Nocturne 60: Klanglaborians – past & present

Freitag – 30. Januar 2015, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei


Tobias Beck, Tim Gorinski, Tobias Grewenig, Roman Hahlbrock, Volker Hennes, Andreas Oskar, Hirsch, Anthony Moore,
Matthias Muche, Martin Rumori, Dirk Specht, Sebastian Thewes, Franziska Windisch, Miki Yui.

Nocturne 59: David Toop & Elaine Mitchener – Radio Frequencies

Donnerstag – 04. Dezember 2014, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

“Radio Frequencies” is a performance by David Toop (electronics, flutes,
strings, devices) and Elaine Mitchener (voice). It grows out of the poetic,
ethereal and nostalgic mystery of radio, its profound interpenetration with
memory, the strange convention of disembodied voices in conversation and the
epiphanies that radio could create in the unprepared mind. (David Toop)

David Toop is a composer/musician, author and curator based in London. Since
1970 he has worked in many fields of sound art, listening practice and
music, including improvisation, sound installations and video works, field
recordings, pop music production, music for television, theatre and dance.
He has recorded Yanomami shamanism in Amazonas, appeared on Top of the Pops
with the Flying Lizards, exhibited sound installations in Tokyo, Beijing and
London’s National Gallery, and performed with artists ranging from John
Zorn, Evan Parker, Derek Bailey, Bob Cobbing and Ivor Cutler to Akio Suzuki,
Elaine Mitchener, Lore Lixenberg, Scanner and Max Eastley. He has published
five books, translated into 11 languages – Rap Attack, Ocean of Sound,
Exotica, Haunted Weather, and Sinister Resonance: The Mediumship of the
Listener – released nine solo albums, including New and Rediscovered Musical
Instruments (on Brian Eno’s Obscure label in 1975), Screen Ceremonies, Black
Chamber and Sound Body, and as a critic and theorist has written for many
publications, including The Wire, The Face, Leonardo Music Journal,
Pitchfork and Bookforum. Exhibitions he has curated include Sonic Boom at
the Hayward Gallery, London, Playing John Cage at Arnolfini, Bristol, and
Blow Up at Flat-Time House, London. He was also sound curator for Radical
Fashion at the Victoria & Albert Museum and curatorial consultant for the
currently touring Crafts Council exhibition Sound Matters. His opera –
Star-shaped Biscuit – was performed as an Aldeburgh Faster Than Sound
project in September 2012 and his collaborative work – Who will go mad with
me – was developed and performed with Alasdair Roberts, Sylvia Hallett and
Luke Fowler at Huddersfield Contemporary Music Festival in November 2013.
Currently writing Into the Maelstrom: Improvisation, Music and the Dream of
Freedom, he is also the co-creator of Sculpture events with artist Rie
Nakajima. He is Chair of Audio Culture and Improvisation at University of
the Arts London.

Elaine Mitchener is a vocalist noted for her unique mixture of styles
ranging from contemporary classical, gospel, jazz, free-improvisation and
contemporary dance. Associated musicians include Irvine Arditti, Steve
Beresford, Brodsky Quartet, John Butcher, Olly Coates, Attila Csihar, Dam
van Huynh, Max Eastley, John Edwards, Luc Ex, Bobby Few, Luca Francesconi,
Heiner Goebbels, Henry Grimes, Tony Hymas, Christian Marclay, Joanna
McGregor, Phil Minton, David Moss, Lauren Newton, Maggie Nichols, Evan
Parker, Alasdair Roberts, Mark Sanders, David Toop, Matthew Wright, and
Jason Yarde. Elaine has worked with producers Sound UK, Third Ear,
Muziektheater Transparant, festivals hcmf//, Meltdown (SBC), Spitalfields
Music, Sounds New, La Dynamo, Ars Musica, Operadagen, and presented work at
Weseburg MOMA, Hepworth (Wakefield) and Tate Britain, Hayward And Raven Row
(London) galleries.

Nocturne 58: No ONE will survive!

Nocturne 58: No ONE will survive!
Donnerstag – 09. Oktober 2014, 19:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei


Ali Chakav, Stephanie Glauber, Tim Gorinski, Miriam Gossing, Axel Pulgar, Qimeng Sun, Sebastian Thewes – sound works

Anthony Moore, Hans-Ulrich Reck – lectures

Mario de Vega, Joker Nies – sound performance concert

Therapeutische Hörgruppe Köln – audiovisual trance

Moving Sounds – radiophonic work (A.M.)

Haunted Sonorities – exploring modular electropsychosonics (open stage)


Mario de Vega und Joker Nies bewegen sich, gemeinsam mit Hans Tammen als Trio „Die Schrauber“, seit fast 10 Jahren in den extremeren Gefilden der improvisierten elektronischen Musik. Zum heutigen Anlass treffen sich Nies und de Vega, um ein musikalisches Ritual zu zelebrieren, das der Vertiefung in die tieferen Tiefen tieft. Glück Auf!

Mario de Vega (Mexico City, 1979) –

Through site-specific interventions, sculpture, documentation of ephemeral interventions, and publications, his work overlaps relations between failure, vulnerability and simulation. He has performed and exhibited his work across Europe, Mexico, North America, South Africa, India, Russia and Japan. He lives and works in Berlin and Mexico City.

Joker Nies (Dortmund, 1958) –

Joker Nies experimentiert seit Anfang der 80er Jahre mit allen Arten elektronischer Klangerzeuger für seine Live-Improvisationen. Über die Jahre entstand eine Anzahl modifizierter oder selbst entwickelter elektronischer Klangerzeuger, mit einer stark erweiterten Palette originärer Klänge.
Elektro-Sapiens Nies geht als Wellenleiter auch gerne unvorhersehbare Verbindungen ein, um als Widerstand in die Schaltungen seiner offenen Schaltkreise, Omnichords und mysteriösen Synthesizer einzugreifen.

Nocturne 57: Guigou Chenevier & Gilles Laval

Nocturne 57: Guigou Chenevier & Gilles Laval
Donnerstag – 03. Juli 2014, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Guigou Chenevier & Gilles Laval


Part I – Guigou Chenevier (Solo)

“Musique Miniscule”

“Toute l’histoire est partie du télescopage de plusieurs éléments plus ou
moins imaginaires. Tout d’abord, l’histoire du batteur Lester Young,
parfaitement authentique, devenu l’un des plus légendaires saxophonistes de
jazz, simplement parce qu’au départ, il ne supportait plus d’être le dernier
à plier ses instruments, pendant que les autres musiciens buvaient au bar.
Et puis il y a Swift et les Voyages de Gulliver, ainsi que le film “The
Incredible Shrinking Man”, l’histoire d’un homme qui rétrécit
inexorablement, pour finir prisonnier dans la jungle de la moquette du
salon. Et cette idée que l’infiniment petit finit forcément par rejoindre
l’infiniment grand. Il y a pour finir et en vrac, Duchamp, Tinguely, Harry
Partch, L’Art Brut, le théâtre d’appartement, les numéros de dresseurs de
puces, et l’exercice du solo. De ces éléments apparemment disparates sont
nées mon idée et mon envie de créer un spectacle solo de musiques
minuscules. Une forme “spectaculaire” imperceptible qui pourrait être jouée
n’importe où, dans le salon des Dupont ou dans l’antichambre de mon
kinésithérapeute, et dont le niveau sonore ne dépasserait en aucun cas celui
d’un téléviseur moyen, dans un salon moyen… Le niveau pourrait même être
beaucoup plus faible jusqu’à repousser les frontières de l’audible, car de
même qu’on voit les puces du dresseur, sans les voir, il est possible
d’entendre des sons inaudibles (GC).”

Part ll – Gilles Laval / Guigou Chenevier (Duo)

Whilst this work will be totally improvised, Gilles and Guigou are much used
to playing together (Le Miroir et le Marteau, l’Art Résiste au Temps,
improvised project Cyril Darmedru and Phil Minton amongst many others).

For this new experimental work, Guigou will play an amplified piece of
automobile windscreen using piezzo mics and various effects. He will be
playing percussions, toys, and different kinds of furniture.

Gilles will play guitar as usual, improvising with a lot of different
prepared set ups, electronics and unusual tunnings.

The work, albeit impossible to describe, will be a «première»!

Guigou Chenevier (F) : drums, percussions, composition

Guigou Chenevier played for 13 years in Etron Fou Leloublan (from 1973 to
1986), and for 17 years in Volapük (from 1993 to 2009). Besides that, he has
been active with the bands Les Batteries, Body Parts, Encore + Grande,
Barbarie Légère, Octavo, Buga Up etc…He had the opportunity to play (in
these bands or beside them) with Han Buhrs, Rick Brown, Nicolas Chatenoud,
Christiane Cohade, Pierre Coiffard, Tom Cora, Délices Dada, Richard Deutsch,
Nick Didkovsky, Stefano Fogher, Laurent Frick, Fred Frith, Takumi Fukushima,
Emmanuel Gilot, Fred Giuliani, Dominique Grimaud, Karine Hahn, Charles
Hayward, Mark Howell, Serge Innocent, Farid Khenfouf, Gilles Laval, Laurent
Luci, René Lussier, Lionel Malric, Michel Mandel, Albert et Claude Marcoeur,
Maguy Marin, Elio Martusciello, Phil Minton, Ted Milton, Ann Rupel, Guy
Sapin, Guillaume Saurel, Franck Testut, Claire Truche etc. Guigou Chenevier
appears on more than fifty albums (notably on 6 by Etron Fou Leloublan, 5 by
Volapük, 3 by Les Batteries and 4 solo albums). Since 1990, Guigou Chenevier
is the artistic leader of Inouï Productions. Nowadays he plays mostly with
Les Phasmes, Le Bal Inouï and Le Miroir et le Marteau and with the shows
Musiques Minuscules, Nanouk l’Esquimau, l’Art résiste au Temps, Résister à
la Chaine, and soon with Le Cabinet du Docteur Caligari, Le Contraire de Un
and with les Mutants Maha.

Gilles Laval (F): Guitarist, composer

Stemming from the hardcore scene of Lyon of the 1990s, and also from
electroacoustic music, Gilles Laval has evolved through various
collaborations and positive artistic re-evaluations. He has worked with many
artists from rock, music research, improvisation and contemporary music such
as Noel Akchoté, Jean Charles Francois, Fred Frith, Réné Lussier, Phil
Minton, Dave Gregory, Mark Dresser, Maguy Marin and Camel Zekri. At present,
he works on several projects from solo to big band (grande formation). His
most recent CD release is called “Gunkanjima” (a Japanese/French project).
He also teaches at The National School of Music, Villeurbanne. He has played
regularly with Guigou Chenevier for more than 10 years.

Nocturne 56: Cathy van Eck

Nocturne 56: Cathy van Eck

Donnerstag – 22. Mai 2014, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

in blik (2008)
Music Stands (2011)
Song no 3 (2010)
groene ruis (2007)
new piece (2014)

in blik (2008) for tin can towers and electronics.
In in blik there are no musicians on stage. Five tin can towers placed on tactile transducers produce the sound. Tactile transducers function as loudspeakers without membranes. They vibrate, depending on the electric current they receive, but, contrary to loudspeakers with membranes, they barely produce any sound. They transmit their vibrations directly to the tin cans placed upon them. The tin cans amplify these vibrations and make them audible. Depending on the way the tin cans are placed upon each other and the height of each tower, every tin can tower will amplify the vibrations through its own characteristics.

Music Stands (2011) for two music stands, two small loudspeakers, contact microphones and live electronics.
(no programme notes)

Song no 3 (2010) for one performer, loudspeaker, microphone and live electronics.
Song No 3 is a performance during which I use arm gestures, normally used by singers as a by-product of their singing performance, as a means to control electronic sound. Within traditional performance practice, a singer’s movements are incidental to the production of sound. They are related to making sound but not perceived as its main cause: a singer may be able to sing without any arm movements (although it will probably sound different), but definitely not without breathing and pushing the air through the vocal chords. To render my arm and head movements audible, I decided to use a loudspeaker in front of my mouth to diffuse the sound during the performance. I am not singing at all during the performance. All sounds are generated by the computer software and emitted through the loudspeaker. A large piece of white paper was glued onto the loudspeaker to obscure my face. To make the sound interact with the movements of my arm, I used a microphone, exactly as singers do. The distance between the microphone and loudspeaker can be manipulated to produce different sound shaping processes.

groene ruis (2007) for a small box tree, hairdryer and live electronics.
My project groene ruis, dutch for green noise, is a performance for a small tree, a hair dryer, live electronics and a performer. The performance takes the story of the greek nymph Daphne, who changed into a tree to escape the love of Apollo, as a departure point. It questions the different relationships between humans and their environment and the possibilities or impossibilities not to change their environment by their behaviour.

Cathy van Eck (*1979 – Belgium/Netherlands) is a composer and sound artist as well as a researcher in the arts. She is focusing on the relationship between technical objects and human performers.  Her artistic work includes compositions with live-electronics, as well as performances with sound objects, which she often designs herself. She is interested in bringing the movements of the performer into an unusual releationship with the sounding result, mainly by electronic means. She performs her works regularly on festivals and venues such as SPARK in Minneapolis, NYCEMF in New York, Klangwerkstatt in Berlin, Hapzura Digital Art in Israel, Avantgarde Schwaz in Austria, STEIM and November Music in the Netherlands and Spaziomusica in Italy. Since 2007 she has a teaching position at the department for music and media arts of the University of the Arts in Bern, Switzerland.

Nocturne 55: Max Eastley – Interior Landscape

Nocturne 55: Max Eastley

Donnerstag – 24. April 2014, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

The instrument that I play was originally an Aeolian monochord which I developed into an instrument and devised  techniques for playing it in many different musical contexts. It will feature in the concert along with some visual, spacial and sculptural improvisations.” (Max Eastley)

Max Eastley is an internationally recognized artist who combines kinetic sculpture and sound into a unique art form. His sculptures exist on the border between the natural environment and human intervention and use the driving forces of electricity, wind, water and ice. He has exhibited both interior and exterior works internationally. His work is represented in the permanent collection of the Centre for Art and Media, Karlsruhe, Germany.

Since 2003 he has been an artist with the Cape Farewell Climate Change Project ( for whom he has created a number of installations, compositions and performances.

He is currently an Arts and Humanities Research Council Senior Researcher at Oxford Brookes University, investigating Aeolian phenomena through artistic practice and historical research, and is currently one of the artists involved in a project, Audible Forces, touring festivals in the UK, using the wind as an energy source.

His latest exhibition was at the Water Tower (Wasserturm) in Prenzlauer Berg, Berlin: a cavernous, labyrinthine space in which he installed ten acoustic sculptures. On the roof of the building he erected 8 Aeolian harps and their live sound was projected into the interior of the building to mix with the acoustic sounds.

He is well known as a musician and has played solo concerts and with numerous other musicians such as David Toop, Evan Parker, Steve Beresford, Alex Kolkowski.

Max Eastley ist in diesem Jahr “Stadtklangkünstler Bonn 2014” und wird seine Installation im Rahmen des Festivals bonn hoeren 2014 am 14. Juni eröffnen.

Nocturne 54: Asmus Tietchens

Nocturne 54:
Asmus Tietchens – Tarpenbek
Zweifach gespiegelte Topophonie ohne field recordings

Donnerstag – 09. Januar 2014, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Zu dem audiovisuellen Projekt Tarpenbek
von Asmus Tietchens und Rolf Zander:

Es ist ein ungewöhnliches Objekt, das der Komponist Asmus Tietchens und der bildende Künstler Rolf Zander vorlegen – ein Zyklus aus zwölf Graphiken und ebenso vielen Musikstücken, verpackt in eine graue Kartonschachtel. Ein wenig ratlos wiegt man die spröde Erscheinung in den Händen, deren Titel prompt Rätsel aufgibt: Tarpenbek. Die Tarpenbek ist ein etwa zwanzig Kilometer langes Gewässer, das von Norderstedt kommend einige Außenbezirke Hamburgs durch- und teilweise auch unterquert, um schließlich in die Alster zu münden. Man muß sich ein bißchen mühen, um einen Blick auf das bescheidene Bächlein zu werfen, zu dem sie sich mitunter zusammenzieht; dann wiederum staut sich die Tarpenbek kurz vor der Alster zum Eppendorfer Mühlenteich auf. Wer an einem ihrer gut ausgebauten Uferstreifen entlanggeht, macht die Erfahrung, daß an unerwarteter Stelle ein Stück Idylle in der Hansestadt siedelt. Die Häuser scheinen zurückzuweichen, um überraschendem Grün Platz zu machen. Wege verschlängeln sich, Brücken werfen sanfte Bögen, Wasservögel gehen ihren Geschäften nach. Und dennoch werden die Spuren der Industrialisierung spätestens dann unübersehbar, wenn die Tarpenbek in den Untergrund gleitet, um dem Flughafen Platz zu machen.

Tarpenbek besteht als Projekt weder aus akustischen Bildern noch aus bildlich umgesetzter Musik. Den Anfang machte der Künstler und Kunsterzieher Rolf Zander, der von 1975 bis 1977 den Radierzyklus Tarpenbek – 12 Vertonungen erarbeitete. Dabei griff er auf den Begriff der »Vertonung« zurück, den er einem alten Seehandbuch entnommen hatte, und der eine »Kartographierung nach Augenschein« bezeichnet. Während der Kolonialzeit waren die Kapitäne der Handelsschiffe angehalten, Küstenstriche zeichnerisch aufzunehmen; hierzu gab es extra »Vertonungsblöcke« mit Millimeterpapier. Gezeichnet wurde nur das, was vom Schiff aus sichtbar war und nachfolgenden Seeleuten als Ansteuerungsmarke nützlich sein konnte, also im wesentlichen umrißhafte Konturen. Genau dies war der Ansatz, den Rolf Zander auf die Tarpenbek übertrug – wenn auch stets vom Ufer aus.

Gearbeitet wurde vor Ort und auf Zinkplatten, die bereits durch den ständigen Transport erste Gebrauchsspuren herauszubilden begannen. Sie wirkten rasch unfrisch und wie mit nicht entzifferbaren Zeichen überzogen. Zander akzeptierte dies nicht nur, sondern beschloß, nur die untere Seitenlinie der jeweiligen Platte zu bearbeiten, um die fragilen Texturen nicht zu beinträchtigen. Die Beschaffenheit des Materials rückte auf diese Weise in den Mittelpunkt – kompositorische Fragen werden nachrangig, wenn die Platten nur zum geringsten Teil Bearbeitung erfahren und die sich einstellende Angebrauchtheit Bestandteil des kreativen Prozesses ist. Eine zurückhaltende und im Einklang mit dem Drucker Henning Bergmann gefundene Farbpalette gewährt den Texturen ausreichenden Raum. Wolkenbildung, Wetterleuchten und Niederschlag mögen einem beim Betrachten in den Sinn kommen, oder leichthin ausgeführte Hieroglyphen. Auch die künstlerischen Zusätze sind von großer Luftigkeit. Halb fragmentarisch, halb skizzenhaft bilden sich Eindrücke vom Ufer der Tarpenbek heraus, die selber nie in den Fokus des Betrachters gerät. Zunächst Gräser und Sträucher, dann Häuser, Gehöfte und vielleicht auch Industriebrachen, die leer und verödet wirken. Eine erstaunliche Zerzaustheit liegt über den Landschaften, die dank langer Ätzzeiten scharf und prägnant hervortreten. Von einer Idylle kann hier keine Rede sein, eher schon drängt sich der Ausdruck »Menschenferne« auf – eine Befremdung, die man hinter den harmlosen Schrebergärten, Zäunen und Dächern am Ufer der Tarpenbek gar nicht erwartet haben mag. Rolf Zander führt zum Vorgang der Vertonung aus, daß sie ihren Platz zwischen der »entschiedenen Bestimmung des Anzutreffenden und der schwebenden Entwicklung des Noch-nicht-Erreichten« habe, weswegen diesem Prozeß stets etwas Ersonnenes und Erträumtes beiwohnen würde. Und in der Tat kommt bei der Folge Tarpenbek – 12 Vertonungen auch eine innere Landschaft zum Tragen, die ebenfalls mit feinem Gespür abgetastet und auf verborgene Bedeutungen befragt werden will. Realität, so scheint es, ist hier nicht nur das, was mit den eigenen Augen gesehen und mit den eigenen Ohren gehört werden kann.

Asmus Tietchens teilt diesen Ansatz. Auch er zeigte sich schon lange von der Tarpenbek fasziniert, deren Ufer er von vielen Begehungen her kennt. Im Jahr 2001 wurde ein erstes, rund fünfundsechzig Minuten dauerndes Stück erstellt, das dann aber wegen qualitativer Bedenken zurückgezogen wurde; tatsächlich hätte es als geschlossene Einheit zu dem Dutzend Arbeiten von Rolf Zander nur schlecht gepaßt. Zehn Jahre später erfolgte ein zweiter Versuch, zu dem Zanders Katalog Winterlager den Anstoß gab. Tietchens vermaß dort die Reproduktionen der Radierungen, addierte die Höhe mit der Breite und bestimmte die ermittelten Summen zu den Dauern seiner zwölf Stücke. Was dann entstand und als Gesamtheit schlicht den Titel Tarpenbek trägt, resultierte gleichermaßen auf Eindrücken, die bei Spaziergängen gesammelt wurden, und einer eingehenden Beschäftigung mit Zanders Blättern. Dabei hätte es nahegelegen, Originalgeräusche entweder in die Kompositionen einzubinden oder als Ausgangsmaterial für Bearbeitungen zu verwenden. Doch Tietchens, der der Omnipräsenz von »soundscapes« und »field recordings« skeptisch gegenübersteht, wählte einen anderen Ansatz. Seine Arbeiten sind rein elektronisch entstanden. Lediglich bei einem der Stücke wurde auf Material aus dem Umfeld der Hydrophonien zurückgegriffen, einer Werkserie, die sich mit den Möglichkeiten stark verfremdeter Wassergeräusche beschäftigt. Als Resultat ragt die Tarpenbek im Sinne einer naturalistischen Erscheinung genauso wenig ins akustische Bild wie auf den Radierungen von Rolf Zander; ihre Gegenwart aber bleibt stets wahrnehmbar.

Tatsächlich lassen sich die zwölf unbetitelten Stücke als Annäherungen begreifen. Ihr erstes Merkmal ist die geringe Ereignisdichte. Sparsam, fast karg arrangiert der Komponist sein Material, als wolle er vorschnelle Schlüsse vermeiden. Kein pathetischer Weltentwurf wird hier zelebriert, sondern eine behutsame Bestandsaufnahme vorgenommen, die mehr auf eine Darstellung von Mikrostrukturen als auf große Gesten setzt. Doch wie die Tarpenbek selbst kennt auch diese Musik Untiefen und überraschende Erweiterungen. Trotz steter Berücksichtigung klangökonomischer Aspekte finden die Stücke zu großer Dichte. Sie scheinen oft Strömungen oder fließende Bewegungen abzubilden, die nur gelegentlich von einzelnen Pulsen segmentiert werden. Betrachtet man die Radierungen Zanders, lassen sich Parallelen wahrnehmen, obwohl Tietchens die Blätter nicht im Sinne einer Partitur verwendet hat. Das Rauhe und bisweilen Schroffe der Bilder findet sich in der Musik ebenso wie die reduzierte Farbpalette und die Orientierung an abstrakte Raumkonzeptionen. Wirklichkeit im naturalistischen Sinn ist hier nicht einmal mehr als Zitat nachweisbar, obwohl rein technisch die Möglichkeit dazu bestünde. Statt dessen zeigt sich einmal mehr, daß die konsequente Umsetzung des subjektiven Blicks der Realität viel mehr zur Kenntlichkeit verhilft, als es deren plane Wiedergabe vermag.

Tarpenbek bringt als audiovisuelles Gesamtvorhaben zwei Perspektiven zur Deckung, die unterschiedlicher nicht sein könnten, sich aber fast von allein zu einer überraschenden Ganzheit fügen. Das Projekt ist das außergewöhnliche Dokument zweier Kreativer, die sich nicht nur auf Augen-, sondern auch auf Ohrenhöhe begegnen

Dr. Kai U. Jürgens
(Kiel 2012)

Nocturne 53: Christoph Heemann

Nocturne 53:
Christoph Heemann – perception and association

Donnerstag – 05. Dezember 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Christoph Heemann. Born in 1964 in Aachen, Germany, Heemann began his musical work in 1983 as a founding member of the group HIRSCHE NICHT AUFS SOFA (H.N.A.S.), who released several albums of their surreal collagemusic between 1985 and 1993, drawing inspiration from such diverse elements as musique concrete, avantgarde, krautrock and improvised music. After the group disbanded Heemann continued working solo and with the group MIMIR (with Edward Ka-spel and Jim O’Rourke), the drone projects MIRROR (with Andrew Chalk), and IN CAMERA (with Timo van Luyck).

Heemann’s solo compositions have often been described as “ear-movies”, in which he fuses field recordings, acoustic instruments, electronics, and electroacoustic sounds into audio narratives. Aside from this Heemann has done a series of musical collaborations (with Jim O’Rourke, Lee Ranaldo, Charlemagne Palestine, William Basinski) and works as a producer (Keiji Haino, Charlemagne Palestine, Limpe Fuchs, Current 93). He has run the Streamline label since 1994.

Nocturne 52: Phill Niblock & Katherine Liberovskaya

Nocturne 52:
Phill Niblock & Katherine Liberovskaya –
“vibrating soundstorm for a breezy veranda”

Donnerstag – 07. November 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

– a sound concert and live video mix for single-channel projection.
Katherine Liberovskaya (video)
Phill Niblock (sound)

In their work “vibrating soundstorm for a breezy veranda” Phill Niblock mixes live between audio pieces based on diverse field recordings which are very different from his music compositions. Katherine Liberovskaya mixes video with Jitter/Max/MSP from a vast personal database of clips shot over the past fifteen years.

Phill Niblock is an intermedia artist using music, film, photography, video and computers. He makes thick, loud drones of music, filled with microtones of instrumental timbres which generate many other tones in the performance space. Simultaneously, he presents films / videos which look at the movement of people working, or computer driven black and white abstract images floating through time. He was born in Indiana in 1933. Since the mid-60′s he has been making music and intermedia performances which have been shown at numerous venues around the world. Since 1985, he has been the director of the Experimental Intermedia Foundation in New York where he has been an artist/member since 1968. In 1993 was formed an Experimental Intermedia organization in Gent, Belgium – EI v.z.w. Gent – to support the artist-in-residence house and installations there.

2013 Working Title, a monograph on the avant-garde musician, filmmaker, and performer Phill Niblock. Written in both French and English, it provides an in-depth look at Niblock’s musical and cinematographic work, as well as historical background, philosophical insights, and technical advice. The book is accompanied by two double-sided DVDs of atypical videos: Remo Osaka, a continuation of The Movement of People Working series; Anecdotes from Childhood; and Katherine Liberovskaya’s 70 for 70 (+1), Seventy (one) Sides of Phill Niblock.     ////

Katherine Liberovskaya is a video/media artist based in Montreal, Canada and New York City. Involved in experimental video since the 80s, since 2001 her work mainly focuses on collaborations with composers/sound artists mainly in live video+sound performance. Among these:Phill Niblock, Al Margolis/If,Bwana, Keiko Uenishi (o.blaat), Zanana,Hitoshi Kojo, Tom Hamilton, David Watson, Anne Wellmer, David First, and many others. In addition to her art practice she has concurrently always been involved in the programming and organization of diverse media artevents, notably with Studio XX and Espace Vidéographe in Montreal, as well as Experimental Intermedia, NY (Screen Compositions 2005, 2006, 2007, 2008,2009, 2010) and the OptoSonic Tea series at Diapason in NYC.

Nocturne 52 in Kooperation mit
“Raumklänge: Phill Niblock zum Achtzigsten.
Ein Ausschnitt mit tiefem Einblick. Experimental Intermedia”;
Kulturabteilung der Stadt Pulheim; gerngesehen/Georg Dietzler;
Canada Council for the Arts.

Nocturne 51: Bruno Spoerri – CAJ

Nocturne 51:
Bruno Spoerri – CAJ (Computer Assisted Jazz)

Donnerstag – 17. Oktober 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Blackberry (ein Erinnerungsstück für Saxophon)
Talk with the Hands (mit dem Very Nervous System)
Feeeedback (mit Blech-Lautsprecher)
Sampler’s Revenge (eine Hommage an Christian Marclay, für Synthophone)
A Ball for Minimals (Minimal Music mit der Sensorkugel)
Song for David and David (für David Zicarelli und David Rokeby, Very Nervous System und Synthophone)
Airdrums (Theremin als Steuerinstrument)
Martin’s new trick (für Martin Hurni und sein Synthophone)
Rhythmicon (Manta-Controller)
Beatmachine (Manta-Controller)

Computer Assisted Jazz – ein kommentiertes Konzert

Improvisierte Musik, die Bewegung und Gesten in klingende Musik umsetzt, irgendwo im weiten Feld zwischen Jazz, Neuer Musik und Techno – und ohne Gewähr für Perfektion.

Man kann seinen Hintergrund nicht verleugnen: Ich bin aufgewachsen mit dem Jazz der Fünfzigerjahre, mit Bebop, Cool und Westcoast Jazz. Als ich vor fast fünfzig Jahren bei der elektronischen Musik landete, versuchte ich, die neuen Techniken mit der improvisatorischen Praxis des Jazz zu verbinden und empfand als Saxophonist die üblichen Tastaturen als einengend und unkreativ. Mein erstes elektronisches Instrument, die Ondes Martenot, die ich 1965 kaufte, hatte einige Features, die ich bei den späteren Synthesizern vermisste: einen druckempfindlichen Lautstärkeregler, eine frei bewegliche Tastatur für Vibrato und Ziehen der Töne, ein kontinuierliches Glissando über mehrere Oktaven, ein mit dem Knie bedienbares Klangfilter und Lautsprecher mit besonderen Nachklangeffekten. Wichtige Anregungen verdanke ich den Kursen von Jaap Spek, die ich 1965/66 in Köln besuchen konnte.

Auch wenn ich es immer wieder nicht vermeiden konnte, Tastaturen, Regler, Fusspedale oder neuerdings Touchscreens zu verwenden – viel lieber arbeitete ich mit anderen, vieldeutigeren und darum interessanteren Kommunikationsmethoden zu den Geräten.

Was man heute gern vergisst: die entscheidenden Grundideen der elektronischen Musik sind alt. Das erste mit Gesten spielbare elektronische Instrument der Geschichte, das Theremin (1919), wird heute noch gebaut; es ist aber nicht nur als Melodieinstrument spielbar, es kann auch verschiedenste Programme steuern. Die Methode, Lautsprecher auf Metallplatten anzubringen und damit verzerrte Klänge zu erzeugen, wurde vom französischen Erfinder Martenot in den Jahren um 1930 angewendet. Auch „Mikrophonie“ (1964) von Karlheinz Stockhausen arbeitet mit Mikrophonen, die Metallflächen abtasten. Elektronische Blasinstrumente wie das Lyricon (ab 1975 von Computone gebaut) und das Synthophone (Martin Hurni 1987) liegen mir als Saxophonist besonders nahe. Die „Hands“ von Michel Waisvisz (1984) sind das Vorbild der Sensorkugel mit Lage- und Bewegungssensoren, die ich neu einsetze. Die Sensorflächen des Manta (Snyderphonics, 2009) sind Don Buchla’s Thunder (1990) nachempfunden. Und das Videokamerasystem „Very Nervous System“, erfunden um 1990 vom kanadischen Künstler David Rokeby und heute in verschiedensten Formen nachgeahmt, begleitet mich seit über 20 Jahren in meinen Konzerten. Die Programmierung aller meiner Stücke seit 1990 geschieht in MAX/MSP. Man sieht: viele der heute in Computerspielen und Installationen aufgegriffenen Ideen bestehen seit Jahrzehnten.

Die meisten von mir verwendeten Geräte haben als Gemeinsamkeit, dass sie zum Improvisieren besonders geeignet sind. Und zwar gerade wegen ihrer Unzulänglichkeit: sie übersetzen meine Gesten nicht 1:1, wie dies eine Tastatur macht, sondern bringen eine Unsicherheitsspur mit sich. Das Reagieren auf Fehler, auf Unerwartetes, macht Improvisation erst interessant. Nicht der Computer ist das treibende Element in der interaktiven Computermusik, sondern die psychische Reaktion des Menschen – es geht darum, die nötige Spannung, Ueberwachheit beim Improvisator zu erzeugen, aus der dann die unerwarteten Ausbrüche aus der Routine entstehen.

Bruno Spoerri (*1935) ist Saxophonist, Komponist, Spezialist für elektronische Musik und interaktive Computermusik-Installationen.
Mitwirkung als Saxophonist, Komponist und Arrangeur in zahlreichen Jazzgruppen, dann ab 1965 Berufsmusiker. Musik zu Industriefilmen, zu Dokumentar- und Spielfilmen, vielen Werbespots, einem Musical, Hörspielen und Fernsehproduk­tionen.
1966 erste Filmmusiken und Improvisationskonzerte mit elektronischen Geräten und Instrumenten, ab 1970 privates elektronisches Studio mit Synthesizern, 1973 Filmpreis der Stadt Zürich, 1979 erster Preis der „Ars Electronica“ Linz.
Ab 1984 Beschäftigung mit interaktiver Computermusik, Konzerte in Europa, Indien, Afrika und den USA, u.a. mit Reto Weber, Christy Doran, Albert Mangelsdorff, Joel Vandroogenbroeck, sowie Auftritte mit George Gruntz, Joel Chadabe, Don Buchla und Robert Moog.
1985–2000 Mitgründer und Co-Direktor des Schweizerischen Zentrums für Computermusik, Lehrtätigkeit in den Konservatorien Biel und Zürich und an der Jazzschule Luzern.
Herausgeber und Hauptautor der Publikationen „Jazz in der Schweiz“ (2005) und „Musik aus dem Nichts: Geschichte der elektroakustischen Musik der Schweiz“ (2010) (beide Chronos-Verlag).
Aktuelle CD- und LP-Veröffentlichungen bei Finders Keepers Records (England), Sonorama (Deutschland), TCB Records und Inzec Records (Schweiz).

Nocturne 50: Miki Yui / Franziska Windisch

Nocturne 50:
Miki Yui – Small Sounds
Franziska Windisch – Charcoal Circles

Donnerstag – 04. Juli 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Miki Yui: small sounds – quadrophonic concert.
Assoziationen und Erinnerungen freisetzende Geräuschfragmente verwebt Miki Yui in ihren Kompositionen zu äußerst differenzierten Klangräumen.

Miki Yui stammt aus Tokio und lebt seit 1994 als Künstlerin und Komponistin in Düsseldorf. Nach einem Studium an der Tama Art University in Tokyo und an der Kunstakademie Düsseldorf machte sie 2002 ihr Diplom an der KHM.

Franziska Windisch: Charcoal Circles.
In Windischs Audio-Performance »charcoal circles« wird die Beziehungen zwischen (De)komposition, Sound und Bewegung anhand eines Holzkohlestückes skizziert. Die Kohle als Mikrofon, Zeichnungs- und Klangwerkzeug.

Franziska Windisch lebt und arbeitet in Köln und Brüssel. Sie machte 2010 ihr Diplom an der KHM. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit der Aufzeichnung von Bewegung in Raum und Zeit im Sinne von Formalisierung und Übertragung. Die unterschiedlichen Aspekte dieser Übersetzungspraktiken werden in Rauminstallationen, Konzerten und ortsbezogenen Performances erforscht.

Nocturne 49: Anna Lindal – Bach deconstructed

Nocturne 49: Anna Lindal – Bach deconstructed
Donnerstag – 06. Juni 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei


J. S. Bach: “E-major Partita”
Hans Otte: from “Stundenbuch”
John Cage: “Chorals”
Jo Kondo: “Three songs from the Elderberry Tree”
Christian Wolff: “Six melodies Variations”
Ann Rosén: “Kniestulpe”
Free Improvisations: inbetween, inside, around and throughout the whole programme.

Anna Lindal, violinist, studied in Sweden and Switzerland. Lived and performed in Switzerland and France for many years and is currently based as a free lance musician in Stockholm. She performs regularly as soloist, chamber musician, in experimental theatre and performance art, besides to playing in different groups for free improvisation. Anna Lindal performs a wide range of musical styles from Bach to Noise. She collaborates with a number of contemporary composers and has had many new compositions dedicated to her. Violin concertos were written specially for her by Anders Hillborg, Marie Samuelsson and Lars Sandberg.
Several recordings by Anna Lindahl are published on the swedish label “Content”, among others two solo records with works by John Cage and Christian Wolff together with related composers. She has also been performing instrumental Argentine Tango in the quintet Tango Libre for several years.

Nocturne 48: Judy Dunaway

Nocturne 48: Judy Dunaway – Balloon Music
Donnerstag – 18. April 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei


- Solokonzert
- Balloon Symphony No. 2

Judy Dunaway creates free improvisations and compositions on balloons as serious musical instruments. She has presented this work at many major festivals throughout the U.S. and Europe, including the Roy and Edna Disney Center (Los Angeles), Lincoln Center Out-of-Doors (New York), the Guelph Jazz Festival (Canada), and Podewil (Berlin). She has also performed works by John Zorn and Roscoe Mitchell, and has performed live improvisations on balloons with many outstanding musicians including Jennifer Walshe, John Hollenbeck, Yasunao Tone, and the FLUX Quartet. She has received grants/residencies from the Aaron Copland Fund, American Composers Forum, Zentrum fuer Kunst und Medientechnologie, STEIM, Harvestworks and others. She has released CDs of her balloon works on several labels including CRI (Composers Recordings Inc) and Innova.


Nocturne 47: Orm Finnendahl

Nocturne 47: Orm Finnendahl
Donnerstag – 24. Januar 2013, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei


- Wheel of Fortune
  für Midi-Piano, Video Projektion und Live-Elektronik
  Sebastian Berweck, Piano

- Koppelfeld
  Burkhard Beins, Perkussion
  Orm Finnendahl, Laptop

“Wheel of Fortune” ist der englische Titel einer Fernsehquizshow, die
sich in den 90er Jahren weltweit ausgesprochen großer Beliebtheit
erfreute und die in Deutschland unter dem Namen Glücksrad täglich
ausgestrahlt wurde. Die gleichnamige Komposition aus dem Jahr 1993 ist
eine Art Theaterstück, in dem die Gegenüberstellung einer sehr dichten
Toncollage aus Originalsendungen und dem Pianisten als fiktivem
Mitspieler und Beobachter den Ausgangspunkt für verschiedene
Reflexionen über das Verhältnis des Einzelnen zu einer von Technologie
geprägten Welt bildet. Die elektronische Maschinerie ist dabei in den
verschiedenen Teilen des Werkes sowohl Erweiterung und Wunschmaschine,
als auch totalitärer Zwangsapparat, der die Verheissungen der
Elektronik in ihr Gegenteil verkehrt.
Zusammenhängendes Moment der Quizsendung und all dieser Reflexionen
sind Wiederholungen und Kreisbewegungen auf vielen Strukturebenen, die
als Rituale und theologische Metapher gleichermaßen der scheinbaren
Rationalität der Technologie widersprechen und auf die existentielle
und zugleich beruhigende, wie aussichtslose Situation des Pianisten
Für die überarbeitete Version wurde die ursprüngliche Toncollage in
diesem Jahr nachträglich durch einen simultanen Videozusammenschnitt
von Ausschnitten aus damaligen Glücksradsendungen erweitert.

“Koppelfeld” existiert als Zusammenarbeit von Burkhard Beins and Orm
Finnendahl seit 2003. Eine breite Palette von live-gespielten
Schlagzeug- und Objektklängen werden aufgenommen und vom Computer
prozessiert und bilden -zeitversetzt abgepielt- einen integralen
Bestandteil des musikalischen Prozesses. Koppelfeld traten u.a. im ZKM
Karlsruhe und bei der Berliner MaerzMusik auf.

Orm Finnendahl studierte 1983-90 Komposition und Musikwissenschaft bei Frank Michael Beyer, Gösta Neuwirth und Carl Dahlhaus in Berlin. 1995-98 weiterführende Studien bei Helmut Lachenmann in Stuttgart. 1988/89 besuchte er das California Institute of the Arts in Los Angeles, 1991-95 war er künstlerischer Leiter der Kreuzberger Klangwerkstatt. Unterrichtstätigkeit u.a. am elektronischen Studio der TU Berlin und dem Institut für Neue Musik der HdK Berlin, deren Leiter er von 1996-2001 war. In den Jahren 2000-2004 Lehrtätigkeit am Institut für Computermusik und elektronische Medien (ICEM) der Folkwang-Hochschule in Essen. Verschiedene Stipendien und Preise, darunter Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart 1997, Busoni-Preis der Akademie der Künste Berlin 1999, Prix Ars Electronica Linz 2001 und CynetArt Award 2001 in Dresden. Sein Interesse an elektronischen Medien und der durch sie provozierte Versuch einer fortwährenden Neubestimmung des eigenen Selbstverständnisses führte zu Kompositionen, die technologische Hilfsmittel wie Computer, Zuspielbänder und Live-Elektronik einbeziehen. Seit 2000 verstärkte Zusammenarbeit mit Improvisationsmusikern, Tanzensembles und Medienkünstlern. 
CD Veröffentlichungen bei Wergo.

 Seit 2004 Professur für Komposition und Leitung des Studios für elektronische Musik und Akustik (selma) an der Musikhochschule Freiburg.

Burkhard Beins – percussion, objects and small electrics;
born 1964 in Lower Saxony, lives in Berlin since 1995. As a composer/performer, working in the non-academic fields of experimental music, he is known for his widely abstracted use of percussion instruments in combination with found objects and small electric devices. Since the late 1980′s he is performing at internationally renowned venues and festivals throughout Europe and overseas as diverse as the LMC Festival (London), SKIF (St. Petersburg), Donaueschinger Musiktage, Musique Action (Nancy), ZKM (Karlsruhe), Gaudeamus Festival (Amsterdam), Taktlos (CH), Computing Music (Cologne), MoMA (New York), or Maerzmusik (Berlin). He is a member of groups like Perlonex, Activity Center, Polwechsel, Trio Sowari, Phosphor, BBB and The Sealed Knot, and also works with Keith Rowe, Sven-Åke Johansson, Phil Minton, Orm Finnendahl, John Tilbury, Charlemagne Palestine and many others. Meanwhile he has released more than 30 CDs and LPs on labels like 2:13 Music, Zarek, Erstwhile, Hat Hut, Potlatch, Absinth or Confront. His first Solo-CD “Disco Prova” has been released in 2007 and combines field recordings and percussion material with digital multitracking.

Sebastian Berweck ist einer der profiliertesten Pianisten für experimentelle zeitgenössische Musik. Er hat weit über 100 Stücke uraufgeführt, von denen knapp zwei Dutzend ihm gewidmet sind. Er spielt oft Stücke, die einen großen Körpereinsatz erfordern, Elektronik einsetzen oder die kein anderer spielen will.
Er ist Mitglied von und schreibt an seiner Dissertation über die Schwierigkeiten der Produktion von Konzerten mit Live-Elektronik.

Nocturne 46: Michel Doneda

Nocturne 46
Donnerstag – 29. November 2012, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Michel Doneda

Sopranino- und Sopransaxophon, Radio.

Michel Doneda, 1954 im Südwesten Frankreichs geboren, ist einer der profiliertesten improvisierenden Musiker Frankreichs und hat auf seinem Instrument, dem Sopransaxophon eine einzigartige musikalische Sprache entwickelt. 1978 Gründung des Saxophontrios “Hic et Nunc”, zur gleichen Zeit Gründung des “IREA” (institut de recherches et d’échanges artistiques) in Kollaboration mit Tänzern, Dichtern, Schauspielern und Musikern. 
In den 80er Jahren ist er an zahlreichen Improvisationsprojekten beteiligt, die Entwicklung seines Saxophonspiels wird dabei maßgeblich von den Begegnungen mit improvisierenden Künstlern aller Bereiche geprägt. Er trifft unter anderem auf Fred Van Hove, Phil Wachsmann, Max Eastley, John Zorn, Eliott Sharp und Elvin Jones.
 1985 nimmt er seinen ersten Tonträger “Terra” auf und trifft in diesem Zeitraum auf Musiker und Künstler wie Barre Philipps, Benat Achiary, Ninh Lê Quan, Martine Altenburger, Ly Thanh Tien, Michel Mathieu, Michel Raji, Daunik Lazro, Serge Pey und Ana Ban, die ihn bis heute auf seiner musikalischen Laufbahn begleiten. Seit den 90er Jahren umfangreiche Konzerttourneen u.a. mit Keith Rowe, Tetsu Saitoh, Kazue Sawai, Gunter Muller, Fabrice Charles, Gérard Fabbiani, Bhob Rainey und den Tänzern Masaki Iwana, Valérie Metivier und Yukiko Nakamura, Einladungen zu Begegnungen mit improvisierenden Künstlern in Europa und aus aller Welt, Konzertreisen nach Japan, Afrika, Russland, Südamerika, USA und Kanada.
 Michel Doneda hat in seiner bisherigen Laufbahn über 50 Alben auf europäischen, japanischen und amerikanischen Labels veröffentlicht.

“Michel Doneda ist ein Virtuose des unmittelbaren Spiels mit der Physikalität des Saxophons;
das Blasinstrument als Generator von Geräuschen und Tönen, der farbenreiche Einsatz von Luftgeräuschen, Obertönen, perkussiven Anblastechniken oder Zirkularatmung, die Gratwanderung zwischen Unhörbarem und Unspielbarem verschmilzt zu einem organischen Klang, der pulsiert, sich zu einem Geflecht aufbaut, im nächsten Moment in einer Schwebung erstarrt, um dann in ein energiegeladenes Crescendo zu münden.
 Der intuitive Umgang mit Dichte und Dynamik kombiniert mit dem bewußten Einsatz von Stille und Dauer resultiert in einer lebhaften, erfrischenden Musik, die den Zuhörer im erweiterten Sinne “berauschen” wird.”

Nocturne 45: Bruce Gilbert, Mike Harding, Achim Mohné

Nocturne 45
Donnerstag – 01. November 2012, 20:00 h
Aula der Kunsthochschule für Medien
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Bruce Gilbert, Mike Harding, Achim Mohné

• Mike Harding presents “30 Years of Touch”
• Bruce Gilbert
• Achim Mohné
• Reprise: an improvised collaboration between Bruce Gilbert & Achim Mohné

Bruce Gilbert, whose career stretches back to the late 1960’s British avant garde art & music scenes; he has since played an important and influential role with his involvement in various rock based formations, including Wire, and has also worked for choreographic projects and art installations.

Mike Harding works as curator & producer; occasional exhibitions/installations/performances; Lecturer & Publisher; Author & Editor. 1982-2012+ runs the audio-visual label Touch, with Jon Wozencroft.

Achim Mohné studied at the Academy of Media Arts in Cologne, and started working with record players and other “sound-media-apparatus” in the mid ’90′s. He experiments with the space and time intervals of sound-media and is especially interested in the “music that lies hidden in the medium itself”. He subjects the support material to a forensic autopsy, for example, by analysing the dust particles inside an ending vinyl groove. Achim composes records (but one will not hear any reproduced music) to a music that comes out of the medium. Using a triple vinyl deck set-up, his analytic auditory observations of ending grooves – all grooves sound different, depending on how dust has effected and transformed the soft surface of the vinyl – convert tiny dust particles into a “sound sculpture”.

Mittwoch: 31. Oktober 2012, 18 Uhr; Klanglabor, Filzengraben 8-10.
Seminargäste im Soundarchaeology-Seminar: Bruce Gilbert, Mike Harding und Achim Mohné.
Conversation between Mike Harding and Bruce Gilbert about his solo work and collaborations, later joined by Achim Mohné

Nocturne 44: Peter Cusack

Nocturne 44: Peter Cusack

Sounds from Dangerous Places

Dienstag(!), 26. Juni 2012, 20:00 Uhr
Aula der Kunsthochschule für Medien Köln
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Sounds from Dangerous Places asks  “What can we learn of dangerous places by listening to their sounds?”

Recent travels have brought me into contact with some difficult and potentially dangerous places. Most are areas of major environmental/ecological damage, but others are nuclear sites or the edges of military zones. The danger is not necessarily to a short-term visitor, but to the people of the area who have no option to leave or through the location’s role in geopolitical power structures. Dangerous places can be both sonically and visually compelling, even beautiful and atmospheric. There is, often, an extreme dichotomy between an aesthetic response and knowledge of the ‘danger’, whether it is pollution, social injustice, military or geopolitical. Places visited include the Chernobyl Exclusion Zone, the Caspian Oil Fields, Azerbaijan and various nuclear or military sites in the UK. Field recordings, photographs, conversations, scientific and other information were collected at the sites.

Sounds from Dangerous Places and other recent projects explore the practice of sonic–journalism – the audio equivalent of photo–journalism. Sonic journalism is based on the idea that valuable information about places and events is revealed through their sounds and that careful listening will give insights different from, but complimentary to, visual images and language. The concert will include recordings and photographs from Chernobyl, the Caspian oil fields and shipping in the River Thames estuary.

Peter Cusack works as a field recordist and sound artist with a special interest in acoustic ecology. Projects range from community arts to research into the role that sound plays in our sense of place. He intiated the “Favourite Sounds Project” that aims to discover what people find positive about their everyday sound environment. His project ‘Sounds From Dangerous Places’ examines the soundscapes of sites of major environmental damage.
He produced ‘Vermilion Sounds’ – the environmental sound program – for ResonanceFM Radio, London, lectures on ‘Sound Arts & Design’ at the London College of Communication and was recently a Research Fellow on the multidisciplinary multi-university ‘Positive Soundscapes Project’. CDs include ‘Your Favourite London Sounds’ (Resonance), ‘Baikal Ice’ (ReR), ’Favourite Sounds of Beijing’ (Subjam).

Nocturne 43: Peter Blegvad – DOPPLEGANGERS?

Nocturne 43: Peter Blegvad

“On echoes, shadows, avatars and other singular doubles”

Donnerstag, 24. Mai 2012, 20:00 Uhr
Aula der Kunsthochschule für Medien Köln
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Nocturne 43 presents Peter Blegvad in an evening devoted
to DUPLICITY of various kinds.

‘In everyone is a spectator and an actor, one who speaks
and one who answers.’ (Aurélia, Gerard de Nerval)

‘Zwei Seelen wohnen, ach! in meiner Brust, Die eine will
sich von der andern trennen’ (Goethe I, ii, 305-306)

Peter Blegvad: Writer, graphic artist, songwriter,
broadcaster. Born in New York, lives in London.

He has been writing and recording music since the mid
70s with Slapp Happy, Faust, Henry Cow, The Golden
Palominos, John Zorn, Andy Partridge and others.

His weekly strip, Leviathan, ran in the Independent on
Sunday from 1991-’98 and The Book of Leviathan was
published by Sort of Books in 2000. A Mandarin
translation was published by the China Times Publishing
Company in 2010.

He has supplied BBC Radio 3 with many dozens of
‘eartoons’ since 2002, winning a Sony award in 2003.

In 2000 he was Awarded the Ordre de la Grande Gidouille
by the Collège de Pataphysique, Paris. In 2011 he was
elected president of the London Institute of ’Pataphysics.

He is Honorary Teaching Fellow on the creative writing
course at the University of Warwick, and has lectured on
such subjects as Milk, Numinous Objects, Prisoner’s
Cinema (mental images), and the Impossible Book on both
sides of the Atlantic. As leader of the creative writing
course for Warwick’s International Gateway for Gifted
Youth (IGGY) he has worked with students and writers in
Singapore and Botswana as well as the UK.

He co-hosts the Amateur Enterprises website
( with Simon Lucas.

Nocturne 42: Tom Johnson und John McAlpine

Nocturne 42: Tom Johnson und John McAlpine

Spaces (1969)
Counting Languages (1982)
Counting Keys (1982)
– – –
Twelve (2008)
Block Design (2005)
Counting Duets (1982)

Mittwoch, 18. April 2012, 20:00 Uhr
Aula der Kunsthochschule für Medien Köln
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

Tom Johnson (* 1939 in Colorado, USA), dessen musikalische Werke häufig dem Minimalismus zuzurechnen sind, erarbeitet seine Kompositionen bevorzugt mittels mathematischer Formeln und Systeme oder strukturiert diese auf Grundlage logischer Prozesse, die bei der Übertragung auf die Musik konsequent angewendet werden. Das Material solcher konzeptuellen Kompositionen besteht beispielsweise in einem stark begrenzten Tonvorrat (“four note opera”, “orgelpark color chart” ) oder bildet ausschließlich einfache und vorhersehbare Formen (“chord catalogue” – alle 8178 in einer Oktave möglichen Akkorde). Neben diesen klar defininierten, eher strengen Konzeptstücken veröffentlichte er jedoch auch eine Sammlung graphischer Partituren (“imaginary music”), welche vielmehr eine spielerische und auch ironisch distanzierte Perspektive auf die Werke beinhaltet. Tom Johnson ist zudem Autor weiterer Bühnenwerke wie Opern, eines Oratoriums über Bonhoeffer, von Hörspielen und Hörstücken sowie von musiktheoretischen und musikjournalistischen Texten (“self similar melodies”, “the voice of new music”).
2001 erhielt Tom Johnsons Komposition “Kientzy Loops” in Frankreich die Auszeichnung als bestes neues Stück in jenem Jahr (Victoires de la musique).

Tom Johnson wird gemeinsam mit dem Pianisten John McAlpine Duo- und Solostücke für Klavier und Stimme präsentieren.

John McAlpine (* 1947 in Rawene, Neuseeland) studierte Naturwissenschaften an der Universität von Canterbury, und Musik an der Victoria Universität Wellington. 1973 siedelte er nach Deutschland über und studierte Klavier bei Aloys Kontarsky und Wilhelm Hecker an der Musikhochschule Köln. Seitdem arbeitet er als Pianist und Pädagoge. Als Solist und als Ensemblemitglied hat er in Neuseeland, USA und zahlreichen Europäischen Ländern konzertiert. Außerdem war er an Rundfunkproduktionen und Schallplattenaufnahmen mit zeitgenössischer Musik beteiligt. John McAlpine ist auf LP’s und CD’s mit Werken von Walter Zimmermann, Chris Newman, Maria De Alvear, Jürg Frey, Makiko Nishikaze und Tom Johnson zu hören. Seine CD von John Cage’s „Four Walls“ bei Largo Records war auf der Top-Klassik-Liste 1995 der NMZ-Schallplatten-Kritiker. Zu den Komponisten, die ihm Werke gewidmet haben, gehören Chris Newman, Howard Skempton, Albrecht Zummach, Michael Pisaro, Tom Johnson, Makiko Nishikaze und Clarence Barlow. Seit 2005 ist John McAlpine künstlerischer Leiter des “Projektensemble 05″, das auf Neue Musik mit der Beteiligung von Laien spezialisiert ist. Neben seiner Arbeit als Interpret tritt er gelegentlich als Komponist in Erscheinung.

Nocturne 41: Trevor Wishart

Nocturne 41: Trevor Wishart

American Tryptich (electro acoustic)
Vocalise (live vocal)
Globalalia (electro acoustic)

Donnerstag, 26. Januar 2012, 20:00 Uhr
Aula der Kunsthochschule für Medien Köln
Filzengraben 2
Köln Altstadt
Nähe Heumarkt
Eintritt frei

American Tryptich (1999)

The twentieth century was dominated by the American Dream … liberty, technological progress and the pursuit of happiness, and represented here by the voices of Martin Luther King, the astronaut and moon-walker Neil Armstrong, and Elvis Presley.
The fall of the Berlin wall seemed to herald the final triumph of this dream, and signalled to some, in the words of Francis Fukuyama, the “End of History”. As we move into the new millennium, how permanent or ephemeral will this dream prove to be?
American Triptych
recreates and transforms these iconic voices. Alongside more conventional techniques, the piece plays with the poor quality of radio reception from space, using the ‘crackly’ noise background as source material, and sometimes processing the voices to reduce their comprehensilbility.
The piece was commissioned by the French Government for the Groupe de Recherches Musicales (GRM) and first performed in January, 2008, as part of the Cycle Acousmatique concert series, in the Salle Olivier Messiaen at Radio France in Paris.


Trevor Wishart explores the possibibililipbilitibilties of the huuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuma%*!N  voice!!!!!!!!

Globalalia (2004)

The universal dance of human speech as revealed in twenty tales from everywhere, spoken in tongues.
In memorian, Scheherezade, died in suspicious circumstances, Abu Ghraib, 2004.
Globalalia was commissioned by Folkmar Hein, for his 60th birthday, and premiered at Inventionen 2004, Berlin.
The piece was composed using the Composers Desktop Project software between June 2003 and June 2004, in York and in Berlin, where the composer was Edgard Varese Visiting Professor of Music at the Technical University, a residency supported by the DAAD.
Special thanks are due to Natasha Barrett, Andrew Bentley, Warren Burt, Jane Kasam, Patrick Kosk and Kouhei who all responded to my request to collect speaking voices from the airwaves. As a result, 26 different human languages are represented in this piece. All the sounds used are syllables edited from human speech and selected from an initial database of over 8300 examples. Initial research for this piece was made possible through an AHRB Creative Arts Fellowship.

    • Soundarchaeology XI – Ear Candy Conundrum

      Anthony Moore & Dirk Specht Theorieseminar Grundstudium Filzengraben 8-10, Klanglabor, Mittwochs 17.00 h erster Termin:  15.Oktober 2014 Sound Archaeology XI – Ear Candy Conundrum “Antenna Crystal Earth” – with no apparent power source and a simple headphone earpiece, AM radio can be heard. The history of electromagnetic phenomena and the invention of radio will continue [...]

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    • Nocturne 60: Klanglaborians – past & present

      Freitag – 30. Januar 2015, 20:00 h Aula der Kunsthochschule für Medien Filzengraben 2 Köln Altstadt Nähe Heumarkt Eintritt frei FAREWELL TO ANTHONY MOORE! Mitwirkende: Tobias Beck, Tim Gorinski, Tobias Grewenig, Roman Hahlbrock, Volker Hennes, Andreas Oskar, Hirsch, Anthony Moore, Matthias Muche, Martin Rumori, Dirk Specht, Sebastian Thewes, Franziska Windisch, Miki Yui.

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