly by all participants. One of the plans is to develop a public series of events with guests who work in different contexts on documentary practices.

Im Neoliberalismus ist Prekarisierung, die Unsicherheit von Arbeit und Leben, für viele Menschen zur Normalität geworden. Die Pandemie hat diesen Trend noch verschärft. Es gibt immer weniger feste Arbeitsplätze, projektbezogene Beschäftigung und "Jobs auf Abruf" nehmen weiter zu. Die soziale Absicherung verlagert sich seit Jahrzehnten in die Eigenverantwortung der Einzelnen. Auch die Verschuldung ist normal geworden. Wenn immer weniger planbar ist, wie erhalten Schulden die Zukunft und halten die Gegenwart gefangen? Wie werden wir durch Schulden prekarisiert und regierbar? Wie wird der Haushalt seit der Pandemie nicht nur wieder als Ort der Gewalt sichtbar, sondern auch als privilegiertes finanzwirtschaftliches Laboratorium, und was bedeutet dieser Extraktivismus für den Alltag von Frauen, Lesben und Trans-Personen und ihre Kämpfe um Mieten, zum Beispiel in Argentinien? Und wie können Schuldverhältnisse umgedreht werden? Wie werden aus sozialen Schuldverhältnissen Sorgebeziehungen, die sich der Finanzialisierung entziehen? Wie könnte ein anderes demokratisches Zusammenleben aussehen, das auf Sorge und gegenseitiger Verbundenheit beruht - eine Demokratie, die ich präsentische Demokratie nenne? Was bedeutet das für die Emanzipation und die Bejahung des Prekärseins? Under neoliberalism, precarization, the insecurity of work and life, has become normal for many people. The pandemic has exacerbated this trend. There are fewer and fewer permanent jobs, project-based employment and "jobs on demand" continue to increase. For decades, social security has been shifting to the individual's own responsibility. Debt has also become normal. When less and less can be planned, how does debt sustain the future and imprison the present? How do we become precarious and governable by debt? Since the pandemic, how is the household not only once again visible as a site of violence, but also as a privileged financial-economic laboratory, and what does this extractivism mean for the everyday lives of women, lesbians, and trans people and their struggles over rents, for example in Argentina? And how can debt relations be turned around? How do social debt relations become care relations that evade financialization? What might a different democratic coexistence look like, one based on care and mutual connectedness - a democracy I call presentist democracy? What does this mean for emancipation and the affirmation of precariousness? The seminar languages will alternate between German and English. Possible Literature: CAVALLERO Lucí, Verónica GAGO (2021), A Feminist Reading of Debt, London. CAVALLERO, Luci, Verónica GAGO (2023), Der Haushalt als Versuchslabor. Feministische Kämpfe um Mieten, Haus- und Heimarbeit, Wien u.a. FEDERICI, Silvia (2016), „From Commoning to Debt: Financialization, Micro-Credit and the Changing Architecture of Capital Accumulation” HARNEY, Stefano and Fred MOTEN, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013; DE: Die Undercommons. Flüchtige Planung und schwarzes Studium, Wien u.a. 2016. LOREY, Isabell, Die Regierung der Prekären, Wien 2012 ; EN: State of Insecurity, London 2015. LOREY, Isabell, Demokratie im Präsens, Berlin 2020; EN: Democracy in the Political Present, London 2022.

Prekarisierung bezieht sich im Neoliberalismus nicht nur auf unsichere, begrenzte Arbeitsverhältnisse, sondern auf das ganze Leben. In diesem Seminar diskutieren wir Texte, die zeigen, wie das Prekäre und Schulden auf vielfache Weise zusammenhängen: Einmal als koloniale Grundlage der abendländischen Moderne; zweitens als Lebens- und Arbeitsverhältnisse im aktuellen Finanzkapitalismus und einer Ökonomie, die auf Schulden basiert. Wie wird beispielsweise der Haushalt seit der Pandemie nicht nur erneut als Ort der Gewalt sichtbar, sondern zum bevorzugten finanz-ökonomischen Labor, und was bedeutet dieser Extraktivismus für das alltägliche Leben von Frauen, Lesben, und Trans Personen sowie ihre Kämpfe um Mieten z.B. in Argentinien? Wie lässt sich drittens – eine weitere Dimension des Prekären - das Prekärsein als eine Lebensbedingung verstehen, die uns von Anderen und Umgebungen abhängig macht, von Sorge und Reproduktion. Wenn wir mit anderen verbunden sind, sind wird dann nicht wechselseitig verschuldet, ohne unbedingt moralisch verpflichtet zu sein? Was sind dann queere Schulden und warum sind sie schwarz? In neoliberalism, precarisation refers not only to insecure, limited working conditions, but to the whole of life. In this seminar we discuss texts that show how the precarious and debt are related in multiple ways: First, as the colonial basis of Western modernity; second, as living and working conditions in contemporary finance capitalism and an economy based on debt. For example, since the pandemic, how is the household not only once again visible as a site of violence, but also as a privileged financial-economic laboratory, and what does this extractivism mean for the everyday lives of women, lesbians, and trans people and their struggles over rents, for example in Argentina. Finally, from this, but on another level of the precarious, how can precariousness be understood as a condition of life that makes us dependent on others and environments, on care and reproduction. When we are connected to others, are we not mutually indebted without necessarily being morally obligated? What then is queer debt and why is it black? The seminar languages will alternate between German and English. Possible Literature: CAVALLERO, Luci und Verónica GAGO, Der Haushalt als Versuchslabor. Feministische Kämpfe um Mieten, Haus- und Heimarbeit, Wien u.a. 2023 / ES: La casa como laboratorio, Buenos Aires 2022. FERREIRA DA SILVA, Denise, Unpayable Debt, London 2022. HARNEY, Stefano and Fred MOTEN, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013; DE: Die Undercommons. Flüchtige Planung und schwarzes Studium, Wien u.a. 2016. LOREY, Isabell, Die Regierung der Prekären, Wien 2012 ; EN: State of Insecurity, London 2015 ; ES: Estado de Inseguridad, Madrid 2016. LOREY, Isabell, Demokratie im Präsens, Berlin 2020; EN: Democracy in the Political Present. A Queer-feminist Theory, London 2022; ES: Democracia en presente, Málaga 2023.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Willkommen sind alle Studierenden!

Das Seminar widmet sich Klang als performativem Material. Wir stellen uns gegenseitig unsere individuellen (Live/Sound/Performance/...) Setups vor, spielen füreinander und hören miteinander. Gemeinsam untersuchen wir, welche klanglichen Situationen und Interaktionen durch die Verwendung von Instrumenten, Geräten oder Interfaces entstehen. Ziel ist es, die eigene aktuelle performative Praxis zu reflektieren, weiterzuentwickeln und am Ende des Semesters in einer performativen Form öffentlich zu präsentieren. The seminar approaches sound as performative material. We will introduce each other to our individual live, sound, performance, or related setups, play for one another, and listen together. Collectively, we will explore the sonic situations and interactions that emerge through the use of instruments, devices, or interfaces. The aim is to reflect on and further develop one’s current performative practice and to present it publicly in a performative format at the end of the semester.

Press Play (again): Schallquellen und Interaktion. Wir spielen füreinander und stellen uns unsere Setups zum Spielen mit Klang vor. Wir lauschen gemeinsam den mit unseren Setups realisierbaren Situationen; mit möglichst offenen Ohren. Wir tauschen uns über unsere Setups aus. Wir reflektieren möglichst detailliert die Momente der Performances. Wie werden wir am Ende dieses Semesters mit unserem gewohnten Setup performen? Werden neue Setups entstehen? Werden wir unsere Setups verändern? Was wollen wir? Was werden wir lassen? Welche Theorien und Ideen sind relevant für unserer performativen Arbeiten mit Klang?

If you are not a reality, who’s myth are you? If you are not a myth, who’s reality are you? Sun Ra Kunst, Gestaltung und Medien sind nicht denkbar ohne Mythen: Der Mythos der freien Künstler, der Authentizität, der Gestaltungsfreiheit, der Partizipation, der Akademie, der Praxis, der Provokation, … Mythen sind sozial verankerte und tradierte Vorstellungen, die sich individuell geltend machen als Narrative, Obsessionen und Phantasmen. Sie beziehen ihre Wirkungsmächtigkeit aus einem Paradoxon: »Was niemals war und immer ist« (die antike Definition des Mythos bei Sallust). Mythen sind stets konkret und wirken als »Ausdrucksgestalten« (Oevermann): Sie werden erzählt, gemalt, gestaltet, gebaut, vertont, verfilmt,… Wir wollen Mythen aufspüren in Kunst und Gestaltung, Technik und Wissenschaft. Dabei verbinden wir aktuelle Positionen mit einer historischen Perspektive: »Individuelle Mythologien« auf der Documenta 5 kuratiert von Harald Szeemann 1972. Mögliche Vertiefungen: Wie verhalten sich Mythen zum Konzept der »gesellschaftlichen Maschinen« (Deleuze/Guattari)? Wie stehen sie zu Werten und Fakten? Eröffnet das Konzept der »Concerns« (Latour) eine neue Perspektive als »Values in Action«? Darüber hinaus fragen wir nach der eigenen Praxis: Welche Mythen, Gründe und Grenzen sind wirksam? Ziel ist es, die eigenen Triebfedern und Wirkungskräfte besser zu übersehen und das persönliche Repertoire zu klären und zu erweitern. Literatur: »Designing Concerns« (Peter Friedrich Stephan, Bielefeld 2024)

Im Grundlagenseminar Produktion 2 werden die im Grundlagenseminar Produktion 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, die Studierenden stehen in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc. für die studentischen Arbeiten. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Und nicht zuletzt soll vermittelt werden, welche Möglichkeiten und Wege bestehen, studentische Arbeiten einem Publikum vorzustellen und damit sichtbar zu machen. Zentrales Thema bleibt darüber hinaus die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen, wie z.B. Verhandlungspraktiken, Postproduktionsplanerstellung, Kalkulation und Abrechnung soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit künstlerischen Projekten der Studierenden an der KHM behandelt.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar Produktion richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen und die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Seminar die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

P-SCHEIN 1:  Einmalig Freitag 10:00 - 17:00 Fr, 27.06.2025 Heumarkt 14, R.1.06 (Seminarraum 1) P-SCHEIN 2: Einmalig Freitag 10:00 - 13:00 Fr, 04.07.2025 Heumarkt 14, R.1.06 (Seminarraum 1) ​​​​​​​ Der ”Produktionsschein” (P-Schein) soll auf die Produktion eines audiovisuellen Werkes an der KHM, sowie auch die Beantragung von Fördermitteln und die Arbeit mit diesen vorbereiten. Der P-Schein hat zwei Stufen: P-Schein 1 und darauf aufbauend P-Schein 2. Der P-Schein 1 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen & realisieren und bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der aktuellen Projektordnung auf die Studierenden übergeht. Der P-Schein 2 ist für diejenigen Studierenden verpflichtend, die (für ihr Diplom) einen Antrag auf Förderung, z.B. bei der Film- und Medienstiftung NRW, stellen. Die Teilnahme am P-Schein 1 ist dafür die Voraussetzung. Für alle Studierenden, die für ihr Diplom im Herbst dieses Jahres einen Antrag bei der Film- und Medienstiftung NRW (oder einer anderen Förderung) stellen wollen, sind diese beiden Termine die letzte Möglichkeit zur Teilnahme. Der P-Schein 1+2 wird regelmäßig zu Beginn des jeweiligen Semesters angeboten. The ”Production Certificate” (P-Schein) is intended to prepare students for the production of an audiovisual work at the KHM, as well as for applying for and working with funding. The P-Schein has two levels: P-Schein 1 and, building on this, P-Schein 2. P-Schein 1 is compulsory for all students who plan & realize an audiovisual work and in which the status of producer is transferred to the student in accordance with the current project regulations. P-Schein 2 is compulsory for all students who apply for funding (for their diploma), e.g. from the Film und Medienstiftung NRW. Previous participation in P-Schein 1 is a condition. These two dates are the last opportunity for all students who wish to submit an application to the Film- und Medienstiftung NRW (or another fund) for their diploma this fall. P-Schein 1+2 is offered regularly at the beginning of each semester.

Der ”Produktionsschein” (P-Schein) soll auf die Produktion eines audiovisuellen Werkes an der KHM, sowie auch die Beantragung von Fördermitteln und die Arbeit mit diesen vorbereiten. Der P-Schein gliedert sich in zwei Stufen: Produktionsschein 1 (P-Schein 1) und darauf aufbauend Produktionsschein 2 (P-Schein 2). P-Schein 1: 19.06.2026, 10 - 17 Uhr Der P-Schein 1 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen und realisieren, bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der neuen Projektordnung bei den Studierenden entsteht (siehe die aktuelle Projektordnung vom 26.01.24, §3). P-Schein 2: 26.06.2026, 10 - 13 Uhr Der P-Schein 2 ist für diejenigen Studierenden verpflichtend, die (für ihr Diplom) einen Antrag auf Förderung, z.B. bei der Film- und Medienstiftung NRW, stellen. Die Teilnahme am P-Schein 1 ist dafür die Voraussetzung. Für alle Studierenden, die für ihr Diplom im Herbst dieses Jahres einen Antrag bei der Film- und Medienstiftung NRW (oder einer anderen Förderung) stellen wollen, sind diese beiden Termine die letzte Möglichkeit zur Teilnahme. Der P-Schein 1+2 wird regelmäßig zu Beginn des jeweiligen Semesters angeboten. The ”Production Certificate” (P-Schein) is intended to prepare students for the production of an audiovisual work at the KHM, as well as for applying for and working with funding. The P-Schein has two levels: P-Schein 1 and, building on this, P-Schein 2. P-Schein 1 is compulsory for all students who plan & realize an audiovisual work and in which the status of producer is transferred to the student in accordance with the current project regulations. P-Schein 2 is compulsory for all students who apply for funding (for their diploma), e.g. from the Film und Medienstiftung NRW. Previous participation in P-Schein 1 is a condition. These two dates are the last opportunity for all students who wish to submit an application to the Film- und Medienstiftung NRW (or another fund) for their diploma this fall. P-Schein 1+2 is offered regularly at the beginning of each semester.

Der "Produktionsschein" (P-Schein) soll auf die Produktion eines audiovisuellen Werkes an der KHM, sowie auch die Beantragung von Fördermitteln und die Arbeit mit diesen vorbereiten. Der P-Schein gliedert sich in zwei Stufen: Produktionsschein 1 (P-Schein 1) und darauf aufbauend Produktionsschein 2 (P-Schein 2). P-Schein 1: 8.11.24, 10 - 18 Uhr Der P-Schein 1 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen und realisieren, bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der neuen Projektordnung bei den Studierenden entsteht (siehe die aktuelle Projektordnung vom 26.01.24, §3). P-Schein 2: 15.11.24, 10 - 13 Uhr Der P-Schein 2 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen und realisieren, bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der neuen Projektordnung bei den Studierenden entsteht (siehe die aktuelle Projektordnung vom 26.01.24, §3) und die darüber hinaus einen Antrag auf Förderung, z.B. bei der Film- und Medienstiftung, stellen. Der "Produktionsschein" (P-Schein) wird zweimal jährlich zu Beginn des jeweiligen Semesters angeboten. The "Production Certificate" (P-Schein) is intended to prepare students for the production of an audiovisual work at the KHM, as well as for applying for and working with funding. The P-Schein is divided into two stages: Production Licence 1 (P-Schein 1) and, building on this, Production Licence 2 (P-Schein 2). P-Schein 1 is compulsory for all students who are planning and realising an audiovisual work in which the student becomes a producer within the meaning of the new project regulations (see the current project regulations of 26.01.24, §3). The P-Schein 2 is mandatory for all students who plan and realise an audiovisual work in which the student becomes a producer in the sense of the new project regulations (see the current project regulations of 26.01.24, §3) and who also apply for funding, e.g. from the Film- und Medienstiftung. The "production certificate" (P-Schein) is offered twice a year at the beginning of each semester. 

Der ”Produktionsschein” (P-Schein) soll auf die Produktion eines audiovisuellen Werkes an der KHM, sowie auch die Beantragung von Fördermitteln und die Arbeit mit diesen vorbereiten. Der P-Schein hat zwei Stufen: P-Schein 1 und darauf aufbauend P-Schein 2. Der P-Schein 1 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen & realisieren und bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der aktuellen Projektordnung auf die Studierenden übergeht. Der P-Schein 2 ist für diejenigen Studierenden verpflichtend, die (für ihr Diplom) einen Antrag auf Förderung, z.B. bei der Film- und Medienstiftung NRW, stellen. Die Teilnahme am P-Schein 1 ist dafür die Voraussetzung. Für alle Studierenden, die für ihr Diplom im Frühjahr 2027 einen Antrag bei der Film- und Medienstiftung NRW stellen wollen, sind diese beiden Termine die letzte Möglichkeit zur Teilnahme. Der P-Schein 1+2 wird einmal im jeweiligen Semester angeboten. The ”Production Certificate” (P-Schein) is intended to prepare students for the production of an audiovisual work at the KHM, as well as for applying for and working with funding. The P-Schein has two levels: P-Schein 1 and, building on this, P-Schein 2. P-Schein 1 is compulsory for all students who plan & realize an audiovisual work and in which the status of producer is transferred to the student in accordance with the current project regulations. P-Schein 2 is compulsory for all students who apply for funding (for their diploma), e.g. from the Film und Medienstiftung NRW. Previous participation in P-Schein 1 is a condition. For all students who intend to submit an application to the Film- und Medienstiftung NRW for their diploma project in spring 2027, these two dates are the final opportunity to participate. P-Schein 1+2 is offered once in each semester.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen der KI-Programmierung unter Python. Aktuelle KI-Algorithmen und maschinelle Lern-Verfahren (insbesondere Generative Algorithmen der Text- und Bilderzeugung wie Stable Diffusion, GPT-4, etc.) sind der Ausgangspunkt für die Einführung in die grundlegenden Kontroll- und Datenstrukturen der objektorientierten Programmierung. Es wird also nicht erst das Programmieren gelernt, um dann später mit diesem Wissen KI-Projekte zu realisieren, sondern Programmierung wird anhand praktischer Beispiele aus der Künstlichen Intelligenz vermittelt. Auf diese Weise kommen nach einer kurzen Einführung in die Integrierte Entwicklungsumgebung (IDE) Jupyter Notebook/JupyterLab und unter Nutzung aktueller KI-Entwicklungsumgebungen auch absolute Anfänger der KI-Programmierung zu erstaunlichen Ergebnissen.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum, der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film-)practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to each other's projects. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. --- Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Der ”Produktionsschein” (P-Schein) soll auf die Produktion eines audiovisuellen Werkes an der KHM sowie auch die Beantragung von Fördermitteln und die Arbeit mit diesen vorbereiten. Der P-Schein hat zwei Stufen: P-Schein 1 und darauf aufbauend P-Schein 2. Der P-Schein 1 ist für alle Studierenden verpflichtend, die ein audiovisuelles Werk planen & realisieren und bei dem die Herstellereigenschaft im Sinne der aktuellen Projektordnung auf die Studierenden übergeht. Der P-Schein 2 ist für diejenigen Studierenden verpflichtend, die (für ihr Diplom) einen Antrag auf Förderung, z.B. bei der Film- und Medienstiftung NRW, stellen. Die Teilnahme am P-Schein 1 ist dafür die Voraussetzung. Für alle Studierenden, die für ihr Diplom im Frühjahr 2026 einen Antrag bei der Film- und Medienstiftung NRW (oder einer anderen Förderung) stellen wollen, sind diese beiden Termine die letzte Möglichkeit zur Teilnahme. The ”Production Certificate” (P-Schein) is intended to prepare students for the production of an audiovisual work at the KHM, as well as for applying for and working with funding. The P-Schein has two levels: P-Schein 1 and, building on this, P-Schein 2. P-Schein 1 is compulsory for all students who plan & realize an audiovisual work and in which the status of producer is transferred to the student in accordance with the current project regulations. P-Schein 2 is compulsory for all students who apply for funding (for their diploma), e.g. from the Film und Medienstiftung NRW. Previous participation in P-Schein 1 is a condition. These two dates are the last opportunity for all students who wish to submit an application to the Film- und Medienstiftung NRW (or another fund) for their diploma next spring. P-Schein 1+2 is offered regularly at the beginning of each semester. Language: Deutsch/ Englisch

“To define a “sound” via a sound system, is to define sound by way of a cultural apparatus – in this case, one that requires deejays, selectors, engineers, producers, people who build up the sound and disseminate it through speakers or across record shop counters. And of course, people who follow, criticize and consume the product of that “sound”. Sound in Jamaica means process, community, strategy and product. It functions as an aesthetic space within which the members of the national or transnational Jamaican community imagine themselves”, Louis Chude-Sokei in ‘Dr. Satan’s Echo Chamber’ (2008). Participants are invited to study, exchange and ultimately learn how to create a sound system through a mix of modalities: crate digging for records from/of the Global South of everywhere and everywhen deep listening to selected sonics building a sound system The key objective is to not only activate the sound system but also grasp a deeper understanding of how we can arrive at an imagined community that “operates not by the technologies of literacy, but through the cultural economy of sound and its technological apparatus which is distinctly oral” (Chude-Sokei, 2008). So, while what emerges from the compact seminar will surely look, feel, smell, taste and absolutely sound like a sound system – currently known as PSSS – we will all have to wait to fully sense not only its name, but what it does. Guest speakers/DJs/Selectors/Practitioners: Black Obsidian Sound System (B.O.S.S.) Pan African Space Station (PASS) Simnikiwe Buhlungu Excursions/field trips: Crate diggin’ in record shops, personal, communal and institutional archives and sometimes online Sound system building material research and search Maybe, just maybe, orbiting in the galaxies… Recommended literature/practices: SunRa (various) Louis Chude-Sokei (‘Dr Satan’s Echo Chamber’) Octavia Butler ( Parable Trilogy) Mohale Mashigo ( Intruders ) Sound System Culture: Celebrating Huddersfield's Sound Systems Ntone Edjabe ( La Discotheque de Sarah Maldoror ) Uhuru Phalafala ( Home is Where the Music Is, and various)

Ob Klimawandel, Menschenrechte, Krieg oder Gewalt. Mit welchen künstlerischen Interventionen kann ich mediale Aufmerksamkeit erwecken um soziale und politische Realitäten zu verändern? Dokumentarische Praxis als politisches Handeln steht im Zentrum dieses Seminars. Wir analysieren erfolgreiche historische Projekte und aktuelle Kampagnen und erobern mit den Seminarteilnehmer*innen den öffentlichen Raum an realen Orten in der Stadt und im virtuellen Raum. Studierende können eigene Projektideen in das Seminar einbringen und gemeinsam arbeiten wir an der Stoffentwicklung mit einem besonderen Fokus auf Strategien für eine maximale Öffentlichkeit.

Ausgangspunkt dieses Kompaktseminars ist das Verständnis, dass Städte keine neutralen Räume sind, sondern durch Machtverhältnisse, divergierende Interessen, Ein- & Ausschlüsse, Regulierungen und alltägliche Routinen hervorgebracht und verhandelt werden. Urbane Räume werden gestaltet – materiell, rechtlich, diskursiv, medial, symbolisch. Sie konditionieren Verhalten, produzieren Zugehörigkeit und Ausschluss, normalisieren bestimmte Körper, Praktiken und Lebensweisen, während andere verdrängt oder gar kriminalisiert werden. Prozesse wie Kommodifizierung und Eventisierung transformieren öffentliche Räume zunehmend in verwertbare Kulissen, in denen ökonomische Logiken soziale und alltagsweltliche Nutzungen überlagern oder verdrängen. Vor diesem Hintergrund untersucht das Seminar alltagsweltliche, künstlerische, aktivistische und weitere zivilgesellschaftliche Praxen, die genau an diesen Punkten ansetzen: Interventionen, die dominante Raumordnungen irritieren, räumlich-soziale Setzungen verschieben, Unsichtbares sichtbar machen oder alternative Nutzungen erproben, u.v.m. Das Kompaktseminar versteht sich als experimentierfreudiges Labor für gestalterische Interventionen im öffentlichen Raum. Neben gemeinsamen Recherchen und Diskussionen steht das praktische Arbeiten im Zentrum. Die Teilnehmenden entwickeln eigene Interventionen, Experimente oder Prototypen im öffentlichen Raum oder an dessen Rändern. Dabei geht es nicht um „fertige Lösungen“, sondern um das Erproben von Haltungen, Strategien und Formaten. Erwartet wird die Bereitschaft, sich auf offene kollektive Prozesse einzulassen, im Stadtraum zu recherchieren und eigene Positionen praktisch zu erproben. ENG ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ The starting point of this seminar is the understanding that cities are not neutral spaces, but are produced and negotiated through power relations, divergent interests, inclusion and exclusion, regulations, and everyday routines. Urban spaces are designed—materially, legally, discursively, medially, and symbolically. They condition behavior, produce belonging and exclusion, normalize certain bodies, practices, and ways of life, while others are marginalized or even criminalized. Processes such as commodification and eventization increasingly transform public spaces into commodifiable settings in which economic logics overlay or displace social and everyday uses. Against this background, the seminar examines everyday, artistic, activist, and other civil-society practices that intervene precisely at these points: interventions that disrupt dominant spatial orders, shift socio-spatial arrangements, make the invisible visible, or test alternative uses, among others. The intensive seminar is understood as an experimental laboratory for design interventions in public space. Alongside joint research and discussions, practical work forms the core of the seminar. Participants develop their own interventions, experiments, or prototypes in public space or at its margins. The focus is not on “finished solutions,” but on exploring attitudes, strategies, and formats. Participants are expected to be willing to engage in open, collective processes, to conduct research in the urban environment, and to practically test their own positions. Sprache: Deutsch / Englisch

Das Kompaktseminar bietet in den ersten beiden Sitzungen eine Einführung in die (Audio)Programmierumgebung Pure Data für Einsteiger ohne coding Erfahrung. Im zweiten Teil soll -mit Unterstützung der beiden Lehrenden sowie aus der Gruppe selbst- die Realisation eigener Projektideen in Angriff genommen werden. Wichtig ist uns dabei der Austausch über Ideen, Erfahrungen und Fragen zum Prozess im regelmäßigen Plenum. Mögliche Themen umfassen Apps für mobile devices, Anbindung an Browser und Internet, VST Plugins entwickeln...

Das Kompaktseminar bietet in den ersten beiden Sitzungen eine Einführung in die (Audio)Programmierumgebung Pure Data für Einsteiger ohne coding Erfahrung. Im zweiten Teil soll -mit Unterstützung der beiden Lehrenden sowie aus der Gruppe selbst- die Realisation eigener Projektideen in Angriff genommen werden. Wichtig ist uns dabei der Austausch über Ideen, Erfahrungen und Fragen zum Prozess im regelmäßigen Plenum. Mögliche Themen umfassen Apps für mobile devices, Anbindung an Browser und Internet, VST Plugins entwickeln sowie individuelle Vorschläge eurerseits.

Das Kompaktseminar bietet in den ersten beiden Sitzungen eine Einführung in die (Audio)Programmierumgebung Pure Data für Einsteiger ohne coding Erfahrung. Im zweiten Teil soll die Realisation eigener Projektideen in Angriff genommen werden. Der Fokus soll diesmal auf dem Arbeiten mit Datensätzen liegen (Aufbereitung, Einbindung, Sonifikation). Wichtig ist dabei der Austausch über Ideen, Erfahrungen und Fragen zum Prozess im regelmäßigen Plenum.

das kompaktseminar bietet in den ersten beiden sitzungen eine einführung in die (audio) programmierumgebung pure data für einsteiger ohne coding erfahrung. im zweiten teil soll die realisation eigener projektideen in angriff genommen werden. wichtig ist dabei der austausch über ideen, erfahrungen und fragen zum prozess im regelmäßigen plenum.  sprache ist hauptsächlich englisch.  in the first two sessions, the compact seminar offers an introduction to the (audio) programming environment pure data for beginners without coding experience. in the second part, the realization of own project ideas will be tackled. important is the exchange of ideas, experiences and questions about the process in the regular plenum.  language is mainly english.

das kompaktseminar bietet in den ersten beiden sitzungen eine einführung in die (audio) programmierumgebung pure data für einsteiger ohne coding erfahrung. im zweiten teil soll die realisation eigener projektideen in angriff genommen werden. wichtig ist dabei der austausch über ideen, erfahrungen und fragen zum prozess im regelmäßigen plenum. sprache ist hauptsächlich englisch. die teilnehmerzahl ist begrenzt auf 12 personen nach first comes prinzip und warteliste. verbindliche anmeldung bis spätestens 31.12.26 und rückfragen bei hans.w.koch@khm.de in the first two sessions, the compact seminar offers an introduction to the (audio) programming environment pure data for beginners without coding experience. in the second part, the realization of own project ideas will be tackled. important is the exchange of ideas, experiences and questions about the process in the regular plenum. language is mainly english.

»Queer uses of time and space develop, at least in part, in opposition to the institutions of family, heterosexuality, and reproduction. They also develop according to other logics of location, movement, and identification«. (J. Halberstam) Wenn man seitwärts heranwächst, die Pubertät mit 40 anfängt, Daddy jünger als der Sohn ist oder sich die Mother erst mit ihren Kindern verwandt machen muss, scheint die Chronologik cisheteronormativer Zeitkonzepte außer Kraft gesetzt. Queere Zeitlichkeit ist nicht linear und verweigert sich der Logik von „Birth, School, Work, Death“, von Familie, Arbeit, Reproduktion und Erbe. Was also ist queere Zeitlichkeit? Wie lässt sich Erinnerung – an die Aidskrise oder die Homosexuellenverfolgung im Nationalsozialismus – in einem nicht-cisheteronormativen Zeitverständnis fassen? Und wie lassen sich traditionelle Erinnerungskonzepte mit queeren Zeitlichkeiten zusammendenken? Wir werden Texte zu queerer Zeitlichkeit und zu verschiedenen Erinnerungskonzeptionen, wie multidirektionale Erinnerung, Postmemory oder prosthetic Memory, diskutieren. Im Seminar wird es Zeitslots geben, um eigene künstlerische Arbeiten, die sich mit Zeitlichkeit und/oder Erinnerung befassen, vorzustellen und zu diskutieren.

Popcultural depictions of cisheteronormative nuclear family life have verged on the apocalyptic in recent years: Mothers at the edge of nervous breakdown, violent or completely lackadaisical fathers, murderous or murdered children and societies that are at best indifferent regarding the division of care-work or emotional labor. At the same time, authoritarian populists foster and instrumentalize fears of the end of The Family and the destruction of the – supposedly – biological order. They use these fears to target queers who they claim are out to destroy the nuclear family and the generational order. Mainstream gay community has traditionally answered these calls to violence with demands for inclusion, diversity, rainbow families and gay marriage. – But there are also queer positions that indeed demand an end of patriarchal violence and exploitation and deconstruct the institution of the family. We will read queer theoretical critiques of familialism, texts about family abolition, the celebration of chosen families and complex kinship relations, and discuss friendship as a political practice. Texts will be in English and in German, we’ll speak English, German, Dinglish.

In this seminar, we will learn about various theoretical and activist approaches to what infrastructures of care can mean in urban neighborhoods and tourist centers. It follows on from the DFG project by Lorey, Jiménez, and Salvini on care infrastructures, which seeks to further develop a form of citizenship based on care, a cuidadanía . Dr. Kike España, whose book Die sanfte Stadt has already inspired many artistic projects at KHM, will take us on a journey through his new book project Communizing the City. On the Way to a Rebellious Neighborhood : How can we live in cities where we can no longer live amid the ruins of financial brutalism? How can tenant movements be organized in the midst of overtourism creeping into neighborhoods? How do collective practices of listening and sonic production give rise to urban aural infrastructures of care (Sara Jiménez)? How can they be understood as queer? And finally: Which infrastructures of care emerge not only as self-organized, but as alternative health policy infrastructures? We learn about such alternative infrastructures of care from various locations in Málaga and near Barcelona, and we learn from the radical democratic psychiatric practices of Franco Basaglia’s milieu in Trieste, dating back to the 1970s (Pantxo Ramas/Salvini PhD). First literature: Kike España, Die sanfte Stadt, Wien u.a.: transversal texts, 2021. Sara Jiménez, Kike España, “Insurgent Neighborhoods: Between Holey Space and Molecular Feminism”, in: transversal. multilingual webjournal: Molecular revolts in Europe, March 2025, https://transversal.at/transversal/0325/jimenez-espana/en Franceso Salvini, “Caring ecologies”, transversal.blog, April 2019, https://transversal.at/transversal/0318/salvini/en

Wusstet ihr, dass die erste lesbische Zeitschrift der Welt wegen eines ‚Schmutz-und-Schund‘-Paragraphen in den 1920er Jahren nicht mehr offen an Kiosken ausliegen durfte? Dass in den 1990er Jahren eine Militanz-Debatte in einem autonomen schwulen Tuntenmagazin geführt wurde? Dass das transfeministische Magazin, Transsisters, erstmals bereits 1993 erschien? Wer kennt es nicht? Wir begegnen einer spannenden Geschichte. Sie ist so besonders, dass wir den Wunsch haben, sie nicht nur an Freund*innen oder Familie weiterzugeben, sondern sie in die ganze Welt tragen wollen. Aber wie? Wie schaffen wir es respektvoll und emotional Vergangenes zu erzählen? Und was könnten geeignete Formen sein? In diesem Kooperationsseminar zwischen Bildgestaltung und Queer Studies möchten wir uns mit queerer Geschichte auseinandersetzen. Über Texte, Dokumentarfilme, Storys auf Social Media u.ä. blicken wir gemeinsam in die queere Vergangenheit und diskutieren, welche Form der Übermittlung welche Wirkung mitbringen kann. Daraufhin werden wir selbst queere Geschichte(n) recherchieren, kleine Archive anlegen und zum Ende hin eigene praktische Arbeiten aus dem Gesammelten erstellen. Die Form dieser Arbeit kann frei gewählt werden. *Für einen Theorieseminarschein muss am Ende des Semesters eine Hausarbeit geschrieben werden. Für einen Fachseminarschein genügt die aktive Teilnahme am Seminar. Sprachen: Deutsch, English, Denglish Termine: 09.04.24, 23.04.24, 07.05.24, 21.05.24, 04.06.24, 18.06.24

“Hell, I'm suspicious.“, writes Sandy Stone regarding medicalized discourse about “transsexuality” in her manifesto The Empire Strikes Back in 1987. One of the problems she sees for creating a posttranssexual counterdiscourse is that to “…attempt to occupy a place as speaking subject within the traditional gender frame is to become complicit in the discourse which one wishes to deconstruct.” Over thirty years, a large-scale “Stop Trans Pathologization” campaign, and decades of Queer Theory and Transgender Studies later, “posttranssexual”, postposttranssexual, transgender or non-binary counterdiscourse certainly exists. Yet, current trans_queer-antagonistic discourse still positions transness_queerness as some sort of “Phantom Menace” – to stay with Sandy Stones Star-Wars terminology. Furthermore, questionable forms of self-ascribed allyship against queer- and transantagonistic moral panics often ignore decades of trans_queer_feminist writing. Understanding trans_queer feminisms as essential part of antifascist practice, we will read and analyze queer and trans feminist texts and manifestos that go beyond questions of representation and stay suspicious of categorizations.

Queer Theory has for a long time been interested in trauma: The mass death event of the Aids crisis, heterosexist violence, incest and rape etc. Mattilda Bernstein Sycamore, for example, just recently reminded us that Generation X queers » came of age in the midst of the epidemic with the belief that desire intrinsically led to death, internalizing this trauma as part of becoming queer «. Queer Theory's engagement with trauma was most often deeply – though not always successfully – antipathological, focused on collective experiences, and negative feelings were seen as – as Ann Cvetkovich puts it – » a positive source for political action rather than its antithesis «. Current queer popular culture has adapted the vocabulary of trauma theory with its triggers and flashbacks etc., but seems to have abandoned this focus on collective experiences as potential driving forces of political action. Today's queer trauma often seems to be individualized, and disconnected from calls for political action or if at all predominantly connected to action within the framework of bourgeois logics of charity. As Queer theorist Yasmin Nair observes, queer trauma seems to have become an identity, a confessional practice, a prerequisite to getting heard and the traumatized subject itself might be the perfect neoliberal subject. In the seminar we will explore different concepts and critiques of queer trauma and we will try to develop research questions for projects related to queerness and trauma. The seminar is a research seminar, so ideally you have some experience reading and analyzing theoretical texts. Languages: English, German, Dinglish

Lesbian vampires, creepy housekeepers, Bond villainesses, monstrous queer children, murderous dandies, bisexual femme fatales, cannibalistic trans aliens, and very dangerous dykes populated 20th century cinema. Even in heavily censored phases of the medium’s history – such as the guidelines of Hollywood’s Hays code – queer representations have always found their way to the screen, not seldomly as villains. Some of these villains became beloved cult figures in queer communities – at least for a time. Today, many of them are at best considered ‘problematic favs’. Yet others are viewed as bad representations, unredeemable even for ironic celebration. Tracing the histories of queer villains, we will watch pre-stonewall Hollywood films of the Hays code era, exploitation films, 60s Japanese art films, Gothic Horror, Disney, ………… and talk about censorship, the allure of queer villains, and representational justice.

In seinem 1970 veröffentlichten Manifest stellt Jean-Luc Godard im Moment des Übergangs seiner eigenen filmischen Arbeit in eine stärker politisierte Phase die Frage, was zu tun sei? Im Seminar möchten wir diese in einem Moment ringsum zu verzeichnender Faschisierungsprozesse aufnehmen und uns gegenwärtige und historische filmische Strategien gegen diese bedrohlichen Entwicklungen genauer ansehen, untersuchen, befragen. Im Dialog untereinander und mit eingeladenen Gästen möchten wir die Unterscheidung zwischen einem Machen politischer Filme und einem politischen Machen von Filmen ins Zentrum stellen, um zu verstehen, welche Rolle(n) das Medium Film in diesem Moment spielen, welche Formen es annehmen, welche Funktion es erfüllen könnte. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. --- In his manifesto published in 1970, at a time when his own filmic work was transitioning into a more politicized phase, Jean-Luc Godard asks: What is to be done? In this seminar, we would like to address this question in light of the processes of fascistization currently unfolding all around us, and to take a closer look at, examine, and question contemporary and historical cinematic strategies aimed at countering these threatening developments. Through dialogue among ourselves and with invited guests, we aim to focus on the distinction between making political films and the political act of filmmaking, in order to understand what role(s) the medium of film plays at this moment, what forms it takes, and what function it might fulfill. The starting point for all reflections and connections to be drawn are the films themselves, supplemented by selected texts as well as active, engaged, critical, and passionate discussion about them.

Der Sommer war sehr groß. Wie groß genau? Das Vorstellungsvermögen kann Räume entwerfen, die unfassbar groß und unendlich klein sind, zuweilen sogar beides gleichzeitig. Wie lassen sich diese Räume beschreiben? Es geht hier nicht nur um die Räumlichkeit von Gedichten, um die Vermittlung von Innenraum und Außenraum, sondern auch um mentalen Raum, bewegte und unbewegte Räume, um Räume der Gefährdung und um den verkauften Raum der Stadt. Neben Lektüren, die Langgedichte (Etel Adnan, Jay Bernard, Donna Stonecipher, Rosmarie Waldrop) genauso wie Texte zur Stadtplanung (Gabu Heindl und Klaus Heinrich) umfassen, machen wir auch ein paar praktische Übungen in Sachen Bild- und Stadtbeschreibung. Wie entwerfe ich sprachliche Räume? Wie beschreibe ich bewegtes und unbewegtes Bild auf eine Weise, die dem jeweiligen gezeigten Raum entspricht oder seine Vorgaben kritisiert? „Caught between wanting and acting. Between language and landscape. Wanting to contain volumes, multitudes. Curves to everywhere. Describing circles of light, flashes of lightning.“ (Rosmarie Waldrop) Mit Texten von: Etel Adnan: Sea & Fog. Jay Bernard: Surge. Gabu Heindl: Stadtkonflikte. Radikale Demokratie in Architektur und Stadtplanung. Klaus Heinrich: Schinkel und Speer. Der Architektur ein Bewusstsein ihrer selbst zu geben. Donna Stonecipher: Model City. Donna Stonecipher: Prosepoetry and the City. Rosmarie Waldrop: Rehearsing the Symptoms. (In der Übersetzung von Ann Cotten: Das Proben der Symptome) – und anderen.

Auch Atelier 4a What can we do with language - especially if we have so many of them? Let us play: machen wir exophonische und translinguale (translingualische) Sprachspiele. Let’s transform, preserve, discard language. Let’s annoy, divert, provoke. Let’s explore what it means to lose and regain a language, what it means for language to be broken and how to approach same-language and multi-language communities. How does the adoption of another language intersect with postcolonial and capitalist discourses? What does it mean not to understand a language and, when this happens, what can we do to appreciate languages in other ways? How to develop your own language, the ability to communicate, how to self-translate? Let’s discover translingual expression. In the Wintersemester 21/22 we offered the theory seminar "zwischen sprachen schreiben" and presented Exophony as a relatively new term (from 2007) to describe a much older phenomenon: writing in a language that is not a first language. We quoted linguist Molly Martin: „Exophonic writing offers authors the chance to cloak themselves in a different language, and thereby culture,“ implying a complicated relationship between language, identity and heritage. In the meantime, we have discovered many more exophonic authors and related topics. In this Fachseminar we welcome all students who want to read, discuss and experiment with exophonic and translingual writing(s). *** „um den raum der fiktion zu betreten, zermahle ich die sprachen in mir. und pflücke heraus, was ich für die fiktion brauche, was zu ihr am besten passt.“, schreibt Özlem Özgül Dündar. Let‘s cross translinguale borders ZwischenSprachen, um unsere Mutter- und fremde Zungen auf den Kopf- und Prüfstand stellen. Let’s pick and explore die Grenzen und Freiheiten, die our pick of Schreibsprache bietet. Lasst uns unsere Zungen ein- und ausrollen, lenguas in languages auflösen, über-setzen and appropiate. Im Wintersemester 2021/22 boten wir erstmalig das Theorieseminar „zwischen sprachen schreiben" an und diskutierten anhand zahlreicher Beispiele wie Sprachwechsel und Mehrsprachigkeit(en) Text und Schreibprozesse prägen und literarisch fruchtbar gemacht werden können. Nun wollen wir die Diskussionsfäden von damals wieder aufgreifen und weiterspinnen – mit Gästen, neuen und alten Texten, theoretisch wie praktisch. Alle interessierten Neuzugänge wie Wiederholungstäter:innen sind willkommen. Erwartet wird die Bereitschaft zu regelmäßiger Lektüre. Lese- und Diskussionssprachen sind Deutsch, Englisch und alles dazwischen und darüber hinaus, das für den gemeinsamen Austausch produktiv gemacht werden kann.

We give great meaning and weight to memory, eye witness accounts, childhood stories, and traumas, and yet, everything we experience passes through multiple filters within us. Is it important to know whether something is true or not? Should storytelling be concerned with ‘the’ truth or with ‘a’ truth? Last semester we invited you to join us discussing the intersection of memory and storytelling. We opened questions such as: How do we approach memories? How do we remake a memory while re-telling and re-imagining? Do we see them as fiction or nonfiction? Does collective memory begin where the individual memory ends or is it possible for them to co-exist…? This semester we continue on our path to approaching memory by creating the space to discuss forgetting, false memories, and the act of remembering itself in the context of both individual and collective memory. The aim of the seminar is to create a space where everyone can work on their own projects but within a collective, constantly receiving feedback, so that our works can be improved. Having a writing collective in the space will also help us to develop our skills in giving and receiving feedback. Within the seminar, there will be reading sessions each month and participants are encouraged to share their writing with us, whether literary or as part of an artistic project that encompasses other artistic mediums. Although, the seminar will be held in English; our hope is to reach as many people as possible so that there is at least one other person who speaks the language you write, but if not please don’t be shy to share your writings in English even if it’s not your first language. Guests in the seminar will include people involved in publishing, editing, writing (both literary and script), and translators. With these guests we want to be able to examine both our own writings and the industry itself. In the end of the seminar there will be a reading event which will be organized in a more public setting; so that the participants can share what has been worked on throughout the semester with people from outside of the seminar.

We give great meaning and weight to memory, eye witnesses accounts, childhood stories, and traumas, and yet, everything we experience passes through multiple filters within us. Is it important to know whether something is true or not? Should storytelling be concerned with ‘the’ truth or with ‘a’ truth? In our seminar this semester, we invite you to join us in discussing the intersection of memory and storytelling. How do we approach our memories? How many times do we remake a memory while re-telling and re-imagining? Do we see them as fiction or non-fiction? Does collective memory begin where the individual memory ends? Or is it possible for them to co-exist? Is nostalgia a political consequence, or an individual re-telling of a collective story? These questions will be raised throughout the semester through discussions, both within the group and with guests. The aim of the seminar is to create a space where everyone can work on their own projects but within a collective, constantly receiving feedback, so that our works can be improved better. Having a writing collective in the space will also help us to develop our skills in giving and receiving feedbacks as well. Within the seminar, there will be reading sessions each month and participants are encouraged to share their writings with us. Although, the seminar will be held in English; our hope is to reach as many people of KHM as possible so that there is at least one other person who speaks the language you write; but if not please don’t be shy to share your writings in English even if it’s not your writer language. Guests in the seminar will include people involved in publishing, editing, writing (both literary and script), and translators. With these guests we want to be able to examine both our own writings and the industry itself. In the end of the seminar there will be a reading event which will be organized in a more public setting; so that the participants can share what they did throughout the semester with people from outside of the seminar. Kontaktperson: Eylül Kizilirmak

The focus of this academic block is on Deleuze’s thought, specifically on his ideas about painting and cinema. Throughout the course of the seminar, we will study Deleuze’s seminars, Painting and the Question of Concepts and Cinema and Thought, which critically analyse the functions of the artwork, both in the context of the art world and within wider philosophical and social contexts. The class aims to develop students' analytical skills, strengthen their critical capacities and introduce aesthetic strategies optimal for expressing the desired artistic content, not least, pertinent for both art/cinema and culture at large.

Die Reading Group knüpft an des Seminars »Für ein anderes „Wir“: Die Perspektive der Behinderung« aus dem Wintersemester 2025 (Bachmann/Lell) an. In kleiner Runde möchten wir uns weiteren Texten aus dem Kontext des Cultural Disability Studies widmen, z.B. von Robert McRuer, Tobin Siebers, Mikki Muhr, Eva Egermann, u.a. Sprachen sind Englisch und Deutsch. Die Reading Group wird gemeinsam mit den Teilnehmenden organisiert (Textauswahl, Moderation, etc.).

Research and interviews are closely interwoven practices for collecting documentary material. Creating archives, developing a theme, delving into milieus, understanding contexts, developing themes. They can provide the basis for screenplays, fiction, documentary film exposés or already provide material for installations, film and sound, literary texts or other text forms. Different forms of approach through research and interviews will be discussed, presented and tested in small practical exercises during the course. We are also happy to discuss current projects.

In der Kompaktseminar „RECONSTRUCTING REALITY II“ geht es um die Verschränkung von Zeichnung und Neuen Medien. Ausgehend von Fotografien, Standbildern oder anderen digitalen/analogen Bilderzeugnissen soll das zeichnerische Nachempfinden des fest-gehaltenen oder vorgefundenen Moments im Fokus stehen. Durch die Beschäftigung mit relevanten zeitgenössischen künstlerischen Positionen erarbeiten wir uns einen Weg, um uns in entschleunigter und subjektiver Weise mit neuen Lesarten des Realismus auseinanderzusetzen. Mithilfe zeichnerischer Studien widmen wir uns der Frage, was die Zeichnung für eine Stellung in den Neuen Medien einnimmt und wo sie hilfreich sein kann, die Bildfindung oder -erstellung zu erweitern. In der Veranstaltung stellen wir uns experimentell der Rekonstruktion von vorgefundenem, bereits existentem oder selbst montiertem Bildmaterial durch Kohlezeichnungen. Die Betrachtung und Übersetzung der Details und deren Reduktion spielen dabei eine wesent-liche Rolle. Wir erproben, die ephemere Qualität in ausgewählten Momentaufnahmen zeichnerisch zu übertragen und die Blickweise auf flüchtige Bildgegenstände neu zu denken. Technisches Equipment ist nicht notwendig. Wir benötigen lediglich natürliche Zeichenkohle sowie einen Bleistift. In Vorbereitung auf die Veranstaltung ist es hilfreich, eine kleine Auswahl an ideell wertvollen fotografischen Bilderzeugnissen mitzubringen. Das können selbst erstellte Fotografien, Video-Stills, vorgefundenes Bildmaterial, Aufnahmen aus virtuellen Umgebungen, 3D-Renderings, fehlerhafte Bilder analogen oder digitalen Ursprungs und vieles Weitere sein. Es gibt kein übergeordnetes Thema neben der zeichnerischen Auseinandersetzung mit der uns umgebenden Wirklichkeit. Am Ende des Workshops muss keine abgeschlossene Arbeit entstehen.

Künstliche Intelligenz ist im Prozess der digitalen Transformation eine Schlüsseltechnologie geworden. Darin liegen Gefahren wie auch Chancen für die Gesellschaft, für die Demokratie und für das soziale Gemeinwohl. Im Seminar wollen wir das mögliche negative wie auch das mögliche positive Potential dieser technologischen Revolution ausloten und uns mit den gesellschaftlichen und ethischen Folgen der Entwicklung und Etablierung der generativen Künstlichen Intelligenz befassen. Hierbei wird es zunächst grundsätzlich darum gehen, zu verstehen, wie neue Technologien im Sinne medialer Sinnzusammenbrüche die Art und Weise, wie wir denken und Beziehungen eingehen, wie wir wirtschaften und unsere Arbeit verrichten, wie wir vor Gericht rechtsprechen und in algorithmisch orchestrierten digitalen Räumen uns informieren verändert. Dass damit nicht nur private, sondern auch öffentliche politische Willensbildungsprozesse zunehmend fragmentiert, polarisiert und radikalisiert werden, mit all den prekären Folgewirkungen für das demokratische Zusammenleben, wird inzwischen nicht mehr infrage gestellt. Daher wollen wir uns auch alternativen Denkmöglichkeiten zuwenden, die die Entwicklung Künstlicher Intelligenz jenseits der operativen Logik des kybernetischen Kapitalismus im Kontext gegenhegemonialer Politiken einfordern. In diesen Diskussionszusammenhängen wird die Frage nach den sozialen Auswirkungen der Künstliche Intelligenz ganz anders gewendet, nämlich im Hinblick darauf, ob und inwieweit sie für die Bewältigung der planetaren ökologischen Herausforderungen unserer Gegenwart instrumentalisiert werden kann. Tatsächlich existieren bereits erste Bemühungen in diese Richtung, die auf geopolitischer Ebene von einflussreichen zivilgesellschaftlichen Gruppierungen propagiert werden und die eine Umsetzung ihrer technopolitischen Utopien auf der Ebene internationaler Organisationen wie den Vereinten Nationen auch normativ einfordern. Im Zentrum der Lehrveranstaltung stehen daher wissenschaftliche Positionen der multidisziplinären Science and Technology Studies, die der Frage der Sozialität mit und von Künstlicher Intelligenz auch experimentell nachgehen. Darauf aufbauend, kann anhand exemplarischer Fallstudien aufgezeigt werden, wie diese Perspektiven jenseits konventioneller Vorstellungen von Personalität und Handlungsmacht theoretisch problematisiert werden und für eine bessere Zukunft des guten Lebens in Anschlag gebracht werden können. Literatur: Zu Beginn des WS 2024/2025 wird ein Reader zur Verfügung stehen.

Das hier ist ein Seminar zur Stoffentwicklung für fiktionale filmische Projekte - egal ob lang, kurz, seriell oder was auch immer für Formate uns einfallen. Es geht um Eure Projekte. Und es wird praktisch: Zwischen den Terminen wird geschrieben. Diese Texte gehen zurück in die Gruppe, als Vorbereitung für das nächste Treffen. Wir haben 5 Doppeltermine, jeweils montags (nachmittags) und dienstags (vormittags). Die werden wir brauchen, um uns jedes Mal mit allen Stoffen beschäftigen zu können. Wenn Ihr teilnehmen wollt, dann schickt mir bitte eine kurze Skizze des Projektes, an dem Ihr im Seminar arbeiten wollt. Anmelden könnt Ihr Euch auch schon früher, aber die Texte hätte ich gern bis spätestens zum 22.04.2025 (und bitte als Textdokument: Word, LibreOffice, Pages, RTF o.ä. - bitte keine PDFs). Mit etwas Glück gibt's außerdem Kaffee. Und vielleicht auch noch Raum für den Gedanken, dass Filme zwar toll sind ... aber nicht alles im Leben.

From the times of the so-called sexual revolution onward, several kinds of US-American and European movements have viewed sexuality, sexual practices, desire, and fucking as revolutionary forces. Sex and politics belonged together, the private and the sexual were political, sex and liberation were viewed as entangled. The firm believe in the liberatory power of sexuality and the feminist realization that the private is political went hand in hand with a culture of discussion in which highly intimate aspects of social life were up for debate. With the Aids crises sex became a question of life or death and queer and sexpositive feminist movements championed a culture where sexual dissidence was viewed as a signifier of avantgarde politics. However, queer and critical race theory started discussing sexuality itself as shaped by power relations, colonial logics, and racializations. With so much at stake, no wonder that feminist and queer debates surrounding sexuality and sexual practice were often highly dramatic, vitriolic, and forged decades of enmity, such as the so-called feminist sex wars, for example. We're going to read queer theoretical and feminist takes on sexuality, figure out what the feminist sex wars were about, read about sexuality and fascism, vaginal orgasms, contrasexuality, sexuality and colonial rule, consent and censorship…

Forschung im Bereich Poiesis umfasst eine Vielzahl interdisziplinärer Ansätze, u.a. Philosophie, Design, Algorithmik & Digitalität, Literatur und Pädagogik. Im Zentrum stehen der kreative Prozess, der Akt des Herstellens und die verschiedenen Arten, wie sich Kreativität manifestiert. Neben der inhaltlichen Auseinandersetzung mit speziellen Fragestellungen aus diesem Themenspektrum werden die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert. Geplant ist in diesem Rahmen auch ein zweitägiges Kolloquium mit Gastvorträgen.

Der Garten mit seinen historisch gewachsenen, soziokulturellen wie stadtplanerischen Verflechtungen tritt in der Geschichte urbaner und künstlerischer Bewegungen von unten als unabhängiger, nachbarschaftlich organisierter, widerständiger und so Multituden bildender, politischer Ort der Sorge, Selbstversorgung und Nachhaltigkeit in Erscheinung. Aktuelle Ausstellungskataloge zeigen, dass Gemeinschaftsgärten, Permakultur und Guerilla Gardening nun in Museen angekommen sind. Diesen Trend befragt das Seminar, indem es auf Politiken öffentlicher Gärten fokussiert – als Raumprozesse, die sich natürlich auch aus Geschichten von unten speisen. So schiebt die Mutter der Autorin in einem Zadie-Smith-Essay als einzige Schwarze Frau den Kinderwagen durch Hampstead Heath und unbekümmert ruhen die Bankschläfer*innen um 1985 in Mahmoud Dabdoubs Fotografien von Leipziger Grünflächen. Die „Seed bomb“-Bewegung leistete mit The Green Guerrillas in den 1970er-Jahren in der Bowery, New York und anderen Community Gardening- Bewegungen aktiv Widerstand gegen die Depopularisierung, von Segregation und Marginalisierung bestimmter Viertel betroffene Stadtplanung und erwirkte den Aufbau kleiner selbstbestimmter, disruptiver Biotope, geteilter Care-Arbeit und Wiederaufforstung im urbanen Kontext. Im Zuge von Occupy Gezi und 100% Tempelhofer Feld wurden öffentliche Parks durch Nachbar*innenschafts-Proteste erhalten. Was bedeuten öffentliche Gärten in solchen planetaren Verflechtungen? Welche widerspenstigen Figuren macht die künstlerisch-kuratorische Beschäftigung mit Praxen des improvisierenden Gärtnerns sichtbar? Das Seminar ermöglicht Euch, die visuellen und Text-Lektüren mit Euren eigenen künstlerischen Projekten zu verbinden und in assoziativen Übungen zu vertiefen. Viele Arbeitsschritte sind in Kleingruppen organisiert, an denen Ihr Euch selbstverantwortlich beteiligt. Als Grundlage dient ein Reader, der gedruckt und als PDF bereitgestellt wird. Lektüren: Mahmoud Dabdoub, Alltag in der DDR. Fotos aus den 1980er Jahren, Leipzig 2024. Kaya Genç, Under the Shadow: Rage and Revolution in Modern Turkey, London 2015. Stuart Hall, Essential Essays Vol. 2, ed. by David Morley, Durham/ London, 2019. Olivia Laing, The Garden Against Time, London 2024. Sofia Lemos (Hg.), Meandering. Art, Ecology, and Metaphysics, TBA 21, London 2024. Uriel Orlow, Soil Affinities, Paris, 2019. Alona Pardo, Re/Sisters: A Lense on Gender and Ecology, Ausst.-Kat. Barbican Centre, London 2023. Claire Pentecost, Notizen aus dem Untergrund, Berlin 2012. Elske Rosenfeld, Kerstin Meyer, Joerg Franzbecker, Zur Verfassung, Recherchen, Dokumente 1989-2017, Berlin 2017. Zadie Smith, Feel Free, London 2019. Robert Wiesenberger (Hg.), Humane Ecology. Eight Positions, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, 2023. Sylvia Wynter, On Being Human as Practice, Durham/London, 2015. Daniela Zyman, Das Lachen der Quallen. Zur künstlerischen Gegenforschung jenseits des Menschen, Wien 2024. Besprochene Aussstellungen: Knowledge is a Garden, Migros Museum, Zürich, 2024/25. Rebel Garden, Groeningemuseum, Gruuthusemuseum & St John's Hospital Museum, Brügge 2024. The One-Straw Revolution, curated by iLiana Fokianaki, Framer Framed, Amsterdam 2024. Being as Communion, 8th Thessaloniki Biennial of Contemporary Art, curated by Maria-Thalia Carras, Thessaloniki 2023. Where is the Planetary? HKW, Berlin: 2023. The Planetary Garden: Cultivating Coexistence: Manifesta 12, (Creative Mediators: Bregtje van der Haak, Andrés Jaque, Ippolito Pestellini Laparelli, Mirjam Varadinis), Palermo 2018. 77#13: Politische Kunst im Widerstand in der Türkei, nGbK, Berlin 2015.

Die Elektronikwerkstatt im Klangatelier widmet sich in diesem Semester den Wearable Electronics: tragbaren elektronischen Systemen, die sich zwischen Kostüm, Interface und performativem Objekt bewegen. Die Teilnehmenden entwickeln eigene soundgenerierende Kostüme, textile Objekte oder Körpererweiterungen, die mit Sensoren ausgestattet sind. Bewegungen, Berührungen oder physiologische Veränderungen können LEDs steuern, mechanische Bühnenelemente in Gang setzen oder Audiosamples in Echtzeit verändern. Über WLAN oder Bluetooth werden Klänge gesendet, empfangen und bearbeitet; das Kostüm wird zum vernetzten Akteur. This semester, the Elektronikwerkstatt im Klangatelier is focusing on wearable electronics: portable electronic systems that combine elements of costume, interface and performance object. Participants develop their own sound-generating costumes, textile objects or body expansions equipped with sensors. Movements, touches or physiological changes can control LEDs, set mechanical stage elements in motion or modify audio samples in real time. Sounds are sent, received and processed via Wi-Fi or Bluetooth; the costume becomes a networked actor. Sprache: Deutsch & English

Roboter in Verbindung mit Künstlicher Intelligenz (KI), die in soziale Beziehungen mit Menschen treten, werden die Welt nachhaltig verändern. Tatsächlich können KI-gestützte Robotersysteme in bestimmten Sozialbereichen längst eigenständige Aktionen durchführen, lebenskritische Entscheidungen fällen oder autonom Verträge abschließen, sei es in der Kranken- und Pflegewirtschaft durch robotergestützter Pflege, in der Kriegsindustrie durch unbemannte Kampfdrohnen oder in der Rechts- und Finanzwelt durch autonome Entscheidungssoftware. Diese immer schneller werdende Entwicklung und Etablierung intelligenter sozialer Roboter legt nahe, dass ihnen eine gewisse soziale Akteurschaft nicht mehr abgesprochen werden kann. Damit avancieren verkörperte digitale Systeme zu unseren neuen nicht-menschlichen Mitgliedern der Gesellschaft. Für unser hybrides Zusammenleben ergeben sich daraus einige brisante Problemstellungen, die uns dazu nötigen, über die Moralität dieser neuen Gesellschaftsmitglieder nachzudenken. Zunächst stellt sich in Bezug auf ihre Entscheidungen die Frage nach ihrer Verantwortlichkeit jenseits etablierter Vorstellungen von Personalität und Sozialität. Im unmittelbaren Zusammenhang damit, stellt sich dann die Frage nach ihrer Identität und Adressabilität. Schließlich stellt sich die Frage nach der Zurechenbarkeit im Umgang mit anonymen Netzwerken, die dann entstehen, wenn intelligente soziale Roboter in einem Netzwerk unsichtbarer Maschinen inter-agieren. Diese neue Unübersichtlichkeit post-gesellschaftlicher Verhältnisse, stellen Politik und Recht schon heute vor die Herausforderung, für intelligente Maschinen einen neuen rechtlichen Status zu bestimmen. Das stellt uns vor weitreichenden Fragestellungen: Wie verändern intelligente soziale Roboter unsere Gesellschaft? Wie können wir sie zur Rechenschaft ziehen? Wer ist für ihr Handeln verantwortlich, wenn Künstliche Intelligenz zwischen Leben und Tod entscheidet? Im Seminar wollen wir tentative Antworten auf diesen Fragenkomplex entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Arbeitswelt, die Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen alternative Visionen einer transformativen Ethik der Roboter im Zentrum der Diskussion. Literatur: Zu Beginn des SoSe 2024 wird ein Reader zur Verfügung stehen.

In diesem Seminar dreht sich alles um die Vielfältigkeit der Romane. Wir bringen Licht ins Dunkel diverser Kategorien wie Ensembleroman, Episodenroman oder Gesellschaftsroman, beschäftigen uns mit dem Aufbau von Szenen und der Entwicklung von Figuren, mit Motivketten und Wegen elegante Rückblenden einzubauen. Wie finde ich einen Ton, den ich auf 200 Seiten durchhalten kann und eine Perspektive, die Leser*innen, in den Text sinken lässt? Und will ich das überhaupt? Was schmeiße ich raus und wann ist es besser noch mal von vorne zu beginnen? Wie bringe ich Ordnung in mein Manuskript? Und warum funktionieren Romane, die alles anders machen? Eigene Texte mit konkreten Fragestellungen sind willkommen. Darüber hinaus lesen wir exemplarische Beispiele und poetologische Texte zur Romantheorie.

There is no such thing as an Art World—as in a monolithic, homogenous and static entity. There are plural, diverse and interlinked Art Worlds, which each offer differing, and dissonant ways of being an artist. Contemporary art is exhibited in galleries and museums, but contemporary art is practiced in multiple other spaces. Projects, project spaces, community centres, activism, artistic research, bars, clubs, public space, digital spaces—the models are many. We all know this but somehow the traditional exhibitionary spaces still dominates our imagination of what it means to be an artist. This seminar provides participants with specific examples on the multiplicity of practices within the many Art Worlds. In so doing we hope to open up imaginaries about what contemporary art practice is, and what it can be. Through conversations with guests, and colloquiums, students will gain close insights into the often opaque professional paths within the art spheres.   Indicative list of guests: Tatiana Bazzichelli – Director and founder DNL Eugenio Tisselli – Artist and researcher (PhD artistic research) Ana Ramos – Director of radio web MACBA *Räuberleiter" can be translated into English as "leg-up" or "boost." It refers to the act of someone forming a step with their interlinked hands or knees to help another person climb up. Sometimes the term is used figuratively to mean giving someone a helping hand.

Ein von den Wassermassen einer Talsperre geflutetes Bergdorf. Die euphemistisch als „Blumeninsel“ bezeichnete Müllkippe von Porto Alegre. Verstrahlte ehemalige Uranabbaugebiete in Sachsen und Thüringen. Die zum Spielplatz gewordene Abraumhalde einer Kobaltmine in der DR Kongo. Das nächtliche Durchgangs-Camp für Flüchtlinge beim nordfranzösischen Sangatte. Ein illegales Internierungslager in Luanda. Verstreute Überreste einer Lebensgeschichte in einem verfallenden Haus in Nordirland. Ein von Geistern bevölkertes Haus in Rio de Janeiro. Dies sind ein paar der Schauplätze der Filme des Seminars. Im Gegensatz zum narrativen Film werden im experimentellen Film Räume nicht als Settings einer Geschichte instrumentalisiert, sondern als autonome Wahrnehmungs- und Erfahrungssphären vermessen und zu Bühnen und Projektionsflächen von emotionalen und psychischen Prozessen transformiert. Die Filme, die in diesem Seminar diskutiert werden, erschaffen Räume, in denen die Koordinaten von on-screen/off-screen, innen/außen, privat/öffentlich, lokal/global verwischen und neu bestimmt werden. Sie legen verschüttete Teile von Geschichte frei, zeigen Grenzen und deren Überschreitungen, erforschen Räume als Schauplätze sozialer Interaktion und besetzen sie mit spielerisch-performativen Interventionen. „Räume #3“ knüpft an zwei vorangegangene Seminare zum Thema an. Die Teilnahme an diesen Veranstaltungen ist für das aktuelle Seminar jedoch nicht verpflichtend. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

„Schreiben: ein Abdruck des Körpers auf nassem Sand”, notierte die libanesische Malerin und Dichterin Etel Adnan zur Rolle von Sprache, Zeit und Geschwindigkeit beim Denken und Träumen. Im Traum ihres Erzählbandes Mutterzunge fragt Emine Sevgi Özdamar einen Freund, wie Tiefe erzählt werden könne. „Kaza geçirmek” erhält sie zur Antwort – Lebensunfälle erleben. Die deutsch-türkische Schriftstellerin, Schauspielerin und Regisseurin verweist auf die knochenlose Zunge, die sich dorthin drehe, wo sie sich sprachlich und klanglich verortet. Auch in Dekolonisierungsprozessen geht es oft um Sprache(n). Das Heimatlos-Werden in einer dominanten Sprache und ihre anthropophagische Aneignung könnte einen Umgang mit hegemonialen Sprachen beschreiben, so Kulturarbeiter_in und Pädagog_in Rubia Salgado. Wie bei Salgado bewegt sich oft auch die künstlerische Forschung zwischen Sprachräumen – zwischen denen von Theorie-, Vermittlungs- und Kunstpraxen – und multipliziert hier die Arten und Weisen des Begreifens. Räume der Vielsprachigkeit entfalten sich in Überlagerungen von Gesprochenem, Geschriebenem, Gehörtem und Gelesenem. Im Kooperationsseminar beschäftigen wir uns mit vielsprachigen mündlichen und schriftlichen Übertragungen, mit Übersetzungen, Vertonungen und Verkörperungen verschiedener Sprachen der Kunst und Literatur. Diese erzeugen Öffnungen, die das vermeintlich Singuläre einer Sprache herausfordern, in dem nicht nur Begriffe aufgefächert werden, sondern auch das, was sie zu fassen suchen. Hier entstehen eigene Rhythmen, Tonalitäten und körperliche Techniken. Lektüre: Emine Sevgi Özdamar, Mutterzunge, Erzählungen, Berlin: Suhrkamp, 2022. Haytham El Wardany, How to Disappear, Berlin: Sternberg, 2018 (vergriffen).  Adel Karasholi, Umarmung der Meridiane, Leipzig: Mitteldeutscher Verlag, 1978. Birgit Mennel/Stefan Nowotny (Hg.), Die Sprachen der Banlieus, in: 2013, https://transversal.at/transversal/0513/nowotny-mennel/de (02.06.2025). Rubia Salgado, “Mehrsprachig aber monolingual? Ansprüche und Widersprüche der pädagogischen Praxis im Fach Deutsch als Zweitsprache in der Erwachsenenbildung”, in: Buden/ Mennel/ Nowotny (Hg.), Translating beyond Europe. Zur politischen Aufgabe der Übersetzung, Wien: Turia + Kant 2014, S. 109–122. Texte zur Kunst, No. 108 (2017), Idiom – Languages of Art Etel Adnan, Jahreszeiten. Schrift und Bilder, Hamburg 2008.

Wie kann Sanftheit grundlegend für Demokratie werden? Wie kann Aktivismus als Zartheit verstanden werden? Lässt sich ein Zusammenleben ausgehend von Sanftheit denken? Was wäre eine zarte Bürger*innenschaft? Und wie lässt sich Liebe und Sanftheit so verstehen, dass sie nicht mehr an romantische Zweisamkeit erinnert, sondern an Widerständigkeit gegen Gewalt, an Ermächtigung und Emanzipation, an wechselseitige Verbundenheit und die Achtsamkeit gegenüber Verletzbarkeiten? Oder sogar als queere widerständige Wendung in weiblicher Mystik? How can softness become fundamental to democracy? How can activism be understood as tenderness? Is it possible to think of coexistence starting from love? What would a tender citizenship be? And how can love and softness be understood in such a way that it no longer reminds of romantic togetherness, but of resistance against violence, of empowerment and emancipation, of mutual connectedness and attentiveness to vulnerabilities? Or even be understood as a queer resistant turn in feminine mysticism? The seminar languages will alternate between German and English. One third of the texts is unfortunately only accessible in German. Possible Literature: Judith Butler, Notes Toward a Performative Theory of Assembly, Cambridge 2015. Kike España, Die sanfte Stadt, Wien u.a. 2021. Sabine Hark, Gemeinschaft der Ungewählten. Umrisse eines politischen Ethos der Kohabitation, Berlin 2021. Gerald Raunig, Ungefüge. Maschinischer Kapitalismus und molekulare Revolution, Wien u.a. 2021. Suely Rolnik, Félix Guattari, Molecular Revolution in Brazil, Los Angeles 2007. Suely Rolnik, „Wie machen wir uns einen Körper?“ (Gespräch), in: Verónica GAGO u.a., 8M – Der große feministische Streik. Konstellationen zum 8. März, Wien u.a., 2018. Lauren Berlant, Michael Hardt, „No one is sovereign in love. A conversation”, 2019, http://coalition.org.mk/archives/646?lang=en

Die Schrift kann als Sonderfall des Zeichnens gelten, wie es im Begriff der „Aufzeichnung“ noch anklingt. Doch wie hängen bemerken und notieren, unterscheiden und bezeichnen, sammeln und ordnen zusammen? Was wird in der Aufzeichnung erst erzeugt und was ist schon vorher da? Wie stehen absichtsvolle Markierung und unvermeidliche Spur zueinander? Wir erkunden diesen Komplex im Interesse, unser Repertoire des Zeichnens und Schreibens als Prozess der „Selbstaufzeichnung“ (Wittmann) zu beobachten und experimentell zu erweitern. Gemeinsam nähern wir uns der Praxis und dem Diskurs zur „Diagrammatologie“ (Krämer). Untersucht werden Diagramme als Arbeitsmittel und Werkbestandteil von Paul Klee und Joseph Beuys über Marc Lombardi bis zu Forensic Architecture, ergänzt durch theoretische Bezüge wie den „Existential Graphs“ (Peirce), „Discourse, Figure“ (Lyotard) und „Denken/Ordnen“ (Perec). Leitende Fragen können sein: Wie bedingen sich für uns Entwerfen und Erkennen? Wie weit denken Hände und Augen, Medien und Situationen, Seh- und Leseerfahrungen mit? Welche Prägungen bestimmen unseren Normalfall und welche Möglichkeiten gewinnen wir durch neue Haltungen und Methoden? Und schließlich: Welchen Wert gewinnt das Widerständige und Unzugängliche, Unsichtbare und Verdeckte? Wie integrieren wir „Verunschärfung oder Entfigurierung“ (Ott)?

In einem dreitägigen Workshop mit Schauspiel- und Kindercoach Ina Höffgen (u.a. Netflixserie Liebes Kind) erkunden wir die Regiearbeit mit Kindern und jugendlichen Darsteller*innen. Was heißt es, rechtlich und künstlerisch mit Minderjährigen zu arbeiten, wie baut man eine vertrauensvolle Situation auf und wie führt man Kinder an psychisch belastende Situationen heran? Neben einem theoretischen Teil wird es im praktischen darum gehen, anhand eigener Skripte, die wir im Seminar besprechen, eine Szene mit ein ein bis zwei Kindern zu inszenieren. Im eintägigen Praxisteil wird Raum für die Arbeit an max. vier Szenen sein.

DE Mit 80 Übungen durch zwei Tage? Vermutlich werden es eher 15-20 sein. In diesem Seminar wollen wir gemeinsam untersuchen, inwieweit eine Abfolge schneller Schreibübungen bei Blockaden helfen können, die eine oder andere Sache ins Rollenbringen, inwieweit sich Ideen konkretisieren lassen, die Geschwindigkeit uns neue Dimensionen eröffnet, und wie das gemeinsame Sprechen darüber einen sozialen Raum schaffen könnte, der auf die Texte zurückwirkt. Ein writers room der anderen Art. EN 80 exercises over two days? It will probably be more like 15-20. In this seminar, we want to explore together the extent to which a series of fast writing exercises can help overcome writer's block, get things rolling, and bring ideas to fruition; the extent to which speed opens up new dimensions; and how talking about it together could create a social space that feeds back into the texts. A writers' room of a different kind.

Betreuung und Unterstützung bei der Weiterentwicklung von studentischen Projekten in der Film-Montage. Film-Montage – das zieht sich durch alle Formate – ist ein andauernder Prozess des Revidierens und Infragestellens, mit dem Ziel, eine Kernidee zu schaffen und/oder zu verfolgen. Dabei geht es darum, eine Sensibilität für das Material zu entwickeln und es lesen und im Kontext beurteilen zu lernen. Denn als Editor*in (und auch als Filmemacher*in) beurteilt man ständig: Gefühle, Handlung, Rhythmus, Kadrage, Raumorientierung, Zeitvorstellung sowie ethische und moralische Parameter. Es geht darum, Dinge auszulassen, zu verdichten, neue Verbindungen zu schaffen, es geht um dramaturgisches Mäandern, um Persönliches und Universelles, es geht darum, ob Filme am Ende vorbei sind, es geht um Genauigkeit und Wahrnehmung, um Intuition und noch um einiges mehr. Filmische Inhalte und Konventionen können auf diesem Weg gerne hartnäckig hinterfragt werden. Das wöchentliche Schnitt LAB lädt Studierende ein, ihre Arbeiten von der Materialsammlung bis zum Feinschnitt vorzustellen und bietet gleichzeitig eine regelmäßige inhaltliche, konzeptuelle und dramaturgische Montage-Betreuung an. Dabei ist das Schnitt LAB praxisnah, formatoffen und semesterübergreifend. Regelmäßige Teilnahme ist wünschenswert. diting LAB Supervision and development support for student projects in film editing. Film editing - across all formats - is an ongoing process of revision and questioning, with the aim of creating and/or pursuing a core idea. The focus is on developing a sensitivity to the material and learning how to “read” it and judge it in context. As editors (and filmmakers), we are constantly assessing emotion, action, rhythm, framing, spatial orientation, sense of time, as well as ethical and moral parameters. It is about leaving things out, condensing, creating new connections; about dramaturgical meandering, about the personal and the universal; about whether films are ever truly finished; about precision and perception, about intuition—and much more. Along this path, cinematic content and conventions are very welcome to be persistently questioned. The weekly Editing LAB offers students the opportunity to present their work from material collection through fine cut and offers regular conceptual and dramaturgical editing supervision. It is practice-oriented, open to all formats, and cross-semester. Regular participation is encouraged.

Betreuung und Unterstützung bei der Weiterentwicklung von studentischen Projekten in der Film-Montage. Film-Montage – das zieht sich durch alle Formate – ist ein andauernder Prozess des Revidierens und Infragestellens, mit dem Ziel, eine Kernidee zu schaffen und/oder zu verfolgen. Dabei geht es darum, eine Sensibilität für das Material zu entwickeln und es lesen und im Kontext beurteilen zu lernen. Denn als Editor*in (und auch als Filmemacher*in) beurteilt man ständig: Gefühle, Handlung, Rhythmus, Kadrage, Raumorientierung, Zeitvorstellung sowie ethische und moralische Parameter. Es geht darum, Dinge auszulassen, zu verdichten, neue Verbindungen zu schaffen, es geht um dramaturgisches Mäandern, um Persönliches und Universelles, es geht darum, ob Filme am Ende vorbei sind, es geht um Genauigkeit und Wahrnehmung, um Intuition und noch um einiges mehr. Filmische Inhalte und Konventionen können auf diesem Weg gerne hartnäckig hinterfragt werden. Das wöchentliche Schnitt LAB lädt Studierende ein, ihre Arbeiten von der Materialsammlung bis zum Feinschnitt vorzustellen und bietet gleichzeitig eine regelmäßige inhaltliche, konzeptuelle und dramaturgische Montage-Betreuung an. Dabei ist das Schnitt LAB praxisnah, formatoffen und semesterübergreifend. Film editing - across all formats - is an ongoing process of revision and questioning, with the aim of creating and/or pursuing a core idea. The focus is on developing a sensitivity to the material and learning how to “read” it and judge it in context. As editors (and filmmakers), we are constantly assessing emotion, action, rhythm, framing, spatial orientation, sense of time, as well as ethical and moral parameters. It is about leaving things out, condensing, creating new connections; about dramaturgical meandering, about the personal and the universal; about whether films are ever truly finished; about precision and perception, about intuition - and much more. Along this path, cinematic content and conventions are very welcome to be persistently questioned. The weekly Editing LAB offers students the opportunity to present their work from material collection through fine cut and offers regular conceptual and dramaturgical editing supervision. It is practice-oriented, open to all formats, and cross-semester.

Warum sind autobiografische und autofiktionale Erzählformen gerade so populär? Welche Spielformen autobiografischen Schreibens gibt es und welche ist die beste für mein eigenes Projekt? Was bedeutet es, in einem literarischen Text „Ich“ zu sagen? Und wo hört Fiktion eigentlich auf? Für diese und ähnliche Fragen bietet dieses Fachseminar ein Semester lang Raum für Diskussionen und Überlegungen. Wir lesen exemplarische Texte von Annie Ernaux über Isabelle Lehn bis hin zu Éduard Louis und Sheila Heti. Darüber hinaus bietet das Seminar die Möglichkeit eigene Texte und Projekte vorzustellen oder individuelle poetische Fragen zu diskutieren. Drehbücher sind genauso willkommen wie Projekte erzählender Prosa. Vorbereitende Lektüreempfehlungen nach Zeit und Interesse: Isabelle Lehn: Frühlingserwachen Olivia Wenzel: 1000 Serpentinen Angst Sheila Heti: How Should a Person Be? David Wagner: Leben Thomas Glavinic: Das bin doch ich Felicitas Hoppe: Hoppe Karl Ove Knausgård: Die „Min Kamp“-Serie Joan Didion: The Year of Magical Thinking Annie Ernaux: Erinnerungen eines Mädchens & Das Ereignis Éduard Louis: Sämtliche Werke Jeanette Walls: The Glass Castle Nadja Spiegelman: I'm Supposed to Protect You from All This Viele der Texte sind nicht ganz gewaltfrei. Für spezifische Triggerwarnungen schreibt mir gern eine Mail.

In Workshops, Podiumsdiskussionen, Performances und Lesungen befassen sich Lehrende und Studierende der Schreibinstitute aus Hildesheim, Köln, Leipzig, Wien und ihre Gäste mit Fragen der Methodik, der Lehre, der gesellschaftlichen Wirksamkeit von Literatur und ihrer Zukunft. Was wird Literatur in einer Gesellschaft, in der Kunst zunehmend als elitär und abgehoben wahrgenommen wird, leisten können? Was kann sie, was soll sie können, und wie lassen sich die neuen Anforderungen beschreiben? Und kommt hier gerade der Literaturvermittlung eine neue Funktion zu? Geplant ist nicht weniger als ein vielsträngiges und polyphones Experimentallabor. Erwartet wird eine Mitarbeit und Besuch der Konferenz.

In dem zweisemestrigen Seminar wollen wir, ausgehend von technologischen Entwicklungen, die Filmgeschichte nach Inhalten von Schwarz/Weißfilmen untersuchen, die sowohl stil- als auch genreprägend bis heute in die Formsprache des Mediums hinein wirken. Es scheint kein Zufall, dass die 1920er Jahre sowohl inhaltlich als auch formell äußerst modern erscheinen (Babylon Berlin) und Filme wie Roma und The lighthouse auch wirtschaftlich erfolgreich sein können. Liegt das an der Form der Bildwiedergabe, also farblos, oder führen andere Gründe immer wieder zu temporärer Renaissance der schwarz/weiß-Filmfotografie? Wir werden über Technologie, Ästhetik, Wahrnehmung, Politik, Ökonomie, Grafik, Philosophie und Kunstgeschichte sprechen und alle anderen Faktoren, die in diesem Kontext von Bedeutung sind. Welche Fragen führen Künstler:innen immer wieder zurück zur schwarz/weiß Bildwiedergabe und ist es egal, ob es dabei um analoge oder digitale Bildaufzeichnung geht?

In dem zweisemestrigen Seminar wollen wir, ausgehend von technologischen Entwicklungen, die Filmgeschichte nach Inhalten von Schwarz/Weißfilmen untersuchen, die sowohl stil- als auch genreprägend bis heute in die Formsprache des Mediums hinein wirken. Es scheint kein Zufall, dass die 1920er Jahre sowohl inhaltlich als auch formell äußerst modern erscheinen (Babylon Berlin) und Filme wie Roma und The lighthouse auch wirtschaftlich erfolgreich sein können. Liegt das an der Form der Bildwiedergabe, also farblos, oder führen andere Gründe immer wieder zu temporärer Renaissance der schwarz/weiß-Filmfotografie? Wir werden über Technologie, Ästhetik, Wahrnehmung, Politik, Ökonomie, Grafik, Philosophie und Kunstgeschichte sprechen und alle anderen Faktoren, die in diesem Kontext von Bedeutung sind. Welche Fragen führen Künstler immer wieder zurück zur schwarz/weiß Bildwiedergabe und ist es egal, ob es dabei um analoge oder digitale Bildaufzeichnung geht?

In dem zweisemestrigen Seminar wollen wir, ausgehend von technologischen Entwicklungen, die Filmgeschichte nach Inhalten von schwarz/weiß-Filmen untersuchen, die sowohl stil- als auch genreprägend bis heute in die Formsprache des Mediums hinein wirken. Es scheint kein Zufall, dass die 1920er Jahre sowohl inhaltlich als auch formell heute modern erscheinen (Babylon Berlin) und zeitgenössische Filme wie Roma und The lighthouse auch wirtschaftlich erfolgreich sein können. Liegt das an der Form der Bildwiedergabe, also farblos, oder führen andere Gründe immer wieder zu temporärer Renaissance der schwarz/weiß-Filmfotografie? Wir werden über Technologie, Ästhetik, Wahrnehmung, Politik, Ökonomie, Grafik, Philosophie und Kunstgeschichte sprechen und alle anderen Faktoren, die in diesem Kontext von Bedeutung sind. Welche Fragen führen Künstler immer wieder zurück zur schwarz / weiß Bildwiedergabe und ist es egal, ob es dabei um analoge oder digitale Bildaufzeichnung geht? Im darauffolgenden SoSe 2026 werden wir über Farbe im Film sprechen und in zwei kurzen geblockten Seminaren praktische Aufzeichnungsverfahren und die finale Bearbeitung im Grading testen. Termine: 30.10./ 13.11. / 27.11. / 11.12. / 08.01. /22.01.

Die Zukunft ist nicht genug: In diesem Fachseminar lesen und analysieren wir jede Woche einen Science-Fiction-Text, wobei wir uns allerdings nicht auf eine Inventarisierung erwartbarer Motive und Tropes begrenzen wollen. Wir wollen stattdessen drei Sachen. Erstens: Verstehen, mit welchen narrativen Techniken verschiedene SF-Welten konstruiert werden. Zweitens: Ideologiekritisch herausarbeiten, welche Ideen und Konzepten in die Logiken dieser Welten eingeschrieben sind. Und drittens: Schauen, was wir von all dem für unser eigenes Zeug gebrauchen können. Das Seminar ist als Einstieg in die SF gedacht. Das heißt, wir widmen uns einer recht großen Bandbreite an SF-Texten der letzten 200 Jahre. Begleitet werden diese Lektüren von einigen wenigen Theorietexten. Wenn der Wunsch besteht, können auch einzelne Sitzungen genutzt werden, um SF-Texte der Studierenden in einem Werkstattformat zu besprechen. Als Expert*innen werden Dietmar Dath und Anja Kümmel zu Gast sein. Die genauen Tage ihrer Besuche stehen noch nicht fest. Sprache: Deutsch

Dies ist der zweite Teil des Seminars "Entwicklung von Stoffen anhand visueller Parameter - Diplom-Vorbereitung". Im Sommersemester 2025 haben wir Gäste und planen die „Layout-Drehs“. Wie entsteht ein filmischer Stoff? Was ist die „Keimzelle“ eines Films und welche Wege kann ihre Entwicklung nehmen? Wie weit reicht das Potential der „Idee“ und wo endet es? Welche Wechselwirkungen können zwischen Schreiben und Recherche - auch visueller Recherche - entstehen? Gibt es Möglichkeiten des Schreibens beim Drehen? Welches Potential bietet in dieser Hinsicht die Autoren-Kamera-Beziehung? Wir spekulieren anhand von Filmbeispielen über die möglichen Entstehungsweisen von Szenen oder ganzen Erzählungen. Gleichzeitig arbeiten wir an den konkreten Projekten und entwickeln im praktischen Teil (Sommersemester 2025) Stoffe für mögliche „Layout-Drehs“. Diese werden an Original Locations geprobt und gedreht. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen und visuellen Potentiale und erarbeiten mögliche Herangehensweisen. Anhand der konkreten szenischen Arbeit werfen wir immer einen Blick zurück aufs „Buch“ und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Es sollten sich zu Seminar-Beginn Regie-Kamera-Paarungen gefunden haben (nicht notwendigerweise die Kombination, die später den Diplomfilm drehen). Zwischen den einzelnen Terminen wird es Recherche- und Schreibaufgaben geben. This is the second part of the seminar Script development based on visual parameters - diploma preparation. This Summersemester 2025 we will have guests and plan the layout shoots. In this seminar, we would like to invite writer-directors and cinematographers to develop their graduation films over two semesters (Wintersemester 2024/2025 & Summersemester 2025) Under the term “visual writing”, we want to examine and try out various aspects of developing a film project. How is cinematic material created? What is the starting point of a film and which paths can its development take? How far does the potential of the “idea” extend? And where does it end? What interactions can arise between writing and research - including visual research? Are there possibilities for writing while filming? What potential does the author-camera relationship offer in this respect? With examples (screenplays, films, etc.), we speculate on how individual scenes as well as entire narratives were created. At the same time, we work on concrete projects and develop material for possible “layout shoots” which will be shot in the practical part (summer semester 2025). These will be rehearsed and filmed at original locations. Together, we analyze dramaturgical and visual potentials and develop possible approaches. Based on the concrete development and experiments, we always return to the screenplay and consider the various stages of cinematic creation as a reciprocal process. At the beginning of the seminar, we encourage director-camera pairs to form (these pairs do not necessarily have to shoot the graduation film together). During the semester we will work on, present and discuss research and writing exercises. Seminar language: German & English

Since every visual art project is both a timely process and progressively a collective one, most of your writing consists in conveying to other people your ideas and intentions. While you are developing a project, the challenge is to focus on your idea and, at the same time, to prepare every step in the production process, finding a common language with your team, other collaborating partners and yourself. Equally important is to understand what works and what is less effective when communicating your ideas. By showing and discussing your previous work, even if you don't feel very confident with the result, you can compare your initial intentions with the actual out-come and learn from it. This seminar is an ongoing framework to support and develop cinematic projects, no matter the format: from screenplays for fiction films (short and long), experimental works as well as series, XR works, etc. Besides giving you the possibility to present and discuss your projects, we will have in depth sessions concerning dramaturgy, (screen)writing in its relation to the visual work, and explore topics such as pitching, funding, working with producers and festivals.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

Konzeption, Produktion und Veröffentlichung einer kleinen, eigenständigen „Drucksache": Booklet, Zine, Faltblatt, Poster, Manifest, Schriftstück, Buch, Cover, Spickzettel, Flyer, Laufschrift u.v.a. Das Seminar ist ergänzend zum Fachseminar "Selfpublishing als poetische Praxis", aber auch offen für weitere Interessierte.  Self-publishing as poetic practice: DIY-compact Concept, production and publication of a small, independent "printed matter": booklet, zine, leaflet, poster, manifesto, document, book, cover, cheat sheet, flyer, ticker and much more. The seminar complements the specialist seminar "Self-publishing as poetic practice", but is also open to other interested participants.

Das Kompaktseminar richtet sich an alle Studierenden, die schon an einem Serienprojekt arbeiten oder aber eine Idee zu einer Serie haben und diese entwickeln wollen. Im Wintersemester wird die Film- und Serienmacherin Alice Gruia als Gastdozentin an der KHM die Studierenden bei ihren Serienprojekten unterstützen. Sie wird mit ihnen inhaltlich arbeiten, aber auch Einblicke in die Serienentwicklung, Strategien und in die Zusammenarbeit mit Sendern/Streamern geben, basierend auf den Erfahrungen bei der Realisierung ihrer Low-Budget-Serie Lu von Loser, die als Webserie anfing (1.Staffel) und als ZDF-Serie weitergeführt wurde (2. + 3.Staffel). An den Seminarterminen werden die Ideen der Teilnehmenden in der Gruppe besprochen. Es wird aber auch den Raum für intensive Einzelgespräche geben. Zwischen den Terminblöcken haben die Teilnehmer*innen Zeit mit dem Feedback weiter an ihren Stoffen zu arbeiten. Ziel des Seminars ist es, die Serienideen so weiterzuentwickeln, dass sie ein Stadium erreichen, mit dem man an Sender, Streamer oder Produktionsfirmen herantreten kann. Das Seminar besteht aus zwei Blöcken von zwei ganzen Tagen und einem viertägigen Block in den Kompaktwochen: Freitag 07. + Samstag 08. November 2025 (0.18/0.19) Freitag 05. + Samstag 06. Dezember 2025 (0.18/0.19) Montag 02. bis Donnerstag 05. Februar 2026 (2.23, Heumarkt 14) Auch die Studierenden, die am RTL+ Storytellers-Serien-Wettbewerb 2026 teilnehmen möchten, können ihre Ideen im Seminar gezielt für diese Einreichung weiterentwickeln: https://media.rtl.com/meldung/Der-Storytellers-Wettbewerb Der „KickOff“-Termin, an dem die Redakteur*innen von RTL ihr Storytellersprogramm an der KHM vorstellen, wird voraussichtlich am 28.10.2025 um 17.00 Uhr (Raum 0.18/0.19) stattfinden. Alice Gruia wird auch dabei sein. Series Lab with Alice Gruia This compact seminar is aimed at all students who are already working on a series project or have an idea for a series and would like to develop it further. In the winter semester, filmmaker and series creator Alice Gruia will be a guest lecturer at KHM, supporting students with their series projects. She will work with the students on individual ideas, but also provide insights into series development, strategies, and collaboration with broadcasters/streamers. These insights are based on her experience with the production of her low-budget series Lu von Loser, which began as a web series (season 1) and was continued as a ZDF series (seasons 2 and 3). During the seminar sessions, participants’ ideas will be discussed in the group. There will also be room for in-depth one-on-one discussions. Between the seminar blocks, participants will have time to further develop their material based on feedback. The aim of the seminar is to develop the series ideas so that these can be pitched to broadcasters, streamers, or production companies. The seminar consists of two blocks of two full days each and a four-day block during the compact week: Friday, November 7 + Saturday, November 8, 2025 (0.18/0.19) Friday, December 5 + Saturday, December 6, 2025 (0.18/0.19) Monday, February 2 to Thursday, February 5, 2026 (2.23, Heumarkt 14) Students who would like to participate in the RTL+ Storytellers Series Competition 2026 can also use the seminar to further develop their ideas specifically for this submission: https://media.rtl.com/meldung/Der-Storytellers-Wettbewerb The kickoff event, at which editors of RTL will present their Storytellers program at KHM, is expected to take place on October 28, 2025, at 5:00 p.m. (room 0.18/0.19). Alice Gruia will also be present. Seminar language: German and English

Shakespeare lived and wrote on the cusp of the idea of Europe. He not only chronicled this historical development, but through historical antecedents and other tropes, he warned us about it. We will use adaptations of his plays on film to examine his warnings. Topics covered will include anti-semitism, anti-blackness, Islamophia, and the notion of soveignty. Students will keep a journal reflecting on the idea of Europe through Shakespeare and its continuing impact to day. Plays include Othello, the Merchant of Venice, and Henry the 4th, I and II.

In this seminar we will view and listen to Shakespeare and Samuel Beckett as the transversal beginning and end of the project of sovereignty. We will pay attention to the way film versions of Shakespeare foreground the transversal against the sovereign, and the way contextual staging of Beckett, especially Waiting for Godot do the same. Attention will be paid to the emerging logics of race in Shakespeare and the ordering of gender and sexuality. In Beckett, we will pick up these logics centuries later. We will consider the African Grove Theatre, a Black-run theatre started in New York in 1821 featuring all Black productions. We will read the work of Ayanna Thompson and Errol Hill, among others.

This seminar explores how Shakespeare’s unruly worldview was put at the service of the British imperial state over the subsequent centuries, starting with the regulation of the English language itself in the wake of Shakespeare’s English polyglotism. It will also explore the changing perceptions of race and racism as portrayed by Shakespeare, especially through the work of Farah Karim-Cooper. How did Shakespeare’s anarchic warnings against sovereignty’s claims, including its consequences for the emerging racial regime, get redirected into advice to the prince? This will be our central question in the seminar. We will use film versions (subtitled where possible) to explore several of his plays and ask this question.

Das Internet ist ein Hyperobjekt (Morton, 2013), eine Entität, die so allumfassend und alles verzehrend ist, dass es für uns als Individuen fast unmöglich ist, sie wahrzunehmen. Nichtsdestotrotz prägt es unser Leben; es definiert die Informationen, auf die wir zugreifen können, die Bilder, die wir sehen, die Dinge, die wir kaufen, die Orte, an die wir gehen, unsere persönliche und berufliche Kommunikation usw. Wie können wir uns bewusst werden, dass diese allgegenwärtigen Netzwerke unsere Realität täglich neu konfigurieren und produzieren? Wie können wir eine Sensibilität für ein System entwickeln, in das wir komplett integriert sind und oft vergessen, dass es überhaupt existiert? In diesem Seminar nähern wir uns dem überwältigenden Ganzen an, indem wir es in eine Reihe seiner konstitutiven Elemente zerlegen und verschiedene Perspektiven einnehmen. - Technisch: Was sind die Protokolle, die den Datenfluss und -austausch unterstützen? - Physisch: Was ist die Offline-Infrastruktur, die die Online- Kommunikation ermöglicht? - Politisch: Welche Mächte kontrollieren, steuern und regeln, was im digitalen Raum geschieht? - Gesellschaftlich: Wie verändern und entwickeln sich unsere Art des Zusammenseins und unsere Erkenntnisprozesse durch unsere vernetzte Existenz? - Künstlerisch: Welche Ästhetiken, Metaphern und Analogien bilden sich heraus und wie manifestieren sich diese reziprok wiederum in Netzwerktechnologien, Infrastrukturen und Anwendungen?

Das Internet ist ein Hyperobjekt (Morton, 2013), eine Entität, die so allumfassend und alles verzehrend ist, dass es für uns als Individuen fast unmöglich ist, sie wahrzunehmen. Nichtsdestotrotz prägt es unser Leben; es definiert die Informationen, auf die wir zugreifen können, die Bilder, die wir sehen, die Dinge, die wir kaufen, die Orte, an die wir gehen, unsere persönliche und berufliche Kommunikation usw. Wie können wir uns bewusst werden, dass diese allgegenwärtigen Netzwerke unsere Realität täglich neu konfigurieren und produzieren? Wie können wir eine Sensibilität für ein System entwickeln, in das wir komplett integriert sind und oft vergessen, dass es überhaupt existiert? In diesem Seminar nähern wir uns dem überwältigenden Ganzen an, indem wir es in eine Reihe seiner konstitutiven Elemente zerlegen und verschiedene Perspektiven einnehmen. − Technisch: Was sind die Protokolle, die den Datenfluss und -austausch unterstützen? − Physisch: Was ist die Offline-Infrastruktur, die die Online-Kommunikation ermöglicht? − Politisch: Welche Mächte kontrollieren, steuern und regeln, was im digitalen Raum geschieht? − Gesellschaftlich: Wie verändern und entwickeln sich unsere Art des Zusammenseins und unsere Erkenntnisprozesse durch unsere vernetzte Existenz? − Künstlerisch: Welche Ästhetiken, Metaphern und Analogien bilden sich heraus und wie manifestieren sich diese reziprok wiederum in Netzwerktechnologien, Infrastrukturen und Anwendungen?

Das Seminar besteht aus zwei Terminen am 9. Mai und am 4. Juli jeweils um 17 Uhr in Raum 0.18/0.19 und einer Probe am Tag vor dem Showcase vor Ort, voraussichtlich dem Cinenova-Kino.
 Die "Kunst des Pitchens" ist eine Schlüsselkompetenz für alle, die auf der Suche nach Partnern für die Realisierung und Finanzierung ihrer filmischen Projekte sind. Die Aufgabe: Wie kann ich in sechs Minuten Menschen davon überzeugen, dass sie mein Filmprojekt finanzieren oder co-produzieren möchten? Gleichzeitig ist die Entwicklung des Pitches auch eine Chance, sein eigenes Verhältnis zum Stoff, die Motivation und die Dramaturgie zu überprüfen und zu entwickeln.

Im Herbst 2022 findet das Showcase statt – die alljährliche Fachveranstaltung der Film- und Medienbranche der KHM. Neben einem umfangreichen Film-Programm haben Studierende der KHM die Möglichkeit, ihre Diplom- oder Debütfilm-Ideen (nur Langfilmstoffe) der versammelten Fachöffentlichkeit zu präsentieren. Um schon frühzeitig auf die Veranstaltung vorzubereiten und gleichzeitig die Ideen zu prüfen und zu testen, bieten wir dieses Seminar an. Für den Fall, dass es mehr Einreichungen gibt, als der zeitliche Rahmen der Präsentation dies erlaubt, wählen wir am Ende des Semesters die Projekte für den Showcase-Pitch aus. Voraussetzung für die Teilnahme am Showcase-Pitch ist ein entwickelter Langfilmstoff für den bis Mitte Juni ein Treatment von max. 12 Seiten (fiktional) bzw. 7 Seiten (dokumentarisch) vorliegt. 

Das Seminar besteht aus zwei Terminen am 8. Mai und am 3. Juli ab 17 Uhr und einer Probe am Tag vor dem Showcase vor Ort, voraussichtlich dem Cinenova-Kino. Die "Kunst des Pitchens" ist eine Schlüsselkompetenz für alle, die auf der Suche nach Partnern für die Realisierung und Finanzierung ihrer filmischen Projekte sind. Die Aufgabe: Wie kann ich in sechs Minuten Menschen davon überzeugen, dass sie mein Filmprojekt finanzieren oder co-produzieren möchten? Gleichzeitig ist die Entwicklung des Pitches auch eine Chance, sein eigenes Verhältnis zum Stoff, die Motivation und die Dramaturgie zu überprüfen und zu entwickeln. Im Herbst 2023 findet das Showcase statt – die alljährliche Fachveranstaltung der Film- und Medienbranche der KHM. Neben einem umfangreichen Film-Programm haben Studierende der KHM die Möglichkeit, ihre Diplom oder Debütfilm-Ideen (nur Langfilm- oder Serienstoffe) der versammelten Fachöffentlichkeit zu präsentieren. Um schon frühzeitig auf die Veranstaltung vorzubereiten und gleichzeitig die Ideen zu prüfen und zu testen, bieten wir dieses Seminar an. Für den Fall, dass es mehr Einreichungen gibt, als der zeitliche Rahmen der Präsentation dies erlaubt, wählen wir am Ende des Semesters die Projekte für den Showcase-Pitch aus. Für Hauptstudium, Diplom 2 Studierende und für KHM-Absolvent*innen der Jahre 2021, 2022  und 2023. The seminar consists of two dates on May 8 and July 3 starting at 5pm and a rehearsal the day before the showcase on location, probably the Cinenova cinema. The "art of pitching" is a key skill for anyone looking for partners to realize and finance their cinematic projects. The task: How can I convince people in six minutes that they would like to finance or co-produce my film project? At the same time, developing the pitch is also a chance to examine and develop one's own relationship to the material, motivation and dramaturgy. In the fall of 2023, the Showcase will take place - KHM's annual professional event for the film and media industry. In addition to an extensive film program, KHM students will have the opportunity to present their thesis or debut film ideas (feature-length or series material only) to the assembled professional audience. In order to prepare early for the event and at the same time to check and test the ideas, we offer this seminar. In the event that there are more submissions than the presentation time frame allows, we will select projects for the showcase pitch at the end of the semester. For majors, diploma 2 students and for KHM graduates* of 2021, 2022 and 2023.

Das Seminar besteht aus zwei Terminen am 6. Mai und am 24. Juni jeweils um 17 Uhr an der KHM und einer Probe am Tag vor dem Showcase vor Ort, voraussichtlich dem Cinenova-Kino.
 Die "Kunst des Pitchens" ist eine Schlüsselkompetenz für alle, die auf der Suche nach Partnern für die Realisierung und Finanzierung ihrer filmischen Projekte sind. Die Aufgabe: Wie kann ich in sechs Minuten Menschen davon überzeugen, dass sie mein Filmprojekt finanzieren oder co-produzieren möchten? Gleichzeitig ist die Entwicklung des Pitches auch eine Chance, sein eigenes Verhältnis zum Stoff, die Motivation und die Dramaturgie zu überprüfen und zu entwickeln.

 Im Herbst 2024 findet das Showcase statt – die alljährliche Fachveranstaltung der Film- und Medienbranche der KHM. Neben einem umfangreichen Film-Programm haben Studierende der KHM die Möglichkeit, ihre Diplom- oder Debütfilm-Ideen (nur Langfilm- oder Serienstoffe) der versammelten Fachöffentlichkeit zu präsentieren. Um schon frühzeitig auf die Veranstaltung vorzubereiten und gleichzeitig die Ideen zu prüfen und zu testen, bieten wir dieses Seminar an. Für den Fall, dass es mehr Einreichungen gibt, als der zeitliche Rahmen der Präsentation dies erlaubt, wählen wir am Ende des Semesters die Projekte für den Showcase-Pitch aus. Voraussetzung für die Teilnahme am Showcase-Pitch ist ein entwickelter Langfilm-/Serienstoff für den bis Mitte Juni ein Treatment von max. 12 Seiten (fiktional) bzw. 7 Seiten (dokumentarisch) vorliegt. 

Die "Kunst des Pitchens" ist eine Schlüsselkompetenz für alle, die auf der Suche nach Partnern für die Realisierung und Finanzierung ihrer filmischen Projekte sind. Die Aufgabe: Wie kann ich in sechs Minuten Menschen davon überzeugen, dass sie mein Filmprojekt finanzieren oder co-produzieren möchten? Gleichzeitig ist die Entwicklung des Pitches auch eine Chance, sein eigenes Verhältnis zum Stoff, die Motivation und die Dramaturgie zu überprüfen und zu entwickeln. Im Herbst 2025 findet das Showcase statt – die alljährliche Fachveranstaltung der Film- und Medienbranche der KHM. Neben einem umfangreichen Film-Programm haben Studierende der KHM die Möglichkeit, ihre Diplom- oder Debütfilm-Ideen (nur Langfilm- oder Serienstoffe) der versammelten Fachöffentlichkeit zu präsentieren. Um schon frühzeitig auf die Veranstaltung vorzubereiten und gleichzeitig die Ideen zu prüfen und zu testen, bieten wir dieses Seminar an. Für den Fall, dass es mehr Einreichungen gibt, als der zeitliche Rahmen der Präsentation dies erlaubt, wählen wir am Ende des Semesters die Projekte für den Showcase-Pitch aus.

Für Hauptstudium und weiterqualifizierende Studien und für KHM-Absolvent*innen der Jahre 2024, 2025 und 2026 Das Seminar besteht aus zwei Terminen am 4. Mai und am 22. Juni jeweils um 17 Uhr in Raum 0.18/0.19, an denen alle Teilnehmenden einen 6-minütigen Test-Pitch ihres Stoffes präsentieren und Feedback bekom-men, und einer Probe am Tag vor dem Showcase vor Ort, voraussichtlich dem Cinenova-Kino. Anmeldung bis zum 30.04.2026 Die "Kunst des Pitchens" ist eine Schlüsselkompetenz für alle, die auf der Suche nach Partnern für die Reali-sierung und Finanzierung ihrer filmischen Projekte sind. Die Aufgabe: Wie kann ich in sechs Minuten Men-schen davon überzeugen, dass sie mein Filmprojekt finanzieren oder co-produzieren möchten? Gleichzeitig ist die Entwicklung des Pitches auch eine Chance, sein eigenes Verhältnis zum Stoff, die Motivation und die Dramaturgie zu überprüfen und zu entwickeln. Im Herbst 2026 findet das Showcase statt – die alljährliche Fachveranstaltung der Film- und Medienbranche der KHM. Neben einem umfangreichen Film-Programm haben Studierende der KHM die Möglichkeit, ihre Diplom- oder Debütfilm-Ideen (nur Langfilm- oder Serienstoffe) der versammelten Fachöffentlichkeit zu präsentieren. Um schon frühzeitig auf die Veranstaltung vorzubereiten und gleichzeitig die Ideen zu prüfen und zu testen, bieten wir dieses Seminar an. Für den Fall, dass es mehr Einreichungen gibt, als der zeitliche Rahmen der Präsentation dies erlaubt, wählen wir am Ende des Semesters die Projekte für den Showcase-Pitch aus. Voraussetzung für die Teilnahme am Showcase-Pitch ist ein entwickelter Langfilm-/Serienstoff für den bis Mitte Juni ein Treatment von max. 12 Seiten (fiktional) bzw. 7 Seiten (dokumentarisch) vorliegt. Bitte schickt Eure Anmeldung mit einer aussagekräftigen Skizze des Diplom- oder Debütfilm-Projektes auf maximal einer Seite bis zum 30. April 2026 an tom.uhlenbruck@khm.de .

Was erwartet dich? Praxisnahe Inhalte anhand realer Fallbeispiele, wie u.a. zu Gefährdungsbeurteilungen und Notfallmanagement im Falle eines Vorfalls, Überprüfung von Sicherheit bei szenischen Darstellungen. Ziel ist es, ein Verständnis für potenzielle Gefahren und dem Ergreifen von Maßnahmen zur Risikoreduzierung zu entwicklen, beispielsweise mit Hilfe eines Stuntkoordinatoren. Egal ob Film im Studium oder große Filmproduktion – Arbeitsschutz ist ein wesentlicher Bestandteil jeder erfolgreichen Produktion. Mit dieser Ausbildung bist du optimal vorbereitet, um Sicherheit und Professionalität auf deinen Sets zu gewährleisten. Die Ausbildung zum Sicherheitsbeauftragten ist nicht nur eine wertvolle Ergänzung zu deinem Studium an der KHM, sondern auch ein entscheidender Vorteil für deine berufliche Zukunft in der Filmindustrie. What can you expect? Practical content based on real case studies, such as risk assessments and emergency management in the event of an incident, safety checks for staged performances. The aim is to develop an understanding of potential dangers and how to take measures to minimise risks, for example with the help of a stunt coordinator. Whether you are studying film or working on a major film production, health and safety is an essential part of any successful production. With this training, you are optimally prepared to ensure safety and professionalism on your sets. Training as a safety officer is not only a valuable addition to your studies at the KHM, but also a decisive advantage for your future career in the film industry.

In diesem Seminar mit vier Titeln wollen wir an drei langen Wochenenden sozusagen vertikal in die Stadt eintauchen. Einzige Aufgabe dieser Reise: dort hin gelangen, wo wir uns nicht mehr zu Hause fühlen. Zu Orten und Menschen, die uns fremd sind. Dafür braucht es Zugewandtheit, unbefangene Neugier und die Überwindung von sozialen Ängsten. Ziel ist es, Orte, Menschen und Geschichten für filmische Erzählungen zu finden, die die eigenen Geschichten perspektivisch erweitern. Dieses Seminar richtet sich ausdrücklich an Studierende aller gesellschaftlichen Klassen, an alle, die Lust haben, die eigenen Gewissheiten für ein paar Tage hinter sich zu lassen. During the three weekends of this fourtitled seminar we want to dive somewhat vertically into town. The only challenge on this journey: entering spaces where we don’t feel at home anymore. Meeting places and people who are foreign to us. This enterprise requires devotion, impartial curiosity and the overcoming of social fears. We aim to find places, people and stories which widen our own storyttelling by adding formerly unknown perspectives. This seminar addresses explicitly students of all classes. Everyone is welcome who is willing to leave their own certainties behind for a few days.

EN Social Class. Exercises in Radical Honesty In recent years, questions of identity have rightly taken centre stage in critical discourse within the art world. Yet one axis of inequality has remained curiously under-explored: class. Where do we come from? How has our social background shaped the way we create, curate and think about art? What would it mean to honestly reckon with that? In this seminar, we will examine the structural inequalities within the art system and turn the spotlight on ourselves in the process. We will explore our own class backgrounds and consider how this self-awareness could inform more thoughtful artistic and curatorial practices. Together, we will develop concrete ideas for a fairer art system, considering whether class could provide an unexpected source of solidarity that transcends deep divisions based on identity. The seminar combines reading and discussion with workshops and guest contributions. Participants will be asked to actively co-create the seminar, shaping its direction, questions and format as the course unfolds. A field trip to Cologne's wealthiest neighbourhood, Marienburg, is also planned. Selected Literature : Büttner, Andrea: Shame . Koenig Books & KW, 2024. Butterwegge, Christoph: Umverteilung des Reichtums . PapyRossa, Köln, 2024. Friedrichs, Julia: Wir Erben. Was Geld mit Menschen macht . Berlin Verlag, Berlin, 2015. Herbert, Martin: " What Does Rich-Kid Art Look Like? " ArtReview , 2022. https://artreview.com/what-does-rich-kid-art-look-like/ Herrmann, Ulrike: Hurra, wir dürfen zahlen. Der Selbstbetrug der Mittelschicht . Westend Verlag, Frankfurt am Main, 2010. Hobrack, Marlen: Klassenbeste. Wie Herkunft unsere Gesellschaft spaltet . Hanser Berlin, 2022. Hoeder, Giani-Sophia: Vom Tellerwäscher zum Tellerwäscher. Die Lüge von der Chancengleichheit . hanserblau, 2024. Linartas, Martyna: Unverdiente Ungleichheit. Wie der Weg aus der Erbengesellschaft gelingen kann . Rowohlt, Hamburg, 2025. Salle Grégory, Superyachten. Luxus und Stille im Kapitalozän . Suhrkamp, 2022. Sauer, Hanno: Klasse. Die Entstehung von Oben und Unten . Piper, 2025. Uwagba, Otegha: We Need to Talk About Money . 4th Estate, London, 2021. DE Soziale Klasse. Übungen in radikaler Ehrlichkeit In den letzten Jahren haben Fragen der Identität zurecht das Zentrum des kritischen Diskurses in der Kunstwelt eingenommen. Dennoch ist eine Dimension der Ungleichheit erstaunlich wenig beleuchtet geblieben: die soziale Klasse. Woher kommen wir? Wie hat unsere soziale Herkunft die Art und Weise geprägt, wie wir Kunst machen, kuratieren und über Kunst nachdenken? Und was würde es bedeuten, sich damit wirklich ehrlich auseinanderzusetzen? In diesem Seminar untersuchen wir strukturelle Ungleichheiten im Kunstsystem und richten dabei auch den Blick auf uns selbst. Wir erkunden unsere eigenen Klassenhintergründe und erörtern, wie dieses Wissen zu bewussteren künstlerischen und kuratorischen Praktiken beitragen kann. Gemeinsam wollen wir konkrete Ideen für ein gerechteres Kunstsystem entwickeln und der Frage nachgehen, ob Klasse in einem Moment tiefer Spaltungen entlang von Identitätslinien auch eine unerwartete Ressource für Solidarität sein kann, die über diese Trennlinien hinausreicht. Das Seminar verbindet Lektüre und Diskussion mit Workshops und Gastbeiträgen. Die Teilnehmenden sind eingeladen, das Seminar aktiv mitzugestalten – gemeinsam seine Richtung, Fragen und Form zu prägen, während es sich entfaltet. Geplant ist auch eine Exkursion nach Marienburg, dem wohlhabendsten Stadtviertel Kölns. Ausgewählte Literatur: Büttner, Andrea: Shame . Koenig Books & KW, 2024. Butterwegge, Christoph: Umverteilung des Reichtums . PapyRossa, Köln, 2024. Friedrichs, Julia: Wir Erben. Was Geld mit Menschen macht . Berlin Verlag, Berlin, 2015. Herbert, Martin: „ What Does Rich-Kid Art Look Like? ” In: ArtReview, 2022. Online abrufbar unter: https://artreview.com/what-does-rich-kid-art-look-like/ Herrmann, Ulrike: Hurra, wir dürfen zahlen. Der Selbstbetrug der Mittelschicht . Westend Verlag, Frankfurt am Main, 2010. Hobrack, Marlen: Klassenbeste. Wie Herkunft unsere Gesellschaft spaltet . Hanser Berlin, 2022. Hoeder, Giani-Sophia: Vom Tellerwäscher zum Tellerwäscher. Die Lüge von der Chancengleichheit . Hanserblau, 2024. Linartas, Martyna: Unverdiente Ungleichheit. Wie der Weg aus der Erbengesellschaft gelingen kann . Rowohlt, Hamburg, 2025. Salle Grégory, Superyachten. Luxus und Stille im Kapitalozän . Suhrkamp, 2022. Sauer, Hanno: Klasse. Die Entstehung von Oben und Unten . Piper, 2025. Uwagba, Otegha: We Need to Talk About Money . 4th Estate, London, 2021.

Ob die zum Leben erweckte antike Skulptur Galatea aus Ovids „Metamorphosen“, dem Arbeiterroboter aus dem Theaterstück „R.U.R.“ von Karel Capek aus dem Jahr 1920 oder der solarbetriebenen Androidin Klara aus dem jüngsten Roman des japanischen Schriftstellers Kazuo Ishiguro, schon immer erregen Fantasien über humanoide Maschinen unsere Gesellschaftsutopien. Dabei sind Roboter mit kognitiven und sozialen Kompetenzen keine reinen Hirngespinste der Science Fiction Literatur. Tatsächlich sind ortsflexible, sensomotorische Robotersysteme schon längst fester Bestandteil unserer Lebenswelt geworden. Sei es in Form von teilautonomen Industrierobotern in der Fertigungs- und Agrarindustrie oder mit künstlichen Emotionen, Tast- und Feinsinn ausgestatteten Spielzeug-, Pflege- und Sexrobotern im privaten Bereich. Sie begegnen uns weltweit in unterschiedlichen kulturellen Kontexten und in immer mehr verschiedenen Größen und Gestalten, die zuweilen weniger an Menschen als vielmehr an Tiere oder gar Cartoons erinnern. Neben Hardwarerobotern, etwa in Form von Service-, Sicherheits- und Kampfrobotern werden inzwischen auch Softwaresysteme wie etwa Chatbots zu den sozialen Robotern gezählt. Diese Entwicklungen stellen uns vor weitreichende Fragestellungen. Wie verändert der Umgang mit vernetzten sozialen Robotersystemen unsere Kommunikation und unser Verhalten? Welche Folgen für unsere Wert- und Normvorstellungen ergeben sich daraus? Was bedeutet diese Hybridisierung von Sozialität für das Selbstverständnis des Menschen? Welche Theorien können uns diesen Wandel erklären? Fragen dieser Art betreffen im Kern eine globale sozio-technische Neukonfiguration von Menschlichkeit, Politik und Gesellschaft auf die konventionelle Theorien bisher jedenfalls nur unzureichende Erklärungen gefunden haben. Im Seminar wollen wir aus einer experimentell orientierten künstlerisch-wissenschaftlichen Perspektive tentative Antworten auf diese Fragestellungen entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich soziale Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Zudem wollen wir klären, ob und wie wir das Handeln sozialer Roboter qualifizieren können. Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Arbeitswelt, Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen auch alternative Visionen einer transformativen Roboterpolitik im Zentrum der Diskussion.

Social spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Die Grundlage, der Ursprung eines jeden Films ist die Qualität einer Idee, die in der Lage ist, einen Film zu tragen. Das Seminar erstreckt sich von der Ideenfindung bis hin zur finalen Umsetzung/Realisation eines spots. Dabei werden alle relevanten Bereiche des Films ausgiebig diskutiert und beleuchtet. - Idee/Geschichte - Regie - Schauspielführung - Casting - Ausstattung - Kamera - Styling - Props - Storyboard - Licht und grading - Schnitt - Postproduktion Im Sommersemester 2026 lautet das Thema „Hambacher Forst. Der Klimawandel wartet nicht“, eine Kooperation mit dem NABU. Der Hambacher Forst , der durch den Braunkohletagebau fast vollständig zerstört wurde, ist zu einem Symbol des Widerstands gegen Kohleabbau und Klimaschutz geworden.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2026. Es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maße die Qualität eines Films. --- Social spots are a distinct art form. They work through emotion, storytelling, visuals, and unusual perspectives. They are short films that function according to the same principles as feature films. This seminar is a continuation of the summer semester 2026 course. Various rough cuts and final cuts of the concepts filmed during the summer semester will be discussed and developed. Editing, as a central component of filmmaking, influences a film's impact in a variety of ways. The varying lengths, narrative rhythm, and the interplay between image and sound significantly determine a film's quality.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2021 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maß die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfilms funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2022 und es werden unterschiedliche Rohschnitt- und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maß die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2023 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maße die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2024 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maße die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2025 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maße die Qualität eines Films.

Wie kann Sanftheit grundlegend für Demokratie werden? Wie kann Aktivismus als Zartheit verstanden werden? Lässt sich ein Zusammenleben ausgehend von Sanftheit denken? Was wäre eine zarte Bürger*innenschaft? Und wie lässt sich Liebe und Sanftheit so verstehen, dass sie nicht mehr an romantische Zweisamkeit erinnert, sondern an Widerständigkeit gegen Gewalt, an Ermächtigung und Emanzipation, an wechselseitige Verbundenheit und die Achtsamkeit gegenüber Verletzbarkeiten? How can softness become fundamental to democracy? How can activism be understood as tenderness? Is it possible to think of coexistence starting from love? What would a tender citizenship be? And how can love and softness be understood in such a way that it no longer reminds of romantic togetherness, but of resistance against violence, of empowerment and emancipation, of mutual connectedness and attentiveness to vulnerabilities? Possible Literature: Kike España, Die sanfte Stadt , Wien u.a. 2021. Sabine Hark, Gemeinschaft der Ungewählten. Umrisse eines politischen Ethos der Kohabitation, Berlin 2021 bell hooks, All about love , New York 2000. Gerald Raunig, Ungefüge. Maschinischer Kapitalismus und molekulare Revolution, Wien u.a. 2021. Lauren Berlant, Michael Hardt, „ No one is sovereign in love. A conversation ”, 2019, http://coalition.org.mk/archives/646?lang=en

Ohne Sorge keine Liebe, keine Arbeit, keine Freude, keine Kunst, kein Leben. Die Gegenwart aus der Perspektive translokaler Sorgearbeit und transversaler Sorgebeziehungen zu betrachten, heißt einen vielschichtigen, weitreichenden Gegensatz hervorzukehren: Wenig steht der kapitalistischen Logik dermaßen stark entgegen, wie die vielfältigen Schichten der Sorge. Gerahmt von queer-feministischen Diskursen zu Reproduktion, den militanten Untersuchungen zu Sorgebeziehungen, den internationalen Sorge-Streikbewegungen sowie Fragen danach, wie Infrastrukturen der Sorge in städtischen Nachbarschaften und im Plattformkapitalismus funktionieren und was die aktuell diskutierten „Medien der Sorge“ sind, unternimmt dieses Seminar eine Reise durch queer-feministische, aktivistische und theoretische Räume gegenwärtiger Ökologien der Sorge.

Erster Termin 06.04.2022, verpflichtender Termin /obligatory date Bei den Begriffen Care, Fürsorge und Sorgearbeit denken viele Menschen an Kinderbetreuung, die Pflege alter und kranker Menschen oder Hausarbeit. Sorgearbeit, die in trans und nicht-binären Räumen geleistet wird und die über familiäre oder medizinische Fürsorge hinausweist, wird selten in den Blick genommen. Dieses Grundseminar befasst sich damit, wie Sorge jenseits heteronormativer Zweigeschlechtlichkeit praktiziert und theoretisiert wird und wie eine Perspektive auf nicht-binäre queere und trans Sorgepraxen zu radikalen Analysen von kapitalistischen Verhältnissen und zu neuen demokratischen Praxen führen. Und wir fragen, wie wechselseitiges Sorgen und der Fokus auf Abhängigkeiten mit aktivistischen kollektiven Versorgungspraxen beispielsweise in den Social Clinics der 2010er Jahre in Griechenland korrespondieren. When people hear the terms care, caring, and care work, they think of childcare, caring for the elderly and sick, or housework. Care work that is done in trans and non-binary spaces and that goes beyond family or medical care is rarely considered. This basic seminar looks at how care is practiced and theorized beyond heteronormative gender binary and how a perspective on non-binary queer and trans care practices can lead to radical analyses of capitalist conditions and to new democratic practices. And we ask how mutual caring and a focus on interdependency correspond with activist collective care practices in, for example, the social clinics of the 2010s in Greece. Heath CABOT (2016), "'Contagious' Solidarity: Reconfiguring Care and Citizenship in Greek's social clinics”, Social Anthropology 24:2, 151-166. Jules Joanne GLEESON, Elle O’ROURKE (eds.) (2021), Transgender Marxism, London. Hil MALATINO (2020), Trans Care, Minneapolis, London. Martin F. MANALANSAN IV (2008), "Queering the Chain of Care Paradigm", http://sfonline.barnard.edu/immigration/print_manalansan.htm. Alan SEARS (2016), "Situating sexuality in social reproduction", Historical Materialism, 24(2), 138-163. Francis SEECK (2021), Care trans_formieren. Eine ethnographische Studie zu trans und nicht-binärer Sorgearbeit, Bielefeld.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet in jedem Sommersemester statt.

Das Verlassen der definierten und geschützten Umgebungen von Konzertraum und Galerie legt ein disruptives Potential von sound frei, das andere Möglichkeitsräume künstlerischer, aber auch politischer Agency herausfordert, sowohl für die Einzelne/ den Einzelnen als auch im Kollektiv und nicht unbedingt mit Lautstärke verbunden sein muss. In den Worten des Musikjournalisten Andreas Fellinger: "Werft sound ins Getriebe!" Das Seminar ist ein Feldversuch für verschiedenste Strategien von sonic interventions und mündet (möglicherweise) in eine gemeinsame Aktion zum 1.000.060sten arts birthday am Dienstag, 17.01.2023.

Klang in Installationen kann auf vielfältige Weise entstehen: Streichen, Kratzen, Schlagen, Zupfen, Scharren, Blasen, Imaginieren – und manchmal auch aus Lautsprechern.  In diesem Seminar konzentrieren wir uns jedoch auf all jene Formen der Klangerzeugung, die  ohne  Lautsprecher auskommen. Stattdessen untersuchen wir, wie Klänge durch direkte mechanische Prozesse entstehen und durch Elektronik lediglich gesteuert, nicht verstärkt werden. Hilfsmittel sind dabei unter anderem Arduinos, Sensoren, Motoren... Das Seminar verbindet technische Grundlagen mit künstlerischer Forschung. Wir untersuchen den Klang als skulpturales Medium, beschäftigen uns mit Aspekten der auditiven Wahrnehmung und reflektieren die ästhetischen und konzeptuellen Möglichkeiten klangerzeugender Objekte im Raum. Auch der visuelle Ausdruck der entstehenden Arbeiten – ihre Form, Bewegung und Präsenz – wird Teil der Auseinandersetzung sein. Die Funde sollen in einer gemeinsamen Ausstellung im Januar präsentiert werden.  Sound in installations can be created in many different ways: Stroking, scratching, hitting, plucking, scraping, blowing, imagining - and sometimes also from loudspeakers.  In this seminar, however, we will focus on all those forms of sound production that do not require loudspeakers. Instead, we will examine how sounds are created through direct mechanical processes and are merely controlled, not amplified, by electronics. The tools used include Arduinos, sensors, motors, etc. The seminar combines technical basics with artistic research. We examine sound as a sculptural medium, deal with aspects of auditory perception and reflect on the aesthetic and conceptual possibilities of sound-generating objects in space. The visual expression of the resulting works - their form, movement and presence - will also be part of the discussion. The findings will be presented in a joint exhibition in January.  Im Seminar wird Deutsch und Englisch gesprochen The seminar will be in German and English.

Klang erzählt Geschichten: Nicht nur von menschlichen Akteuren, sondern auch von Dingen und nicht zuletzt von seiner eigenen Entstehung, seinem Vorübergehen und Verschwinden. Es gibt nichts Überraschenderes als die Begegnung von Literatur und Sound als in den vielen Formaten der akustischen Produktion, ob im Radio, in Performances (Live-Hörspiel, soundperformance) oder installativen Räumen. In diesem Seminar soll es um das Erkunden dieser medialen Möglichkeiten gehen und um die konkrete Entwicklung eigener Arbeiten – wir besuchen das Studio, sprechen im Wechsel mit Tonmeister*innen, Redakteur‘*innen, Regisseur*innen Performer*innen, hören hin, was Klangkunst und Literatur verbinden mag, und wie auch der kritische Blick mit der Selbstermächtigung einer ganzen Szene zusammenhängt. Am Ende sollte jede:r Teilnehmer:in eine eigene sound.story entwickelt und sendefertig produziert haben. Sprache: Deutsch, Teilnahme in Englisch möglich

The workshop I propose aims to evaluate the cinematic potential of sound, rarely explored to the last consequences of the construct. With care to avoid generalizations, I can say that most of the time the soundtrack in cinema remains or is actually reduced to an explanatory function, from the family of confirmations of the statements made by the image editing. This comes from various reasons. One of them, at least in Romania, seems to be the not at all privileged situation of the audio construction stage. Generally, after filming, in which the emphasis is most often placed on the needs of the image, without additional preparation of the sound recording conditions reduced to those of an acceptable dialogue recording, the questions related to sound end. Just as the editing and colorization will have ended. And the energy and interest and finances. Another reason seems to be the invasiveness of sound capture equipment in general. It cannot be denied that in the field of accessibility and diversification of audio recording instruments, be they microphones, recorders or audio monitors, consistent progress has been made, but this comes with a vulnerability, namely that of visibility and the function of disrupting the systems to be researched in the case of documentary film. In the case of fiction film, the facility of multi-channel audio recordings most often comes with the absence of a philosophy or aesthetics of the soundtrack and implicitly with a simplification of the role that sound has in the film. A third reason comes from the lack of appetite for listening to the soundscape that we inhabit, visit, experience every day. With headphones on, modern man replaces the exploration of the space he travels with loud music, podcasts or audiobooks, refusing to understand the role and causes of acoustics that have such a decisive effect on the way the individual is emotionally shaped. If we can't talk about finances because we don't have the skills, we could talk about everything else. And we could also invent a sound exercise that would start from recording, continue with editing, adding pre-recorded elements, preferably by students, to arrive at an audio narrative closely related to a frame that they choose from one of the films they've made. It sounds like a plan. In this seminar, we will explore the concepts of the house and the home through sound, listening closely how one becomes the other and where they diverge.  Zusätzliche Termine/additional meetings: Montag, 29.06.2026, 10:00 - 13:00 Tonstudio 29.06-02.07.2026: one-on-one meetings, consultation on editing and sound design of individual projects.

Im Seminar stehen soziale Interaktionen und multidirektionale Verhältnisse zwischen Lebensweisen und Umwelten im Fokus und die Frage, in welcher Weise Bündnisse, Formen der Affektivität auch in der Kunst Resonanz finden. In Zeiten eines drohenden ökologischen Kollapses erfordert dies einen erweiterten Blick auf die Commons, ihre Sorgeverhältnisse und das Zusammenwirken menschlicher und nicht-menschlicher Verbünde als mentale und soziale Ökologien. Inwiefern bei einer Auseinandersetzung von geo- und mikropolitischen Wirkweisen von Wissen und ihrer intersektionalen, post-/dekolonialen Kritik anderes, situiertes Wissen einbezogen wird, zeigen etwa die von Deborah Bird Rose beschriebene Figur des Shimmering, als von Sorge und Interdependenz geprägte Verhältnisse zwischen den Spezies. Als Reaktion auf extraktivistische Praktiken und von Klimabedingungen unwirtlich gemachte Umwelten, setzt Aymara-Aktivistin und Soziologin Silvia Rivera Cusicanquí auf relationale und spontane Weisen des Umgangs und Teilens der Commons; die Kulturwissenschaftlerin Suely Rolnik beschreibt Affektivität und mikropolitische Resonanzfähigkeit, Körper und Organismen als Reaktionen auf das kapitalistisch-koloniale Unbewusste. Im Seminar findet ein gemeinsamer Workshop in der Temporary Gallery mit dem greengrass-Kollektiv und der Künstlerin Alberta Whittle sowie weitere Exkursionen statt. Lektüren/Readings (u. a.): T. J. Demos/Emily Eliza Scott/Subhankar Banerjee (Hg.), The Routledge Companian to Contemporary Art, Visual Culture and Climate Change, New York 2021. Annika Haas/Maximilian Haas/Hanna Magauer/Dennis Pohl (Hg). How to relate: Wissen, Künste, Praktiken Bielefeld 2021. C Dengler/M Lang, “Commoning Care: Feminist Degrowth Visions for a Socio-Ecological Transformation”, in: Feminist Economics, 28/1 (2022), S. 1-28. Vera Hofmann/Johannes Euler/Linus Zurmühlen/Silke Helfrich (Hg.), Commoning Art. Die transformative Potenziale von Commons in der Kunst, Bielefeld 2022. Pablo Martínez/Emily Pethick (Hg.), Artistic ecologies new compasses and tools, London 2022. Anna Lowenhaupt Tsing/Heather Swanson/Elaine Gan/Nils Bubandt (Hg.), Arts of Living on a Damaged Planet, Minneapolis 2017. Susanne Witzgall (Hg.), Hybride Ökologien, Zürich 2019.

Experimental film has no fixed home. Its rootlessness has made it a nomadic genre that must seek out places and occupy them temporarily in order to make an appearance. As a marginalized form, it has developed a particular sensitivity for capturing unstable, peripheral and liminal zones, which are among its recurring themes. In contrast to feature film, locations here are not used as backdrops for a story—for instance, in terms of the social positioning of fictional characters—but are instead surveyed as autonomous spheres of perception, experience becoming stages and projection surfaces for emotional and psychological processes, as well as revived memories. The topographical explorations discussed in this seminar trace the often invisible social, political, and cultural imprints within spaces and redefine the coordinates of on-screen/off-screen, inside/outside, private/public, local/global, and real/virtual. Films by Shirley Clarke, Rob Crosse, Flatform, Gerhard Benedikt Friedl, Rebana John, Roman Khimei & Yarema Malashchuk, Jeongwong Kim, Helen Levitt, Nicolas Provost, Peter Rose, Maki Satake, Paul Spengemann, Laura Waddington, Igor Zelić, Yu Zhe, and others. Guests: Jan Locus, Lukas Marxt, Silke Schönfeld, Maya Schweizer, Susanna Wallin

"To affect and to be affected is to be open to the world, to be active in it and to be patient for its return activity.” In his conversations on a politics of affect, Brian Massumi emphasizes that these reciprocal affect activities of being in encounter and in relation sustain change. Affect is therefore meant (in a Spinozean reading) as a way of acting in a situation while being affected and affect at the same time. It is also central for realizing plays of power and ideology. Sara Ahmed examines with a cultural political focus how single and collective bodies as well as their surfaces are formed through contact and how fear and its politics work to exclude bodies from social spaces and restrict their movements. She argues that emotions as being relational “produce the very surfaces and boundaries that allow the individual and the social to be delineated as if they are objects.” Therefore, not feelings themselves but their objects circulate and create a social a psychic presence. How could we think affect, emotion, sensation of bodies and cognition in relation to social, political and cultural spaces? And if “the aesthetic” and “the political“ would not be understood as biased, as either/or, as Ariella Azoulay highlights, but by enriching and contradicting one another, thus the gazes of art within photography are operating in parallel. Interestingly the “civil” professional gaze of the viewer of an image which is part of another structure of time and place is addressed and confronted by the persons photographed a part of a “citizenry of photography”. In the seminar we are focusing on these close connections between aesthetic/artistic and political actions, on the paradoxes within and in which ways spaces, their (invisible) borders and micropolitics are related and could be confronted. We will do readings, writing and have a closer look into exhibitions and events (excursions) connected. Together we will work on a glossary of what you consider of significance for the aesthetic and political and of affecting and being affected.

Das Seminar widmet sich dem Arbeiten mit 3D-Audio und der Auseinandersetzung mit künstlerisch gestalteten räumlichen Höreindrücken. Ausgehend von einem mehrkanaligen Lautsprecher-Setup lernen wir Spatial-Audio-Formate wie Ambisonics kennen und erproben deren künstlerische Möglichkeiten. Im Zentrum stehen praktische Experimente mit Klang, Raum und Bewegung: Wie lässt sich mit Klängen räumlich komponieren und inszenieren? Ziel ist die Entwicklung eigener Klangarbeiten für ein 3D-Audio Setup. The seminar focuses on working with 3D audio and exploring artistically shaped spatial listening experiences. Using a multichannel loudspeaker setup, we will become familiar with spatial audio formats such as Ambisonics and explore their artistic possibilities. The seminar centers on practical experiments with sound, space, and movement: How can we compose and stage sound spatially? The aim is to develop individual sound works for a 3D audio setup.

This colloquium is dedicated to the development of feature film projects with a focus on screenwriting and directing. Each session is devoted to a single project, allowing for an in-depth presentation and discussion. We will explore questions of dramaturgy, character development and cinematic realization. By reading each others project and having an open and constructive conversation about the material presented one can help each other grow. Having new eyes focus on your ideas can give you unexpected insights and offer different perspectives. Looking in depth into the project of your colleagues will show you different stages of the creative process and how you can help each other move forward, at the same time it will shed a light on your own process. In order to do this together we need to be open towards each other, respectful and free in thoughts, willing to put in the work and not too big a group. --- Dieses Kolloquium widmet sich der Entwicklung von Spielfilmprojekten mit Schwerpunkt auf Drehbuch und Regie. Jede Sitzung ist einem einzelnen Projekt gewidmet, was eine ausführliche Diskussion ermöglicht. Wir werden uns mit Fragen der Dramaturgie, der Charakterentwicklung und der filmischen Umsetzung auseinandersetzen. Indem wir die Projekte der anderen lesen und einen offenen und konstruktiven Austausch über das vorgestellte Material führen, können wir uns gegenseitig in unserer Entwicklung unterstützen. Die Perspektiven anderer auf die eigene Arbeit können unerwartete Erkenntnisse hervorbringen, blinde Flecken sichtbar machen und neue Denkansätze eröffnen. Die Auseinandersetzung mit den Projekten der Kommiliton*innen vermittelt Einblicke in unterschiedliche Phasen kreativer Prozesse und zeigt, wie gegenseitige Unterstützung dazu beitragen kann, Projekte weiterzuentwickeln. Zugleich schärft sie den Blick für die eigene Arbeitsweise und die Herausforderungen des eigenen Vorhabens. Um dies gemeinsam zu erreichen, müssen wir offen und respektvoll miteinander umgehen, frei denken, bereit sein, Zeit und Arbeit zu investieren, und in einer überschaubaren Gruppe zusammenarbeiten.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spielfilmübung im Studio B mit Schauspielschüler*innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung, der Film-Montage und des gesamten Postproduktionsprozesses in eigener Durchführung. Die Spielfilmübung 1 ist das zentrale Grundlagenseminar im Bereich Spielfilm, in dem die Studierenden sich in ihren Stärken untereinander kennenlernen und ein Netzwerk aufbauen sollen, das essentiell für die Unterstützung bei ihren weiteren Projekten im Verlauf des Studiums ist (und meist auch für die Zeit danach). Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden die Studierenden im Teil 1 „Aus einer Idee wird ein Drehbuch“ in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln parallel eine eigene Szene für einen bestimmten Drehort, ein vorgegebenes Genre oder zu einer thematischen Vorgabe, die später verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „Inszenierung und Auflösung“. Der Schwerpunkt liegt auf der Bildgestaltung und auf der Schauspielarbeit, bzw. auf der Umsetzung der Szenen mit Schauspielstudierenden. Im Anschluss wird die Spielfilmübung „on location“ (altern. Studio B) gedreht. Dabei durchlaufen alle Teilnehmer*innen, wenn sie nicht gerade selbst Regie führen, die verschiedenen Positionen am Film-Set (z.B. Kamera, Set-AL, Regie-Assistenz, …) bei den Drehs ihrer Kommiliton*innen. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt in drei Semstern die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung, der Film-Montage und des gesamten Postproduktionsprozesses in eigener Durchführung. Die Spielfilmübung 1 ist das zentrale Grundlagenseminar im Bereich Spielfilm, in dem die Studierenden sich in ihren Stärken untereinander kennenlernen und ein Netzwerk aufbauen sollen, das essentiell für die Unterstützung bei ihren weiteren Projekten im Verlauf des Studiums ist (und meist auch für die Zeit danach). Beginnend im Wintersemester werden die Studierenden im Teil 1 in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln parallel eine eigene Szene, die später verfilmt werden soll. Im wöchentlichen Wechsel mit der Drehbucharbeit werden die Teilnehmer*innen auch mit Schauspielstudierenden arbeiten. Im Sommersemester wird die Spielfilmübung 1 mit Teil 2 „Inszenierung und Auflösung‘‘ fortgeführt. Der Schwerpunkt liegt hier auf der Schauspielarbeit und der Bildgestaltung. Am Ende des Sommersemesters werden die entwickelten Szenen mit Schauspielstudierenden im Studio B gedreht. Dabei durchlaufen alle Teilnehmer*innen, wenn sie nicht gerade selbst Regie führen, die verschiedenen Positionen am Film-Set (z.B. Kamera, Set-AL, Regie-Assistenz, …) bei den Drehs ihrer Kommiliton*innen. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion‘‘ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich. The GLS Spielfilmübung 1 is about realizing a filmic scene. The seminar - over the course of three semesters - is an introduction to the basics of script writing, working with actors, breaking the scene down into shots, and finally shooting the scene in July after the Rundgang. Then in the following Semester, the focus will be on learning the basics of editing and the entire post-production process. The Spielfilmübung 1 is a central seminar in the feature film sector. It gives the foundation to realizing your own narrative projects. It creates an opportunity to build a network of collaborators, which is essential for the realization of filmic projects (and usually also for the time afterwards). During the Winter Semester, the work is focused on writing and working with acting students, with the aim of having a first draft of a scene by late January. This process will continue in the summer semester, at which time the focus will also shift to include camera work. At the end of the summer semester, the developed scenes will be filmed with acting students in Studio B. All participants will work in rotation, filling the various positions on the film set (i.e. directing, cinematography, assistant director, continuity, lighting, grip etc...) in order to give an idea about all the different departments that collaborate together to realize a film. In the following winter semester - Part 3 ‘Post-production’ - the finishing process of the filmed scenes will be the focus. Participation in all three parts of this basic seminar is essential in order to direct your own scene in the Spielfilmübung 1.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt in drei Semstern die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung, der Film-Montage und des gesamten Postproduktions-prozesses in eigener Durchführung. Die Spielfilmübung 1 ist das zentrale Grundlagenseminar im Bereich Spielfilm, in dem die Studierenden sich in ihren Stärken untereinander kennenlernen und ein Netzwerk aufbauen sollen, das essentiell für die Unterstützung bei ihren weiteren Projekten im Verlauf des Studiums ist (und meist auch für die Zeit danach). Beginnend im Wintersemester werden die Studierenden im Teil 1 in die Grundlagen des Drehbuch- schreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln parallel eine eigene Szene, die später ver- filmt werden soll. Im wöchentlichen Wechsel mit der Drehbucharbeit werden die Teilnehmer*innen auch mit Schauspielstudierenden arbeiten. Im Sommersemester wird die Spielfilmübung 1 mit Teil 2 „Inszenierung und Auflösung‘‘ fortgeführt. Der Schwerpunkt liegt hier auf der Schauspielarbeit und der Bildgestaltung. Am Ende des Sommersemesters werden die entwickelten Szenen mit Schauspiel-studierenden im Studio B gedreht. Dabei durchlaufen alle Teilnehmer*innen, wenn sie nicht gerade selbst Regie führen, die verschiedenen Positionen am Film-Set (z.B. Kamera, Set-AL, Regie-Assistenz, …) bei den Drehs ihrer Kommiliton*innen. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion‘‘ - erfolgt die Endfertigung der gedreh- ten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich. --- The GLS Spielfilmübung 1 is about realizing a filmic scene. The seminar - over the course of three semesters - is an introduction to the basics of script writing, working with actors, breaking the scene down into shots, and finally shooting the scene in July after the Rundgang. Then in the following Semester, the focus will be on learning the basics of editing and the entire post-production process. The Spielfilmübung 1 is a central seminar in the feature film sector. It gives the foundation to realizing your own narrative projects. It creates an opportunity to build a network of collaborators, which is essential for the realization of filmic projects (and usually also for the time afterwards). During the Winter Semester, the work is focused on writing and working with acting students, with the aim of having a first draft of a scene by late January. This process will continue in the summer semester, at which time the focus will also shift to include camera work. At the end of the summer semester, the developed scenes will be filmed with acting students in Studio B. All participants will work in rotation, filling the various positions on the film set (i.e. directing, cinematography, assistant director, continuity, lighting, grip etc...) in order to give an idea about all the different departments that collaborate together to realize a film. In the following winter semester - Part 3 ‘Post-production’ - the finishing process of the filmed scenes will be the focus. Participation in all three parts of this basic seminar is essential in order to direct your own scene in the Spielfilmübung 1.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Spielfilmübung 1, Teil 1“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil liegt der Fokus auf Schauspielführung und Visualisierung, also der Arbeit zwischen Schauspiel, Regie und Kamera, um die inhaltlichen, handwerklichen und psychologischen Abläufe zu verstehen und umsetzen zu können. Wichtiger Bestandteil ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop, eine Einführung in die Meisner Technik, zu Beginn des Seminars: Der Schauspielworkshop mit Mike Bernardin findet 29. - 31. 05. 2026 statt. Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen. Das Seminar findet auch im Studio A statt.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen Grundlagenseminars „Spielfilmübung 1”. In diesem zweiten Teil des Seminars geht es vorwiegend um die finale Verfertigung einer kleinen Szene und deren konzeptueller Vorbereitung, sowie die theoretische und praxisbezogene Vorbereitung auf die gemeinsamen Dreharbeiten in den Semesterferien. Die Studierenden erhalten während der laufenden Vorlesungszeit einen Einblick in die „(Arbeits-)Welt” der Schauspieler*innen, ihre vielseitigen Möglichkeiten und Tools, sowie Einführungen in einige der wichtigsten (Schauspiel-)Theorien und deren Historie. Wichtiger Bestandteil ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop und erste Casting-Erfahrungen (mit Schauspielstudierenden der näheren Umgebung), sowie ein Diskurs über Schauspielführung /-konflikte /-themen. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weiter gearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch zum Ende der Vorlesungszeit allen Seminarist*innen vorzustellen (Pitch!). Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen. Um bei dem Grundlagenseminar „Spielfilmübung I” eine eigene Szene drehen zu können, ist die konsequente Teilnahme an allen drei Teilen des Grundlagenseminars und des angebotenen Schauspielworkshops unerlässlich. Über die Teilnahmeberechtigung wird im Seminar entschieden.

Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die postproduktiven Schritte durchführen.

Dieses Seminar ist verbindlich für alle, die am GLS Spielfilmregie im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh). In diesem Seminar werden wir in vier Sitzungen die Montagevorschläge des gedrehten Materials gemeinsam analysieren. Wir reflektieren dabei die gemachten Erfahrungen, insb. unter dem Blickwinkel der Bildaufnahme, der Schauspielführung und der daraus resultierenden Montagemöglichkeiten. Außerdem begleiten wir die Studierenden während ihres gesamten Postproduktionsprozesses bis hin zur Premiere ihrer fertigen Spielfilmübungen. Termine: 31.10, 14.11, 28.11, 12.12

Für alle, die am GLS Spielfilmübung 1 (Teil 2) im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verbindlich. Gemeinsam sichten und diskutieren wir die ersten Schnittfassungen der Spielfilmübungen, erkunden dabei die erzählerischen Möglichkeiten und besprechen, wie sich Dreherfahrungen – vor allem in Bezug auf Bildgestaltung und Schauspielführung – im Material widerspiegeln. Vom Rohschnitt bis zur Premiere begleiten wir die Studierenden durch den gesamten Postproduktionsprozess. Dazu gehören praxisnahe Einführungen in den Schnitt mit Avid Media Composer, in den Tonschnitt sowie in das Color Grading mit DaVinci Resolve. Die "Grading" Einführung findet am 23.01.26, 10-16 Uhr statt. Participation in this seminar is mandatory for everyone who took part in GLS Spielfilmübung 1 (Teil 2) during the summer semester. Together we will watch and discuss the first rough cuts of your fiction-film exercises, explore their narrative potential, and examine how your on-set experience—especially in cinematography and directing actors—has shaped the footage. From the rough cut right up to the premiere, we accompany you through the entire post-production process. This includes practical introductions to editing with Avid Media Composer, sound editing, and color grading with DaVinci Resolve. The "Grading" introduction will take place on 23.01.26, 10-16 o'clock.

Für alle, die am GLS Spielfilmübung 1 (Teil2) im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verpflichtend. Gemeinsam sichten und diskutieren wir die ersten Schnittfassungen der Spielfilmübungen, erkunden dabei die erzählerischen Möglichkeiten und besprechen, wie sich Dreherfahrungen – vor allem in Bezug auf Bildgestaltung und Schauspielführung – im Material widerspiegeln. Vom Rohschnitt bis zur Premiere begleiten wir die Studierenden durch den gesamten Postproduktionsprozess. Dazu zählen praxisorientierte Einführungen in den Schnitt mit Avid Media Composer und das Color Grading mit DaVinci Resolve. Participation in this seminar is mandatory for everyone who took part in GLS Spielfilmübung 1 (Teil2) during the summer semester. Together we will watch and discuss the first rough cuts of your fiction-film exercises, explore their narrative potential, and examine how your on-set experience—especially in cinematography and directing actors—has shaped the footage. From the rough cut right up to the premiere, we accompany you through the entire post-production process. This includes practical introductions to editing with Avid Media Composer and color grading with DaVinci Resolve.

Dies ist eine praktische Filmübung für Studierende mit Schwerpunkt auf Regie und Kamera. Die Teilnehmer interpretieren Szenen aus einem vorhandenen Drehbuch. Ziel des Seminars ist es, fremdes Material oder Texte kreativ zu interpretieren und sich anzueignen, Erfahrungen zu sammeln und ein tieferes Verständnis für den gesamten Prozess und das Handwerk des Filmemachens zu erlangen. Sie lernen, Ihre Vision mit den verschiedenen Abteilungen wie Produktion und Kostümdesign zu kommunizieren, aber auch mit professionellen Schauspielern zu arbeiten. Alle Teilnehmer arbeiten innerhalb der Grenzen eines gemeinsamen Bühnenbildes im Studio B. Es ist kontinuierliche Mitarbeit über das gesamte Semester erforderlich - wir erarbeiten die Drehbücher und kümmern uns um alle Aspekte der filmischen Vorbereitung. Die Dreharbeiten finden in den Kompaktwochen im Februar 2026 über einen Zeitraum von 8 Tagen statt. Bei jedem Dreh werden von den Teilnehmern jeweils verschiedene Funktionen übernommen. Das Seminar wird hauptsächlich in deutscher Sprache stattfinden (Englisch teilweise möglich).

Die Spielfilmübung 2 ist eine praktische Übung für erfahrene Studierende mit Schwerpunkt auf Regie und Kamera. Hier wird die gesamte film-produktionelle Kette von Script-Erstellung bis zur Postproduktion professionell durchgespielt. Es sollen neue Erfahrungen gesammelt und ein tieferes Verständnis für das Handwerk des Filmemachens erlangt werden. Jedes Regie-Kamera-Duo interpretiert eine Szene aus einem vorhandenen Drehbuch. Das „fremde“ Material soll kreativ interpretiert und sich angeeignet werden. Die künstlerische Vision wird mit den verschiedenen Abteilungen wie Produktion, Casting, Szenenbild, Kostümdesign eng kommuniziert und mit professionellen Schauspielern umgesetzt. Gedreht wird im Studio B - alle Teilnehmer arbeiten innerhalb eines gemeinsamen Bühnenbildes. Die Dreharbeiten finden in den Kompaktwochen Ende Januar / Anfang Februar 2027 über einen Zeitraum von 10 Tagen statt. Alle Teilnehmer sind bei allen Drehs dabei. Das Seminar ist arbeitsintensiv und es gilt Anwesenheitspflicht - bitte vor Anmeldung unbedingt bedenken! ——— „Spielfilmübung 2“ is a hands-on workshop for experienced students focusing on directing and cinematography. In this course, the entire film production process - from scriptwriting to post-production - is carried out professionally. The goal is for students to gain new experiences and develop a deeper understanding of the craft of filmmaking. Each director-cinematographer duo interprets a scene from an existing screenplay. The “external” material is to be creatively interpreted and made their own. The artistic vision is closely communicated to the various departments—such as production, casting, set design, and costume design—and brought to life with professional actors. Filming takes place in Studio B - all participants work within a shared set design. Filming will take place during the „Kompaktwochen“ in late January / early February 2027 over a period of 10 days. All participants are required to be present for all shoots. The seminar is labor-intensive, and attendance is mandatory - please be sure to consider this before registering!

“Sein Blick ist vom Vorübergehn der Stäbe so müd geworden, daß er nichts mehr hält. Ihm ist, als ob es tausend Stäbe gäbe und hinter tausend Stäben keine Welt." („Der Panther“ von Rainer Maria Rilke) Der Käfig ist ein allseits geschlossenes Behältnis oder Gebäude und dient der Verwahrung eines Lebewesens und dem Schutz der Umgebung vor eben diesen Lebewesen. Der Käfig sichert oder hält gefangen. Ob davor, darin, von innen nach aussen oder umgekehrt bietet ein Käfig Raum für Begegnung. Wir erarbeiten und drehen bis zu zehn kurze Filme mit jeweils zwei Schauspielerinnen und Schauspielern. Dreharbeiten: 3. bis 14. Februar Auswertung und Postproduktion: Sommersemester 2025 (Juni/Juli)

In diesem Seminar werden die Rohschnitte aller Übungsfilme gemeinsam in der Gruppe besprochen und inhaltlich analysiert. Im Fokus steht neben der Montage die Schauspielarbeit, inwieweit das Staging mit der Auflösung funktioniert, und alle Fragen der Gestaltungsmöglichkeiten innerhalb der Postproduktion. Es ist eine „Pflichtveranstaltung“ für alle Teilnehmer*innen (Regie und Kamera) der Spielfilmübung aus dem Wintersemester 2021/22. Zudem werden die Termine für alle weiteren Postproduktionsschritte dieser Übungsfilme besprochen und in ihren zeitlichen Abläufen bis zum DCP koordiniert. Die Premiere aller Übungsfilme findet in der Aula zu Beginn des Wintersemesters 2022/23 statt.

In diesem Seminar werden die verschiedenen Schnittfassungen aller Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 "KÄFIG" analysiert und die Gestaltungsmöglichkeiten in der Postproduktion besprochen, sowie auf ihre Realisierbarkeit hin untersucht. Die Terminierung der Bild- und Tonpostproduktion wird geplant und in ihren Abläufen koordiniert. Es handelt sich um eine Veranstaltung für alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 " KÄFIG " im Wintersemester 2024/2025, sowohl Regie- als auch Kamerapersonen.

Menschen sitzen im Gefängnis. Sie sind eingesperrt. Sie sind weggesperrt. Welche Schicksale verbergen sich dahinter? Wieso sind diese Personen ins Gefängnis gekommen? Wie spielt sich ihr Leben auf einer 9m² Fläche ab? Und für wie lange? Wie drehen wir in einem kleinen geschlossenen Raum? Wie sollen die Bilder die Klaustrophobie und die enge der Zelle vermitteln? Wie erstellen wir die Verhältnisse zwischen Innenwelt und Außenwelt (Fenster, Korridor)? Welche Wirkung hat die Lichtstimmung auf den Menschen, der in einem so kleinen Raum lebt? In der Spielfilmübung II entwickeln Regisseur:innen ihre eigenen Drehbücher, die sie dann in einer gebauten Gefängniszelle drehen. Die einzelnen Episoden werden zu einem langen Film montiert.

In einem dunklen Raum, zwischen Bühne, den Garderoben, der Maske, dem Inspizientenpult, der Seiten- und Hinterbühne, begegnen sich Menschen. Welche Geschichten verbergen sich hinter diesen Menschen? Vor welchen Aufgaben, Situationen stehen sie? Hinter dem verschlossenen Vorhang erwartet sie eine andere Realität. Wir sind bei ihnen, solange sie in diesem Zwischenraum sind. In der Spielfilmübung II erwarten wir von jedem Teilnehmenden, der ein eigenes Skript in Regie entwickeln will, vor dem ersten Seminartermin eine schriftliche Idee. Gemeinsam entwickeln wir eure Ideen zu Drehbüchern. 10 Übungen werden an 10 Drehtagen, mit einem kleinen Pool von Schaupieler*innen, aus dem sich jede/r Regisseur*in 2 Darstellende aussuchen kann, umgesetzt.

Ob Chemie- oder Biologielabor, wir befinden uns an einem besonderen Ort. Hier geht es um Beziehungen zwischen Menschen, die in einer wichtigen, aber auch gefährlichen Umgebung arbeiten. Welche Geschichten verbergen sich hinter diesen Menschen? Mit welchen Aufgaben und Situationen sind sie konfrontiert? Wir sind bei ihnen, solange sie in diesem Labor sind. In der Spielfilmübung II erwarten wir von jeder/m Teilnehmenden, die/der ein eigenes Drehbuch als Regisseur:in entwickeln möchte, eine schriftliche Idee bis zum 01.10.2023 per Email (siehe Vorraussetzungen). Gemeinsam entwickeln wir die Ideen zu Drehbüchern. Dabei sind die Kamera-Studierenden frühzeitig eingebunden - die visuelle Ebene wird von Beginn an mitgedacht. 10 Übungen werden an 10 Drehtagen mit einem kleinen Pool von Schauspieler*innen umgesetzt, aus dem sich jede/r Regisseur*in 2 Schauspieler*innen aussuchen kann. Schickt uns eure erste Idee für ein Drehbuch (eine halbe A4 Seite genügt). Einzige Vorgabe: Die Szene ist für max. 2 Darsteller*innen in einem Labor geeignet. Und schickt uns einen Link zu einer oder zwei eurer Arbeiten! Einsendeschluss ist der 01.10.2023.

Im Sommersemester findet die Postproduktion der im WS 22/23 gedrehten Spielfilmübung statt.

Es geht um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und sie entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spielfilmübung im Studio B mit Schauspielschüler:innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spiel-filmübung im Studio B mit Schauspielschüler*innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Gewerke und Geschichten“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil geht es vorwiegend um die Weiterentwicklung der Szenen, deren konzeptuelle Vorbereitung und ihre finale Umsetzung. Die Studierenden erhalten Einblicke in die verschiedenen Aspekte der Arbeit mit Schauspieler*innen, sowie in die Auflösung einer Szene. Wichtiger Bestandteil des Seminars ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop und ein erstes gemeinsames Casting. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weitergearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch zum Ende der Vorlesungszeit allen vorzustellen (Pitch!). Um bei dem Grundlagenseminar ,,Spielfilmübung I'' eine eigene Szene drehen zu können, ist die konsequente Teilnahme an allen drei Teilen des Grundlagenseminars und des angebotenen Schauspielworkshops unerlässlich. Im darauffolgenden Wintersemester folgt der dritte Teil des Seminars mit der Postproduktion der gedrehten Szenen. Vorbereitung und Drehzeitraum: Vorbereitung: vsl. 28.08.2023 – 08.09.2023 Drehzeitraum: vsl. 11.09.2023 – 22.09.2023

Schauspielworkshop: 12.-14.04.2024 Drehvorbereitung: vsl. 24.06.2024- 09.07.2024 Drehzeitraum: vsl. 10.07.2024 – 21.07.2024 Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Gewerke und Geschichten“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil geht es um die Weiterentwicklung der Szenen, deren konzeptuelle Vorbereitung und ihre finale Umsetzung. Die Studierenden erhalten Einblicke in die Schauspielarbeit, sowie in die Auflösung einer Szene. In 14-tägig stattfindenden Terminen erforschen die Student*innen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Wichtiger Bestandteil des Seminars ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weitergearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch vor Beginn der zweiwöchigen Drehvorbereitung allen vorzustellen (Pitch!). Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen.

Für alle, die am Grundlagenseminar "Spielfilmregie" im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verpflichtend. Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die Schritte der Postproduktion durchführen.

Für alle, die am Grundlagenseminar Spielfilmregie im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verpflichtend. Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die Schritte der Postproduktion durchführen.

Dienstag 28.10. und 27.1.2026, 17.00, dazwischen nach Vereinbarung Sprache: Deutsch Super edgy, spannend, furchtbar langweilig, dröge, und musikalisch, rätselhaft, extrem komisch, herzzerreißend. Das Gerücht der Gegenwartsdramatik ist beständig, die publizierten Kritiken in zunehmenden Maß unzuverlässig. Gemeinsam wollen wir in diesem Seminar praktisch das Feld gegenwärtigen Theaterschreibens und Inszenierens erkunden, nicht nur im Schauspielhaus Köln, auch in der freien Szene und in den Häusern in Düsseldorf, Bonn, Bochum, Oberhausen, Mühlheim an der Ruhr etc. und das Erlebte dann besprechen und diskutieren. Es handelt sich ungefähr um acht bis neun Abende, die zu planen sein werden in diesem praktischen Seminar, das auf der Erfahrung aufbaut, dass gemeinsame Besuche unsere Theatererfahrung sehr viel konkreter machen und der Sog einer gemeinsamen Theaterreise einen auf ganz neue Ideen bringen kann.  Das Seminar steht im Zusammenhang mit dem Grundlagenseminar „The End of the Story“ sowie dem Kompaktseminar „Hörspiellapor“ im Funkhaus des Deutschlandradios und dem Kompaktseminar zum „Sprechen und Lesen auf der Bühne“, der Literatur und dramatische Praxis verbinden soll.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Spielfilmübung 1, Teil 1“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil liegt der Fokus auf Schauspielführung und Visualisierung, also der Arbeit zwischen Schauspiel, Regie und Kamera, um die inhaltlichen, handwerklichen und psychologischen Abläufe zu verstehen und umsetzen zu können. Wichtiger Bestandteil ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop, eine Einführung in die Meisner Technik, zu Beginn des Seminars: Schauspielworkshop mit Mike Bernardin voraussichtlich 11.04.25 -13.04.25. Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall, aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns daran? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen beobachtetes und gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und Gegenwart sowie anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns als Schreibende daran? Sollte man im Prozess des Notierens an literarische Kohärenz denken? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Steckt in ihnen womöglich eine ganz eigene Poesie? Und lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns als Schreibende daran? Sollte man im Prozess des Notierens an literarische Kohärenz denken? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Steckt in ihnen womöglich eine ganz eigene Poesie? Und lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall, aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall, aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Wer spricht im »Parlament der Dinge« (Latour)? Was haben die Dinge uns zu sagen? Wie sind Dis-kurse materiell bedingt? Wie wirken die Gewalt der Sprache und die Sprache der Gewalt? Welche Aufgaben und Methoden ergeben sich für Künste, Gestaltung und Medien im Hinblick auf Narra-tion, Framing und Inszenierung? Wir wollen Feldforschung treiben im Sinne der Praxeologie: Wie können Sprachregimes beo-bachtet und beschrieben werden? Wie stehen mündliche, schriftliche, grafische und diagramma-tische Sprachen zueinander? Was leistet das Konzept der Concerns als »leidenschaftliche Interes-sen« (Tarde) und »Werte in Aktion« (Stephan)? Dabei lesen und bearbeiten wir kanonische Texte fragmentarisch, assoziativ und verschränkt (siehe unten). Mögliche Bezüge zur eigenen Arbeit: Wen adressiere ich und warum? Welche Bühnen und Platt-formen werden genutzt, können Alternativen erzeugt werden? Wer bezahlt wen und womit? Ableitung von Strategien der Artikulation und Intervention ebenso wie von Vermeidung und Ab-senz (»… dass unterdessen der Kultur mehr Ehre antut, wer auf sie verzichtet und bei ihren Festi-vals nicht mitspielt …« Adorno). Literatur (Auswahl) – Michel Foucault: Die Ordnung des Diskurses, Frankfurt 1991; Nelson Good-man: Sprachen der Kunst. Entwurf einer Symboltheorie, Frankfurt 1997, Weisen der Welterzeu-gung, Frankfurt 1984; Bruno Latour: Das Parlament der Dinge, Frankfurt 2009; Peter Friedrich Stephan: Designging Concerns – Bruno Latour und das Transformation Design, Bielefeld 2024

Dieser Termin bietet einmal wöchentlich die Möglichkeit, vor einer Gruppe mit dem gesprochenen bzw. dem live inszenierten Wort zu experimentieren. Er versteht sich als ein Übungsfeld für Literatur als performative Kunstform: als ein geschützter Raum, in dem Konzepte und Ideen nicht nur entwickelt, sondern direkt angewendet und "erprobt" werden können. Von der minimalistischen Skizze bis hin zu der Entwicklung von längeren, eigenständigen Arbeiten ist dabei alles willkommen. Wir blicken gemeinsam auf die Prozesse und suchen nach dem jeweils besten Weg, sie zu reflektieren und auch zu dokumentieren (schriftlich, visuell, akustisch?). Neben konkreten Projekten der Teilnehmenden sind auch regelmäßige Übungen angedacht. Dabei geht es sowohl um das Ausprobieren bereits bestehender, aktueller und historischer Konzepte und Techniken (Audionotation, Techniken des Auswendiglernens, Improvisation, Partizipation) - als auch um das Sprechen über "den Auftritt". (Wie ließe sich zum Beispiel so etwas wie eine Lesungskritik etablieren?) Das Zeitfenster wird nach dem Bedarf ausgerichtet, die Sitzungen können unterschiedlich lang sein. Eine regelmäßige Teilnahme wird empfohlen, ist aber nicht zwingend. Non-german/native speakers welcome! Non-writing artists welcome! Diplom I welcome! Sprache: Deutsch und Englisch

„Uns interessiert grundsätzlich am Medium Film, dem Unbegreiflichen der Existenz auf der Spur zu bleiben, Film nicht als Nabelschau, sondern als Suche nach dem faszinierend Unbegreiflichen, das man selbst ist, das die anderen sind, das sich im Leben auf dieser seltsamen Erde verbirgt.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Das Privileg von Dokumentarfilmemacher*innen ist es, mit der Kamera in der Hand, Welt- und Lebenswirklichkeiten aufzusuchen, die nicht zwingend aus eigener Erfahrung bekannt sind. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen, sowie von Orten. Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Voraussetzung ist Neugier, Protagonist*innen und Orten unvoreingenommen zu begegnen, um eigene Erwartungen zu unterwandern, verbunden mit dem Anspruch den Motiven und Figuren nahezukommen, um im Besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Das dokumentarische Drehen ist immer eine Reise ins Ungewisse. Im Seminar werden Rechercheergebnisse und dokumentarische Filmideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form (z.B. direct cinema/partizipierende Beobachtung/Videotagebuch) für die individuellen Projekte zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

„Uns interessiert grundsätzlich am Medium Film, dem Unbegreiflichen der Existenz auf der Spur zu bleiben, Film nicht als Nabelschau, sondern als Suche nach dem faszinierend Unbegreiflichen, das man selbst ist, das die anderen sind, das sich im Leben auf dieser seltsamen Erde verbirgt.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen, sowie von Orten. Voraussetzung ist Neugier, Protagonist:innen und Orten unvoreingenommen zu begegnen, um eigene Erwartungen zu hinterfragen, verbunden mit dem Anspruch den Motiven und Figuren nahezukommen, um im Besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Das dokumentarische Drehen ist immer eine Reise ins Ungewisse. Im Seminar werden Rechercheergebnisse und dokumentarische Filmideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils zwingendste Form für die individuellen Projekte zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

„Uns interessiert grundsätzlich am Medium Film, dem Unbegreiflichen der Existenz auf der Spur zu bleiben, Film nicht als Nabelschau, sondern als Suche nach dem faszinierend Unbegreiflichen, das man selbst ist, das die anderen sind, das sich im Leben auf dieser seltsamen Erde verbirgt.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain zu wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen, sowie von Orten. Voraussetzung ist, Protago-nist:innen und Orten unvoreingenommen zu begegnen, um eigene Erwartungen zu hinterfragen, verbunden mit dem Anspruch, den Motiven und Figuren nahezukommen, um im Besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Das dokumentarische Drehen ist immer eine Reise ins Ungewisse. Im Seminar werden Rechercheergebnisse und dokumentarische Filmideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils zwingendste Form für die individuellen Projekte zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar versteht sich als Raum des Austauschs – Studierende, die bisher nicht an dem Seminar teilgenommen haben und neu dazukommen, sind zur Teilnahme ausdrücklich eingeladen. Sprechstunden und Schnittbetreuungen nach Vereinbarung.

„Bei allen Verlockungen der Vielbildrigkeit immer wieder eine Schicht nach der anderen herunterzunehmen, bis du zu dem vordringst, was du wirklich zum Ausdruck bringen willst.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain zu wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen sowie von Orten. Voraussetzung ist, Protagonist*innen und Orten unvoreingenommen zu begegnen, um eigene Erwartungen zu hinterfragen, verbunden mit dem Anspruch, den Motiven und Figuren nahezukommen, um im besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Das dokumentarische Drehen ist immer eine Reise ins Ungewisse. Im Seminar werden Rechercheergebnisse und dokumentarische Filmideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils zwingendste Form für die individuellen Projekte zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar versteht sich als Raum des Austauschs – Studierende, die bisher nicht an dem Seminar teilgenommen haben und neu dazukommen, sind zur Teilnahme ausdrücklich eingeladen. Termine/Dates: 06.11. / 20.11./ 04.12. / 18.12. / 15.01. / 29.01.

„Bei allen Verlockungen der Vielbildrigkeit immer wieder eine Schicht nach der anderen herunterzunehmen, bis du zu dem vordringst, was du wirklich zum Ausdruck bringen willst.“ Cinenomad  (STEP ACROSS THE BORDER) Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain zu wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen als auch für die Untersuchung von Orten und räumlichen Zusammenhängen. Voraussetzung dafür ist eine offene, vorurteilsfreie Haltung gegenüber Protagonist*innen und Räumen, um eigene Erwartungen zu hinterfragen, verbunden mit dem Anspruch, den Motiven und Figuren nahezukommen, um im besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Dokumentarisches Arbeiten als eine Annäherung an das Ungewisse. Das Seminar dient der systematischen Entwicklung dokumentarischer Projekte, Mischformen und hybrider Ansätze. Rechercheergebnisse und Filmideen werden analysiert und weitergeführt, Interviewtechniken und dokumentarische Arbeitsweisen kritisch untersucht, um für jedes Projekt die methodisch angemessene Form zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar versteht sich als Raum des Austauschs – Studierende, die bisher nicht an dem Seminar teilgenommen haben und neu dazukommen, sind zur Teilnahme ausdrücklich eingeladen – ebenso Studierende, die sich für Mischformen oder für dokumentarisches Arbeiten innerhalb fiktionaler Formate interessieren. Sprechstunden und Schnittbetreuungen nach Vereinbarung.

„Bei allen Verlockungen der Vielbildrigkeit (gilt es) immer wieder eine Schicht nach der anderen herunterzunehmen, bis du zu dem vordringst, was du wirklich zum Ausdruck bringen willst.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain zu wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen als auch für die Untersuchung von Orten und ihren sozialen, historischen oder politischen Zusammenhängen. Voraussetzung dafür ist eine radikale Offenheit gegenüber Protagonist:innen, Situationen und Räumen, um eigene Erwartungen zu hinterfragen, verbunden mit dem Anspruch, den Motiven und Figuren nahezukommen, um im besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Dokumentarisches Arbeiten als eine Annäherung an das Ungewisse. Das Seminar versteht dokumentarisches Filmemachen als eine forschende und formbildende Praxis. Im Mittelpunkt steht die Entwicklung eigener dokumentarischer Projekte sowie hybrider und experimenteller Formen zwischen Dokumentarischem und Fiktion. Recherchematerial, filmische Skizzen und Konzepte werden gemeinsam analysiert, weiterentwickelt und im Hinblick auf ihre jeweilige ästhetische und methodische Konsequenz diskutiert. Interviewtechniken, Beobachtungsstrategien, Montagekonzepte und unterschiedliche dokumentarische Verfahren werden dabei nicht als feststehende Werkzeuge vermittelt, sondern als Methoden kritisch befragt und projektbezogen erprobt. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar versteht sich als offener Denk- und Arbeitsraum. Studierende, die erstmals teilnehmen, sind ebenso willkommen wie diejenigen, die ihre dokumentarische Praxis vertiefen oder sich für hybride Erzählformen und dokumentarische Verfahren innerhalb fiktionaler Kontexte interessieren. Ziel ist es, einen Ort des gemeinsamen Experimentierens zu schaffen, an dem filmische Formen nicht vorausgesetzt, sondern im Prozess entwickelt werden.

Kennst Du A? Ich hatte ja mal so eine B-Phase. Hat C das nicht auch gemacht? Das ist total D. Irgendwann habe ich angefangen, Sätze von E zu träumen. Im Moment muss ich aufpassen, nicht selbst wie F zu schreiben. Bei G bekomme ich Seitenstechen. Ich habe alle Bücher von H gelesen und verstehe nicht, wie sie gemacht sind. Diese Reduktion bei I. Dieses Redundante bei J. Diese abgründige Klarheit bei K... Das Alphabet literarischer Schreibweisen kennt mehr als 26 Buchstaben, denn Literatur heißt nie allein Was, Literatur heißt immer auch Wie. Wo fängt der Manierismus an, wo hört die Marotte auf? Im Seminar Stil & Spleen widmen wir uns unterschiedlichen Erzähltemperamenten und fragen uns, was wir unter Stil verstehen, warum uns anzieht, was uns anzieht, warum uns nervt, was uns nervt. Denn als ich jung war, las ich alles von L, aber M kann ich nicht mehr ertragen. Woran das liegen könnte, wollen wir untersuchen. Begeben wir uns gemeinsam in die Werkstätten!

„Stimmen hören“ Artikulationen der Stimme sind integraler Bestandteil dokumentarischer Praxen. Das Sprechen der Protagonist*innen, der situative Originalton, die eigenen Texte der Filmemacher*innen, der Kommentar - im „sprechen von“, „sprechen für“, „sprechen mit“ oder „sprechen nahebei“ tritt die Stimme in ein Spannungsverhältnis mit anderen Tönen und Bildern und öffnet so Räume zwischen Leinwand und Zuschauer*in. Im Seminar werden wir unterschiedlichen Artikulationen der Stimme und verschiedene Sprechpositionen an Hand von Filmen, Audioarbeiten und eigenen Experimenten untersuchen und das „Stimmenhören“ als aktive dokumentarische Praxis verstehen. --- Deepl translation: “Hearing Voices” Articulations of the voice are an integral part of documentary practice. The protagonists’ speech, the situational original sound, the filmmakers’ own texts, the commentary - in “speaking of,” “speaking for,” “speaking with,” or “speaking nearby,” the voice enters into a tension with other sounds and images, thereby opening up spaces between the screen and the viewer. In this seminar, we will examine different articulations of the voice and various speaking positions using films, audio works, and our own experiments, and understand “hearing voices” as an active documentary practice.

In diesem Seminar geht es um das Finden von Stoffen in schreibender Praxis. Wir erforschen den Kern der Idee und wollen Möglichkeiten aufzeigen, sie weiterentwickeln. Wir lesen die Stoffe und Szenen und diskutieren sie gemeinsam. Dabei streifen wir die unterschiedlichen Herangehensweisen als Autor*in und Regisseur*in, untersuchen Methoden der Szenen- und Drehbuchanalyse und nebenbei reflektieren wir unsere Art, in Gruppen zu kommunizieren.

Seminar zur Stoffentwicklung für fiktionale filmische Projekte (lang/kurz/seriell). Das Seminar findet in 5 "Doppelterminen" statt (jeweils Montag und Dienstag). Zwischen den Doppelterminen schreiben alle. Diese Texte gehen zurück in die Gruppe als Vorbereitung für das nächste Treffen. Möglicherweise gibt es Heißgetränke.

Seminar zur Stoffentwicklung für fiktionale filmische Projekte (lang/kurz/seriell - oder was immer Euch einfällt :). Anmeldung mit einer Ideenskizze (halbe Seite max.). BITTE als TEXTDOKUMENT: Word, LibreOffice, Pages, RTF o.ä. (KEINE PDFs). Das Seminar findet in 5 "Doppelterminen" statt (jeweils Montag UND Dienstag). Zwischen diesen Doppelterminen schreiben alle. Rechnet dafür jeweils mit ein bis zwei Stunden, die Ihr Euch in der Woche nach unseren Treffen für diese Arbeit nehmen müsst. Die Texte gehen zurück in die Gruppe als Vorbereitung für das nächste Treffen. Möglicherweise gibt es Heißgetränke.

Entwurf und Herstellung von Puppen für Stop-Motion. Wir werden den kreativen Prozess zur Herstellung verschiedener Arten von Puppen besprechen. Es beinhaltet auch die Herstellung einer einfachen Puppe und grundlegende Übungen für animierte Bewegungen.

Das Diplom-Kolloquium nimmt in begrenzter Zahl an einem Workshop im Rahmen des DFG-Projekts „Infrastrukturen der Sorge“ in Málaga teil. In diesem Kontext können die Diplomprojekte einem weiteren Kreis vorgestellt werden. Auch untereinander besprechen wir solidarisch unterstützend die Diplomprojekte. Zudem werden wir an einer Veranstaltungsreihe des queer-feministischen sozio-kulturellen Zentrums „La casa invisible“ teilnehmen.

"The Wonderful World of Disney is more than a logo; it signifies how the terrain of popular culture has become central to commodifying memory and rewriting narratives of national identity and global expansion. Disney's power and reach into popular culture combines an insouciant playfulness and the fantastic possibility of making childhood dreams come true — yet only through strict gender roles, an unexamined nationalism, and a notion of choice that is attached to the proliferation of commodities." (Henry Giroux, 1993) Das vorangestellte Zitat von Henry Giroux deutet die Vielschichtigkeit dessen an, was unter dem Begriff Disneyfication zusammengefasst werden kann. Im Seminar wollen wir uns mit Themenfeldern beschäftigen, die sich aus den damit verbundenen gesellschaftlichen, politischen und ästhetischen Implikationen ergeben. Anhand von theoretischen Texten, wissenschaftlichen Analysen und konkreten Beispielen aus Kunst, Musik, Film und Popkultur entwickeln wir unterschiedliche Perspektiven auf das Phänomen Disney und darüber hinaus. Von Theme-Park-Studies, die sich konkret mit Freizeitparks wie Disneyland auseinandersetzen bis zu kritischen Betrachtungen kommodifizierter (Vor-)Städte; von den fließenden Übergängen zwischen künstlichen Welten und realen Lebenswirklichkeiten bis zur Dekonstruktion mythischer Utopien; von der Auseinandersetzung mit stereotypen Identitätskonstruktionen zur Analyse animierter Narrative wollen wir einer ganzen Reihe an Fragestellungen nachspüren: Was für ein Gesellschaftsbild vermittelt Disney(land)? Wie werden Medien dafür instrumentalisiert? Welche Wechselwirkungen bestehen zwischen mediatisierter Fiktion und sozialer Realität? Was für eine Rolle spielen dabei Aspekte von Race, Class, Gender und Sexualität? Was für subversive Strategien gibt es, um sich in kommerzialisierten Räumen selbstbestimmt zu bewegen und wie lassen sich disneyfizierte Narrative gegen den Strich lesen? Literaturauswahl: Dobson, Nichola, Annabelle Honess Roe, Amy Ratelle und Caroline Ruddell, Hrsg. 2019. The Animation Studies Reader. New York, London, Oxford, New Delhi, Sydney: Bloomsbury Academic. Giroux, Henry A. und Grace Pollock. 2010. The Mouse That Roared: Disney and the End of Innocence. Lanham, MD: Rowman & Littlefield Publishers. Hobbs, Priscilla (2015). Walt's utopia: Disneyland and American mythmaking . McFarland & Company Inc. Publishers. Mittermeier, Sabrina (2021). A Cultural History of the DisneyLand Theme Parks: Middle Class Kingdoms. Intellect. Rutherford, Stephanie. 2011. Governing the Wild: Ecotours of Power. Minneapolis: University of Minnesota Press. (Disney's Animal Kingdom: The Wild That Never Was) Tongson, Karen (2011). Relocations: Queer suburban imaginaries . New York University Press. Wells, Paul. 2009. The Animated Bestiary: Animals, Cartoons, and Culture. New Brunswick, NJ: Rutgers Univ. Press. Zukin, Sharon. 2002. The Cultures of Cities. Reprinted. Cambridge, Mass. Blackwell. (Learning From Disney World)

Im Jahr 1979, vor genau 45 Jahren, erscheint mit Dick Hebdiges Buch »Subculture: The Meaning of Style« eine der einflussreichsten Studien zu Jugendsubkulturen, die aus den Cultural Studies hervorgegangen ist. Sie blickt als eine der ersten theoretischen Abhandlungen überhaupt analytisch auf subkulturelle Formationen wie Teds, Mods, Rocker, Skinheads und insbesondere Punks. Eine Rezension im Rolling Stone Magazin hält diesbezüglich fest: „[I]t’s the first book dealing with punk to offer intellectual content.“ Dieser „intellectual content“ besteht bei Hebdige vornehmlich aus Bezügen zu post-/strukturalistischen (Derrida, Barthes), marxistischen (Althusser, Gramsci), semiotischen (Saussure, Kristeva) und anthropologischen (Lévi-Strauss) Theorien, die er als ehemaliger Weggefährte von Stuart Hall in der Tradition des Centre for Contemporary Cultural Studies (CCCS Birmingham) anwendet. Im Seminar fragen wir uns gemeinsam, was das Buch seinerzeit so bedeutend und in den Jahrzehnten danach so einflussreich gemacht hat, denn auch 45 Jahre nach Erstveröffentlichung nimmt nahezu jede Publikation, die sich mit Jugend-, Sub- und/oder Popkultur auseinandersetzt, Bezug auf Hebdiges Ausführungen. Dabei werden wir auch die Leerstellen in den Blick nehmen, die Hebdiges Studie aufweist und die immer wieder zu Kritik an seinem Ansatz führten. Im ersten Teil des Seminars werden wir gemeinsam und schrittweise »Subculture: The Meaning of Style« lesen und die darin genannten Theoriestränge diskutieren, um im zweiten Teil weiterführende Texte zu besprechen, die auf Hebdiges Überlegungen aufbauen oder sich davon abheben, um aktuellere (Jugend-) Subkulturen in unterschiedlichen Kontexten zu analysieren.

A joint event between the KHM, RTU Liepaja Academy, VilniusTech, KISD / TH Köln, University of Tampere and University of Greifswald

The Phytotron in the exMedia Lab is available to students as a qualified and safe biology laboratory work environment for artistic experiments and observations of biomedia and living organisms. On 4 practical days, various living organisms and their environments are presented in the laboratory and on short excursions in the (surrounding) field of the university: Bacteria, fungi, algae, lichens and plants, their habitats, relationships and culture methods. We try out magnifying glasses, microscopes, centrifuges, sterile workbenches, climate chambers and DNA analysis equipment; scientific methodology is tested in practical laboratory experiments with biomedia. Practical work also includes recording, scientific documentation and the observance of ethical aspects in dealing with other living beings. The students' own artistic research and experiments will be encouraged through laboratory practice and field studies. If desired, we can take a look at current exhibition practices with biomaterials and discuss them critically. Participants are trained to use the equipment responsibly and to plan experiments independently (in compliance with safety and hygiene rules) and can then work independently in the laboratories in consultation with the staff. The number of possible participants is limited. Suggestions for biomaterials, species and experiments are welcome and can be included in the registration form with a brief explanation. “The number of possible participants is limited. We are looking forward to curious participants who have already familiarized themselves with topics of artistic research and discourses in biology and have a lot of questions. Film suggestion: Symbiotic Earth: Explores the life and ideas of scientific rebel Lynn Margulis. https://vimeo.com/ondemand/symbioticearthhv ---------------- Das Phytotron im exMedia Lab bietet Studierenden eine qualifizierte und sichere Umgebung für künstlerische Experimente und Beobachtungen mit biologischen Medien und Lebewesen. In vier Praxistagen lernen die Teilnehmer:innen im Labor und bei kurzen Exkursionen verschiedene Lebewesen und ihre Lebensräume kennen, darunter Bakterien, Pilze, Algen, Flechten und Pflanzen. Wir erkunden ihre Habitate, Beziehungen und Kulturmethoden. Dabei kommen verschiedene Geräte wie Lupen, Mikroskope, Zentrifugen, Sterilwerkbänke, Klimakammern und DNA-Analyse-Equipment zum Einsatz. Die wissenschaftliche Methodik wird in praktischen Laborexperimenten mit Biomedien erprobt. Zu den praktischen Inhalten gehören auch die Protokollierung, wissenschaftliche Dokumentation und die Berücksichtigung ethischer Aspekte im Umgang mit Lebewesen. Die eigene künstlerische Forschung und Experimente werden durch die Praxis im Labor und Feldstudien angeregt. Auf Wunsch werfen wir einen Blick auf gängige Ausstellungspraktiken mit Biomaterialien und diskutieren diese kritisch. Die Teilnehmer:innen werden befähigt, die Arbeitsmittel verantwortungsvoll zu nutzen und eigenständig Experimente zu planen, wobei Sicherheits- und Hygieneregeln beachtet werden müssen. Nach Absprache mit den Mitarbeitenden können sie selbstständig in den Laboren arbeiten. Die Anzahl der Teilnehmer:innen ist begrenzt. Vorschläge für Biomaterialien, Spezies und Experimente sind willkommen und können bei der Anmeldung mit einer kurzen Begründung angegeben werden. Wir freuen uns auf neugierige Teilnehmer:innen, die sich bereits mit Themen der künstlerischen Forschung und biologischen Diskursen vertraut gemacht haben und viele Fragen mitbringen! Filmanregung: *Symbiotic Earth* – Eine Erkundung des Lebens und der Ideen der wissenschaftlichen Rebellin Lynn Margulis. [Hier ansehen](https://vimeo.com/ondemand/symbioticearthhv).

Das Seminar startet mit einem Lab am 22. & 23. Oktober. Wir laden dazu einen Gast ein, Beru Tessema , der neben seiner Tätigkeit als Theater-& Filmautor, Experte der Meisner-Technik ist und diese im Hinblick auf Screen Acting an der RADA school in London unterrichtet. Es gilt die Erfahrung der Meisner-Technik selber anhand von vorgegebenen Szenen zu machen und dadurch, als FilmemacherIn, das Bewusstsein der sehr feinfühligen Arbeit mit Schauspieler*innen zu bekommen und die eigene Methodik seiner Inszenierungsarbeit mit Schauspieler*innen und/oder Laiendarsteller*innen zu schärfen. Sprache des Seminars : Englisch/Deutsch Ab dem 27.10 fängt das reguläre Seminar an: Im Zentrum steht die Wiederinterpretation in kurzen Dreh-Übungen von existierenden Szenen aus markanten Genre oder Arthouse Filmen, die speziell und meisterhaft mit dem Unheimlichen, mit Angst, Spannung oder sogar der Präsenz von Geistern arbeiten. Wir werden uns in kurzen Inszenierungs-Übungen auf der Suche nach einer genau durchdachten Auflösung in Interaktion mit Schauspielführung machen. Das Schauspiel und die Inszenierung soll in diesem Rahmen keine reine Übersetzung von unmittelbaren Emotionen, Illustration von Gefühlen und dramatischen Effekten bedeuten. In der Zusammenarbeit zwischen Regie, Bildgestaltung & Darsteller*innen soll erforscht werden wie Subtext entsteht, wie Film ein Zusammenspiel von Schauspiel & Filmsprache ist. Ein Bewusstsein für die notwendige Spannung zwischen Spiel & Bild, und zwischen Auflösung und Schnitt ist uns dabei wichtig. Wie spannt man Subtext im Schauspiel und eine präzise Auflösung in einer kongenialen Interaktion zusammen? Ohne das Spiel der Schauspieler*innen in den Hintergrund zu drängen? Wie inszeniert man Blicke, Gefühle, Dynamiken zwischen Figuren, im Verhältnis zum Raum, zur Cadrage, wie wird das Unsichtbare sichtbar, spürbar? Das sind alles Fragen, die wir erforschen werden. In wöchentlichen Sessions werden wir Szenen aus 10 Filmen, die für ihre besondere Filmsprache und Inszenierung bekannt sind, ohne sie zuerst genannt zu haben, versuchen aufzulösen und mit Augenmerk auf das Schauspiel zu inszenieren, die Szenen schneiden und immer jeweils in der nächsten Woche die Arbeiten besprechen. Anschliessend werden wir die Filmausschnitte aus denen die jeweiligen Szenen stammen anschauen und vergleichend besprechen. Auch im Hinblick auf die Wahl die der/die jeweilige Regisseur*innen getroffen hat.

Am Freitag, 16. Mai 2025 und Samstag, 17. Mai 2025 findet in der Aula der KHM das Symposium "Another State of Mind. What We Feel, What We See, What We Do" in Kooperation mit der Internationalen Photoszene Köln (15. Mai – 15. Juni 2025) statt. Mehr Informationen gibt es zu gegebener Zeit über die KHM-Homepage.

Als Medium von Interaktion ist Klang ein wesentlicher Träger alltäglicher Kommunikation, räumlicher Orientierung und des Austauschs mit der Umwelt. Mit der Fähigkeit zur Klangerzeugung, differenzierten Artikulation und Bedeutungsprägung konnten sich komplexe lebendige Systeme entwickeln. In diesem Seminar werden im Rahmen von Exkursionen Habitate und Soundscapes auf ihr Spektrum an verschiedenartigen Klangspuren aus bewegten Körpern, physikalischen Prozessen und kommunizierenden Spezies mit bioakustischen und künstlerischen Strategien untersucht, im Atelier Klangerzeuger und -rezeptoren entwickelt, Wechselwirkungen und Interaktionen gesteuert und sich daraus bildende offene und geschlossene Systeme kritisch betrachtet. Die Umsetzung und Reflektion in eigenen künstlerischen Projekten ist gewünscht und kann in Form von interaktiven Klanginstallationen/-instrumenten, Audiowalks, künstlerischen Handlungsanweisungen, Neuem Hörspiel und Klangperformances im gemeinsam zu planenden Ausstellungsformat präsentiert werden.

In diesem Seminar möchte ich Regie - und Kamerainteressierte einladen, unter dem Oberbegriff der „szenischen Choreografie“ verschiedene Aspekte filmischer Auflösung zu untersuchen und auszuprobieren. Was sind Möglichkeiten von dynamischer Kamera, wie kann sich ein Aufbau von Handlungs- Zeit- und Raumerzählung gestalten? Welche Perspektiven werden eingenommen? Mit der Kamera Impulsen der Figuren folgen oder autonom sein? Was schafft erzählerische Authentizität, wie etabliert sich ein filmischer Rhythmus? Montage oder Plansequenz - kann Kamerabewegung als innere Montage den Schnitt ersetzen und zu mehr künstlerischer Kontrolle führen? Welche Bedeutung haben dabei Proben? Kann ausgefeilte Choreografie den Ausdruck oder die Lebendigkeit des Schauspiels behindern oder kann sie befreiend sein? Wir drehen bis zu sieben kurze Filme, möglichst in wenigen komplexen Master-Einstellungen oder als Plansequenz - jeweils an einem Drehtag in Regie/Kamera-Kombination an einer festgelegten Original-Location. Die Filmideen müssen vor Seminarbeginn vorliegen und einen abgeschlossenen dramaturgischen Bogen haben. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen Potentiale und erarbeiten mögliche Choreografien. Anhand der konkreten szenischen Arbeit werfen wir auch einen Blick zurück aufs Buch und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Schließlich erstellen wir die Auflösung mit Kamerabewegungen und überlegen die technischen Mittel (Handkamera, Dolly, Steadycam, Kran etc.). Begleitend zur Vorbereitung der Filme untersuchen wir diese Fragen anhand von Texten, Filmbeispielen und eigenen Erfahrungen.

"Hitchcock hat geäußert: Alles, was gesagt wird, statt gezeigt zu werden, ist verloren. Die Worte, die nicht aus dem Film kommen, haben keinen Sinn. Für uns alle galt die Regel: Kein Interview!" sagt Stéphane Breton im Gespräch mit Olivier Mongin. In diesem Seminar geht es um das gesprochene Wort. Vor der Kamera und hinter den Bildern. Der Umgang mit den eigenen Fragen (den stummen, den ausgesprochenen) und dem Schweigen des Gegenüber. Wie können wir dem Unaussprechlichen eine Stimme verleihen? Der dramaturgische und künstlerische Umgang mit dem gesprochenen Wort und dem Schweigen. Im Seminar zu Gast: die Künstlerin Lina Zacher und ihre aktuelle Arbeit mit jugendlichen Häftlingen in Deutschland und die Anthropologin Angélica Cabezas Pino und ihrer Arbeit mit Menschen, die in Chile aufgrund ihrer HIV Infektion gesellschaftlich marginalisiert werden.

"We are confronted directly by the production of the materiality of gender. Everything is a matter of doses, of melting and crystallization points, of the rotary power of the molecule, of regularity, of milligrams, of the form and mode of administration, of habit, of praxis." (Paul Preciado) Plethysmographs, brain scanners, imaging devices, viewing time trackers, hormone level measuring, tomographs, DNA tests, measuring tape, computers… – high- and low-tech devices involved in the categorization and normalization of sex_gender_sexuality seem to be an ever growing field of scientific technologies. How are all these measuring and imaging devices co-constitutive of the categories that we call sex, gender, and sexuality? Can brain scanners really 'read' your sexuality? Is sexual subjectivity produced in labs? Do we live in an era of ‘pharmacopornographic capitalism’, as Paul B. Preciado calls it? Are we being neurogendered? And what in the world is a 'penile plethysmograph'? In the seminar, we will look at the complex assemblage of materialities, technologies, lab technicians, scientists, neurologists, endocrinologists, sexologists, and people being scanned and measured, that produces and keeps up the binary sex_gender_sexuality system. The seminar is open to people from Hauptstudium and Grundstudium. It will be possible to join the seminar on Zoom. If you want to join on Zoom, please email me. If you’ll join live, just come to the first session on 26.10.2022. Languages: English, German, Dinglish (texts will be in English and German)

In Kooperation mit Dr. Guido Arnold vom Duisburger Institut für Sprach- und Sozialforschung (DISS). Technologie ist nicht neutral, sie steht in einem engen Wechselverhältnis zur Gesellschaft, die diese hervorbringt. Der reine Werkzeugcharakter erzählt zu wenig über die Machtverhältnisse und die techno-sozialen Implikationen von Technologie: wie technische Systeme Macht bündeln, Subjekte form(alis)ieren und Gewaltverhältnisse stabilisieren – und zwar nicht erst in der Nutzung, sondern bereits in Design und Entwicklung. Mittels Social Media beispielsweise, werden in ihrer Kehrseite Menschen algorithmisch erfasst, ihr Verhalten analysiert und zu datafizierten Zielobjekten – sei es zur gezielten Werbeschaltung (Ad Targeting), Verhaltens- und Einstellungsbeeinflussung oder als Big Data zum gezielten Töten (Targeted Killing) im Data-Driven Warfare. Diese Technologien – ähnlich wie atomare Hochrisikotechnologien – erfordern nicht nur zentralisierte Infrastrukturen, proprietäre Datenmacht und eine enge Verzahnung von Staat, Militär und Konzernen, sie fördern auch autoritäre Strukturen und ausnahmerechtliche Regierungsformen. Andere Medien und Technologien erlauben hingegen flexiblere Gesellschaftsstrukturen und können sogar solidarische bis gemeinwohlorientierte Prozesse befördern. Sie setzen sich jedoch nur schwer durch – unter anderem, weil sie der Logik konzentrierter Daten- und Befehlsmacht zuwiderlaufen. Die technisierten Erfassungssysteme des Nationalsozialismus – etwa die statistische Registrierung und Kategorisierung mittels Lochkartensystemen – zeigen im Nachhinein, wie datengetriebene Praktiken Macht ausübten und Ausschlüsse, Gewaltausübung sowie Rechtsbrüche bis hin zur systematischen Ermordung ermöglichten. Die Erfassung, Deportation, Lagerverwaltung und Vernichtung „unwerten Lebens” wäre ohne die damals neue Technologie des US- Konzerns IBM in diesem Ausmaß nicht möglich gewesen. Im Seminar soll reflektiert werden, welche strukturellen Prinzipien solcher Systeme in heutigen Technologien der „künstlichen Intelligenz” fortwirken und wie wir diesen durch zivilgesellschaftliches Engagement entgegenwirken können. Denn so wie IBM im Dritten Reich exemplarisch für das Ineinandergreifen von Dateninfrastruktur, staatlicher Macht und biopolitischer Kontrolle stand, so agieren heute Big Tech Monopole wie Amazon, Google, Meta und Co. als tragende Säulen der technischen Möglichkeit, Bevölkerung algorithmisch zu erfassen, zu klassifizieren und zum Ziel zu machen.

Video artist Nam June Paik saw a future in which “everybody will have his own TV channel.” In a 1968 interview with WDR, Fluxus artist Wolf Vostell described the concept of the iPhone as a portable device connecting people around the world through live video and audio, leading to the dissolution of architecture and politics as we know them. At the intersections of art, technology, and popular broadcast culture, the seminar rediscovers television as an artistic practice from a post-broadcast perspective. The seminar explores TV-formats, oscillating between avant-garde experimentation and popular entertainment, while participants producer their own television shorts for online streaming. --- Der Videokünstler Nam June Paik sah eine Zukunft, in der „jeder seinen eigenen Fernsehsender haben wird“. In einem Interview mit dem WDR aus dem Jahr 1968 beschrieb der Fluxus-Künstler Wolf Vostell das Konzept des iPhones als tragbares Gerät, das Menschen weltweit über Live-Video und -Audio miteinander verbindet und damit zur Auflösung von Architektur und Politik, wie wir sie kennen, führe. An der Schnittstelle von Kunst, Technologie und populärer Rundfunkkultur entdeckt das Seminar das Fernsehen als künstlerische Praxis aus einer Post-Broadcast-Perspektive neu. Das Seminar untersucht TV-Formate, die zwischen avantgardistischen Experimenten und populärer Unterhaltung oszillieren, während die Teilnehmer ihre eigenen Fernsehkurzformate für online streaming produzieren.

Du stehst am Eingang einer dunklen Höhle. Die Luft ist kalt, und du hörst, wie Wasser auf den Boden tropft. Möchtest du die Höhle betreten oder zurück in den Wald gehen? In den 80ern erreichten “Choose your own Adventure”-Bücher Kultstatus. Ihr Konzept narrativer Verzweigungen, ermöglicht es Leserinnen, den Text entlang unterschiedlicher Pfade zu rezipieren und gibt ihnen somit einen Hauch von Agency. Als digitale Nachfahren dieser Idee sind Text-Adventure-Games, die sich zwischen Literatur und Gaming bewegen, eine multimediale Expansion dieses Konzeptes. Das Seminar widmet sich nicht nur theoretisch den Charakteristika dieser Erzählform, sondern unser Ziel ist es, selbst ein eigenes Text-Adventure zu schreiben. Dafür nutzen wir das Programm Polyplot der Game-Entwicklerin Christiane Hütter. Das ermöglicht nicht nur die Einbindung von Sound und Bildern sowie auch Spielerein mit dem Satz. Es ermöglicht darüber hinaus, große Sprachmodelle als schriftstellerischen Sidekick zu nutzen, um Textpassagen generieren oder Branches ausarbeiten zu lassen. Das Seminar findet in Kooperation mit dem Institut für Literatur der Universität Hildesheim (Jenifer Becker) und Christiane Hütter statt. Die Hildesheimer Studierenden reisen für ein gemeinsames Kick-Off am 26.04.25 nach Köln, wo wir an einem Tag mit den Grundlagen der Software vertraut gemacht werden.

Eine gute literarische Übersetzung ist wie ein harmonischer, eleganter und kreativer Tanz mit dem Originaltext – passend zu seinem Rhythmus, respektvoll gegenüber seiner Absicht, spielerisch seine Einladungen zum Drehen und zum Mitsingen annehmend. Ohne die Fähigkeit, sich empathisch auf einen Text und seine kulturellen, sprachlichen, historischen, klanglichen ... Qualitäten einzulassen, kann gute Übersetzung nicht gelingen. Gängige Metaphern für den Prozess des Übersetzens enthalten ein dynamisches, zielgerichtetes Element, ein Text soll von einer Sprache in eine andere transportiert werden, ohne sein Wesen zu verändern. Wie läuft diese Bewegung ab? Gleitend, hüpfend, schlingernd? Was wäre eine Übersetzung, die nur Wörter und Sätze wiedergibt, ohne auf ihren Rhythmus und ihre Melodie zu achten? Kann man z.B. konkrete Poesie übersetzen und wie? Wie ist das bei Sprachen wie dem Chinesischen, dessen Schrift neben dem inhaltlichen auch ein visuelles Element enthält, mit dem ein Text spielen kann? Übersetzen ist dynamische kulturelle Praxis. In diesem Seminar werden wir daher neben den Grundlagen des literarischen Übersetzens unseren Fokus auch auf Fragen der Identität des Autors und der Autorin und ihren kulturellen und soziologischen Voraussetzungen und auf den sinnlichen Zugang zum Ausgangstext legen. Dabei kommt u.a. kulturtheoretische Übersetzungskritik von Rosemary Arrojo, Umberto Eco bis Lawrence Venuti zur Sprache und eigene Erfahrungsberichte von Literaturübersetzer*innen. Ich freue mich insbesondere, wenn die Teilnehmer*innen ihre eigene Bühnen-/Bild-/Gestaltungs-Erfahrungen in das Seminar einbringen und wir sie gemeinsam beim Erkunden literarischen Übersetzens anzuwenden lernen. Zur Einstimmung auf das Seminar unten einige online-Links. Außerdem möchte ich Sie bitten, einen eigenen kurzen Text (Gedicht oder Auszug aus Roman/Essay/Bühnenstück) mitzubringen, den Sie übersetzen möchten. Ausgangssprache beliebig, Zielsprache deutsch, ggf. Englisch. https://lareviewofbooks.org/short-takes/translation-as-a-dance/ https://kunstaspekte.art/event/shanshui-poesie-ohne-worte-2011-05 https://www.toledo-programm.de/journale/1178/uber-die-kinetik-von-namen-korpern-und-kulturen-1 Termine: Einführung am 8.4. 13 Uhr, Kompaktseminar vom 30.5.-1.6.

Art collectives immediately foreground the question of organization, particularly the organization of labor in art making as well as the individuation of the artist and art work. Moreover political collectives, research collectives, and social/familial collectives help to make visible the division of social reproductive labor in particular. This seminar is a comparative examination of how collectives explore their conditions of possibility. It will focus especially on how collectives attempt to experiment transversally with organizational form to address these questions. Special attention will be paid to these questions in the decolonial context, where the state presents particular obstacles and economic ‘development’ more still. We will enter into conversation, live and via zoom, with a number of contemporary collectives including Weekend Affair and Post-Museum in Singapore, KUNCI in Yogyakarta, Indonesia, and the Center for Convivial Research and Autonomy in California, USA. Some of the questions we will raise with the collectives include the gendered division of labor, state surveillance and sponsorship, collective approaches to the (dis)identity of the artist, the artwork, and the show. We will also examine our own practices of collectivity or barriers to such practices.

This course delves into the transformative role of artificial intelligence (AI) within the creative sectors, bridging technology and art to explore both its potential and pitfalls. As AI technologies like deep neural networks and quantum computing push toward human-level intelligence, this course investigates the impact, ethical considerations, and cultural phenomena associated with AI's advancements. From the inception of AI in the late 1950s to the present third wave of AI, students will examine how these technologies have evolved and their significant influence across various domains including industry, policymaking, arts, and education. Throughout the course, we will explore state-of-the-art AI tools utilized in the arts and scrutinize the "devil aspects" of AI, such as political and ethical concerns. The curriculum includes hands-on opportunities for students to engage with AI models for image generation, integrating these tools into their artistic practices to create unique pipelines that combine both AI and traditional artistic methods. The course aims to provoke thoughtful discussion and provide practical case studies that demonstrate creative and meaningful uses of AI. Students will learn to critically analyze the cultural, social and environmental impacts of AI, foster a deeper understanding of the technological processes behind AI, and develop their artistic outputs using AI technology. Course Objectives: - Experimentation and Innovation: Explore and experiment with the latest generative AI models. - Technical Skills Development: Learn to create unique pipelines that combine AI models with traditional non-AI processes. - Critical Analysis: Understand the capabilities and limitations of creative AI systems. - Historical Context: Gain insights into the history and current state of the field of creative AI. - Ethical Consideration: Evaluate the potential dangers and opportunities presented byDL, focusing on ethical and societal implications.

This seminar continues the journey begun in The Age of Deep Learning: Automated Creativity or Tools for Extending Minds?, building upon the theoretical foundations explored in the Winter Semester 2024/25. Shifting from theory to practice, The Age of Deep Learning II adopts a hands-on, studio-style approach, encouraging students to engage creatively with artificial intelligence technologies. Students will apply their understanding of AI and its artistic potential to develop original creative projects. Participants will conceptualise and produce artworks that leverage AI tools and methodologies, whether working individually or collaboratively. This practical focus is enriched by opportunities for peer and instructor feedback, as well as guidance on technical and artistic implementation. The seminar culminates in the presentation of these projects at the Rundgang event. In addition, the seminar may include an excursion to deepen further their understanding of AI’s role in contemporary culture and artistic practice. This seminar not only equips students with technical and conceptual skills but also fosters creativity and critical reflection on AI's transformative impact. By the end of the course, participants will have gained hands-on experience in bridging technology and art, contributing original works to the ongoing discourse on AI’s role in shaping contemporary culture.

The Black Sonic does not entail thinking about the history of music from Africa and the African diaspora. Instead, is entails studying the history of this music as thinking, as conceptual, as social experiment, and as the practice of ensemble and collectivity. In the seminar we will listen to reggae, calypso, zouk, juju, hi life, afro-beat, reggaeton, jazz, blues and more. We will read African diasporic writers on music including Ralph Ellison, Amiri Baraka, Angela Davis, and Nadia Ellis. We will invite guests to play music for us and discuss the thought, composition, and context of this music. We will also play music for each other. The Black Sonic will be a mode of studying the insurgent sound of liberation.

Using Ingmar Bergman’s Scenes from a Marriage (1972) as a case study, this seminar explores the dramatic arc of a feature film versus a mini-series adaptation—and strategies for modernising a classic story. A central focus is directing actors while working on scenes in a non-chronological order: how meaning, rhythm, and character development shift when individual moments are staged first and only later connected into an overall arc. The course combines close reading and discussion with hands-on practice. In the first sessions, we map the script’s dramaturgical structure. Students then act, direct, and film selected scenes in a deliberately simple setup (acting and directing only—no emphasis on lighting, production design, or complex découpage). All takes are screened and analysed together. During an Acting Special (15–16 May), we repeat the process with professional actors, followed by in-depth viewing and feedback. The seminar concludes with comparative screenings and discussions of Bergman’s feature and TV versions and the contemporary remake by Hagai Levi (2021) starring Jessica Chastain and Oscar Isaac, with particular attention to episodic structure, scene adaptation, and dramaturgical choices.

This seminar will explore the sometimes disavowed connections between the analytics of the Afro-pessimism theoretical movement and the historic and contemporary conditions in the occupied territory of Gaza, Palestine. How does this analytic shed light on these conditions and structural relations? How can a condition be both unique and exceptional on the one hand and in common on the other? Among the readings will be selections from Frank Wilderson and Jared Sexton, two premier thinkers in black studies today, as well as selections from Israeli and Palestinian analysts. This seminar will meet every two weeks during the semester and culminate in an intensive with a guest in the study week in July.

What does it mean or take to pierce through the current structures and forms of oppression, separation and isolation? This seminar begins in (home)sickness and our extraordinary capacity to persist without remedy. Our aim is to resist the modernist preoccupations with and calls to straightness, sanity or positionality. Our aim is to revive the liberation of our forms of longing for something or someone that is not here/now. Our aim is to thrive nonetheless, despite the normative efforts to understand and to cure the strangeness of our desires, and to do so by way of mobilizing and researching through the aesthetic/feeling of perforation. Drawing on interdisciplinary texts/media, this seminar bridges the roles of creativity and critique at the intersection of experimental writing, sound and image making, queer ecologies, and feminist & anticolonial methods. We will study the holy works of Nathaniel Mackey, Renee Gladman, Jamilah Sabur, Greg Tate, Geri Allen, Sandra Ruiz & Hypatia Vourloumis, with an interest in opening up the field of creative expression.

Die dokumentarfilmwoche hamburg versteht sich als Forum für den formal und inhaltlich anspruchsvollen Dokumentarfilm. Für Filme, die mit ihrem kritischen Ansatz künstlerische Formen finden, die den Möglichkeitsraum des Dokumentarischen ästhetisch und politisch ausloten. Gezeigt wird eine große Bandbreite an Produktionen, die von experimentellen, ohne Senderbeteiligung und Fördermittel erstellten Dokumentarfilmen bis hin zu herausragenden internationalen Koproduktionen reicht.  Ergänzt wird das regionalen, deutsche und internationale Filmprogramm durch eine jährlich stattfindende Retrospektive, sowie die diskursive Veranstaltungsreihe ›Positionen‹. Da neben dem Zeigen von Dokumentarfilmen das Sprechen darüber wichtig ist, werden zu jeder Veranstaltung die Filmemacher*innen eingeladen. Das Festival wird seit der ersten Ausgabe 2004 kollektiv organisiert. Die Exkursion lädt an mehreren Tagen zum gemeinsamen Filme sichten, diskutieren und reflektieren ein. Wir werden als Gruppe anreisen und dort untergebracht.  Teil der Exkursion ist auch ein Vor- und Nachtreffen. Gemeinsame Reisekosten, Übernachtung und Akkreditierung werden vom Seminar übernommen. The dokumentarfilmwoche hamburg sees itself as a forum for formally challenging, thought-provoking and demanding documentary films. For films that, through their critical approach, do not only strive to clarify subject matters, but also question inscribed codes and explore the aesthetic and political possibilities of the documentary form. The festival shows a broad spectrum of productions, ranging from experimental documentaries made without broadcasters’ participation and funding to outstanding international co-productions. The program provides an insight into the diverse works of the regional, national and international scene and their expression in the festival landscape. Part of the excursion is also a pre- and post-meeting. Joint travel costs, accommodation and accreditation will be covered by khm.

Im Seminar werden wir klassische und aktuelle Texte zum Phänomen der Globalisierung diskutieren. Wir werden uns mit Konzepten der ökonomischen Entgrenzung, kulturellen Verflechtung und digitalen Transformation beschäftigen. Wir fragen nach den diskursiven Rahmungen und gesellschaftlichen Effekten der räumlichen und zeitlichen Figuration von globaler Sozialität und den komplexen Wechselwirkungsverhältnissen zwischen Globalität und Lokalität. Ein Fokus wird dabei auf de-koloniale Kritiken an eurozentristischen Metanarrativen und den imperialen Macht- und Herrschaftsformen weißer Heteromaskulinität liegen. Einen weiteren thematischen Schwerpunkt bilden aktuelle Debatten zu den existentiellen Bedrohungslagen durch den anthropogenen Klimawandel und den damit im Zusammenhang stehenden geopolitischen Auseinandersetzungen und Forderungen nach einem Ende der Globalisierung. Vor diesem Hintergrund wollen wir im Seminar die Frage nach der Zukunft der Globalisierung stellen und radikal transformative Interventionen aus der Perspektive diverser Künstler*innen, Aktivist*innen und Wissenschaftler*innen diskutieren. Wir fragen nach den Reibungen und Konflikten, die mit der zunehmenden Robotisierung und Polarisierung soziotechnischer Assemblagen und den bisherigen kapitalistischen Lebensweisen einhergehen, nach ihren katastrophalen Folgen für betroffene Akteur*innen insbesondere in den Ländern des Globalen Südens, aber auch nach den Potenzialen einer politischen Ökologie für die Gestaltung künftiger neuer postanthropozentrischer Lebenswelten. Aus einer künstlerisch-experimentell orientierten Perspektive geht es daher darum, herkömmliche Weisen der Welterschließung und Weltbeschreibung zu dekonstruieren, um einerseits ökologisch unhaltbare Praktiken und Codes zu verändern und andererseits alternative Verfahren der Konstruktion und Kritik neu zu denken und gegenhegemoniale Strategien und Utopien zu entwickeln.

The horror of the real explores the intersection of fictional and documentary films, both portraying the gruesomeness and pain innate to experiences rooted in reality. It may be the intuition that something uncanny is surrounding you on the way to the supermarket, even though there is no material evidence for it. It may be the sonic memory of a destructive act you had to witness. It may appear as a highly subjective perception or one of collective character. Together we would like to take a closer look at different stories, human and non-human, mundane as well as extraordinary and find out why they terrify us. * In this autonomous seminar we will show a horror film each month that dissects the concept of reality. Afterwards there is going to be an open discussion.

The power tools section at the Baumarkt, the club, the dyke bar, the ballroom and the house, the bathroom, the park, the mosh pit, the gayborhood, the couch, the app, the psychiatrist’s office, the closet, the archive, the museum, the university, the nation state, the streets… – where and what are queer spaces? How do queers talk about queer spaces? What makes a space queer? What spaces made queers queer? With these questions in mind, we’ll be moving from 19th and early 20th century sexologist’s offices to the riots of the 1960s, through the ballrooms and cruising areas of the 1970s/80s, towards the 1990s and the www, and into discussions about violence and the securitization of queer spaces of recent decades. Regular reading required, most texts will be in English, some in German. We’ll most likely speak English & Dinglish in the seminar. Haupt- and Grundstudium possible (length of the Hausarbeit will differ).

Mit: Agustina Adreoletti / Rautenstrauch-Joest-Museum (RJM) Köln In this seminar, we will explore how colonial archives and collections can be critically developed and reflected upon. Students are free to choose what kind of idea they want to pursue; research and work can include methodological and/or thematic approaches to collections and archives, databases, or individual subjects in the collection. POSSIBLE TOPICS ‒ the visual and material culture of colonialism ‒ legacies of diverse colonial empires and coloniality in archives ‒ material and digital restitution and repair ‒ accessibility, conservation and participation ‒ engaging own communities in digital spaces ‒ digital infrastructure and alternative networks ‒ narratives and counter-narratives, and issues of memory ‒ human, more-than-human and institutional relations ‒ predatory inclusion and colonial debt ‒ discomfort and hope ‒ decolonisation of the unconscious The seminar includes access to the complete Rautenstrauch-Joest-Museum (RJM) database and visits to the museum’s depot. The outcomes of the seminar will be shown in RJM during September 2023. The Rautenstrauch-Joest-Museum is one of the largest ethnological museums in Germany; approximately 65,000 objects and 100,000 photographs are contained in its collections. Leaky Archive is a new digital project at the RJM which aims to work collaboratively and democratically on the collections in digital and analog spaces. http://www.rjm-leakyarchive.de/

This seminar accompanies the 5th edition of the Lagos Biennial, The Museum of Things Unseen, which reflects on how visibility is shaped—and withheld—by global systems of art, infrastructure, and power. We will explore how cultural visibility is conditioned by both technological structures and political decisions, examining the platforms, formats, and archives that govern what becomes public and what stays hidden. Rather than treating invisibility as a problem to be solved, the seminar considers it as a strategic condition. For certain individuals or communities, remaining unseen may be both tactical and necessary. We will reflect on the risks of exposure in a digital culture shaped by surveillance and extraction—and explore how opacity, fragmentation, or refusal can act as resistance. At the same time, we will investigate the possibilities and limits of interoperability between informal or community-driven archives—especially those resisting commercial or institutional capture. How can such collections circulate without being assimilated? How might they connect across networks without exposing themselves to the extractive logic of the open internet? Through research, discussion, and prototyping, the seminar will ask: – What are the technological underpinnings of being unseen? – How can visibility infrastructures be hacked or repurposed? – What tools, practices, and imaginaries are needed to share cultural memory without giving it away? Students will collaboratively develop contributions—installations, tools, performances, or speculative systems—for presentation as part of the Lagos Biennial OFF programme in autumn 2026. Language: English

This seminar continues from the Winter Semester's seminar, The L.A. Rebellion. It focuses on the films, actors, writers and directors of what is sometimes called the New Hollywood. A particular emphasis is placed on the political and historical context of this film-making, including the Vietnam war, the Black liberation movement, and the movement for women's and LGBTQ+ rights. Comparisons will be made with the earlier seminar, but attending the L.A. Rebellion winter semester seminar is not a required prerequisite. Texts will include works by George Jackson, Hunter S. Thompson, Grace Lee Boggs, Susan Sontag, Joan Didion and others. Readings will be on reserve in the library. The seminar will be conducted in English. The films will have English subtitles. Students will be required to keep a weekly journal.

In the late 1960's and early 1970's in Los Angeles, a new movement of black filmmakers emerged, named the L.A. Rebellion by film scholar Clyde Taylor. These young filmmakers sought to provide an alternative black cinema to the hegemonic Hollywood cinema. They engaged in collective film- making and in collective study of many international styles of film-making emerging at the time. Best known among these filmmakers was Julie Dash, Charles Burnett, and Haile Gerima, but the movement was much larger. At the same time in New York and Los Angeles, Hollywood was producing its own alternative, largely created by a new generation of Jewish and Italian American filmmakers. This alternative became known as the New Hollywood. It presented a grimier, more pessimistic set of narratives often focused on anti-heroes. This seminar will screen key films and explore the histories of these movements for connections, separations, and continuities. Students will be required to keep a weekly journal.

What is a sound in the language of your dreams? Mine is modumo (with its sibling mošito that means ‘beat’, ‘footstep’, ‘rhythm’ …). The root term ‘duma’, in Sesotho exists simultaneously as ‘wish’ and ‘desire’ in English, while homonymously meaning ‘rumble’, ‘thunder’ and ‘drone’ . On its route, it riffs to dumediša and dumedišana: ‘greet’ and ‘greet each other’ respectively, an invitation to a call and response. Dumela will then interject: ‘Hallo!’, ‘Hola!’ ‘Thobela!’ and so on and so forth, while its homonym suggests an ‘agreement’ or a ‘belief’ . Dumelela, on the other hand, evokes the foreboding notions of power and authority as it means to ‘allow’ or grant a ‘permission’ …  The seminar considers the everyday, quotidian presence of sound/music as fundamental sensibility to collective study, with a boundless capacity to “keep it moving” or “make things happen”. Sound as a path-breaker. Over two semesters, students will build a shared/communal soundsystem from scratch, accompanied by individual and/or experimental publications (think user guide/manual) that grounds the shared/communal soundsystem, engaging the question: what problem/s does this soundsystem have with the System?  Always with due respect to the Caribbean roots of soundsystem (in part a vital response to exclusion of Jamaicans in broadcasts), the seminar invites students to collectively analyse and respond to systemic-oppressive systems by imagining the potentialities of radical, joyful and rebellious inclusion promised by a soundsystem today, now, here and elsewhere.  While the home for the seminar is Room 2 the making of the soundsystem and all facilities and infrastructure that KHM has to offer. Most importantly, the seminar will engage, and make use of the world outside KHM through multiple modalities excursions including but not limited to crate diggin’, festivals, recording studios, archive homes/centres, cinema, the streets…  Collective outcome: A shared, functional, mobile and sustainable soundsystem  Individual and or sub-collective outcomes: RISO+ publications

What is a sound in the language of your dreams? Mine is modumo (with its sibling mošito that means ‘ beat’, ‘footstep’, ‘rhythm’ …). The root term ‘duma’, in Sesotho exists simultaneously as ‘wish’ and ‘desire’ in English, while homonymously meaning ‘rumble’, ‘thunder’ and ‘drone’ . On its route, it riffs to dumediša and dumedišana: ‘greet’ and ‘greet each other’ respectively, an invitation to a call and response. Dumela will then interject: ‘Hallo!’, ‘Hola!’ ‘Thobela!’ and so on and so forth, while its homonym suggests an ‘agreement’ or a ‘belief’ . Dumelela, on the other hand, evokes the foreboding notions of power and authority as it means to ‘allow’ or grant a ‘permission’ … The seminar considers the everyday, quotidian presence of sound/music as fundamental sensibility to collective study, with a boundless capacity to “keep it moving” or “make things happen”. Sound as a path-breaker. Over two semesters, students will build a shared/communal soundsystem from scratch, accompanied by individual and/or experimental publications (think user guide/manual) that grounds the shared/communal soundsystem, engaging the question: what problem/s does this soundsystem have with the System? Always with due respect to the Caribbean roots of soundsystem (in part a vital response to exclusion of Jamaicans in broadcasts), the seminar invites students to collectively analyse and respond to systemic-oppressive systems by imagining the potentialities of radical, joyful and rebellious inclusion promised by a soundsystem today, now, here and elsewhere. While the home for the seminar is Room 2 the making of the soundsystem and all facilities and infrastructure that KHM has to offer. Most importantly, the seminar will engage, and make use of the world outside KHM through multiple modalities excursions including but not limited to crate diggin’, festivals, recording studios, archive homes/centres, cinema, the streets… Collective outcome: A shared, functional, mobile and sustainable soundsystem Individual and or sub-collective outcomes: RISO+ publications Since the seminar is ongoing since winter semester, new participants are required to submit a brief motivation that indicates your gravitation towards our sound system. Your motivation can take the form of conventional text, or employ any form of creative impulse. Please email the motivation to rangoato.hlasane@khm.de by 16th March 2026.

Over the past two semesters the seminar asked the question: what problem/s does this soundsystem have with the System? We have arrived at not an answer. Instead, we arrived at way too many questions, all captured in a list of diagnostic tools… DREAM BIG Sound System - DBSS Unordnungsamt Sound System - USS Public Disssorder Sound System - PDsSS Post Traumatic Sound Dissorder System - PTSDsS Embracing CHAOS Sound System - ECSS Rules are for Breaking Sound System - RafBSS Broken Rules for Broken Humans Sound System - BRfBHSS Cis-tem Breaking Sound Rules Sound System - CtBSRSS Disordering Rules Sound System - DRSS Break Core Sound System - BCSS Chaos Core Sound System - CCSS Breacord Sound System - BSS Sis-tem Sound - SS Assata Shakur Sound Sistem - ASSS Dissounding Dis Sound System - DDSS Nightmare Sound System - NSS Miss Transmission Sound System - MTSS The House of MissTranslation Sound System - THoMtSS … to be crystallised and revealed at our first soundsystem stack launching at Rundgang 2026, when the invocation and naming will reveal itself. Over two semesters, students will dive deeper to build the second stack - a shared/communal soundsystem from scratch, with experimental publications (think: user guide/manual) that grounds the communal soundsystem. Always with due respect to the Caribbean roots of the soundsystem the seminar invites a collective analysis and response to systemic-oppressive systems while rehearsing potentialities of radical, joyful and rebellious inclusion promised by a soundsystem today, now, here and elsewhere. The seminar will engage, and make use of the world within and outside of KHM through multiple modalities that starts with operating and activating our first stack of soundsystem as well as excursions including but not limited to: crate diggin’; concerts; archive homes/centres; the streets… PLANNED EXCURSIONS still under discussion Pssound System - Brussels, Belgium Van Abbenmuseum, Netherlands in the context of Collection as Cosmos exhibition Kunst Academy Düsseldorf sculpture Rundgang RECOMMENDED LITERATURE Rizvana Bradley, 2023. Anteaesthetics: Black Aesthesis and the Critique of Form Kodwo Eshun, 1998. More Brilliant than the Sun: Adventures in Sonic Fiction Louis Chude-Sokei, 2008. ‘Dr Satan’s Echo Chamber: Reggae Technology and the Diaspora Process’ Common, 2000. A Song for Assata Johnny Dyani, 1979. A Song for Biko Audre Lorde Your Silence, 2017. Will Not Protect You Assata Shakur, 1987. Assata: An Autobiography June Jordan, 2017. I Must Become a Menace to My Enemies

„Oh, Sie übersetzen Lyrik …! (ehrfurchtsvolle Pause) … aber … (zweifelnder Ausdruck) geht das überhaupt?“ Während ein übersetzter Prosatext oft behandelt wird, als sei er das Original, begegnet man bei der Übersetzung von Lyrik der Vorstellung eines unantastbaren Originalgedichts, das durch die Übersetzung auf jeden Fall beschädigt würde. Aber was soll das sein, ein Originalgedicht, wenn schon Dichten „ein Übersetzen ohne gesicherte Zielsprache“ ist (Uljana Wolf)? Wo fängt das Original an, wenn jeder Denk-, Sprech-, Schreibakt eine Übersetzung von Ding zu Wort ist? Wenn Kommunikation schon immer als Lost in translation funktioniert? Und ist nicht jede Kunstform eine Übersetzung? Um herauszufinden, was geht und was nicht geht, und um das Original zum Wackeln zu bringen, werden wir mehrsprachige Gedichte übersetzen, aus unbekannten Sprachen und in wenig bekannte Sprachen übersetzen, in die Ausgangssprache zurückübersetzen, bereits existierende Übersetzungen analysieren und unsere Lieblingsgedichte in unsere Wahlsprache übersetzen. Meine Idee ist es, anhand dieser spielerischen Herangehensweise grundsätzliche und praktische Fragen zum Übersetzen von Lyrik mit euch zu teilen. Ich freue mich über Teilnehmer*innen aller Sparten. Deutsch und/oder Englisch als Kommunikationssprache wären von Vorteil, alle anderen Schreibsprachen sind willkommen. Bitte bringt ein oder mehrere Lieblingsgedichte mit, die ihr gerne übersetzen möchtet. Literatur zur Vorbereitung und Anregung: Uljana Wolf: Etymologisches Gossip. Essays und Reden. Kookbook 2021; Georg Steiner: After Babel. Aspekte der Sprache und des Übersetzens. Suhrkamp 2014; Graf, Daniel „Unübersetzbar!“ Noten zur Begriffspolyphonie oder Nachtrag zu inter_poems. Merkur Heft 815/2017. Sehr spannend auch die einzelnen Beiträge zu interpoems unter „Lyrik“ Merkur Heft 807-812 (alle 2016); Nachdichten. Hrsg. von Jan Wagner/Jo Lendle. Akzente 2/2017. Und diese unerschöpfliche Quelle zur Übersetzung nicht nur von Lyrik: https://www.toledo-programm.de

1984 erschien ein Buch mit dem sonderbaren Titel: „The Policeman’s Beard is Half Constructed“. In weißen Lettern auf knallrotem Einband wurde behauptet, dies sei “The first book ever written by a computer”. Autor der Computerprosa und Poesie war Racter, eine Software, entwickelt von William Chamberlain und Thomas Etter. Versprochen wurde nicht weniger als eine bizarre und fantastische Reise in den Geist einer Maschine. Um so eine Reise, vielmehr verschiedene Reisen, geht es im Seminar. Wir wollen uns die frühen und vor allem die heutigen algorithmischen Methoden näher ansehen, mit denen Computer-Fiktion erzeugt wird. Literarische Texte werden normalerweise in einer bestimmten Absicht und für Adressaten geschrieben. Dem Verhältnis zwischen Autor*in und Leser*in liegen also zwei Annahmen zugrunde: Erstens, dass Leser*innen glauben, die Autor*innen möchten ihnen etwas mitteilen, und zweitens, dass Autor*innen möchten, dass Leser*innen ihre Texte verstehen. Diese „hermeneutische Vereinbarung“ ist bei computergenerierten Texten nicht erfüllt. Wer würde ernsthaft annehmen, dass Software etwas mitteilen möchte oder daran interessiert ist, dass Leser die Texte verstehen? Doch wozu dann das Ganze? Tatsächlich gibt es nach wie vor menschliche Autor*innen, nämlich Codepoeten, Codeliteraten, die als Programmierer klare Absichten verfolgen. Das Spiel zwischen Autor*innen und Leser*innen wird also lediglich auf eine abstraktere Ebene verlagert. Zwischen Autor*in (Programmierer*in) und Leser*in tritt ein weiteres Element, der Algorithmus, der die eigentliche Textproduktion übernimmt. Solche Algorithmen, aber auch deren Produkte und Autoren werden wir uns im Seminar näher ansehen.

Our slide against the professionalization of the senses takes the form of a bundle of nebulous desires. This is how we roll to preserve the realness of flesh and feeling. Not by contracting civility and citizenship, nor by substituting our transversal, strange experiments to the honing of skills and the definition of the present. Our radiance is too dark to be selective. And maybe what we do together is too volatile, tender, or febrile to qualify us for the task. Maybe we are too busy working on how to get to the other side of aesthetics, the other side of the sensational world, while moving hesitantly in the galactic, universal blackness of the hole. This seminar with include an intensive week in May at PAF, the Performing Arts Forum outside Paris in St. Erme, France.

Although the Internet is the largest infrastructure ever built in human history, it remains largely invisible, difficult to fully perceive. It’s everywhere and nowhere at once—shaping how we access information, what we see, how we communicate, where we go, and what we desire. This seminar asks: what is the Internet, really? What does it consist of, how did it come to be, and how is it changing?  We begin by exploring its physical infrastructure of the Internet is today—cables, servers, protocols—where this infrastructure emerged from, as well as the ways it is made visible, represented, or hidden. We touch briefly on how it works, but our focus is on how it shapes everyday life. We move through a loosely chronological series of sessions that examine key moments in its development looking at the early days of networked communication—military research, cybernetics, and systems thinking—before exploring how dreams of community, freedom, and decentralisation became tied to these emerging technologies. We look at how the web became commercialised and centralised—with the rise of targeted advertising, data extraction, tracking technologies, and platform capitalism—whilst at the same time continuing to promise decentralisation, both in Web 2.0 and Web3. Finally we look at the environmental impact of digital infrastructures and the broader environmental metaphors we use to think about networks—from graphs and clouds to forests and underground rhizomes.  The seminar encourages a critical and curious approach to the internet—not just as a tool we use, but as a technical, social, political, ideological, and cultural system we live within. Through discussion, reflection, and engagement with a range of historical materials, artworks, and guests, we explore how the internet shapes our everyday lives, global economies, political realities and even emotional and bodily experiences, and how we might begin to better perceive and reimagine its potential in the world.

Although the Internet is the largest infrastructure ever built in human history, it remains largely invisible, difficult to fully perceive. It’s everywhere and nowhere at once—shaping how we access informaDon, what we see, how we communicate, where we go, and what we desire. This seminar asks: what is the Internet, really? What does it consist of, how did it come to be, and how is it changing? We begin by exploring its physical infrastructure of the Internet is today—cables, servers, protocols—where this infrastructure emerged from, as well as the ways it is made visible, represented, or hidden. We touch briefly on how it works, but our focus is on how it shapes everyday life. We move through a loosely chronological series of sessions that examine key moments in its development looking at the early days of networked communication— military research, cybernetics, and systems thinking—before exploring how dreams of community, freedom, and decentralisation became tied to these emerging technologies. We look at how the web became commercialised and centralised—with the rise of targeted advertising, data extraction, tracking technologies, and platform capitalism—whilst at the same time continuing to promise decentralisation, both in Web 2.0 and Web3. Finally we look at the environmental impact of digital infrastructures and the broader environmental metaphors we use to think about networks—from graphs and clouds to forests and underground rhizomes. The seminar encourages a critical and curious approach to the internet—not just as a tool we use, but as a technical, social, political, ideological, and cultural system we live within. Through discussion, reflection, and engagement with a range of historical materials, artworks, and guests, we explore how the internet shapes our everyday lives, global economies, political realities and even emotional and bodily experiences, and how we might begin to better perceive and reimagine its potential in the world.

Stunts und Kampfszenen sind ein wichtiger Teil der Filmgeschichte. Gefahr, Gewalt und extreme physische Belastungen und Aufgaben der Filmfiguren sind häufiger Bestandteil filmischer Stoffe. In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit den Möglichkeiten von Kampfszenen und Filmstunts. Wir analysieren entsprechende Szenen der Filmgeschichte und ihre Wirkung auf den Zuschauer. Wie können solche Szenen angelegt werden? Wie verschieden können sie gestaltet sein und in welcher Weise der Tonalität der Erzählung entsprechen? Wie gestaltet sich die Zusammenarbeit zwischen Autorenschaft, Regie, Kamera, Darstellern, Stunt-Koordinatoren und Produktion? Im praktischen Teil werden wir in Zusammenarbeit mit Stunt-Koordinator Simon Schwarzwald eine Sequenz erarbeiten und an einer Original-Location drehen. Dabei wollen wir bestimmte filmische Atmosphären berücksichtigen und verschiedene Dreh- und Schnitt-Versionen herstellen.

Soziale Roboter sind ein fester Bestandteil unserer sozialen Lebenswelt geworden. Sei es in Form von teilautonomen Industrierobotern in der Fertigungs-, Agrar- und Forstwirtschaft oder mit künstlichen Emotionen, Tast- und Feinsinn ausgestatteten Spielzeug-, Pflege-, Lern- und Sexrobotern im Bereich der Privatsphäre, Altenpflege, Kindererziehung oder Bildung. Sie begegnen uns weltweit in unterschiedlichen kulturellen Kontexten und in immer mehr verschiedenen Größen und Gestalten, die zuweilen weniger an Menschen als vielmehr an Tiere oder gar Cartoons erinnern. Neben Hardwarerobotern, etwa in Form von Service-, Sicherheits- und Kampfrobotern in der Kriegsindustrie werden inzwischen auch Softwaresysteme wie etwa Chatbots zu den sozialen Robotern gezählt. Diese Entwicklungen stellen uns vor weitreichende Fragestellungen. Wie verändert die Mensch-Roboter-Interaktion unsere Kommunikation und unser Verhalten? Welche Folgen für unsere Wert- und Normvorstellungen ergeben sich daraus? Was bedeutet diese Hybridisierung von Sozialität für das Selbstverständnis des Menschen? Welche Theorien können uns diesen radikalen Wandel erklären? Fragen dieser Art betreffen im Kern eine tiefgreifende sozio-technische Neukonfiguration planetarer Gesellschaftlichkeit auf die konventionelle Theorien der Globalisierung und Digitalisierung bisher jedenfalls nur unzureichende Erklärungen gefunden haben. Im Seminar wollen wir aus einer experimentell orientierten künstlerisch-wissenschaftlichen Perspektive spekulative Fabulationen auf diese Zukunftsfragen entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich soziale Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Zudem wollen wir klären, ob und wie wir das Handeln sozialer Roboter qualifizieren können. Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Kunst- und Arbeitswelt, die Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen alternative Visionen einer transformativen Ethik der Roboter im Zentrum der Diskussion. Literatur: Zu Beginn des SoSe 2023 wird ein Reader zur Verfügung stehen. Auf Grund der hohen Resonanz und auf Wunsch der Studierenden dient die Lehrveranstaltung zur Fortführung und Vertiefung des Seminars „Social Robots“, das im WS 2021/2022 gehalten wurde.

This seminar will draw connections between the body of cinematic work that came to be known as Third Cinema and its context in various manifestations of the political movement of Third Worldism from Bandung in Indonesia to the Tricontinental Conference in Cuba. Texts will include work from Vijay Prashad, Glauber Rocha's 'An Aesthetics of Hunger' and Fernando Solana and Octavio Gatino's Toward a Third Cinema. Readings will be on reserved in the library. The films will also be considered in light of the re-emergence of overt forms of imperialism and the wider conditions of political film-making today. The seminar will be conducted in English, and films will be subtitled in English. Students will be required to keep a weekly journal.

1917 schrieb Wallace Stevens sein berühmtes Gedicht "Thirteen Ways of Looking at a Blackbird", eine Reihe von dreizehn Textminiaturen, die dadurch verbunden sind, dass in jeder das Wort "blackbird" – Amsel, vorkommt. Auf diesen Ansatz, der die poetische Erkundung des Potentials und Spektrums eines Wortes beleuchtet, bezieht sich der Titel. In dem Seminar soll es um praktische Annäherung an Worte / Sprache im Hinblick auf Übersetzung im weiteren Sinne gehen. Das betrifft sowohl die Übersetzung von einer Sprache in die andere, als auch – je nach Interessengebiet der Bewerber*innen – die Umsetzung nichtsprachlicher Ausdrucksformen (z. B. Bild, Musik) in Sprache. Es soll dabei um Fragen von Konsens und Konvention gehen, die unseren Umgang mit Sprache bestimmen und beschränken, und um Sprache als Material jenseits der Mitteilungsfunktion. Das Gedicht "Thirteen Ways of Looking at a Blackbird" soll die Grundlage für Übersetzungsversuche bilden, dazu werden sicher noch ein oder zwei andere Gedichte kommen, und darüber hinaus werden die folgenden Lektüren empfohlen. Die Gastdozentur wird gefördert vom Deutschen Übersetzerfonds aus Mitteln des Neustart Kultur Programms.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar wöchentlich analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar wöchentlich analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten oder gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar wöchentlich analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden. Two people talking to each other. At a table. They look at each other. They scrutinise each other, they check each other, they argue or confess their affection. What seems so easy is often the product of hard-earned staging, which is the focus of this seminar. The seminar participants will write their own scenes, stage them and also act in the other directors' scenes in front of the camera (filming location: seminar room; available light). The editing of the scenes is then analysed and discussed weekly in the seminar. Whether with a precisely worked out script scene or as an improvisation: The focus here is on trying things out. Everyone has the opportunity to use the freedom offered by the seminar to find their own narrative voice for the production.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten oder gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden. Two people talking to each other. At a table. They look at each other. They scrutinise each other, they check each other, they argue or confess their affection. What seems so easy is often the product of hard-earned staging, which is the focus of this seminar. The seminar participants will write their own scenes, stage them and also act in the other directors' scenes in front of the camera (filming location: seminar room; available light). The editing of the scenes is then analysed and discussed weekly in the seminar. Whether with a precisely worked out script scene or as an improvisation: The focus here is on trying things out. Everyone has the opportunity to use the freedom offered by the seminar to find their own narrative voice for the production.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten oder gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden. --- Two people talking to each other. At a table. They look at each other. They scrutinise each other, they check each other, they argue or confess their affection. What seems so easy is often the product of hard-earned staging, which is the focus of this seminar. The seminar participants will write their own scenes, stage them and also act in the other directors' scenes in front of the camera (filming location: seminar room; available light). The editing of the scenes is then analysed and discussed weekly in the seminar. Whether with a precisely worked out script scene or as an improvisation: The focus here is on trying things out. Everyone has the opportunity to use the freedom offered by the seminar to find their own narrative voice for the production.

Ton im Dokumentarfilm ein zweitägiger Workshop von Philip Scheffner und Pascal Capitolin (Pascal Capitolin ist Tongestalter, Set-Recordist und Filmemacher mit 30 Jahren Praxiserfahrungen bei Spiel- und Dokumentarfilmen. Er ist leitender Dozent des Studiengangs Montage Bild &Ton an der DFFB Berlin. Pascal Capitolin war u.a. mitverantwortlich für die Konzeption, Aufnahme und Gestaltung der Tonebene bei vielen Filmen von Philip Scheffner.) Was höre ich? Wie konstruiert Ton unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit? Welche Rolle spielt Ton im Dokumentarfilm? Welche Hierarchien bestehen zwischen Bild und Ton? Wie lassen sich diese Hierarchien nutzbar machen oder unterlaufen um zu einem anderen Verständnis von Wirklichkeit zu gelangen? Und – welches Mikrofon verwende ich denn nun? Pascal Capitolin und Philip Scheffner werden sich diesen Fragen auf der Basis ihrer langjährigen Zusammenarbeit gemeinsam mit den Teilnehmer*innen annähern. Das Seminar beinhaltet die Diskussion filmischer Arbeiten mit Fokus auf den Ton, beispielhafte Analysen und Erfahrungsberichte zur Tonkonzeption eigener Projekte sowie einen praktischen Teil, in dem grundlegende Methoden der Tonaufnahme erprobt werden können.

(Pascal Capitolin ist Tongestalter, Set-Recordist und Filmemacher mit 30 Jahren Praxiserfahrungen bei Spiel- und Dokumentarfilmen. Er ist leitender Dozent des Studiengangs Montage Bild &Ton an der DFFB Berlin. Pascal Capitolin war u.a. mitverantwortlich für die Konzeption, Aufnahme und Gestaltung der Tonebene bei vielen Filmen von Philip Scheffner.) Was höre ich? Wie konstruiert Ton unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit? Welche Rolle spielt Ton im Dokumentarfilm? Welche Hierarchien bestehen zwischen Bild und Ton? Wie lassen sich diese Hierarchien nutzbar machen oder unterlaufen um zu einem anderen Verständnis von Wirklichkeit zu gelangen? Und – welches Mikrofon verwende ich denn nun? Pascal Capitolin und Philip Scheffner werden sich diesen Fragen auf der Basis ihrer langjährigen Zusammenarbeit gemeinsam mit den Teilnehmer*innen annähern. Das Seminar beinhaltet die Diskussion filmischer Arbeiten mit Fokus auf den Ton, beispielhafte Analysen und Erfahrungsberichte zur Tonkonzeption eigener Projekte sowie einen praktischen Teil, in dem grundlegende Methoden der Tonaufnahme erprobt werden können. Sound in documentary film a workshop by Pascal Capitolin and Philip Scheffner (Pascal Capitolin is a sound designer, set-recordist and filmmaker with 30 years of practical experience in feature films and documentaries. He is a senior lecturer in the Montage Bild &Ton programme at the DFFB Berlin. Among other things, Pascal Capitolin was jointly responsible for the conception, recording and design of the sound for many films by Philip Scheffner). What do I hear? How does sound construct our perception of reality? What role does sound play in documentary film? What hierarchies exist between image and sound? How can these hierarchies be used or undermined to arrive at a different understanding of reality? And - which microphone do I use? Pascal Capitolin and Philip Scheffner will approach these questions together with the participants on the basis of their many years of collaboration. The seminar will include a discussion of film works with a focus on sound, exemplary analyses and field reports on the sound conception of own projects as well as a practical part in which basic methods of sound recording can be tried out.

Ein Seminar, in dem die Programme TouchDesigner für interaktive Arbeiten und Resolume für Video-Mapping erlernt werden und diese Kenntnisse zur Erstellung von Projekten angewendet werden. Gast: Paco Croket

Taktiles Wahrnehmen, Berühren bedeutet neben Orientierung vor allem mit verschiedenen Sinnen Umwelt in ihrer Materialität zu erfahren. Da sich Körper in Bewegung, in beständiger Veränderung befinden, wird Berühren mit Erin Manning relational, interaktiv sozial und politisch in anderen Raum- und Zeitverhältnissen gedacht. Hingegen sind es auch Gesten taktiler Kommunikation, die über Interfaces wie Touchscreens und berührungssensible Oberflächen virtuelle Interaktion ermöglichen und erweitern. In ihrer feministisch-haptischen Filmtheorie hatte Laura U. Marks bereits früh untersucht, wie taktile Visualität und -Kritik ineinander übergehen. Dabei geht sie Anverwandlungen und Abdrücken dieser haptischen Filmtheorie nach und wie diese Nah- und Fernsicht miteinander in Beziehung setzen. Ein wesentlicher Bezugspunkt ist somit, wie Karen Barad Berührung und Theoretisierung denkt und miteinander verschränkt, indem sie mit der Quantenfeldtheorie Berühren als elektromagnetisches Abstoßen, als Selbst-Berührung, als Alterität und Perversität, als unendliche Möglichkeiten und Unbestimmtheiten, die ein gleichzeitiges Herstellen und Auflösen [un/doing] beschreiben. In der Kunst und -wissenschaft sind vielfach die Spuren oder Abdrücke, die prozessualen und prozeduralen Erzeugnisse des Berührens und des damit verbundenen Körpers bearbeitet und reflektiert worden, etwa mit Georges Didi-Hubermans Studie zu Ähnlichkeit und Berührung. Im Seminar gehen wir den unterschiedlichen Verbindungen von Taktilität, Berührung und Theorie nach, verhandeln Politiken der Berührung in postmedialen künstlerischen Arbeiten und in Ausstellungsexkursionen. In addition to orientation, tactile perception, touching means above all experiencing the environment in its materiality with different senses. Since bodies are in motion, in constant change, touch with Erin Manning is conceived relationally, interactively socially and politically in differing spatial and temporal relationships. On the other hand, it is also gestures of tactile communication that enable and expand virtual interaction via interfaces such as touchscreens and touch-sensitive surfaces. In her feminist-haptic film theory, Laura U. Marks examined early on how tactile visuality and criticism merge. She explores the transformations and imprints of this haptic film theory and how they relate close-up and distant vision to one another. An essential point of reference is thus how Karen Barad thinks and interweaves touch and theorization by using quantum field theory to describe touch as electromagnetic repulsion, as self-touch, as alterity and perversity, as infinite possibilities and indeterminacies that simultaneously produce and dissolve [un/doing]. In art and art theory, the traces or imprints, the processual and procedural products of touching and the body associated with it have often been processed and reflected upon, for example in Georges Didi-Huberman's study on similarity and touch. In the seminar we will explore the various connections between tactility, touch and theory, negotiate the politics of touch in post-media artistic works and in exhibition excursions. Vorgeschlagene Literatur/Suggested readings: Karan Barad, „Berühren – das Nicht-Menschliche, das isch also bin (V.1.1)“, in: Susanne Witzgall/Kerstin Stakemeier (Hg.), Die Macht des Materials/Politi der Materialität, Zürich 2014, S. 163–176. Jaques Derrida, On touching – Jean-Luc Nancy, Stanford 2005. Georges Didi-Huberman, Ähnlichkeit und Berührung. Archäologie, Anachronismus und Modernität des Abdrucks, Köln 1999. Christiane Krejs/Ursula Maria Probst (Hg.)Touch the reality. Rethinking Keywords of Political Performance (dt./engl.), Ausst.-Kat. Kunstraum Niederösterreich, Wien 2016. Erin Manning, Politics of Touch. Sense, Movement, Sovereignty, Minneapolis/London 2007. Laura U. Marks, Touch Sensuous Theory and Multisensory Media, Minneapolis 2002.

»Maybe transfeminism is a placeholder for something that’s still to be thought.« (McKenzie Wark) Transantagonism, antifeminism, and antigenderism have become one of the main languages of the global far right. Moral panics and politics of fear surrounding trans_gender issues have fueled fascization processes and authoritarian drifts in many places. At the same time, antiracist travesti- and transfeminist practice counters fascization with a refusal to concede to cisheteronormativity, with mutual aid practices, and an insistence on physical self-determination. What are transfeminist answers to fascist threats? What does current transfeminist antifascist organizing look like? Understanding transfeminism as an antifascist practice, we will read and analyze theories of fascization and transfeminist texts and manifestos that go beyond questions of representation or identity and stay suspicious of categorizations.

In this seminar, we will discuss the transformative potential of interventionist, engaged and 'video as research' filmmaking and draw new approaches of symbiosis between filmmaking, social-anthropology and activism. We will explore the transformative and methodological potential of the selected films and the value of the collaborative co-creative, decolonizing and transformative approach of 'video as research' methodologies with the aim to produce something of local value. We will explore 3 projects in Africa, Latin America and Europe with 2 invited guest-lecturers: Ecofeminist filmmaker Soledad Fernández Bouzo, sociologist, doctor in social sciences and CONICET researcher at the Gino Germani Institute in Buenos Aires. Video artist, filmmaker and cultural worker Ayşe Kalmaz dedicates herself to various art, theatre and online cultural projects with a focus on intercultural conflicts, racism and migration, based in Dortmund. The seminar creates also space to develop your own interventionist, transformative documentary. Bring your ideas, questions, projects in the making.

Ökologie meint die Lehre von Relationen und dynamischen Wechselbeziehungen. In einem erweiterten Verständnis überwindet die Ökologie die Trennung zwischen Natur und Kultur und situiert den Menschen inmitten von Umwelten. Das beeinflusst wiederum unser Verständnis von Zeit und Ökologie: Sich auf diese Weise mit Ökologie zu befassen bedeutet weniger, sich mit der Zukunft zu befassen als mit den in der Gegenwart existierenden Verbindungen von menschlichen und anders-als menschlichen Wesen. Diese Beziehungen sind für unser Denken oft ungefügig, sie sind beunruhigend und sollten – das werden wir diskutieren – auch unruhig bleiben. In diesem Seminar wollen wir verschiedene Sichtweisen eines erweiterten Ökologiebegriffs kennenlernen. Wir wollen Ökologien weniger „von außen“ analysieren, sondern lernen, relational und damit ökologisch zu denken. Dabei helfen uns nicht nur Texte von Félix Guattari und Suely Rolnik, sondern vor allem auch queer-feministische Ansätze von Donna Haraway und Anna L. Tsing. Literatur: Félix Guattari, Die drei Ökologien, Wien 1994 Donna Haraway, Staying with the Trouble, Durham 2016 (dt. Unruhig bleiben, Frankfurt/M. New York 2018) Anna L. Tsing, The Mushroom at the End of the World, Princeton 2015 (dt.: Der Pilz am Ende der Welt. Über das Leben in den Ruinen des Kapitalismus, Berlin 2018) Ökologien der Sorge, hrsg. von Tobias Bärtsch u.a., Wien u.a. 2017 Hybride Ökologien, hrsg. von Susanne Witzgall u.a., Zürich 2019

»Ein Gedicht entsteht überhaupt sehr selten - ein Gedicht wird gemacht«, schrieb einst Gottfried Benn in seiner Rede „Probleme der Lyrik“. Ein Gedicht wird also gemacht. Aber wie »macht« man ein Gedicht? Wie stehen sich Form und Inhalt gegenüber? Ist die Form denn nicht schon das Gedicht selbst? Welche Bedeutung kommt dem Klang, welche dem Rhythmus zu? Was unterscheidet einen Trochäus von einem Daktylus? Und spielen Fragen wie diese eine Rolle, wenn wir uns selbst an Gedichten versuchen? Kann man ein Gedicht verstehen oder verfehlt schon allein dieser Wunsch das Gedicht? Darf man im Gedicht erzählen, und wenn ja, wie? Vertragen Gedichte Pointen? Die Lyrik ist wohl jene Gattung, in der am häufigsten durch bloßes Antippen Bilder, durch Aussparungen Bedeutungen entstehen. Gedichte können „vokabelfrohe Mischungen aus Sprachfetischen und Wordüberdrehtheiten“ sein, wie es bei Michael Lentz heißt. Mal ist ein hochartifizielles Sprachbewusstsein am Werk, mal bricht sich ein lakonischer Parlando-Ton Bahn. An ausgewählten Beispielen aus der Tradition und der Gegenwartslyrik werden wir im Seminar untersuchen, mit welchen Mitteln die Verwandlung der Welt ins Wort gelingt, um für die eigene Arbeit daraus zu lernen.

Die Filmgeschichte durchlief verschiedene Phasen des Umgangs mit Farbe im Film: Vom handkolorierten schwarz-weiß Film über den 2 - und 3 -streifigen Farbfilm, bis zum heute noch gebrauchten einstreifigen Farbfilm; von Brownschen Röhren bis zu heute gebräuchlichen Sensoren zur elektronischen Verarbeitung von Lichtsignalen durch optische Abbildungsverfahren. Die Aufzeichnung muss immer im System von Aufzeichnung und Wiedergabe für die „statistisch durchschnittliche menschliche Wahrnehmung und Informationsverarbeitung“ betrachtet und analysiert werden. Also wer zeichnet für wen welche Bildinhalte mit welcher Aussage- und Gestaltungsabsicht auf und wie wird die Aufzeichnung / Wiedergabe -statistisch betrachtet- wahrgenommen und verarbeitet? Ausgehend von technologischen Entwicklungen werden wir über wahrnehmungs-psychologische und ethische Fragen sprechen, die das Maß der möglichen Manipulation von Rezipienten bestimmen. Und wie entwickelte sich das dialektische Verhältnis von Moden und Sehgewohnheiten? Kann uns grün dabei beruhigen und schafft blau hier wirklich Vertrauen? Termine: 15. + 29.04., 13. + 27.05., 10. + 24.06., 01.07.

This seminar explores the inter-connections of revolutionary struggles in Asia since 1945. It traces the leaders, both women and men, who circulated in the underground of colonized Asia. It also reveals the legacy of these agents of revolution in Asia's uprisings, many of which are ignored or unknown in the 'West.' The seminar will also examine the theories of anti-colonialism in Asia as distinct from other parts of the colonized world, and as entangled with the history of revolutionary thought.

englisch/ deutsch Wie lesen wir? In welcher Weise nähern wir uns Text und Theorie? Wie erleben wir das eigene und gemeinsame Lesen? Was bedeutet es, an Texten zu scheitern, aber auch, durch Sprache, Zeit, Wiederholung, parallele Lektüren mit Texten zu arbeiten und mit ihnen/gegen sie zu denken? Im Seminar lesen wir – auch mit eingeladenen Gäst*innen – film-, kultur- und kunstwissenschaftliche, philosophische Texte, die sich in mit dem Unlearning, dem Verlernen als Verfahren befassen. Dieses versteht Gayatri Chakravorty Spivak als Möglichkeit, aus einer feministischen, subalternen Perspektive ideologische und institutionalisierte Formierungen und Formen des Schweigens zu adressieren und über das Reklamieren von bislang in der Repräsentation nicht vorgesehenen Räumen und den mit ihnen verbundenen Rechten determinierte und machtvolle, vorgezeichnete Strukturen zu entkoppeln. „The text is text-ile. To suture here is to weave, as in invisible mending.” Mit dem Bild der ,unsichtbaren Flickarbeit‘, dem Gewebe, sieht Spivak die Notwendigkeit, bislang nicht sichtbare Perspektiven und Stränge in die kulturelle und gesellschaftliche Textur einzuweben. Ariella Aïsha Azoulay wiederum versteht das Unlearning als notwendigen Prozess, sich von unhinterfragten, politischen und historischen Konstrukten zu entkoppeln. Die Filmemacherin und Theoretikerin Trinh T. Minh-ha beschreibt die beständige Bewegung zwischen sich als Schreibender und Lesender, die ebenfalls festgeschriebene Perspektiven aufbricht. In diesem Prozess, den sie auch als Gewebe verschiedener Fäden beschreibt, macht sie drei Bewegungen aus, die den Rhythmus ihrer Stimme (im Text, im Film) beschreiben. _________ How do we read? In which ways do we approach text and theory? How do we perceive our own and common reading? What does it mean to fail on texts, but also to work with texts by acknowledging language, time, repetition, parallel readings and to think with and against them? Within the seminar we read – partly together with guests – essays, texts from art, film and cultural theory, as well as philosophy who focus on Unlearning. This procedure opens up the possibility, as Gayatri Chakravorty Spivak emphasizes, to address ideological and institutional formations and forms of silence from a feminist, subaltern perspective. It therefore disengages predetermined and powerful structures by reclaiming spaces not yet represented and the related rights. “The text is text-ile. To suture here is to weave, as in invisible mending.” With this image of a fabric Spivak sees the necessity to weave in non-visible perspectives and strands into the cultural and social texture. Ariella Aïsha Azoulay understands Unlearning as a process to disentangle unquestioned political and historical constructions. The film maker and theorist Trinh T. Minh-ha describes the constant movement between herself as writer and reader which also break the fixed and established perspectives. Within this process which she also describes as a weaving of different threads, Trinh T. Min-ha identifies three movements creating the rhythm of her voice within text and film. Lektüre/ Readings: - Ariella Aïsha Azoulay, Potential History. Unlearning Imperialism, London/ New York 2019. - Walter Benjamin, Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, in: Gesammelte Schriften , Bd. 1.2, hg. v. Tiedemann/ Schweppenhäuser, Frankfurt a. M. 1974, S. 471–508. - Homi K. Bhabha, The Location of Culture, London/New York 1994. - Trinh T. Minh-ha, Woman, native, other, Bloomington 1989. - Trinh T. Minh-ha, Cinema-Interval, New York/London 1999. - Trinh T. Minh-ha, elsewhere, within here. Immigration, refugeeism and the boundary event, New York/London 2011. - Lilian Haberer, “Kuratieren als kollektives Angencement. Über das Verlernen und Entflechten in transmedialen Verlaufsformen“, in: Medienkomparatistik. Beiträge fü „Kuratieren als medienkomparatistische Methode“ , hg. v. Gotto/ Simonis/ Kandioler/ Biet 3 (2021), S. 143–163. - Julia Kristeva, The Kristeva Reader, ed. By Toril Moi, New York 1989. - Julia Kristeva, Revolt, She Said, New York 2002. - Maria do Mar Castro Varela, “Verlernen und die Strategie des unsichtbaren Ausbesserns“, in: Bildpunkt. Zeitschrift der IG Bildende Kunst ( Herbst 2007), S. 4–7. - Irit Rogoff, “Practicing Research. Singularising Knowledge”, in: MaHKUzine. Journal of Artistic Research 9 (Summer 2010), pp. 37–42. - Gayatri Chakravorty Spivak, Can the Subaltern Speak? Reflections on the History of an Idea, New York/Chichester 2010.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen der praktischen Kunst- und Kulturarbeit mit generativer KI. Hierfür werden keine Vorkenntnisse in Programmierung vorausgesetzt. Wir eignen uns gemeinsam grundlegende aber notwendige Konzepte der universellen Programmiersprache Python an, um experimentell die aktuellen KI-Tools zur Film-, Animations-, Bild-, Ton- und Texterzeugung in ihre einzelnen Komponenten zu zerlegen. Diese Herangehensweise hilft uns nicht nur dabei eigene Ästhetiken und Ausdrucksweisen mit KI-Tools zu entwickeln, sondern auch ihre Semantiken besser zu verstehen und sie ästhetisch-forschend hinterfragen zu lernen. Während wir jedoch eigene Ästhetiken im Umgang mit KI entwickeln, legt sich auch eine Verantwortung auf unsere Schultern, mit der wir gesellschaftlich gerade erst lernen umzugehen. So steht also nicht nur die praktisch-experimentelle Auslotung generativer KI im Zentrum des Seminars, sondern auch die gesellschaftlichen, sozialen, ökologischen und kulturellen Folgen unseres zunehmenden Einsatzes von KI in der Kunst- und Kulturarbeit: Mit jedem Prompt durch den man Texte von ChatGPT generieren lässt, könnte man auch sein Smartphone 60-mal aufladen. Die Trainings-Datensätze und KI-generierten Werke erweitern nicht nur, sie verletzen auch unsere Urheber- und Persönlichkeitsrechte. Diskriminierende Tendenzen, die generativen KI’s inhärent zu liegen scheinen, schreiben sich auch in die künstlerischen Werke mit ein. Dieselben Software-Pakete, die in unserem Kontext als Creative-Tools gelten, werden in der Ukraine und in Gaza derzeit aktiv zur Durchführung militärischer Operationspraxen eingesetzt. So verändert sich derzeit nicht nur unsere eigene Bild-Sprache durch KI, sondern auch unsere gesellschaftliche Rolle als Kulturarbeiter*innen in der Welt. ------------------------------ The seminar covers the basics of practical cultural work with generative AI, and participants are not required to have previous programming knowledge. By learning the universal programming language Python, we will experimentally explore practical aspects and break down current AI tools for film, animation, image, sound, and text generation into their individual components. This approach not only helps us develop our own aesthetics and ways of expression with AI tools but also better understand their semantics so that we can question them in an aesthetic—research-oriented way. However, as we learn to develop our own aesthetics in dealing with AI, a responsibility is placed on our shoulders that we are just learning to deal with as a society. The seminar therefore focuses not only on the practical-experimental exploration of generative AI, but also on the societal, social, ecological and cultural consequences of our increasing use of AI in art and cultural work: With every prompt for text generation by ChatGPT, you could also charge your smartphone 60 times. The training datasets and AI-generated artworks expand and violate our copyrights and personal rights. Discriminatory tendencies that seem to be inherent in generative AIs are also inscribed in artistic works. The same software packages that are considered creative tools in our context are actively used in Ukraine and Gaza to perform military operations. So it is not only our own visual/language that is currently being changed through the use of AI, but also our social role as cultural workers in the world.

‘urban stage/öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non Sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Pandemieabhängig sind derzeit Exkursionen und Kooperationen nur eingeschränkt planbar – wir werden das Programm den entsprechenden Möglichkeiten anpassen. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt mit dem Skulpturenmuseum in Marl, dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen – weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen wird kontinuierlich angeboten – u.a. auch mit Gästen (nach Ankündigung) Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Bitte anmelden bei Cătălina Bucos: <c.bucos@khm.de> Sprechstunde nur nach Vereinbarung: <kuball@khm.de> bzw. <mk2@mischakuball.com>

'urban stage/öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Pandemieabhängig sind derzeit Exkursionen und Kooperationen nur eingeschränkt planbar – wir werden das Programm den entsprechenden Möglichkeiten anpassen. Mit dem Archiv.Komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt mit dem IKOB in Eupen/Belgien – dort arbeiten wir mit Brenda Guesnet und Frank-Thorsten Moll an einer Umsetzung eines Projektes für den Winter 2021/22. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen wird kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/publicart

‘urban stage / öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt in Düsseldorf mit dem WELTKUNSTZIMMER und der Kuratorin Janine Blöss sowie dem Übergangsort des Skulpturemuseums, der Martin-Luther-King-Gesamtschule in Marl. Dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen. Weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen werden kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Studentische Hilfskraft: Cătălina Bucos 

‘urban stage / öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt in Düsseldorf mit dem WELTKUNSTZIMMER und der Kuratorin Janine Blöß sowie dem Übergangsort des Skulpturemuseums, der Martin-Luther-King-Gesamtschule in Marl. Dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen; mit WESTWERK, einer Künstler*innen-Initiative in Hamburg, planen wir ein performance-basiertes Format – weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen werden kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Studentische Hilfskraft: Cătălina Bucos